美术研究论文范文

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目前的美术理论和美术原理都是以这个理论体系为基础建立的，同时这样的体系的形成也是结合了模仿文学、美学等许多人文学科的精华共同创造的结果。本文以著名学府中央美术学院为实例，详细描述了美术体系的改革现状，中央美术学院最早建于上个世纪五十年代，当时代表了中国最早一期的美术体系，在后来八九十年代的几次改革后改名叫做美术学系，该学院主要研究中外美术历史，在变革幅度较大的九十年代也并未发生较大变化，然而目前在影视美术的强烈冲击下，该院校的美术理论教育已经发生根本性变革，美术史系仅仅作为刚刚设立的人文学院的一个系别，除了开设美术史这个专业外，还设有艺术市场、艺术产业、展览策划等一系列新型的专业，且这些专业每年招到的新生人数大大超过了传统的美术专业的学生人数，这无疑证明出影视美术的发展对传统美术的巨大影响。

2影视美术学术改革的背景

美术的学术背景同时也包括其内在的知识体系，在历史的发展过程中发生着一次又一次重大的蜕变，每一次的改变都可以说是根本性的变革。最主要的过程就是从狭义的“两史一论”最终发展成为当今符合美术产业发展以及当前研究背景的广义上的美术理论。对于新时期的美术研究者而言，他们不仅需要具备美术领域的技巧，同时也要兼顾到经济学、管理学、心理学等等学科，这些复杂的学科相互交织，对美术的发展具有积极的促进作用，这是时展和社会需求所产生的必然结果。在众多学科相互影响、相互促进的作用下，影视美术应运而生，同时设计艺术、文化创意等几大产业也随之兴起，这显然对于传统美术理论来说是强有力的冲击，新的理论体系对许多原有的理论开始相悖，新旧理论的交汇使得美术理论变得混乱。美术产业所面临的改革浪潮，驱使其必须在外延作出相应的拓展，必须要从传统理论快速过度到新的美术理论体系上去。

在之前提到的美术批评理论中，它是美术领域里的一个重要组成部分美术批评相对于传统的两史一论的美术体系而言，对美术实践的认识显得更加积极主动，建立起美术批评的目的在于它可以对一定范围内的美术产业方面的问题作出合理的解释，但是其又无法对美术产业做出整体上的指导。它的产生是由文学批评和美术批评二者结合的产物，在很大程度上受到了传统人文科学的影响。当今社会，对于美术理论的研究不再是对已经存在的美术理论做出解释，更重要的是对未来美术的发展趋势做出前瞻性的预测，让新的形势引领美术理论的发展。美术理论研究并未对其具体任务做出明确答复，所以，美术理论的发展趋势和知识框架应尽快有单一的美术向其他社会学科转变，不能满足于过去美术艺术在整个社会呈现出的一枝独秀的旧形式，为新的思维和视野的打开提供方向。美术学院是最早的美术理论的发源地，各大高校有些就为此做出了鲜明的表率作用，但现如今社会上一些原本源于美术产业的其他新兴产业迅猛发展，尤其是影视美术行业，这样使得美术的理论知识体系难以继续维持，这是由于各大高校的文化背景仅限于单一的学科知识，而美术领域的快速转型需要美术、创意、影视等各大产业综合起来作为背景。这种新形势的学科不仅仅指传统学科，更深层次的是指经济学、管理学等当今较为先进的自然科学。

3社会科学的融入对影视美术以及美术研究的挑战

3．1社会科学融入带来的挑战

要做到将传统的美术理论与当代的先进的人文科学充分的结合，以后在对美术进行研究时就要放宽视角，不单单的仅在美术的领域内发展，而是要在整个社会所包含的各种综合信息的范围内，对美术理论做彻底的研究。例如：将心理学或者管理学方面的专家与美术方面的大师进行学术上的细致交流，实现理论上的进步与飞跃。这样的例子也可以在影视美术上看到，影视美术的研究领域较为宽泛，从而建立起一整套完整的大美术体系。现如今，影视美术逐渐从美术领域独立出来，并在飞速的发展，渐渐地开始成为一种具有独立性的学科。影视美术的发展对于旧的美术理论研究产生了与之相悖的一些概念，这是一种挑战，也是一种冲击。当今的美术专业的大学生在写毕业论时都要求写出对美术理论的研究方法，然而在过去的学术论文中却从不涉及所谓的研究方法。但是另外的一些问题出现了，关于美术的研究方法为什么要作为毕业论文中的必须阐述的话题，以及研究方法到底是什么?这些问题一直困扰着众多美术理论的研究者。对于某些高校开设的关于研究方法类的课程，例如：图像学、现象学等等，但是我们知道方法论与研究方法并不是一个概念，方法论是哲学上提出的概念，是人文科学的主要表现，而并没有对如何研究美术做出解释。所以，当整个大学课程结束时学生仍旧并不理解怎样将社会学科的知识与美术理论相结合。

3．2影视美术与美术探究方法

对于美术研究的挑战研究方法可以从影视美术的角度去思考和借鉴。一般情况下，人们将影视学划分为传播学的范畴，所以，影视学方面的研究者通常进行过严格实践训练，对于实证研究显然掌握的很好。在影视界，关于社会学科的研究、统计学类等知识都早已成为训练人的研究方法的必备课程。在社会学科的学习中，包括经济学、传播学以及社会学等都是大学学生的基础课程。这样做的理由主要是要对社会科学的研究做好定量和定性的研究方向，以及对实践研究与理论研究加以区分。如果要写的论文只涉及社会文学，并不是有着严格规定需要写出实证所用研究方法，这对于美术方面的学者而言，需要进行大量的数据分析，SPSS成为帮助学者进行数据分析的主要工具，对于传统方式形成了不小的挑战。另外，影视美术方面的相关研究方式也受到了不同程度的挑战，我国各有关职能部门以及一些电影发行机构对其进行了很详细精确地统计，因此，在美术方面不依据权威数据，空谈文化艺术的现象是不存在的。传统的美术形式已不再适应当今社会发展的需求，新形势下的美术即影视美术是对其的补充和发展，而不是完全的取而代之。在整个美术的理论体系中，起到最为基础和关键作用的是经济学等相关社会学科，影视美术的发展是传统美术与这些社会学科的完美结合，必然对传统的美术产生冲击和挑战，但是，传统的美术艺术并不是一无是处的，想要摆脱这种落后的问题，就需要学者们对美术的理论体系进行深度的探索和研究，真正的保持原有的美术理论的艺术气息。

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一般来说，对灯光来说，人物的外在形象主要有以下几点：

1.服装、化装

灯光对服装和化装的再现最常规的作用便是用白光、浅色光来显现人物，再造形象(化妆)。呈现人物的服装(服装的颜色、材质、结构、组成等)。

此外，灯光的着色作用在这一方面也表现得尤为突出。不同颜色、质地的服装在不同的灯光的照射下会呈现出不同的状态。有时是有助于表现服装、化装的，考虑得不周到却会适得其反。

灯光对服装、化装的表现既要忠于服装化妆本身的设计，又应当融入整个场景。从整体的美感上去考虑，使他们在灯光的帮助下和整个戏剧更紧密地结合起来。

2.形体

服装、化装既是利用灯光的造型作用表现人物的特定形体。在这种情况下，设计师往往偏重于用一些会产生特殊效果的灯光，运用一些较特殊的灯位、颜色、强弱对对象进行塑造。

在一般的戏剧演出中，导演常常会根据剧情的需要，安排一些特定的形体动作，表现一种特定的意境。这往往是灯光可以大展拳脚的地方，这时灯光应当恰如其分地协助演员来表达出这样份情感，使演员的形体表演更加丰富，表达更加清晰。

3.特征

这个世界上没有两片完全相同的叶子，也就更没有两个相同的人了。灯光在表现人物的特征方面是有其象征意义的。拿颜色来说：红色描绘人物的赤胆忠心，蓝色象征智勇刚毅和强悍，白色表示生性奸诈狠毒，而黄色则意味着残暴。当然，这些象征意义不是绝对的，在不同的文化环境，不同的时代所象征的含义也会截然不同。这就要求灯光设计从剧本出发，对人物的特征进行刻画。二、内心情感

由于戏剧艺术的特定表演形式，一般来说，演员和观众之间是保留比较远的距离。和电影、电视相比，由于距离的存在，演员的很多细腻的内心情感的表现往往不能被观众所察觉，这样一来，也使得观众在很多情况下对整部作品的体味大大打了折扣。在这种局限性下，灯光毫无疑问地充当了将演员的内心、情感外化，进行有效的放大、传递给观众，增强感染力，加大震撼力。

灯光对人物内心、情感的刻画从总体上来说可以分为动的和静的两种。利用静态的灯光场景表现人物的情感状态，有的时候，半寸的光或阴影，就足以表现一个人物的心情；利用动态的灯光变化来表现人物情绪的变化、起伏，这个时候，灯光的表现对人物的表演往往起到推波助澜的作用。当然，灯光设计不应过分夸大这一功能，否则会适得其反。

三、命运

一般来说，一个戏的剧情的发展都是和剧中人物命运的发展变化密切联系在一起的，而灯光设计所要做的是通过灯光场景或灯光变化来表现人物命运的动态或状态。

人物的命运往往主导了整部戏的发展，而演员对命运的把握和表现都是通过台词、动作来体现，这往往显得单薄。这时就需加入一些其他的因素来强化他。

和表现人物的内心、情感一样，灯光对人物命运的体现也可以分为动态和静态两种。静的暗示人物的命运和生活状态；动的表现人物命运的变化起伏。

无论是从客观上的可能或是主观上的需要来说，剧本中的人物，物体往往不可能统统出现在舞台上，而灯光对表现这种东西则能起到很重要的作用。

灯光的这种指代，有时是具体的，有时是抽象的。所谓的具体是指在剧本中存在的角色，即取代；而抽象的指代则是一种隐喻，代表了想象中的人物，甚至是一种精神上的东西。

以上的几个作用并不是孤立的。灯光在发挥其中的一个作用对演员产生影响的同时，毫不影响其他作用的发挥。同时，不管是哪一种作用，都必须与演员的表演节奏相一致，与剧情气氛相统一。倘若它游离于剧情之外，那只能陷入无源之水、无本之木的形式主义。在这一点上，从灯光的角度来说，演员就是我们灯光的生命。

不能否认的是，在光对演员发挥作用的同时，演员也在对光起着发作用。我们不能片面地夸大灯光的作用，而忽略演员对灯光的反作用。客观地说，在戏剧舞台上，脱离了演员的灯光，完全不能称作是灯光艺术。

对于一个有经验的演员来说，他对舞台上灯光的变化是非常敏感的，不合时宜的变化会破坏他的激情和感觉，阻碍他的表演。

限制性是舞台空间的基本特点，舞台的表演空间是有限的，而艺术表现和反映的生活范围是无限的。舞台美术就是要在有限的舞台空间表现无限的演出空间。由于客观的原因，舞台布景很难给予演员的运动和姿态的价值，而灯光给予演员以立体造型的价值，不仅可以改变时间和空间，同时也可塑造剧中人物的心里空间。

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美术绘画课的教学除了学习线条、形体、空间、明暗、色彩和构图等艺术、语言”之外，还要学习临摹，写生和创作等艺术的表现手法。例如静物写生课，不管是一瓶沐浴着阳光、摆在窗前的鲜花，还是随意堆在桌上的肥硕水果；不管是一组闪耀着光泽的玻璃器皿，还是刚买回来的新鲜蔬菜，那生意盎然的色彩、情趣横生的形态，都能人学生以情的感染和美的享受。

人物头像绘画课，不仅使学生明白头型的“八格”、五官的比例尺“三停五眼”，还要懂得“形神兼备”的意义。人像的美，并不是“浓眉大眼”或“樱桃小嘴”等概念，关键是创造生活中有个性特征的感人形象。例如周思聪先生的肖像画《老矿工》，极为生动地刻画了一位从旧社会生活过来的老矿工的形象。在老矿工布满班痕的脸上，可以看到这位煤矿工人的艰苦劳动的一生，然而他又是那样善良，淳朴和敦厚。美术作品并不是以“像不像”“美不美”“好看不好看”为评价标准。教师应紧密结合教学内容，引导学生通过对形象的感受、想象与思考，认识肖像画的艺术美，在思想上受到熏陶，在美的感受中受到教育。

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[关键词]：

素质教育、直观性、教学方法

在初中美术欣赏教学中，怎样将专业性较强且具有一定难度的艺术理论知识变得易董好学，使教学效果得到提高？经自己的探索实践证明：运用作品比较，可以说是一种行之有效的方法。本文就此列举几例来谈谈自己的做法。

一、美术欣赏中的音乐与绘画：

现代教育论认为：教学活动是一种双向的“知识对流”而不是单向地灌输。所以虽然音乐是一种艺术门类中最为抽象的艺术，但音乐同样也是表达情感反映现实生活的一种手段。如在进行中国古代人物技法的欣赏教学时，通过苏州弹词《新木兰辞》地放送，请同学们进行浏览式欣赏两张图片，注意营造一种艺术氛围，利用声音的比拟，使学生接受音乐信息的同时，可以在头脑中使学生直观的了解认识我国传统绘画技法的多样性，如采用工笔重彩人物作品与线描人物作品比较欣赏，工笔人物与写意人物作品比较欣赏。为了让学生更好的感受传统绘画以线造型的艺术特色，特选了风格迥异的作品进行比较（一般用实物投影或换灯片）。如梁楷的《泼墨仙人》与曾鲸的《李白行吟图》进行比较欣赏，一简一繁，各将其妙。学生从中强烈的感受了中国传统线条的多样性、生动性，以及一种韵律美，从而激发起学生热爱民族传统文化的情感。

二、美术作品中的对比与和谐：

事实上，中外的美术史早已证明“美既不是美术的唯一内涵，又不是美术的中心任务。美术作品中的一切都是有意味的艺术形式存在”。其实，在美术作品中的形式美这一节中，如果不很好的联系作品进行比较分析，学生往往会认识模糊。为此，在教学中我选择了一些中国画家题材内容类似的作品让学生进行比较分析，让他们看看画家是如何来经营画面的。如图3林凤眠的《静物》中，直力的玻璃水壶和水中的鱼。黑与白，背景上的橙与绿，都存在鲜明的对比，使画面具有很强的感染力。而潘天寿的《水仙》，花丛方向与造型在整体形式上非常和谐，然而在花丛大小位置，叶的交插与题字上又稍有变化。通过作品比较，加深了学生对美术作品基本艺术形式的认识。

三、美术绘画中的制作技法比较

沃乐夫曾经说过，一切绘画得益于其它绘画的比得意于自然的多。因此，在进行十七、十八世纪欧洲绘画欣赏教学时，了解这一时期绘画的主要特点以及代表人物的艺术风格，往往是教学中的难点。为此，我采用了一些具有说服力的作品让学生进行比较分析，从而起到潜移默化的作用。如十七世纪的荷兰画家姜布鲁各的《瓶花》。在进行作品分析时，我找到了一幅与其题材相似的作品进行比较，如另一位荷兰画家梵高的《向日葵》，可以让学生充分认识到两个时期的绘画在用笔、造型技法上的差异，即“写”、“画”差别一目了然。

四、美术作品中的艺术形象

在欣赏中，将中西方现代主义绘画欣赏作一比较，是教学难点之一。针对这种情况，我同样采取比较的方法来突破这一难点。

众所周知，艺术形象来源于大自然，而大自然赋予了人类的一切，同时也激发了人类的灵感和创作激情。如唐代青绿山水大师李思训的《江帆楼阁图》，他的作品标志着山水画中青绿体系的成熟。而《森林风景》为十七世纪荷兰派画家鲁伊斯达尔所作。

这两幅作品和后来的风景画相比，他们的山水画作风一样，都属于早期古典作风，但两者的起点完全不同。课堂上学生兴趣浓厚，讨论激烈，你一言我一语，经过比较不难发现：风景画本质上仍没有独立，它仍然是人的活动舞台，只是人暂时离不开前台而已。它不像中国山水真正脱离人物，山水画是大自然生命的自我展现，风景画则是大自然中的大自然，和利用照相机去摄取一片风景相同，这是山水画与风景画的本质区别。因此艾斯纳指出：“任何一个艺术问题都不会有唯一正确的答案，而可以多作解释。”

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美术课的评价标准是多样的，而且科目的特殊性也使得美术课堂的灵活性、情趣性、活动性更强，所以，美术教师具有课程改革和实践的更大优势，具有发挥多种才能的更大空间，也就更有利于我们开发和研究出适合自己、适合学生的一套教学方法，增加美术课堂的吸引力。“教书匠”一去不复返了，教育科研能力、课程开发能力才是为我们教育进步保驾护航的基本能力。

2.沟通、合作能力。

沟通、交流在传统教学中也是重要的一环，但在研究性学习中更为重要。作为课题组的一员，教师既是指导者，也是参与者、合作者，所以和谐的语言交流，顺畅的沟通是合作的基本前提。同时，与同事的融洽相处，与家人、家长以及社会的良好沟通合作能力，都将对我们的教学工作有很大裨益。

3.跟上时代潮流，掌握当下的信息技术。

教师要学会使用网络资源，在整个互联网时代的环境背景下，网络资讯的普及使得教师的学习和学生获知的渠道变得四通八达。网络就是博物馆、图书馆、资料库和图库，教师要教会学生如何搜集整合资料，如何在网络环境下拓宽知识面，打开视野，为我们的课题服务。与此同时，除了能灵活地使用电脑，加强整合网络信息的能力，还要学会使用网络上流行的QQ、E-mail、MSN、微博、微信等对话方式，拉近师生距离，随时沟通交流。

4.为了很好地胜任“引导者”的角色

教师应学习一点管理学知识，加强领导能力、统筹能力、跨学科学习能力以及资料汇编能力。

二、教师角色的再定位

研究性学习课程的实施需要教师转变职业角色，采用以学生为主，围绕学生设计教学活动的课堂模式，充分发挥教师的指导作用。教师不再是三尺讲台的“主宰者”，不再是课堂的“独角戏”演员，而是师生以平等的身份共同学习、研究。在开展美术研究性学习中，课程的性质需要教师以引导者与协助者的身份介入到学生的课题研究中来，师生之间应该体现出“对话”的关系。教师以学习伙伴的身份与学生共同研究课题，及时了解学生的兴趣点，面对疑惑时能给予启发和指导，对整个研究过程进行统筹安排。尤其是关于课题的选择上，教师更应该把主动权和选择权交给学生，无论是问题的提出和研究的方向、方法都应该允许学生按照个人兴趣提出并经过筛选等方式最终确立下来。教师首先要把课题布置给学生，学生搜集资料就会相对容易和真实，课题的扩展空间也会相对变大，学生学到的知识自然就越多，教学效果自然更好。

三、教师的指导要张弛有度

研究性学习在本质上还是属于一种课堂活动，而不是科学创造，所以不能对学生的要求太高，或者课题选择太难、太深，都不利于学生掌握知识。但也不能完全“随意”“自由”，对学生不管理、少辅导；或者依赖多媒体，忽视教学内容和教学目标，不精心备课，只是充当了“放映员”的角色。有的教师把学生带到画室，让学生自己随意绘画，没有任何研究主题，采用“放羊”式的管理，自己“袖手旁观”，美其名曰为“自主学习”“自由创作”；或者带到网络教室，让学生自己随意搜集网络资料，没有选题，没有指导。还有一种现象就是教师参与的过多，原本的协助者成了代替执行者。担心学生不能很好地完成任务，或者教师自身的教学角色转换不过来，总是不能完全地放手和给予学生充分的自由，而是过多地干涉甚至代替学生完成任务，从而失去了研究性学习的初衷。这些现象告诫我们：

1.教师的指导和辅助作用，是有计划性的，有目的性的，教师要事先统筹好课题的开展，帮助学生选择适合的题目。

2.教师在课题开展过程中参与进来，成为研究的一份子，在学生遇到困难时及时帮助指导解决。

3.开发利用信息环境下的美术课程资源，而不是完全依赖多媒体和网络资源，教师需要对信息环境下的美术课程资源，哪些可以成为课程资源，哪些课程资源可以进入课堂转化为现实的课程进行鉴别、开发、积累和再使用。职业中专美术欣教学的对象是朝气蓬勃的年轻学生，这一阶段正是他们世界观、性格、创造力、想象力发展的黄金时期。研究性学习正好为他们提供了这样一个学习模式，让他们的探索欲、研究欲和创作欲得到施展和发挥，使学生的创新能力和个性品质得到发展，有利于提高学生的审美素养，更好地完成美术教学的根本任务。

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纵观现代社会，一切的科技、设备、管理制度及方法都是可以引进的，唯有一个国家的人的现代品格、素质、现代化的灵魂是不能引进的。人是我们在各方面谋求发展的先决条件。正如法国学者莫内所说，现代化需先化人而后化物。

20世纪50年代后期，全世界教育思想的先进代表们共同意识到学生主体性的重要。80年代以来，主体、主体性这些富有内涵的概念开始在教育界生根发芽。这既是社会进步、发展的内在需要，也是时代精神的呼唤。以往，我们的教育不注重学生的主体性，而只重视教师，只把学生当做教育的对象和客体，而忽视其主体性，大大的束缚和限制了学生。如今，弘扬和培植受教育者的主体性成为我们追求的目标，成为深化教育改革的一个重要的突破口。“关注学生的主体性发展、提倡并构建主体性教育，已经成为跨世纪的课题提上了研究日程”。北京教科院副院长文喆同志在课改报告中指出，现代教育一定是以学生发展为本，以人为本的教育，什么时候都要把学生放在第一位。

在取得上述共识的基础上，结合我区美术教学的实际状况，我们于2001年7月精心选择了以我区青年教师为主，含老、中、青三个年龄段，从我区东片、中片、西片分别抽取不同层次的实验校和部分教师组成了十几人的课题组，将研究、探索“美术学科主体性课堂教学的方法”作为我们进行教学改革的切入点。

为了准确把握我区美术教学课堂现状，课题组全体成员通过对学生状况的了解与座谈精心设计了17个具有代表性和可操作性的问题，对全区不同层次的学校、不同层面的学生进行了问卷调查。调查人数共计780人，从调查结果分析，目前我区美术课的课堂状况和教师的整体水平基本得到认可，但仍突出了诸多不足之处。其中部分数据显示如下：

1.45%的学生认为现行的课堂教学方式、方法不好。

2.50%的学生认为教师仍有“满堂灌”的现象。

3.53%的学生认为在课堂教学活动中自己的观点不能得到充分的发表。

4.42%的学生认为现行教学活动仍是“教师讲、学生听”的教学方式。学生没能真正成为课堂的主人。

这次问卷调查使我们更清楚的认识到我区现行的美术课堂教学没能很好的发挥学生的主体作用和教师的主导作用。学生渴望活泼、幽默、自由、开放、直观、生动的教学形式，呼唤着能够充分体现学生主体地位的好的教学方法。课题组全体成员经过对现状的认识和讨论，确立了我区进行该课题研究的目的、步骤及预期成果。

研究目的：

1.依据学科教学目标，结合我区教学工作的实际状况，以各校课堂教学为本、为主，进行主体性教学方法的深入研究，力求形成具有美术学科特点的科学而富有实效的主体性教学方法体系。

2.以学生的兴趣和爱好为着眼点，兼顾美术学科的基本知识和基本技能，课堂教学要力求充分调动学生积极投入，自主的学习，从而培养学生健康的审美情趣、初步的审美能力和良好的品德、情操。

3.要注重培养学生的创新精神和实践能力，提高课堂教学的实效，促进学生的全面发展。

研究步骤：

（一）准备阶段（2001年6月----10月）

1.成立课题研究小组。

2.制定课题研究方案。

3.收集学习参考资料。

4.进行课题研究的问卷调查。

5.制定美术学科主体性课堂教学评价方案。

（二）初始运行阶段（2001年10月----2002年7月）

1.学习有关资料、理论专著。

2.举办专题讲座。

3.举办教学方法研讨会。

4.教学录像课研讨。

5.外出学习。

（三）完善提高阶段（2002年9月----2003年7月）

1.修订课题研究方案和制定主体性课堂教学建议。

2.组织主体性课堂教学评优课。

3.召开主体性课堂教学研讨会。

（四）成果归结阶段（2003年9月----2003年12月）

经验筛选，理论升华，成果归结。

预期成果：

1.探知美术学科主体性课堂教学的系列方法，以报告、论文、实验教案等形式完成，并期望在全区及全市等范围内得以推广。

2.切实提高美术教师在体现主体性课堂教学上的理论水平、教科研能力及教育技术的应用等。

3.完成有关课件、录像或以其他方式发表。

二.初步的体验与探索

（一）强调学生的主体地位首先从教学设计入手。

科学的设计是上好课的关键，从本质上讲，主体性教育是以培育和发展学生的主体性为目的的一种社会实践活动，这一点也决定了课程设计要把促进学生的主体性发展置于核心地位。教师则应成为把握、统揽大局的设计者和创造者。我们认为体现学生主体地位的教学设计应注重以下几个方面：

1.科学的设计必须有科学的依据。大纲、教材、学生三者缺一不可，在此，我们强调充分考虑学生的实际，要符合学生的认知规律和学习兴趣。

2.科学的设计要紧紧围绕教学内容展开。我们主张教师可根据学生的实际状况对其进行适度的选择、调整。对重难点的把握要准确，要有预测学生未知问题的能力，做到有的放矢。

3.教学组织形式力求灵活多样，要力求选择适合教学内容的更好的组织形式。注重学生即独立又合作的学习方式。

4.对学生活动的方式与进程，教师要适时加以指导和调控，力求严密而科学。

5、美术教学要从单纯的技能、技巧学习层面提高到美术文化学习的层面。

（二）从课堂教学的各个环节入手，探索主体性教学方法。

1.导入：一节课能否一开始就勾起学生的好奇心、求知欲，导入有非常直接的作用，好的导入好比在平静的湖面上投入一颗小石子，使课堂打出一个小的，促使学生在愉快、宽松的氛围中力图寻求更多更。

长辛店三中何代坤老师在讲授《美丽的色彩世界》一课的导入环节时，很好的利用了大家熟悉的广告，一开讲便赢得了学生的满堂笑声：“上课前。我们先来做一个快速抢答的游戏，好吗？”“好！”“请问草是什么颜色的确？”学生答：“绿色”。“我的衣服呢？”（上课前，何老师特意换了一件蓝色的上衣）“蓝色！”“我的牙齿呢？”教师话音刚落，教室里便传出阵阵愉快的笑声，师生相视一笑，顺风就势，教师导入新课，迈出了成功的第一步。

实验学校的高英老师在《美术资料册的设计与制作》一课中用实物激励学生直接引入新课。在课前，高老师花费了大量时间设计并制作了多种外观精美而实用的资料册，有单独纹样的动物、植物、人物，还有连续纹样的二方连续、四方连续，各种形象简练而又新颖，非常适合学生的审美趣味和年龄特点，正因如此，当教师每拿出一件作品展示的时候，学生不时表露出羡慕与渴望的心情，跃跃欲试。教师的一句“你想拥有一本属于自己的美术资料次吗？”师生双方一拍即合。

游戏、故事、谜语等都会使导入更好地吸引学生。在讲《体会线条的美感》一课时，云岗中学的滕美丽老师采用游戏引入正课，她让学生分组比赛完成一个趣味游戏----画图接龙。游戏规则：一个同学画一笔或几笔成一物，下一个同学接一笔或几笔使之变成另一物。学生情绪高涨，黑板前人头攒动，各组不相上下，他们笔下的物象也发生着千奇百怪的变化，一会儿出现了电视机、小汽车、小房子，一会儿又变成了风筝、机器人、布老虎。。。。。。由于游戏本身就有很强的智力性、趣味性和挑战性，促使每一个学生在短时间内实现脑力游荡。课堂沸腾了。

（三）注重学生的课堂活动，充分体现学生的主体性价值。

对教育而言，学生全面而多样的活动是实现其主体性价值的基础，它能使学生的主体性获得发展，并为学生的个体发展提供满足需要的对象。活动有助于发挥学生的自主性、能动性和创造性，然而活动并不是学生在课堂中的单方面行为，在此，活动有两层含义：一是教师在学生学习活动中的引导、组织和调控学生的学习活动，即教师的主导作用；二是学生在教师有效调控下自主而又合作地学习活动，即学生的主体地位，也就是说，活动指的是师生双边的活动。

基于上述认识，在实验研讨过程中，我们的教师在这些方面做了大胆的尝试。我们评价课堂活动的宗旨是：

1、美术教学是否注重了对学生审美能力的培养，引导学生体验、思考、鉴别、判断，努力提高他们的审美情趣。

2、美术教学是否加强了美术与其他学科的联系，培养学生的综合思维和综合探索的能力。

3、教师能否调动全体学生的兴趣，以各种生动有趣的教学手段，引导学生积极参与课堂活动。

4、教学活动中能否充分发挥每一个学生的不同作用。

以下介绍几节课，在这方面尤为突出：

1.“设计师”的灵感创意----造型奇特的帽子。

十二中（初中）的王率老师在《造型奇特的帽子》一课中将学生分成几个小组，采用集体合作与个人分工的方式组织学生活动。在学生展示积极收集的资料和对造型构成的方法有了初步的了解之后，她让各组分别抽取一道有关帽子设计的题，如：时装帽、钟表帽、小丑帽等。各组成员分工合作，有负责画的；有负责剪的；有粘贴的；有试戴的。。。。。。一时间课堂成了“设计师”的“工作室”。学生的热情被点燃，他们大胆稚拙地表现着自己的灵感。教师此时已经成为他们中的一员，指导、帮助他们更好地完成设计构想。一件件作品问世了，伴随着音乐和各组（学生）解说员的解说，看着本组表演的同学戴着他们亲手制作的作品在前面走台展示，同学们开心极了。在有限的课堂上，他们得以将自己创作的灵感与冲动充分展示出来。

2、动物图案与皮影故事。十二中（初中）胡晓瑞老师

同学们已经深深地被故事所吸引，仿佛正在观看一场皮影戏。台前幕后忙得不亦乐乎。该到狐狸上场了，蜗牛与狐狸在对白：“小小蜗牛走天涯”，道出了富有哲理的名言----有志者事竟成。同学们热烈鼓掌。幕后，每个同学拿着本组制作的动物图案模型，随着故事的发展，做着相关的动作，“观众席”上，个个面露兴奋，那是他们集体智慧的结晶。从中国五千年的灿烂文化中龙与凤的特殊寓意，到同学们手中简单而又独特的动物图案造型，再到独具匠心的皮影故事，也许在愉悦的背后，同学们已经能更清楚地领悟到祖国文化的某种韵味了。

在课堂教学活动中，我们的教师尝试着学生以个人或集体合作方式参与美术活动，丰富了学生的审美经验，使得课堂充满了和谐、竞争与欢笑。他们之间、他们与教师之间在以美术的方式传递着思想情感。当学生准备好并渴望与同伴一起工作时，他们的热情为课堂教学营造了一种自由、平等的氛围。很多时候，他们会在教师的指导下，步入一种活泼生动的自我调控的良好状态。

（四）花样小结与评价

以往，小结是教师的“自弹自唱”，是教师在发表最后的“演说”，造成教师不能真正了解学生学习后的真实状况，使学生一言不发，教师一字不落，生怕丢了知识点和重难点。造成小结的单调和乏味。我们认为美术课堂小结的目的在于激励全体学生并能突出展现个人的才华与思想情感，更注重学生在小结过程中的自我认识与体验。借此，我们能更好的了解学生学习的状况、体验、情感及潜能，以便给予针对性的建议与指导。我们给学生以更加广阔的舞台展示自我，让他们谈自己的感受，甚至利用奖励个别而激励全体。我们认为不要轻易地否定学生的观点与看法，而要更多地倾听他们的心声。这才是融洽、开放、自主的教学，才是以学生为主体的教学。

美术课程评价是促进学生全面发展，改进教师的教学，促进美术课程不断发展的重要环节。美术课程评价的依据是《美术课程标准》和北京市基教研中心（试行）〈中小学课堂教学评价方案〉。强化美术评价的诊断、发展功能及内在激励作用，弱化美术评价的甄别与选拔功能。我们首先注重学生的自我评价，其次注重在教学活动中对学生的表现与状况的评价，包括学生的参与意识、合作精神、操作技能、探究能力、知识水平及交流表达的能力等方面。在对作业的评价上我们鼓励不同学生可采取不同表现手段与形式，重视对其个性的发展，而不必建立单一的绘画与设计技能的表现等级。另外，我们主张教师进行客观、公正的自我评价和听取学生的合理建议，不断改进教学，提高教学水平。

以上是我们初步体验与探索的点滴收获，难免零散和不够系统，但我们从实践中真正体会到了将学生放在主体地位的重要性，并从中感受到主体性教学带给师生更广阔的发展空间和愉悦。我们力求将实验过程中体悟到的方式方法得以提高和推广，力求借以推进丰台区的美术课堂教学。

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这些年来，在杂技创新方面已经取得了一定的成就，收获了一些成果。这里说的创新，有节目技巧动作的创新，也有主题晚会的创新，特别是目前又开始了剧目化创新的发展趋势。以演出样式的创新为例，从过去的单体节目一个一个地顺演下来，到上世纪90年代中期，以1994年战旗杂技团推出《金色西南风》为标志性起点，各团纷纷开始搞主题晚会，杂技界把这个转型称作“总体创新”。从本世纪中期以来，以战士杂技团2004年推出杂技剧《天鹅湖》为标志性起点，很多团都推出了杂技剧。在这个过程中，很多团还不断推出了一批新节目和新道具。

1994年，战旗推出的《金色西南风》所以引起关注，是因为这台晚会确实取得了一些重要的突破。该团地处云南昆明，他们按照主题选准了西南少数民族众多的特点，把很多少数民族的文化元素，包括民间传说、民歌、民族游戏娱乐都合理地运用到晚会中，使得整台晚会产生了较强的整体感。晚会的创作成功得到了多方面的肯定，在全国杂技界产生了很大的影响。随后，全国的稍具规模的杂技团全部都开始搞主题晚会了。其中，沈阳推出大型杂技晚会《天幻》，文化部也组织了研讨会。

现在，国内制造业界正在大力推动“

另外，杂技的本体离不开杂技的基本功。当然还是要把杂技的基础打牢，要提倡真功夫。但是，我们在台上不是展示基本功，而是表演杂技艺术。特别是我们应该看到，经过几十年的发展，杂技的基本功内容也发生了根本的变化。133229.coM过去说“腰、腿、顶、跟斗”，现在已经不完全了。现在的理念是，杂技演员不仅要有高难技巧，还要有舞蹈演员的身段、戏剧演员的表演、运动员的体魄、武术的精气神、音乐的节奏感和韵律感以及较高的文化修养。《俏花旦——集体空竹》这个节目不仅获得了法国总统奖，还在春晚中获得几十万选票成为观众最喜爱的节目，这个节目最大的特点就是演员的综合表演能力得到了最大的展示，观众认为杂技变了，变得好看了。所以，要重视演员的综合表演能力，将杂技塑造成一种真正赏心悦目的艺术。

一个真正的创新节目，会带给人一种震撼，一种长时间的影响。这几年我们

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二、闽南民间工艺美术融入当代艺术设计的有效性和可行性分析—以漳浦剪纸为例

漳浦以“中国民间（剪纸）艺术之乡”享誉中外，素有“金漳浦”之美誉。漳浦剪纸艺术源远流长，据《漳浦县志》记载：“元夕自初十放灯至十六夜，乃已神祠家庙，或用鳌山运傀儡，张灯烛，剪彩为花，备极工巧。”可见唐宋时期漳浦剪纸艺术就开始应用于花灯装饰等民俗活动。⑤剪纸俗称“铰花”，与刺绣艺术有关，常被应用于刺绣底样的创作。在中原文化如贴“窗花”习俗等影响下，漳浦剪纸逐步以独立方式使用在各种婚庆典礼、祭拜祖先等民俗活动中。如今漳浦剪纸已被世界认可，并在对外文化交流中发挥作用和产生影响，具有一定的经济价值和社会价值。继承传统、力求创新是任何民间艺术发展的关键，没有创新就没有生命力。漳浦剪纸在中国民间艺术中占有一席之地，主要表现在其艺术风格的独特性、艺术技法的原始趣味性和艺术品自身焕发出的美感。通过高校艺术设计教育从理论上探讨漳浦剪纸的构图形式、造型手法、创作意识等，增强在当代艺术设计中民族性、本土化的创新与应用，并在具体的艺术实践中探索漳浦剪纸与环境设计、装饰设计、平面设计等多个专业领域的结合点，注重传统与现代的结合，以新的设计艺术形式、设计语言符号使设计产生新的飞跃。

1.漳浦剪纸在环境设计中的应用漳浦剪纸所反映的内容非常丰富，其中包括闽南地区的地理环境、百姓的日常生活和传统习俗活动以及民间神话传说等，这些都以独特的符号融入剪纸作品中。例如，茶壶就是剪纸中最常见的装饰图案，这无疑渗透着闽南人爱喝茶的习惯；剪纸中常加入一些龙虾、鱼、螃蟹等水产品，这充分体现剪纸的闽南地域性和其来源于生活的传统特征。作为一种独特的设计素材，无论是在思想上还是文化的传承上，都将成为本土风格环境设计的创作源泉。同时漳浦剪纸在艺术表现上立足本土，注重主观想象，艺术构图奇巧、简练明朗、古拙抽象，表达着古老的民俗文化传统，具有浓厚的“原生态”趣味及“乡土味”气息，这对设计本土风格的环境设计具有重要意义。设计师应该以保护和传承历史文化为己任，唤醒人们对本土文化的记忆，将其融入现代城市功能设计中，赋予建筑内外部的空间乃至整个城市浓厚的本土特色风情。漳浦剪纸主要运用红色，通常以单色为主，其他颜色作陪衬，在对比色中求谐调，颜色上的创新运用突出了工艺装饰效果。这对设计闽南本土风格的室内空间有着重要意义。例如，在现代环境设计中可运用漳浦剪纸的图案，采用闽南地区的红砖、白石为装饰材料，设计出有关闽南红砖文化的主题浮雕、壁雕等作品。漳浦剪纸造型独特，收放自如，运用在现代室内外立体造型的细部装饰上，如隔断花墙、装饰品花架、屏风等，具有通风采光、借景叠景等功能，不仅起到了特殊装饰和美化环境的作用，而且也增加了艺术氛围。另外，还可以运用闽南文化元素的剪纸图案制成各种镜框式、挂历式的装饰画和装饰品，以此带动室内陈设品行业的发展。窗帘、沙发靠垫、沙、桌旗、布艺床品等都可以采用漳浦剪纸传统图案，这不仅使室内空间更具本土色彩，还能寄托民众美好的愿望。

2.漳浦剪纸在装饰设计中的应用漳浦剪纸将闽南人民物质生活和精神生活以图案的形式表现在作品中，形成了一种独特的艺术表现形式，折射出闽南人的性格和意识形态。漳州剪纸利用本身图案的抽象造型来反映闽南地区的意识形态和思想，糅合闽南传统文化。现代装饰设计对于诸如漳浦剪纸这类传统工艺的应用遵循“批判和继承”的原则，既尊重其自身发展特性，又对其进行产品创新，既将其作为现代装饰的补充，又在现代装饰中很好地对漳浦剪纸进行有效地传承。传统漳浦剪纸在线条、构图、剪功等方面具有特殊性，折射了闽南文化多元化的特征和细腻雅致的审美取向，传达了浓郁的乡土气息。现代装饰艺术中对于漳浦剪纸的应用可从以下方面为出发点：一是结合装饰设计作品的主题，充分挖掘漳浦剪纸的特点，在作品中对其在材料、线条、构图等方面进行大胆创新。二是根据不同设计作品的特殊风格，在刺绣种类、色彩选择、图案设计等方面进行搭配，凸显出漳浦剪纸的固有特性，同时又在装饰作品中呈现出典型的剪纸特性。3.漳浦剪纸在平面设计中的应用鲁迅先生说过：“在现在，艺术上是要有地方色彩的，有地方色彩的，倒容易成为世界的，即为别国所注意。打出世界，即于中国之活动有利。”⑥漳浦剪纸蕴藏着特有的文化内涵和艺术韵味，具有特殊的地域性和造型手法。比如，漳浦剪纸通常采用“排剪”技法，结合“阳剪”为主、“阴剪”为辅的表现手法，形成其在工艺上纤巧细腻，构图上线条简练、圆满匀称、对称平衡的特征。同时在物象形态的刻画上应用的简约意象表达方式或夸张的艺术表现形式等都可以为现代平面设计所利用。因此设计师可以从以下三个方面去考虑，一是将设计主题与剪纸图形意蕴相联系，从创意选题的角度思考选择恰当的主题表意，有目的地去把握对象的整体结构式样；二是从创新的角度在图形、材质、风格等方面上将漳浦剪纸包含的图形图像或其他意象特征进行夸张变形、化繁为简、重组创新，深化对漳浦剪纸艺术的价值认识，同时与现代平面设计的构型审美相结合，利用剪纸图形的形似和神韵创造出贴切的图形语言；三是在表现技法上运用“排剪”技法创造出新的设计表现语言，扩展设计的表达形式，将漳浦剪纸的视觉特征融入现代平面设计之中。

三、民间工艺美术融入高校艺术设计教学的方法

“生产者的艺术是世代人民所创造、所传播并表现他们审美观念和艺术情趣的文化艺术形式。”⑦民间工艺美术作为生活世界的认知和诉求，是群体意识与思想认识的一种反映方式，不仅包含了大量原生态艺术图形和工艺技法，还体现了人类本源的思维意象、审美观念和情感表现。因此，在艺术设计教学中不仅是要拓展学生的技法表现手段和途径，更重要的是要引导学生正确认识民间工艺美术的文化价值，真正体味到民间工艺美术的文化内涵和情感魅力，并应用于现代设计。

1.在艺术设计教学中开设民间工艺美术课程审美认知与创造力的培养是高校艺术设计专业教育的核心，民间工艺美术样式几乎都同时具备了高校艺术设计专业教育的基本要素。在艺术设计教学中，应以其审美鉴赏、技艺造型、品格精神等为基本内容，积极开设具有本土特色的民间工艺美术题材的艺术课程。在教授过程中，采用教与学的互动方式，增加学习的趣味性，突出创造的成就感，培养学生的动手能力、造型能力、材料的把握和认识能力以及创新思维精神，激发独立思考的意识，并在教学实践中引导学生去发现美、感受美、鉴赏美、创造美。诸如剪纸、雕刻、漆艺、陶艺、编织等课程，着重把研究民间美术功能的实用性、技巧的高明性、题材的丰富性、装饰的生动性、形式的多样性置于首要地位，把创造具有独特性和地域性的艺术文化作为教学的宗旨，做好民间工艺美术资源向地方工艺美术课程的转化，由此将传统与现代、现在与未来相互融合，形成未来艺术设计教学的新方向。

2.成立地方民间工艺美术研究机构，定期举办展览和讲座发挥地方的民间工艺美术文化优势，发掘和整合地方文化资源，成立高校民间工艺美术研究机构。组建一支以地方高校教师为主的研究团队，同时聘请地方各个门类的工艺美术大师、领军人物为客座教授，共同探讨民间工艺美术资料的收集、整理、理论研究和相关教学工作。通过对传统工艺的传承、保护、创新、开发和研究，积极运用现代艺术设计理念，将传统工艺的实用性、经验性和学术性特征应用于校本教材的编写中，用时代和科学的态度加以继承和改造，通过条分缕析、去芜取精、发展提高，形成一个特色鲜明而又具有时代感染力的文化产品体系。在教学中将民间工艺如雕刻、剪纸、编织等引入课堂，活化课堂教学，同时又让学生能够直观地感受到民间工艺美术的独特魅力以及其在设计领域中的突出表现。另外，可以让民间工艺大师将制作工艺直接带入课堂，通过举办专题活动，从表演技艺开始给学生讲授和示范制作工艺，让他们亲身体验民间工艺美术的神奇。定期开展民间工艺美术展览、学术交流、课题研究和专题研讨等，形成多种形式的教育方式，将民间工艺美术资源真正融入现代艺术设计教育。

3.创立民间工艺美术校内工作室和校外实践基地根据民族民间工艺美术的种类，结合其美术特点对艺术设计教学实验室进行改造形成专门的工作室，以工作室为载体，通过选修等方式实行开放式教学，将理论与实践融为一体，如漳州剪纸工作室、惠安雕刻工作室、闽南“妆糕人”泥面塑工作室、树脂彩绘工作室等。工作室的教学主要采用艺人的“技”和教师的“艺”结合，即通过教师对设计作品创作思想的理论阐述与“请进来”的民间艺人的技术培训相结合，实现与艺人零距离的“手手相传”，将工作室中的工艺技术应用于作品的创作中，寻找与作品主题的契合点、差异点，改进民间工艺的表现形式，突出表现民间工艺技术的独特性，从而引导学生用民间工艺的手法来进行创新设计，提高设计水平。同时，“走出去”设立校外民间工艺美术实践基地，让学生到民间亲身去感受当地乡土乡情，欣赏原汁原味的民间艺术品，培养学生对民间工艺美术的情感和认同感，创造学习民间工艺美术的氛围，提高实际操作能力和研究水平。

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人的视觉认识是从自然主义开始的，尽管一个立体的自然场景不像是一幅图画，而一幅平面的图画都被看作是一个真实的世界，公众要求艺术家在一块想象的舞台上把生活的故事表现得栩栩如生。教师经常听到学生说：“我看懂了这幅画”，或是“我看不懂这幅画”，他们也许是仅限于理解了画的表面画了些什么内容，而不会欣赏画面内在的表现手法和含义。在这种认识方法中，丝毫没有审美气息。WWW.133229.coM艺术是以感知为基础的，人们认识美、发现美、鉴别美、创造美都离不开感觉，这种感觉决不是依靠某些逻辑推理或者数字计算，比如对画面物体和人物的比例关系的把握就是如此，比例本来是数字形态的东西，我们可以依据数理逻辑变换出多种方案，但是，只有使数字形态视觉化以后，才能靠感觉来比较、推敲、判断出美与不美。而对艺术的感受力的加强，就会迅速找到它的美的所在，再从色彩上来分析，色彩的构成要素十分复杂，色彩的生理效应更为微妙，色彩美感的个性特征更强，尽管有着十分详尽的色彩理论，有着各种色表，色立体和各种配色宝典的工具手册，也只能对色彩的学习与使用起一定的指导作用，最后如不能落实到视觉感觉上来，总是不行的。正如音乐家对乐感的感受、舞蹈家对肢体语言的感受、书法家对笔墨挥毫的感受一样，他们无一不是凭借着一种强烈的艺术感觉来实现着艺术的升华。

具体到普通高校的美术欣赏课，教师要通过审美教育来丰富与开阔学生的审美天地，让学生感受到全面与完善的艺术教育，对于非艺术专业的学生来说，并不要求他们了解太多的绘画技能，通过美术欣赏课的教学使其学会一些美术常识及学会如何欣赏。如通过中国美术史论的欣赏，懂得各门类画种的美感特征与技法特点，懂得其透视上的高远、平远、深远和散点的运用，用墨上的浓、淡、干、湿、焦所产生的艺术魅力和创境达意的艺术手法。美术作品及美术现象的种类繁多，比如从种类上分：油画、中国画、水彩水粉画、版画、雕塑、建筑、民间美术、现代美术等；从时间上分，外国美术有：原始与古希腊、古罗马美术……欧洲文艺复兴时期的美术……18、19世纪欧洲美术直至现代抽象艺术等，中国美术有：新旧石器时代的美术、商代青铜器、秦汉石雕、魏晋壁画以及唐以后的绘画；从作品的内容上分：人物、风景、静物、风俗画、宗教画、装饰画等；从艺术流派上分：西方古典主义、浪漫主义、现实主义……以及后面的印象派、野兽派和立体主义、超越现实主义等；中国画中顾恺之的《传神阿睹》，吴道子的《吴带当风》，范宽、郭熙的《高山仰止》……这些美术欣赏的内容，可自成体系，但也有局限，教师要将这些内容有机地联系起来，寻找切入口，达到最佳效果。

首先，教师应引导学生从各种角度建立“真实”的概念。在不同的时代、不同的文化背景下，人们对真实有不同的理解。米开朗基罗的“大卫”，安格尔的“古典主义”，毕加索的“立体主义”，以及非洲的木雕，中国的农民画等等，于创作者来说，都是真实的。因为每位艺术家都以自己内心中的“真实”的尺度来描绘对象。但是它们之间在观念上、风格上的差异却是相当大的。同样，作为欣赏者来讲，每个人也会因修养、知识、性格的不同而对“真实”的体系标准做出不同的判断。那么我们教师应该教给学生什么呢？

英国的艺术家和批评家艾瑞克·牛顿曾十分形象地将艺术品比作一层层剥开的洋葱，表皮是“再现层”，表皮之下一层为“诠释层”，再往里一层称为“审美层”，也就是讲，看一幅画，首先我们看到的是画面表现的内容：人物、场景或是一些抽象的符号。其次，再看一看画家是用何种方法来表现，如构图、线条、色彩、笔触以及总体的表现符号等等。最后，综合以上两点，想一想作品给你一种何样的意境，强烈程度如何，是否领悟到了一种以语言、文字所不能表达的体验，如果有了，那应该是基本上看懂了。

现在我们拿达·芬奇的《蒙娜丽莎》来作为欣赏对象，第一眼的印象是一个安详、温和、完美的女性形象，然后知道艺术家在应用了科学的方法在绘画观念、技能上采用的独特方法。然后，将其和以“神”为主导的中世纪作品相比较，《蒙娜丽莎》那传神的眼睛和会心的微笑，是对人生的充分肯定，是对人性的赞扬，从而表达了作者的人文主义思想。类似的表现技法，在今天屡见不鲜，但在那个年代，那个历史环境下有如此成果，确实是相当有艺术价值的。

我们再以毕加索的现代作品《格尔尼卡》来欣赏，画面中的各种奇怪造型令初见者费解，然而那种具有张力的感觉是每个人都感受得到的。接下来，如果我们了解了牛头是残暴与黑暗的象征，马是民众的象征，孩子的哭号挣扎的形象以及立体主义的基本造型方法与法则，那我们就会知道毕加索在画中表现了人民受到各种苦难而造成的暴烈恐怖的气氛，画家用犀利的笔触表达了他对法西斯的仇恨与宣泄，而立体主义就是他观察、表达事物的一种表现方法。

在美术欣赏课中教师在教学中要让学生懂得，美是具有多样性的，但又有一定的内在联系。艺术的价值并非在于精确地摹写事物的表象，而在于表现出事物的本质以及传达作者对事物的理解和情感。艺术史告诉我们，艺术的发展有一个从低级到高级、从外部世界向内心精神状态发展的过程。从每个时代所留下的作品中可以看出，他们对前人的成就都有所发展，有所创新并和时代紧密结合在一起。仅看懂一幅作品或是几幅作品并无太大的意义，只有通过大量的、不同风格的作品欣赏，并且使这些作品在脑子里串起来，形成一定的概念和框架，逐步建立起学生自己的审美价值系统，这才算真正地学会了欣赏。

美术是一门与千家万户息息相关的艺术，非艺术专业的美术欣赏教学又是人生感知美术审美教育和美术技能教育的重要阶段。让美术从美术家的小天地中解放出来，“飞入寻常百姓家”，让大学的美育教学工作立足于审美能力的培养，激发学生广泛地参与审美活动，从被动地接受美育变为主动地需要美育。逐步形成健康的审美观念，使学生在审美活动中实现自身精神意识的升华，对造就一代人的高尚情操和社会风气也是大有益处的。

参考文献：

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有了光，便有了体积，有了形状，有了色彩。因此，西方绘画对光的运用集中体现在真实性艺术之中，要粗略给个范围的话。这大概是从古希腊开始，一直延续印象主义，这以后的艺术虽然仍有不少具象绘画，但就整个艺术史来看，它已经不再是主流，所以从现代主义开始的西方绘画不在本文讨论的范围之内。

在西方绘画史的长河中，对光的运用大致可分为三个阶段。第一阶段从古希腊罗马到文艺复兴。在这个时期，对光的运用是为了通过制造幻觉达到描述的作用。艺术从古埃及到古希腊的转变。正是古希腊人认识到光的重要，从而认识到明暗。认识到色彩，达到对真实的表现。古罗马的绘画在庞贝和赫库兰·尼姆的死者肖像中可略知一二，在这些绘画中，我们看不到太多的“光”，它们是通过把光消解在阴影和明暗中来摹拟物象，是对光被动地接受，光化为了形体。在中世纪，古希腊、罗马的绘画传统在拜占庭帝国中得到延续，以至以后的印象派画家雷诺阿在威尼斯圣·马可大教堂看到拜占庭的画时发出感叹，认为光和色的奥秘早已被中世纪的画家所识破。WWw.133229.CoM

第二阶段从文艺复兴到十八世纪，在这个阶段对光的运用可用一个词来概括：设计。对光的运用强调一种人工性的设计，这基于对光的独立表现力的认识，光并不只是为了造成塑造形体的明暗。而且是为了气氛、环境的渲染或体现画家的某种思想。马萨乔是自乔托之后第一个在才能上与之不相上下的画家，从他的处女作《宝座上的圣母子和二天使》中可以看出，他的革新精神已初露锋芒，他的人物较之乔托的画更加真实有力，画中的背景具有一种亲切的真实感。同时还证明他是通过光第一个广泛运用明暗对比手法的人；第一个掌握透视法的人。马萨乔的业绩给同时代的和后来的画家们以极大的影响，他们为了学习马萨乔的技法，研究他完美的写实技巧、空间的表现、人物的安排和优美的造型，并最终形成了佛罗伦萨画派的写实主义潮流。文艺复兴的盛期美术一方面总结了十五世纪美术的经验。把透视、解剖、明暗等写实的手法发展到了尽善尽美的地步：另一方面有汲取了古典艺术的优秀传统，形成了庄重典雅的艺术面貌。同时，大师们进一步把艺术与实验科学、创作实践与理论研究结合起来，进一步推进了写实主义的创作。

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1、角色互换，拉近师生距离

努力改变“传道、授业”的模式，把主角的位置让给学生。不要让学生产生“上美术课是一种负担，欣赏理解创作是一项任务”这样的错觉。教师可以把课堂自己坐到学生中间去，作为其中的一份子参与实践和讨论。从形式上拉近与学生的距离，营造一个愉快教学的气氛，让学生放松心情，带着轻松愉快的情绪去感受，才能得到美的体验。

2、合理评价，获得学生信赖

学生不管是完成作品还是思考问题,总是希望得到教师的肯定。作为教师首先要对学生积极参与的态度表示赞赏，然后对具体的作品要做具体的分析，做出科学、合理的评价。这样既保护了学生的学习热情，又能帮助他们提高思考分析与实践能力。合理的评价可以建立起学生对老师的信任感，同时也传递给学生一种信息——公正、公平的评价方法。评价的方式可以是多种的，可以采用学生自评或互评，再结合教师的点评，最后让学生通过自己的努力来确立正确的审美理念。比如在素描课中，大部分学生刚开始作出来的作品看起来实在不怎样，但我首先对学生的学习热情大加鼓励，然后对不同的作品分别给予分析与有选择性的建议，而避免具体教他们怎么做，教师用意见或建议的方式更善于发掘学生的潜力，这样使学生总能保持着自信的学习态度。

3、倾听心声，教学相长

现代教学论指出：教学是教师的教与学生的学的统一，这种统一的实质就是师生之间的互动，即相互之间交流、沟通及共同发展。通常在上课结束时，我会抽出几分钟时间，让学生相互之间来畅所欲言。学生可以谈自己对相互之间的作品的看法；可以讨论如何改进等等具体想法。师生间交流对教学的想法，学生会觉得老师的备课中有自己的思路，带着“这是我的课”的想法，更积极的参与到课堂教学中来。还因为得到教师的尊重而增强自信心和对教师的亲近感。作为教师则从中得到了课堂的反馈信息，得以改进自己的教学。

美术教学反思

传统美术教学只重视专业知识与技能的传授，把学习仅仅局限在书本上，脱离学生的日常生活实际，在这种学习观念下，不仅很难培养出学生的创造精神，而且会泯灭学生学习的兴趣，最终影响学生的发展。

新课改倡导的美术教学，既要重视学生对艺术的感受、表现和创造力的培养，还要注重美术更多地与文化、历史、生活相联系，创建多维互动的有利于学生自主学习的教学组织形式，让学生在宽松的氛围中感受美，让学生在活动中学、在玩中学，让学生围绕目标自主选择内容、材料和方法，让学生在知识探索的过程中发现规律。我在教学中，努力用新的理念来组织教学，收到了较好的效果。

比如在进行色彩教学时，虽然学生对颜色并不陌生，但对色彩的调配和变化规律却不了解，而且因为学生第一次接触水粉颜料，可以说对每一种物品和色彩都充满了好奇，于是我在教学中充分让学生去自主实践，探索发现。我首先让学生观察教室里都有哪些颜色？你喜欢哪些颜色？教室里挂了很多漂亮的装饰物，有绿色的叶子，红色的国旗，黄色、紫色、粉色等各色的花瓣，还有各种颜色的衣物和文具。同学们惊喜地发现，原来我们的教室里竟然有这么多美丽的颜色，我又让学生观察外面自然界中还有哪些颜色，学生通过观察，发现了我们生活的世界真是五彩缤纷，也激发了学习色彩的兴趣。我又适时提出问题：这些美丽的颜色能不能用颜料调出来呢？学生齐声回答：能。我没有急于出示答案，而是让学生自己动手调配颜色，学生的积极性特别高，不断地向同伴和老师展示自己的新发现，学生在自主实践中体验着学习的乐趣，并久久回味。看到学生这样快乐，我明白了一个道理：不要让我们所谓权威的说教代替了学生的直观体验，扼杀了学生探索的自由，要让学生成为学习的真正主人。在教学中我们还要善于发现问题，分析问题，关注学生的情感，改进教学和组织形式，才能实现教学目标，创设教学的新境界。

美术教育是对学生进行美育、促进智力发展和进行美育、促进智力发展和进行思想品德教育的重要手段它对培养全面发展的一代新人具有不可忽视的作用。它以美为主线，陶冶学生的情操，培养他们良好的思想品德，发掘教材本身美的因素，根据教育内容进行美育。在绘画教学中要选择造型优色彩协调、明快而富有意义的实物作为教材，来培养学生对美的感受和追求。还要帮助学生创造一个"审美世界"根据画面内容进行教育，美术作品的欣赏教学，极有利于开阔学生知识面，提高他们的审美能力，我力求改变把自己审美感受直接灌输给学生的简单做法。而是让学生经过完整的审美过程，积极地进行艺术思维的锻炼与发展。现代教育不仅要传授知识，同时要开发学生的智力，促进学生才能的发展。

美术教学，在培养和发展学生的观察力、记忆力、想象力、创造力和思维能力等方面都起着特定的作用，对学生未来的成就有深远的影响。在人们改造世界的所有创造性活动中，想象力和创造力都是必不可少的。在美术教学过程中，教师要善于启发引导，让学生联系实际引起联想，充分发挥学生的想象力和创造力，发展学生的形象思维能力，创造出想象中的形象，培养学生的创造才能，而不是直接向学生传授具体形象的内容。美术教育要求通过对具体形象的观察，进行分析、比较、用提炼、概括的艺术手段加以表达，运用形象思维进行美术创伤。

美术教学对于发展形象思维促进抽象思维，提高学生的思维能力具有重要作用。

美术课教学反思

经常有不同学科的教师羡慕地跟我说，“你们的美术课最好上啦，学生上课积极性很高，上课轻松。”哎！我想想，如果真如他们所说的那样就好了。那真可以说明这位美术教师的教学能力很强。

上好美术课，是每个美术教师的追求，也是每个学生的期望。我一直在思考，如何来调动他们的积极性，让课堂既活泼又生动呢？在思考的同时，我在一次次实践的检验中寻找答案。一节课要充分利用好，又要学生兴趣能提高，就须让精彩纷呈的艺术有机的与课堂教学互相利用，使各类艺术互相渗化，保持课堂内容的新鲜感，如；预备年级的《豆贴画》，刚开始两节课，他们贴贴很有意思，兴趣也很高，但是这个作业花费的时间很多，要想很好的完成这幅画，需要三至四课时的时间完成，到后面他们就开始有情绪了。中学生对美术还处在简单的认知性审美上。美术学科也有技巧学习，要在审美与兴趣上提高还需有一些方式方法，对此我曾作过以下尝试：

一、美术的相关课外知识的运用，使学生丰富知识的同时提高兴趣。

如在上初二《雕塑》一课，这课的重点是教雕塑的用途，材料，以及如何制作圆雕。为了使学生在学之前能对该课产生兴趣，第一节课我用多媒体展示并介绍了“中国雕塑与外国雕塑”让学生参与，通过欣赏，分析说明不同时代的雕塑的不同之处，再比较得出结论。课堂上同学们观察很仔细，他们对老师出示的一些从来没有看到过的雕塑很感兴趣，学生的问题很多，有关心作者的，有关心年代的，甚至还有同学对它现在的处境很关心，整节课气氛比预期的还要好。因此我觉得像这样的课前准备是很有必要的，它在丰富学生的课外知识的同时提高学习的兴趣。

二、实物写生将提高学生兴趣。

也是初二《写生素描》一课，写生是这节课美术学习的关键，让学生知道写生是怎么回事，从而引起学生的学习兴趣，让学生去校园写生观察花草植物，通过自己的观察了解植物的结构，和写生的取景构图。最后从学生中找出几位结构特征较明显的同学出来当模特，学生的兴趣一下就提起来了，给模特摆好坐姿，坐好后，以真人为例讲解绘画要点，这时学生的兴趣明显上升，作业的质量也得到了保证。

三、欣赏与技法相结合。

初中美术教育以审美教育为主。审美能力的提高仅仅靠学生技巧的提高来实现是不可能的，只有将欣赏放在技能的前面，让学生在美术教学的基础上，拓展自己的思维，分辩美与丑。按照顺序每节课在黑板上展示范画，并在教师的引导下了解其技法的运用。通过以上的学习最后让学生通过所学的知识完成一张创作画，学以致用。

四、教师给学生的课堂作业给予鼓励和肯定。

美术作业是在课堂中完成的，教师在教学时一方面要下讲台对学生个别指导、指点。对学生的作业，给予一些赞扬，对绘画中有创造性的学生给予肯定，这对提高学生的兴趣起到一定的帮助。

以上是我这段时间的教学反思，谈及了自己的一些体会，在以后的教学中我会继续探讨研究，灵活运用各种教学方法，上好每一堂美术课。

研究的回顾于反思

一、意外收获

笔者在长期的专业培养研究中同时获得了学生的管理方法，在这里一并阐述一下：

1、学生的管理

美术专业有其独特性，除和其他术科的专业差异外还存在思维方式的差异，管理不当就会导致学生的自由散漫或阻碍正常的教学活动，因此管理学生一方面要照顾到专业的特殊性具体问题具体分析，另一方面又要照顾到学校整体的教育教学管理。根据实践和调查研究我认为用“粘贴”方法比较合适。

所谓“粘贴”就是随时随地对学生进行监督管理。这一管理办法是根据美术专业的特点进行实施的。专业辅导不是先上课后练习再讲评这么简单，而是注重在练习过程中进行个别指导。虽然老师不需要每一分钟都在教室里但需要经常在教室里。教师需要化去大量的时间在特长生的身上作个别指导，有时修改一幅画要化去相当长的时间，需要老师作出一定的牺牲，这样一来就解决了上面的三个问题了。教师在安排学生自由消化时也要经常在教室走动以免使学生在老师不在时养成自由散漫的坏习惯，这样一来就象把老师“粘贴”在学生的身上一样。不过要说明一点“粘贴”本身不是完全由老师一手控制学生的所有自由而是要经常关心学生的学习以外的活动和思想动向，课外要经常和学生一起聊聊天有利于建立新的师生关系。

当学生在班级学习文化课时就要进行“粘贴”转移至班级管理，减轻专业教师的负担。但是要解决第三个问题还得要专业教师和班主任时常联系，专业教师要做好上课情况记录及时和班主任取得联系。这样一来就又解决了第一类问题。

2、指导学生处理好专业和文化课的学习关系。

美术特长生在高中三年的学习中和其他学生相比，可以说在某种程度上来说学习负担要重一点、经济开支要大许多。他们要多学习一门专业课，而这门专业课所涉及的内容、范围又相当广泛。这一切在无形之中就会给学生增加很大的压力，如果处理不好就会使学生文化、专业两耽误，进而会引起学生的厌学心理，严重的会造成一无所获。要解决诸多问题的关键是除了关注学生的生活、学习，更重要的是要运用有意义的方法指导学生自主学习。

（1）激励方法

篇12

19世纪以前的绘画寻求形色并重互补的结合，在“色彩”方面主要体现在固有色基础的经营中。印象派动摇了模仿自然色彩为全部目的的传统绘画信念，完成了西方传统范畴内的条件色体系的色彩探索。特别是印象派画家莫奈致力于大自然中环境与光线的研究，突破了传统绘画原来以褐色调子为主的基调，采用鲜明的色彩和笔触直接描绘在阳光下的物象，表现微妙的变化。根据画家的观察和情感抒发，不再强调画面的故事情节和主题思想而是将光线和色彩作课题进行研究，表现物体在1定的环境中和具体时间下给人的视觉感受。这在绘画色彩观念上引起了重大的革新，而莫奈的色彩观念是值得我们去深深体会和研究的。

不同风格的艺术作品，不仅是艺术家技艺性情的不同造成的，而且也是艺术家不同的色彩观念造成的。莫奈运用灵动的色彩语言表现他的情感，用创新的色彩观念在瞬间唤起人们的视觉注意与感情共鸣，从而表现了艺术品真正的艺术生命力。

1.色彩观念的创新性

16世纪的威尼斯画家就开始关注光和色彩，提香、鲁本斯等作品中都有色彩的表现，特别是维米尔善于描绘阳光，对色彩表现进行了探索。wWw.133229.COm先前的美术思潮和艺术流派以及英国风景画的发展给色彩观念的转变提供了土壤，莫奈在此基础上追逐着“光”和“色彩”的变化，突破了传统绘画原来以褐色调子为主的基调，在阳光下根据眼睛的观察和直接感受作画，表现物体的色彩在光照效果下的微妙变化。莫奈善于从光与色彩的相互关系中发现前人从未发现的某种现象，他把全部注意力都集中在光与色彩上，从而找到了最适于表达光与色彩的明度差别变化的形式，他把这种光色明度的差别变化从绘画的其他因素中抽象出来，形成自己的独特风格。这是先前画家所没有找到的切入点，也是莫奈色彩观念的表现。

2.色彩观念对情感的抒发

艺术家都给予自己的作品以感情的表达。莫奈作品的感染力不在于扎实的写实能力，也不在于丰富的故事情节，而是在于色彩观念的转变有利于对情感的抒发。色彩艺术语言既要表现色彩敏锐的感觉又要表现色彩的规律性，在此基础上对色彩进行综合概括从而完成艺术家情感的抒发。艺术家在缤纷的世界中捕捉有价值和感兴趣的事物，富有感情地用独特的色彩语言描绘生活，在作品中凝聚着自己的心血和感情。《鲁昂大教堂》就是莫奈典型的代表作，不同色彩不同情绪的鲁昂大教堂体现了莫奈对太阳光谱的迷恋，同时也是这位艺术家特殊情感的表现。在其狂放不羁的笔触中，人们看到了莫奈在捕捉光的效果，随着光线的变化而调换画布进行绘画创作，形成独特的色调表现。观者就从这色调中体验或感受艺术家的思想情感和情趣，从而引起情感上的共鸣，所以色调在抒发感情方面是重要而有力的绘画语言。

3.色彩观念对形体的解构

莫奈对光色的专注远远超越物体的形象，他在绘画中用自然色彩表现瞬间的印象，使得物体在画布上的表现消失在光色之中，他让世人重新领悟到光与自然新的结构。其绘画所散发出的光线、色彩的活力，取代了以往绘画中严谨构图和造型的传统主义。

莫奈1生关心的是正确的层次关系，在《鲁昂大教堂》中，我们可以看到莫奈对光和色彩的探索独具匠心。在光照下教堂的轮廓被冲淡了，随着光的变化引起色彩的改变，教堂形态也发生了变化。画家注意捕捉每1瞬间表面色彩与长久不变的形体结构的对比关系。正是因为此，莫奈能够轻而易举地表现出他所看见的事物，色彩就成为他在创作中的关键点，不是集中表现景物形体，而是关注景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果。因此，这种艺术观念1旦成为主导思想，就有可能导致只抓住了细微的变化，反映了微妙的色彩层次，而在1定程度上失去了对全局的把握。

4.色彩观念对绘画语言的表现

莫奈捕捉外光下景物光线变化的色彩瞬间印象，用细碎笔触的厚涂法将对比色并置，认识到暗部或阴影并非单纯黑色的浓淡变化，而是透明的、有冷暖倾向的色块组成的，并形成微妙的过渡。莫奈淡化了景物的体积感，强化了色彩因素，不再依靠明暗和线条形成空间感，而是依据光反射原理，用色彩的冷暖形成空间，表现鲜明生动的景物。所以说莫奈的景物描绘，打破了“固有色”对物体的限定，诠释了“条件色”的色彩语言和风格，这是莫奈特殊色彩艺术语言的表现，充分表现出大自然给予物体的灵动之美。

莫奈有着对色彩的敏感，有着对局部色彩细微变化的关注，他就是在这种细微的关注中体会色彩的魅力。其画作《日出——印象》中雾气交融的景色，让人感受到艺术的境界，体会到大自然的奇妙。莫奈不只满足于能够画他所看到的事物，他想要创造1种独特的效果，他喜欢使人眼花缭乱的东西，他描绘的河水、天空、房屋和树木都洋溢着非同寻常的生命感。他对同1主题反复在1天中的不同时间写生描绘，画出不同的光景与气氛，用极其熟练和简练的色彩语言描绘的《睡莲》，达到了艺术的高峰。

莫奈色彩观念的转变给艺术发展注入了新的活力，出现了注重强烈色彩效果的野兽主义；通过色彩和笔触表现心理的表现主义；纯粹以色彩的点、线、面构成画面的抽象主义，莫奈色彩观念的转变在西方现代艺术的发展过程中有着深远的意义。本文只是从上述4个方面探索莫奈的色彩观念，通过对色彩的感悟和领会，对莫奈的色彩观念作1些阐释，其他方面还有待人们进1步体验和探讨。

参考文献 (冒号)：

[1]（英）贡布里希著，范景中译.艺术发展史.天津美术出版社.

[2]孔新苗.中西美术比较.山东画报出版社，2002.