艺术设计研究范文

引言：寻求写作上的突破？我们特意为您精选了12篇艺术设计研究范文，希望这些范文能够成为您写作时的参考，帮助您的文章更加丰富和深入。

篇1

3.现代性的视觉制度马丁·杰，刘晓伟，MartinJay，LiuXiaowei

4.艺术是历史吗?斯维特拉娜·阿尔佩斯，张怡，SvetlanaAlpers，ZhangYi

5.山西青龙寺取经壁画与榆林窟取经图像关系的初步分析于硕，YuShuo

6.莫高窟第361窟的中唐供养人——莫高窟第361窟研究之三赵晓星，ZhaoXiaoxing

7.2010敦煌论坛:吐蕃时期敦煌石窟艺术国际研讨会综述沙武田，ShaWutian

8.探析大山里的"晚清服"徐雯，XuWen

9.高句丽和汉、魏晋南北朝古墓壁画中出现的加髻研究臧迎春，任潾，ZangYingchun，RenLin

10.北京服装学院服装艺术与工程学院2010届优秀毕业设计作品

11.长命锁文化研究潘妙，PanMiao

12.北京服装学院民族服饰博物馆2010年学术委员会会议综述魏婧，WeiJing

13.数字艺术创作中多元视角及其与吸引力问题的相关性研究(节选)索尼娅·凡·柯克霍夫，邱忠鸣，王万宏，张正，SonjavanKerkhoff，QiuZhongming，WangWanhong，ZhangZheng

14.论装饰雕塑艺术及其社会功用王铁城，WangTiecheng

15.试论信息设计中的意义建构詹炳宏，ZhanBinghong

16.中国现代漆画的发展历程田辉，TianHui

17.文化创意产业研究的回顾与前瞻艺术设计研究 王美雅，WangMeiya

18.被扭曲的但托——对"艺术终结论"的一项必要的事实陈述李军，LiJun

19.哲学对艺术权能的剥夺亚瑟·C·但托，郑伊看，ArthurC.Danto，ZhengYikan

20.体验式教学模式于艺术设计教学中的应用与研究杜冰冰，DuBingbing

21.北京服装学院造型艺术系2010届优秀毕业设计作品

1.卡尔·古斯塔夫·卡鲁斯的"丁登寺"和同时代的浪漫主义绘画基德·黑尔格·弗格尔，刘泠杉，Kid-HegelVergal，LiuLingshan

2.发现广告中的创意点薛振添，XueZhentian

3.游规矩于准绳之内寄妙理于法度之外——宋以前古代界画的发展特点王艳云，WangYanyun

4.人民的图画——《清明上河图》的重新发现与"宋代风俗画"概念的产生黄小峰，HuangXiaofeng

5."中国古代墓葬美术研究国际学术讨论会"综述王伟，WangWei

6.对话伦敦时装学院设计与技术学院院长科林·伦弗鲁教授谢平，兰岚，王路阳，XiePing，LanLan，WangLuyang

7.当代箱包设计在造型和结构上的创新性李雪梅，LiXuemei

8.背水一战的奢侈品时尚展望杜冰冰，DuBingbing

9.论现代男装设计异性化风格的发生模式建构及其影响蔡蓓，CaiBei

10.中国剪纸与芬兰史诗的邂逅乔晓光，QiaoXiaoguang

11.解读后期印象主义画家徐冬青，XuDongqing

12.北京服装学院中华人民共和国60周年国庆群众游行服装设计效果图

13.论设计历史阐释的四个中心李立新，LiLixin

14.从《点石斋画报》管窥晚清上海都市女装的设计与消费郭秋惠，GuoHuiqiu

15.新艺术运动与高迪作品中的曲线何宁，HeNing

16."信"的通道——记2009北京世界设计大会暨首届北京国际设计周白鹿，李俊红

17.设计学的社会科学化倾向与实证研究的兴起——兼论当代艺术设计研究的理论前沿与发展趋势祝帅，ZhuShuai

18.从心所欲不逾矩——管窥中国传统家具的"礼乐"特征张青，ZhangQing

19.新时期的中国当代水墨艺术冀少峰，JiShaofeng

20.中国式的国际艺术——武明中访谈录李欢欢，LiHuanhuan

21.美术教育与人格重建丁方，DingFang

22.矛盾与调和——浅论图案中的色彩应用周涛，ZhouTao

23.工业设计专业基础课群的教学研究金慧建，JinHuijian

24.音律法与中国画构图教学陈蕾，ChenLei

25.《第四届"为坐而设计"大奖赛暨"40把椅子"国际设计师作品邀请展参》展作品选

1.我的艺术方法(上)，XuBing

2.刘小东谈1988年至2008年的创作历程刘小东，LiuXiaodong

3.谈艺术与眼界陈丹青，ChenDanqing

4.建筑之常道易介中，YiJiezhong

5.东京城市的构造解读宁晶，NingJing

6."新"时代的"慢"设计郭晓晔，GuoXiaoye

7.生命的感悟——试析杉浦康平的书籍设计盖克娇，GaiKejiao

8.从"无印良品"看日本民族化品牌形象的推广王宜梁，WangYiliang

9.高难度的命题设计贺阳，HeYang

10.青花瓷2008新印象尤珈，YouJia

11.2008奥运会中国体育代表团领奖服设计解析王丽，WangLi

12.08奥运国家队服设计中BLAZER的应用研究马淑燕，刘瑞璞，MaShuyan，LiuRuipu

13.设计形式、文明内涵与综合国力祝东力，ZhuDongli

14.《饰》北京服装学院学报艺术版征稿简则

15.主义·创意·品牌——关于当代艺术王焕青，WangHuanqing

16.互换黄心健，HuangXinjian

17.北京服装学院传媒设计与公关艺术专业建设的探索与思考李喆，贾荣林，LiZhe，JiaRonglin

18.漫步黔东南——教学实践考察札记喻高，廖家萍，YuGao，LiaoJiaping

1.古村落水环境探析与理想栖居创生陈六汀，ChenLiuding

2.博物馆——城市之心王子怡，WangZiyi

3.仓禀实而知礼节邪?——现代设计与社会丰裕的关系杨盼，YangPan

4.艺术与科学关系的解读芮钧，Ruijun

5.交流·阅读文稿·互动——书籍整体设计伊始的两个重要环节张森，ZhangSen

6.珠宝首饰设计百年回望邹宁馨，ZouNingxin

7.中国首届服装院校时尚画联展作品选

8.欧美当代艺术首饰选

9.艺术设计研究 杜宾陶艺作品选

10.儿童书籍开本设计刘丽华，LiuLihua

11.校园中心广场空间形态规划研究——以北京服装学院校园中心广场规划为例刘婷，LiuTing

12.从大师作品看时装画的理性修养刘瑞璞，LiuRuipu

13.斯人西去故园在——记世界著名日本时尚艺术设计师矢岛功先生李祖旺，LiZuwang

14.瑞恩·格雷服装画中的提炼艺术刁杰，DiaoJie

15.从文化变迁谈民族服饰的演变马炎，康洁平，MaYan，KangJieping

16.从"可巴雅"(Kebaya)谈印度尼西亚的服饰文化赖圆如，LaiYuanru

17.《饰》北京服装学院学报艺术版征稿简则

18.关于网络课堂的构建陈望，毛可利，ChenWang，MaoKeli

1.商周青铜器上组合纹样的宗教含义陈芳，ChenFanghHTTp://

2."福田"衣与金色相--以青州龙兴寺出土北齐佛像为例邱忠鸣，QiuZhong-ming

3.言外之意,象外之旨--魏晋南北朝绘画的精神旨趣张玉安，ZhangYu-an

4.非洲蜡染服装特征与结构类型研究王华，赵丰，WangHua，ZhaoFeng

5.穿在身上的"雕塑"--几种常见的面料触觉肌理效果张勇，ZhangYong

6.丹寨苗族的"窝妥"纹刘琦，LiuQi

7.自然与理想的融合--中国人尚"红"现象解析何苗，HeMiao

8.设计是引导人类自我毁灭,还是趋向美好世界?李雪梅，LiXue-mei

9.从国内家纺展会看流行趋势对设计的影响刘娜，LiuNa

10.浅析书籍装帧中的书脊设计艺术设计研究 王易，WangYi

11."北京无障碍环境"公共导向系统设计的思考贾荣林，吴琳，JiaRong-lin，WuLin

12.景观设计的功能解读王牧，WangMu

1.时尚爱德华·阿尔斯沃斯·罗斯，窦倩，Edward·Alsworth·Ross，DouQian

2.王欢的世界——视觉文化研究视野中的中国当代艺术陈岸瑛，ChenAnying

3.关于现当代艺术的思辩邓平祥，DengPingxiang

4.敦煌莫高窟第158窟与粟特人关系试考(上)沙武田，ShaWutian

5."米点山水"辨正韩刚，HanGang

6.民族精神与现代时尚——"中山装概念"主题性时装设计新探索刘元风，LiuYuanfeng

7.从中山装看传统服饰文化的继承与创新李迎军，LiYingjun

8.从铁镜公主的扮相看旗装的发展变化孙红侠，SunHongxia

9.魏晋士人的服饰风尚——以士人对名教传统的反叛为线索张玉安，ZhangYu'an

10.西夏服饰研究之三——北方各少数民族对西夏服饰的影响谢静，XieJing

11.刺痛与抚慰——谭平作品的哲学解读彭锋，PengFeng

12.解读华涌关于经济的艺术雷达理，赵玉亮，RectorTully，ZhaoYuliang

13.时尚品牌广告的跨文化传播贾荣林，JiaRonglin

14.论传统工艺文化在"日本设计"中的作用及意义赵云川，ZhaoYunchuan

15.日本城市的景观表情陈六汀，ChenLiuting

16.大众消费与时尚意象——中国玉文化的现代传统朱怡芳，ZhuYifang

17.混血族群的身份认同与艺术消费·佐尔菲戈哈瑞恩，安·T·乔丹，韩雪岩，MohammadaliZolfagharian，AnnT·Jordan，HanXueyan

18.反观念主义:精神追求的执迷克里斯蒂·格雷戈里，杨洁，KirstieGregory，YangJie

19.美国当代艺术教育(上)蒋奇谷，JiangQigu

20.《艺术设计研究》北京服装学院学报艺术版征稿启示

21.高等服装专业人才培育与"主轴——渐层式"教学会议沟通模式关系的研究章以庆，ZhangYiqing

4.设计中的文史哲——对设计的解读李砚祖，LiYanzu

5.艺术设计研究 人际和谐——中国艺术设计价值取向冀望吕品田，LvPintian

6.丝绸之路上的纺织艺术赵丰，ZhaoFeng

7.秋波临去——《西厢记》莺莺像考董捷，DongJie

8.云冈第19窟明窗——再论昙曜五窟任平山，RenPingshan

篇2

从本质角度来看，产品所具有的实用性功效与自身所产生的功能之美并无过多的联系。可是从主体范畴而言，实用性质的功能对它的审美评价具有十分深远的影响。功能范畴所产生的美感从某种程度上深刻体现了对它审美体系的评价，在其中所能表达出的东西都能深刻体现出一种极致的美感。功能范畴的设计对十八世纪以来仅是注重外在的表现形式且忽略内在的错误理念进行了最大范畴的纠正。与此同时也形成了一种尤为简洁，具有现代气息的崭新风格，能对功能范畴的结构之美进行深入细致的挖掘。

二、艺术设计蕴含的材料之美

当前形势下，在整个人类生存与发展的进程中，材料实质上发挥了尤为重要的功效，材料从某种程度上甚至可以视为现代文明的重要支撑，在社会的发展方向也产生了不可小觑的影响。在现代化科学技术能有效转化为社会生产力上，材料也扮演着极为重要的角色。所以，现代社会的艺术设计与材料也是息息相关的，务必深入细致地处理产品结构层面以及环境设计范畴，产品在形态范围，颜色范围，质感角度和肌理层面的处理，如此一来就能够充分展现出新颖材料所具备的重要特点。运用各种恰当有效的方式去有效处理各种材料，就能从多角度满足人们的审美需求，从而在通过艺术设计之后的材料中获得一种美感享受。对于各种不同的材料来说，工艺上所采取的手段也是大相径庭的。例如我们经常说的材质漂亮，工艺巧妙，对于各种迥异不同的材料必须彰显出与众不同的特征，这就对产品所具有的功能性与美感产生了相当大的影响。对于手工艺品来说，需要制造者务必真正意义上用手去触摸材料，深入细致地了解材料自身所具备的质地优势。譬如我国拥有古典风格的各种家具中，具有明式特点的家具就充分展现出了一种质地层面的美感。各种不同的器具，在材料的选用上、制作方式上、技术加工上都彰显出各种与众不同的特点，艺术设计者务必深入了解材料自身所具备的特征，采取与之特征相适应的设计方案，方能让器具在设计上通过材料体现出一种极致的美感，最终让产品、材料、美感、设计融为一体，这样就能彰显出艺术设计中的材料之美。

三、艺术设计蕴含的形态意境之美

所谓意境实质上是指艺术层面的形象与情境融为一体所展现出的情境交融景象。从艺术设计层面而言，意境通常不是一个十分具体的形态，可是意境绝对是通过形态所生发出来的，人们看到某种具有美感的形态产生丰富的联想，从而进入一种想象性的境界，最终达到“此时无声胜有声”的最高艺术境界。从上述角度来说，艺术设计蕴含着形态意境之美。所以，从艺术设计范畴的角度看，形态意境是能够让艺术设计作品产生审美价值的重要因素，它能让欣赏者产生“余音绕梁，三日不绝”的美感。艺术设计的形态意境之美主要体现在以下两方面：第一，就是将设计者的感情转化为具体的形态，切实做到借助具体事物抒发感情，让感情与意境和谐，让感情与具象融为一体；第二，设计者务必通过设计表现出一种暗示与象征的意向，让意象在具象中体现出来，最终达到虚实相生的境界。我国古代私家园林设计中很多借物造景的手法，就是形态意境在环境艺术设计中的最佳体现。总之，形态意境是中华民族美学的重要内容，也是充分体现设计产品审美价值的完美概念。对艺术设计作品的欣赏，完全可以让欣赏者进入一种情景交融的自我陶醉境界，从而领悟到艺术设计的形态意蕴之美。

四、艺术设计蕴含的科学之美

在艺术设计的进程中蕴含着科学之美，这种美是一种极为独特的审美态势，充分体现出理智层面的相关问题。从形态范畴对艺术设计的科学之美进行思量，主要包括科学层面的伦理之美与科学层面的产品之美。从创作学范畴对科学之美进行思量，主要包括理论层面的创造之美与科学层面的实验之美。然而，科学范畴的设计美感并非是积极展现在研究成果之上，而最为重视的是科学创造的进程。科学之美务必经过理智层面的熏陶方能深入理解。这就充分体现了艺术设计科学之美的独特之处。艺术设计中的科学之美并非是在自然常态下存在的，更加展现出一种对实践生活的深刻感悟。在这种独特的审美体验中，最重要的是体现了自然常态下的一种和谐与融洽。不管是外在层面的设计，还是内在层面的设计，都能让人产生一种极致的享受之美，领悟到一种至上的全面之美。实质上，科技之美也完全能够作为美感体验中的一种最高形式，在归纳出审美的必然规律之后，进行无限创造。人类在不断创造发明的过程中，总结出各种符合自然规律的审美经验，这种审美经验完全可以和艺术设计融合起来表现出最高境界的科学之美。

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2.艺术设计的特征艺术设计有两个特点，分别是广泛性和主观性。艺术设计的广泛性表现在：艺术设计是一门综合的艺术学科，有很广泛的研究对象，艺术设计的研究内容涉猎各个方面的因素，例如社会的经济、文化和科技等。所以艺术设计要应用到非常广泛的知识。艺术家要具备非常专业的相关基础才能更好的发展艺术设计，保持艺术作品的生命力。艺术设计的主观性表现在：艺术设计是以人为主体的，人的审美具有非常强烈的主观性。艺术设计是来自于人的思维与实际的生活，是艺术家综合素质的体现，例如艺术家的表现力、感知力、创新和想象能力等。艺术设计中除了对专业的体现，还有对美的感受，所以艺术设计在展现主题和美的过程中是带有主观性的。

二、艺术设计中艺术美的表现手法

1.对比对比就是指将两个具有强烈反差的要素合理搭配，形成鲜明的对比，突出强烈的特殊效果。例如在色彩学中，最经典的搭配是黑白配；在音乐上，通常会用长短音搭配在一起；这些搭配会给人带来特殊的感受，营造出特别的效果和气氛。

2.对称对称是很容易被理解的，特别是在视觉上。例如在建筑设计中，对称设计较为普遍，从心理学上来说，对称能够传达给人稳重的感受，对称美经过历史沉淀逐渐也运用到很多的科学领域中。在对称中，还存在较为特殊的反演形态，由于不存在绝对对称的东西，所以每个艺术想象的对称是相对的，而不对称则是绝对的。这两者的结合就像多与少、美与丑一样会带给人们不同的体验，将不完美和完美结合起来创造特殊的艺术体验。

篇4

引言

数字化艺术设计是有着自身独特性质和魅力的艺术设计表现形式，它长期缺乏自己完善有力的理论体系，若不树立适应数字化艺术设计特征和发展的观念与思想，不将这些观念和思想引入到数字化艺术设计的创作和欣赏中去，数字化艺术设计就无法突破传统艺术设计的模式和窠臼，无法发挥数字化的优势和魅力。实际上，在我们意识到之前，数字化艺术设计己经走进我们的生活并且迅速地蔓延开来，甚至几乎所有与视觉相关的领域都有数字化艺术设计的痕迹。从好莱坞商业电影中大量运用的数码特技到我们在个人电脑中见到的应用程序界面，从我们沉醉其中的电子游戏到国际互联网上丰富多彩的Web页面，都是数字化艺术设计的作品。尽管数字化艺术设计已经广泛地被应用于人类生活的各个领域，成为艺术设计表现形式的重要组成部分，但我们在数字化艺术设计理论上所作的研究和探索还显得不够。

1.艺术设计的数字化应用现状

21世纪的中国社会已进入一个准数字化时代，随着现代科技突飞猛进的发展，计算机技术得到了广泛的运用，从而为数字化艺术的普及和推广打下了深厚的社会基础。然而，就数字化的艺术创作而言，特别是民俗题材的艺术创作却挖掘不够。具体表现在：

（1）数字化应用方式单一，深度欠缺。

国内目前的民俗艺术数字化多附属于对古文物、遗产、古书籍的“博物馆式”展示上，比如位于北京的中华世纪坛世界艺术馆就有专门的数字艺术馆，利用数字技术对艺术品的资料信息进行全方位收集，国内各大博物馆也陆续投入了大量设备进行数字化平台的搭建。但关键的是，全面深入研究地域民俗艺术，并直接服务于民俗艺术创作的数字化平台形式却没有。

（2）注重数字化的技术层面，忽视艺术创作本身。

从表现形式上看，数字化艺术创作采用的是一种高新技术，在创作手段、制作工具等方面显得新颖而独特，在信息传播过程中呈立体化、全方位态势。但设计者在进行创作时，特别是民俗题材的创作，往往过于将注意力放在了技术层面，而忽视了民俗内容表现。

（3）数字化艺术作品较少开拓本土民俗文化。

所谓“民俗”文化，一定是本民族的或代表本地域风俗的文化，但少之又少的恰恰是反映这方面题材的本土数字化艺术作品。2006年暑期，号称“史上投资最大”的国产动画电影《魔比斯环》在全国各大影院公映，但让人费解的是，作为中国首部全三维动作大片，主角竟全部是外国人与外星人，造型和场景十分精细，但得到的评论却是美国《星球大战》的翻版。民俗艺术创作缺乏的不是民俗题材，我们的民俗文化异常丰富，国外以中国文化背景创作文化艺术作品的例子比比皆是，比如：郑和下西洋被外国人写成《1421：中国发现世界》赚到1.3亿英镑，《三国演义》被日、韩改编成游戏赚得盆满钵盈，美国版的《木兰从军》备受国内观众追捧，等等。看来，我们不缺文化，缺的是文化意识，一种将内容与表现形式、技术与艺术相融合的意识。

2.国外艺术设计创作模式探讨

对于艺术创作本身，时至今日，欧美发达国家已经形成了一套比较科学与准确的、以数字化技术手段支撑文化艺术内容发生与发展的创作模式，数字化应用不再仅仅限于电影制作，而是延伸到包括电视、绘画、雕塑、广告设计、产品开发、游戏制作等的各个领域。一方面，各国对于本民族与他民族文化艺术的数字化平台搭建比较完善，另一方面，数字化过程也不再一味在技术上求新、求怪，而更多地对表现内容进行思考。运用新技术表现具有民族情感、民俗文化的典范作品层出不穷。比如日本动画片大师宫崎骏的作品《千与千寻》荣获第52届柏林电影节金熊奖，这是国际著名电影节首次将最佳影片奖项授予一部动画片。宫崎骏坚持手工绘制动画片，然后由计算机处理，成为第一个对3D动画片说“不”的人。他的忠告是：“技术看起来使人自由，其实分工过于精细，很容易使独具匠心的制作变成流水式的生产。”他的成功在于选择合理的技术手段使作品表达细腻的日本文化内涵，而非一味追赶3D时尚潮流。国外在依托数字化手段宣扬本民族、民俗文化的同时，也在积极搜寻他民族文化精髓，经典的“花木兰”就被迪斯尼搬上荧幕而一度成为广受欢迎的“时尚大戏”，还有《红楼梦》、《西游记》、《水浒》、《三国演义》、《封神榜》等大批中国名著也被日、韩频繁地运用数字化形式开发成游戏、绘画等。可以看到，当数字化技术服务于鲜活的民俗文化内容，必将导致艺术设计作品具有更强大的生命力与艺术感染力，这就是我们提到的数字化艺术与民俗化设计。

小结

数字化是科技进步的产物，也是时展的必然;民俗化是民族文化弘扬的有效途径，也是艺术作品生命力展现的源泉。基于数字化的民俗题材开拓与艺术创作，实际上就是对当前艺术设计方式、手段及内容不能符合创意产业发展要求所提出的一种新的行业发展要求。应该看到，数字化与民俗化的相互联系、相互促进是一种必然。数字化艺术可以从民俗文化中汲取创作的灵感和素材，同时，也能体现设计的民族特色。而数字化艺术由于采用的是功能强大的数字化技术，所以能为民俗文化提供广阔的创作园地，数字化技术的某些特殊效果也可以直接运用到民俗艺术创作中去。总之，有理由相信，数字化艺术与民俗化设计的互相融合，将为国内创意产业的形成与发展带来一个明媚的春天。

参考文献：

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1.在人类历史上直到今天，无论是对帝王或对贵族，甚至对平民而言，建筑工程都是一件大事，不论建筑物是用来供奉祀祠还是炫耀、居住，相较其它的艺术设计门类，建筑都必需涉及到大量的财力、人力、物力、技术并需要投人大量的精力，而且建筑物相较于其它设计物品时间更长，影响力更大，就这一点而言，对建筑术(建筑学)的重视是必然的。

2.人对建筑的感受源于人的基本生存机能，即建筑不仅是满足了人的某些使用要求，同时是提供了某种生存环境—而人对环境的判断、感知能力是生物生存根本的机能之一，建筑的艺术性和审美可能正是建基于此。

3.普遍的人类艺术史与艺术理论研究对建筑学也有偏重。传统艺术史与理论每在提到“art’’艺术一词时，它都是包指绘画、雕塑、建筑三者，这一点今天也仍然被人们广泛接受。瓦萨利在其《艺术家传略》中，最先将以上三者以同一步调展开论述，而且他第一次从中归纳出了一条共同的标准:三者都是“artofdesign”“设计的艺术”(或“结构艺术”)以及我们今天认为理所当然的东西—视觉艺术的内在统一性，他还认为建筑这种非模仿性艺术要比再现性艺术处于更优越的地位12】。由此，就造就了建筑学成为艺术设计门类的总领这样一个地位。早在14世纪，在其它艺术设计门类中如陶瓷、纺织领域，设计者已经比制造者更加引人注意，但他们在理论上、在社会中从未能取得象建筑师那样的地位，“艺术设计”则更是一个近现代才出现的学科概念。

4、建筑学是艺术与科学的联系纽带。把“建筑学”与绘画、雕塑并列是有一定的思想背景的。从柏拉图在其《理想国》中排斥艺术开始，人们总是视纯艺术(绘画、雕塑等)会有一种过分放纵的可能性，而建筑却与他们不尽相同，建筑术不仅切合“art”艺术的原义(技巧、技艺)，而且它还是一种被当时人们倾慕的实用技术。文艺复兴时期艺术家对建筑的涉足，源于一种追寻科学的冲动，也隐含着通过这种“涉足”提高自身地位的要求(画家在文艺复兴前地位不高)。对建筑学本身的理论研究更提供了这种科学性的“佐证”:建筑与数学的关系，建筑与人、与宇宙万物的关系，比例，尺度，风格变化的规律……今天的人们对这些“佐证”的科学性当然已有了与前人大不相同的认识，但这种影响仍在，我们今天也仍在讲:对比、变化、比例、构图、主从关系等等。这些“科学理论”对艺术设计其它门类的影响是显而易见的，在所有与艺术设计有关的门类中，建筑学方面的理论是最丰富、系统、全面的，对艺术设计其它门类产生的辐射作用是显著和必然的。

5.建筑学是具有包容性和借鉴性的。建筑设计从来不是一种单纯的技术活动，它更是一种融合性极强的艺术活动，建筑不能是一个空壳，它要包含陈设、家具、布艺、雕饰、灯具……许许多多的其它艺术设计门类，它和这些艺术设计门类必然会互动式的相互促进借鉴。建筑物实际上是基于某种共通设计理论基础、社会需求的各种艺术设计制造物的整合环境。无论我们今天认为公正与否，建筑学之于艺术设计的这种强势地位都是一种历史使然(也是一种必然)，但也许未必是一种未来的必然。

*建筑学直指艺术设计的核心:

挪威设计师昆特·伊安认为:“一个设计师在实现自己的意图之前，必须认识到使用者的意图”，他暗示出了艺术设计的核心问题:功能与形式的融合。“功能与形式”是一个古老的话题，它并不总是表现为矛盾冲突的两个方面，但也不是只侧重其一就可全面解决问题的。一个优秀的设计是可以两者兼顾，平衡并不着痕迹的。建筑学在这一问题上虽然没有一种万能的解决方法，但却提供了一种思维训练程序。正如贡布里希所说:”建筑应该是证实任何一种关于人造物结构的装饰理论的实例，因为在建筑中我们能够从任何水平上去研究功能层次与装饰层次之间的张力”[3】应该说，对于建筑设计的整个流程而言，功能与形式问题比其它艺术设计门类都强烈、复杂，并贯穿始终:从开始着手设计时对地域、环境、人文、水土、总体造型考虑;设计中对人流路线、功能分区、结构可行性、个人与群体的功能需求、空间感受、构件造型的逐项分析、与水、电、气的功能协调;直到建设中与完工后的使用与美观方面的反馈分析。

功能与形式总是交织并重在一起，需要时时注意给予通盘考虑。在多种复杂的限定条件下满足使用功能又使之具有宜人的美感形式一这种要求与创作训练，无疑也会对进行其它门类的艺术设计大有裨益。

建筑设计中，功能与形式密不可分的特点是被用于创造具有某些使用功能的“空间”的。建筑“空间”这一概念出现于十九世纪末，但创造空间这一活动却与建筑的历史一样长。建筑师是用某种思维能力—“空间感”去完成这一工作的。在建筑设计中，“空间感”是建筑师的“神游”性的想象力，即如菲利普·约翰逊的“行径FOO下户RINT’’、柯布西耶的“路线ROU下E”。简而言之，即建筑师在设计中不单单是去构想建筑中的“面”的组合，也不单单去构想“体”的嵌接，而是以想象力“行进”、穿梭于建筑各部分、内与外、高与低，多视角的预见一番设计的视觉及使用效果。穆哈利·纳基认为:“空间的体验并不仅作于少数的天才的专利，而是属于一种生物学的机能”[4〕，这种能力以及对这种能力的训练，建筑学是很有其长处的(当然，这并不等于说不经过建筑师的训练就不可能具有这种能力)，而这种能力对许多艺术设计如:服装、汽车、日用品甚至许多平面设计(大型招贴所需要的多视角考虑)都是极重要的。我们从西彼勒·克歇尔(《。ltVetti》，990年)对意大利Olivetti设计公司的介绍中得知，意大利的设计师们通常首先创}陈作为建筑师，然后试图更肯定他们作为独立艺术家的角色，“戏剧”被视为设计过程中的一个不可缺少的组成部分。他所说的“戏剧”实际上与英国设计师们提倡的叙事体和比喻特征相类似，都是一种加上了时间程序、节奏、视觉上的情节铺垫，冲突、矛盾、起伏等，“戏剧话语趣味”的“空间感”想象化的设计。

应该说，当设计师具备了在多种复杂限制下全面考虑功能与形式的思考方式，多视角、多层面体会观察的空间感受能力以及以趣味化、戏剧化吸引人的构思，那么这些能力就已经不只可以用来完成建筑设计，而且更可兼顾几乎任何门类的艺术设计了。

*建筑学的社会性:

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问题一：环境艺术设计的“拉斯维加斯化”。我这里所说的“拉斯维加斯化”主要是指在环境艺术设计领域方面出现的一种向美国拉斯维加斯学习的趋势。这种趋势是指在室内设计和景观设计方面忽视传统的文化内涵，用各种媚俗的手段来堆砌作品，单纯的追求所谓的“后现代感”。自上世纪八十年代改革开放以后，这种拉斯维加斯化的趋势在我国表现的尤为显著。直到如今，国内的建筑师和设计师还在争先恐后的“向拉斯维加斯学习”[1]，并美其名曰“后现代化”。在实际设计上，我们经常会看到那种似是而非的作品，它们缺少要表达的思想，更没有文化内涵，只是为了讨好消费者，单纯的用金钱来堆砌设计。这种现象在如今的环境艺术设计领域十分广泛，已经成为全球化给我们带来的一个不可忽视的问题。

问题二：城市街区设计的“曼哈顿化”。我这里的“曼哈顿化”主要是指在城市街区规划方面通通都向美国纽约的曼哈顿学习，认为只有高楼大厦林立才是现代都市。单纯地建造很多的摩天大楼，而忽视了由此产生的能源的浪费和环境的污染。产生这种问题的原因是多方面的，当然，我国人口基数大，人均用地面积较少是其中的主要原因。但我们不能因此就忽视了美国的设计文化对中国年轻一代设计师审美取向的影响，因为这种影响非常的可怕。试想，若干年后，现在的年轻设计师已成长为我国建筑和室内设计领域的核心力量。那时，他们如果都崇尚这种“曼哈顿化”的规划方案，我们的所有街区都将建几十层，甚至百层以上的高楼大厦。我们在浪费大量能源和污染环境的同时，将失去本民族的文化特征。这将是一种多么可怕的灾难。

问题三：影视艺术创作的“好莱坞化”。我这里的“好莱坞化”主要是指在电影和电视制作方面严重倾向美国好莱坞的审美标准，认为只有好莱坞的商业运作才适合中国的影视发展，而忽略了中国的传统文化在影视艺术创作中的作用。如今随着美国在全球文化领域的扩张，好莱坞的各种影视作品充斥着中国的市场。从电影领域的各种“大片”到国人津津乐道的电视剧“越狱”，美国的商业影视正在影响和改变着国人的思想。如今的年轻一代的审美标准已经严重的扭曲变形，他们不再崇尚老一辈的吃苦耐劳等传统美德，也不再认为舍己为人是一种光荣。相反，现在的所谓的80后，甚至是90后的一代新新人类，在网上炫富，在生活中同居，在游戏里虚度年华……像考试作弊等现象，他们不以为耻，反以为荣……他们对金钱的向往，对传统美德的缺失，以及对所谓“美国文化”的崇拜，很难说不是受到美国影视作品的影响。而更大的问题是，我们的民族影视行业非但没有抗拒这种影响，反而在逐渐的被同化。所谓的“好莱坞审美标准”和“好莱坞商业运作”正在被中国影视界美化，被逐渐接受。

艺术设计领域全球化问题的解决之道——民族文化创新

就艺术设计领域的全球化而言，只要一个民族的设计文化对另外民族产生影响，都可以视为一种全球化的过程。因为任何一种艺术设计在全球层面上的流动，往往都是发生在某一个地区或者是某一民族中，由艺术作品和设计思想的流动而向外传播。因此，艺术设计领域的全球化起源于某一个民族或地区，因为某些因素的传播而走向世界的，所以说只有民族的才是世界的。要解决前文所说的艺术设计领域的全球化问题，其根本方式还是民族文化的创新。而且这种创新不是无根据的，它应该是建立在对本民族传统文化精华部分的充分继承之上的。

深刻理解和掌握民族文化的内涵。要继承传统文化，就要深刻理解和掌握民族文化的内涵，只有真正地掌握其内在本质的精神，才能设计出既对传统文化优秀成果加以继承和发扬又与现代手段相结合的完美作品。如果只是复古主义，只是把优秀而丰富的民族文化挪来一用，那就不会真正完美地表达思想。因此，继承传统文化，不能生搬硬套，首先要学习了解传统物质所负载的文化特征与民族特性，取其精华、求其精髓，结合设计理念，创新思维，在重新审视传统文化的同时提出崭新的内涵。设计艺术是一个民族物质文化发展的象征，它像哲学一样给人以启迪。同时带给人们更多的思维方法和更新的生活方式。只有深刻研究和理解中国传统文化，才能真正解答传统文化与现代设计理念相结合的问题。反映在设计学科上，就是要求设计师掌握中国传统建筑和设计的知识，在深刻理解和掌握民族文化内涵的基础之上，将现代设计手法和中国传统元素巧妙的结合。这样才能在实际设计工作中，做到对我们的传统文化继承有余，把握有度。

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3PID教学模式是为了解决在艺术设计课程中应该注意的一些问题而产生的一种教学模式，要求首先要重视课题的选择，即Project。要求课题应该与教学大纲的要求相一致；评价标准要明确，使学生有设计的目标和努力的方向，这样才会增加学生的设计判断能力；课题设计目的要明确同时还要有趣味性和可操作性，这样才可以提高学生的效率和兴趣；同时还要具备创新性和时代性的特征，称职的教师应该善于关注社会问题，发现并且引导学生通过课题的选择与完成去解决问题。其次要把握课堂教学质量，即Process。要求教师进一步完善课堂联系的教学，设计具有针对性的练习题目，同时还要把握好提问的时机以及点评的尺度，提高学生的参与意识，培养学生解决问题和探索真理的精神。再次，是设计说明书，即Description。设计说明书应该包含课题的主题以及来源、基本内容等基本的资料，还需要有学生自身对课题的认识以及设计方法的探索，设计方案和图样、模型也是必不可少的。最后，重视陈述，即Presentation。陈述的好处在于培养学生的语言表达能力以及组织能力，更加考验学生对作品的理解，是不可多得的互相学习的机会。

1.2双主教学模式

双主教学模式吸收了“教师中心”和“学生中心”两种教学模式的优点，摒弃其缺点，成为一种独特的科学教学模式。第一，它强调学生的认知主体地位。在学习的过程中充分发挥学生的主动性和创造性，培养学生将所学的知识外化而解决问题的能力。第二，注重情境的构建。在实际的情境之中，可以让学生进一步用已经学过的知识去同化所学的新知识，从而对原有的认识结构进行改造和重组。第三，注重协作。学生在教师的引导之下进行交流讨论，形成学习群体，在群体中协作学习，讨论和评价，使得群体的思维和智慧可以被群体中的每个成员共享。第四，关注学习环境的设计。在良好的学习环境中学生可以运用各种媒体以及资源来达到自己的目标，不仅仅可以获得教师的帮助与指导，还可以与同学进行交流和沟通，从而起到一种促进学习的效果。第五，发挥各种信息资源的作用。各种信息资源的提供是为了帮助和支持学生的自主学习以及协作式的探索研究，学习者可以充分利用各种资源。第六，学习的最终目标在于完成意义的构建。双主模式强调将学生对知识的意义构建作为最终目的，整个教学过程是围绕意义的构建来展开的。

2艺术设计教学实践的探索

2.1改善教学条件

教学条件的改善首先应该从加强师资队伍建设、优化教师结构开始，就我国目前艺术设计教学现状来看，可以采用“双师型”的师资结构，即既是教师又是设计师的人才类型，但不一定是职业的教师，可以由设计师兼任教师。这种类型的教师经验丰富，实践机会多因而在对学生进行授课时也会适当增强课程的实用性和实践性，但是需要注意的是要把握好这类教师的时间控制，排课时要提前了解这类教会的时间安排。再是要加强工作室的建设。在我国艺术设计专业课的授课中一般意义上的普通教室已经转化为了工作室，但是其内涵与纯粹的实训室是有区别的。实训室是为学生提供实习的场所，学生在实训室里可以在指导下进行实际操作，消化吸收理论知识，而工作室的概念则是课堂，在任课教师的指导下进行仪器设备的操作，理论和实践是结合在一起的，是可以相互转化的。最后，应该加大对教学基础设施的投入。艺术设计专业对于教学设施的要求较高，学校应该相应地加大对基础设施的投入，尤其是实践操作环节的教学设施以及图书资料室的建设，只有这样才能够真正满足学生的需求。

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二、装饰艺术设计课题式教学模式的建设

目前关于艺术设计教学模式的研究依然存在一定的问题，这主要表现在：侧重于各艺术设计形态及其创作技术的本体性研究居多，而对于整体艺术设计教学模式建设及其必要性进行探求性的研究则很少。国内各高校在结合自己的特色，制定了一系列的艺术设计教学的方针和政策，资料显示：中央美术学院是兼有设计与艺术创作并且二者互为学科支撑；清华美院则以信息设计服务为自己的办学特色；中国美院是以数码艺术创作为主要创作团队；浙江大学主要依托“计算机辅助设计与图形学国家重点实验室”，在数字技术支持与艺术表现的结合上进行办学模式的探索；北京师范大学数字媒体艺术专业则更多从教育体系的研究出发，强调学科理论体系的研究以及课程体系、教学体系和教材体系等人才培养体系的建设。这些高校是国内艺术设计院校及专业的典型代表，是国内艺术设计教学研究领域的领军者，具备一定的权威性。课题式教学模式的建设对于提高和加强各专业之间的紧密联系和知识共享起到了一个桥梁的作用。佳木斯大学美术学院已建成版画工作室、漆画工作室、纤维工作室、雕塑工作室、摄影工作室。各工作室拥有较完备的教学设施。针对艺术设计专业课程多而杂的特点，学院在课程设置上要求各专业具备的基础技能、创意能力、项目实现能力等一系列核心技能。形成了以专业负责人或课程负责人主持领衔的工作室制模式的课程体系。装饰艺术课程体系已逐步将“创新、技艺、技能、生产”融为一体，具有系统性，关联性、互为促进性、知识生长性与均衡发展性等特点。“工作室制”的成立，对加强实践教学环节，提升高校一线艺术设计专业中青年教师教学、科研能力；改善高校艺术设计课教学状况，提高中青年教师的艺术设计业务能力及学术水平，都有极大的提高。装饰艺术设计专业的特点是实践，“工作室制”是以在工作室中进行实践为教学的模式，课题式教学模式的建设是关键。

课题式教学模式”以在工作室中进行实践教学的人才培养模式，以课题式教学模式为核心，注重传承与创新，以在工作室实习为平台，模拟真实工作任务为教学内容。形成以应用为主，注重工艺制作和思维创意，培养学生综合能力的课程体系和教学内容。以装饰艺术设计中漆画艺术为例，在研究漆画课题式教学模式研究中，漆画工作室积极向其它艺术学科汲取养分。综合绘画、雕塑艺术、视觉传达等专业的视觉理念和特殊材料的运用，都为漆画带来新的思路。同时学院积极举办各种研讨会，探索与运用“产学研”的教学改革与课程运行模式。

在装饰艺术课题式教学模式的研究中，佳木斯大学漆画艺术收获颇丰。2003年在学校和美术学院大力支持下，漆画艺术工作室成立。2003年首届漆画展到今天的2010年第十一届国展，佳木斯大学漆画艺术从无到有业已走过几个春秋，学校以黑土文化为底蕴，继承创新，开拓出一条属于自己的道路。省展不计，全国美展入选获奖34幅。其中单项展最高奖“凤凰奖”一次，优秀奖3次，五年一次全国美展提名奖一次。改革传统装饰艺术课程模式。漆画创作依托创作基地为平台，教学、培训、研创融为一体，使教学、社会经济、艺术价值同步得到了提升。

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中图分类号：J528 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2017）11-0185-01

一、民间美术的特点

民间美术从广义来说，包括城乡大众的美术；从狭义来说，即指广大人民群众创造的美术，涵盖人们的衣食住行和节日习俗等各个方面。民间美术继承了原始艺术的精华，在原有基础上进行再创造。民间艺术家极富想象力，不受具体事物的限制，创造出来的作品大多造型夸张、表现性极强，极具装饰性。此外，民间美术具有浓郁的地方特点，不仅表达了地方人们群众的深厚情感，同时也渗透着古朴的审美观念和美好的理想愿望等。

二、我国现代艺术设计的现状

我国现代艺术开始于20世纪80年代，随着时代的进步，不断发展壮大。目前，从我国现代艺术设计发展的总体来看，全球化的影响使得艺术设计越来越趋向一致。加上社会的发展，生活水平的提高，人们对现代艺术设计的要求越来越严格，逐渐倾向于西方的工艺设计。这使得很多设计工作者片面追求国外的设计理念，一味模仿国外的设计风格，在与国际接轨过程中，逐渐失去了自己的特色，失去了自己的民族文化。同时，科学技术的发展、互联网的普及，使得设计工作者越来越依赖电脑，很多时候只是从网上搜索一下，稍加整合，就成了自己的设计作品，从而失去了创作动力，失去了创新的能力。因此，为了阻止上述现象继续发生，我们必须好好利用民间美术的特点，改善我国现代艺术设计的现状。

三、民间美术与现代艺术设计的关系

（一）民间美术是现代艺术设计发展的源泉。我国的民间美术遍布各地，并且深受人们喜爱。从艺术形式来看，我国民间美术看重色彩、肌理、点、线以及面在多维空间的秩序化处理，将零零散散的内容组合得整整齐齐，这就使具有自然形态的物象有了一种和谐统一的秩序。对这种优秀的形式美感进行借鉴与再创造，对于我国现代艺术设计的构成无疑会有极大启迪。另外，我国民间美术中将抽象化为具体的艺术，正好与现代艺术设计中以“图形的象征意义”传达真正艺术思想的方式相类似，给欣赏者留下充足的想象空间。这些都为我国现代艺术设计灵感的获取提供了丰富的源泉。

（二）现代艺术设计是对民间美术的继承与发展。随着时代的发展，文化、经济和人文背景都有所改变，再加上外来文化的冲击，使得现代人们在生活方式、生活节奏和审美标准上发生了很大变化。这对于我国传统民间美术的继承与发展而言，无疑构成了严重威胁。而将民间美术融入到现代艺术设计中，使民间美术通过与现代艺术设计的融合发展，实现新时期的再创造，重新赋予其新的发展内涵，这对于民间美术而言，无疑是一次很好的继承与发展的机会。

四、促进民间美术与现代艺术设计结合的措施

民间美术是中国传统文化的宝贵财富，现代艺术设计则是现代文明的表现形式，民间美术与现代艺术设计相结合，是一件互利互惠的事情，一方面可以使民间美术焕发新的活力；另一方面，可以使现代艺术设计更具特色与内涵。因此，我们必须通过各种措施来有效促进二者之间的结合发展。首先，要充分保护和发展具有民族特色的民间美术，激发民间美术的创造力，使之能够为现代艺术设计提供灵感源泉。其次，在现代艺术的设计过程中，要充分融合民间美术的元素，将传统的形式内容整合成具有现代气息的作品。两者相互促进。最后，应注重民间美术与现代艺术设计综合型人才的培养，在加大民间美术人才传承、优化艺术设计人才培养的质量上，促进民间美术界与艺术设计界之间的活动交流，促进人才的跨界交流与合作学习。

五、结语

民间美术作为民族文化的重要表达方式之一，凝聚着民族的情感。现代艺术设计虽然具有鲜明的时代特性，但是在时展的浪潮中，面临着逐渐丢失自己特色的危险。所以，我们必须积极促进民间美术与现代艺术设计的结合，这样才能使我国的现代艺术设计更好发展。

参考文献：

[1]袁浩鑫，肖宇窗.传承与超越――民间美术对现代艺术设计教育的几点启示[J].重庆文理学院学报（社会科学版），2007（04）.

[2]方怿.民间美术中的“隐喻”思维对现代设计的启示[J].株洲工学院学报， 2004（03）.

[3]李承华，董德丽.谈民间美术对中国现代平面设计的几点启示[J].美与时代，2004（08）.

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关键词:

数字媒体;公共艺术;融合;地域文化

一、发展现状

公共艺术作为城市的名片，在塑造城市独特性格方面发挥着重要的作用。公共艺术已成为构建当代城市多元文化、传播公共信息的重要方式之一。公共艺术作为城市中不可缺少的视觉艺术形象，记载着城市的历史，蕴涵着城市的文化。其设计既应满足城市公共文化服务的需求，又应体现城市的地域特色和历史文化。数字媒体打破传统的单项公共艺术交流模式，使观者不自觉地成为作品的一部分，与之形成互动。数字媒体作为艺术与技术的结晶，是一种直接的信息传播方式，活跃于公共服务领域。在英国，数字媒体产业的产值约占GDP的7.9%，是第一大产业;在日本，电子游戏、动漫卡通、网络游戏等产业成为仅次于汽车业的第二大产业。国内数字媒体产业也在飞速发展，近几年，数字媒体技术与公共艺术设计的融合较为普遍。数字媒体具有公共性和人情味，不仅传播符号多样，而且反馈灵敏、调整迅速，对消费者行为具有积极的影响。

二、数字媒体融入公共艺术的意义

城市公共艺术在设计中越来越多地与影视广告、三维动画、网络游戏、网络艺术、数字音乐等现代数字媒体艺术相结合，并取得了良好的效果。

(一)凸显公共性

数字媒体介入公共艺术设计，以视频艺术、音频艺术、编码艺术、交互艺术、网络艺术等手段为基础，将艺术与技术巧妙结合，产生了全新的动态艺术表现形态，丰富了公共艺术的内涵。在城市广场公共艺术设计中，利用数字媒体艺术的独特传播方式有利于广场氛围的营造，趋向大众化，具有亲和力，增强了公共艺术品与观众之间的交流与互动，凸显了公共艺术的公共性质。美国芝加哥千禧公园中的皇冠喷泉(CrownFountain)就是数字媒体与公共艺术完美融合的典型实例。设计者将媒体艺术巧妙融入公共艺术，将喷泉的背景设置为多媒体屏幕。由电脑控制的多媒体显示屏交替播放着代表芝加哥的1000个市民的笑脸，以此欢迎来自世界各地的游客。每隔一段时间，多媒体屏幕上从市民的口中会喷出水柱，为观众带来一阵阵惊喜，加强了媒体公共艺术与观众之间的互动，凸显了公共性。

(二)增强互动性

数字媒体融入公共艺术设计，丰富了公共艺术的表现形式，为公众营造出网上虚拟空间。随着数字技术的介入，人们可以更方便地进行交流，互动性增强。为纪念遇难同胞而建的“国家公祭网”就是很好的例子。网友可通过网络媒体为遇难同胞点蜡烛、献花，以表达对死者的哀悼。“国家公祭网”设计色调以血红、黑色和白色为主，凸显了“国之祭、史之痛、民之愿”的主题。目前，该网推出了中英日三种文字版本。中文版主要分为公祭资讯、海外公祭、在线公祭、公祭回音、公祭教育、公祭知识和网上史料馆等七大板块。英文版和日文版均分为在线公祭、公祭资讯、公祭知识、论坛互动等四大板块。媒体艺术的应用不仅为公共艺术设计提供了高科技的设计平台，也丰富了公共艺术设计的表现形式。

(三)塑造城市美好形象

多媒体公共艺术作为动态艺术表现形式，通常以动态的形式与公众进行互动。通过动态媒体艺术手段，融独特的地域文化、自然环境与现代城市的气质于一体，可以彰显城市个性，营造城市的美好形象。在部分欧美国家，公共艺术已发展成为城市文化生活的重要标志。例如法国巴黎的凯旋门和埃菲尔铁塔，不仅形象地记载了城市的历史，而且体现了城市独特的地域文化。又如，2008年北京奥运会闭幕式上，策划者运用数字媒体艺术方式将各个国家的国旗以超大电子屏动态传播的形式呈现在人们眼前，给观者带来了全新的视觉体验。

三、南京公共艺术设计

南京是我国著名的历史文化名城，被誉为六朝古都、十代都会。远古文化、六朝文化、明文化、清()文化与民国文化交相辉映，悠久的历史为南京留下了丰富的文化遗产，奠定了南京特有的文化底蕴。而目前真正能够体现出城市地域文化特征，且满足公共文化服务需求的公共艺术设计很少。南京公共艺术的设计大多没有与数字媒体艺术相融合，形式单一，不能给观者留下深刻的印象。公共艺术设计要想体现出一座城市独特的审美价值，就应加强与数字媒体技术的融合。

(一)数字媒体在南京公共艺术设计中的运用

数字媒体技术以“智能化”为主要特色，结合平面媒体、网络交互、影视动画等多种形式使得公共艺术的表现形式多样化。2014年南京青奥会上大量采用了数字媒体技术，让南京在交通疏导、安全保障、休闲购物、旅游住宿、文化及运动场馆建设等公共空间的现代化设计方面均展现了世界一流水平，从而给各国游客留下了美好印象。南京多数公交站台的上方设置了显示“XX路公交车离本站还有几站”字样的多媒体电子屏。等候者可以根据屏幕上的提示清楚地了解等候的时间。

(二)数字媒体介入公共艺术的对策

1．视频和音频取代传统媒介

借助视频和音频等新媒体表现方式能够更好地体现城市的地域文化，塑造城市的美好形象。可以在南京城中心地段设置多媒体大屏幕，交替播放南京的文化、历史、娱乐、美食。在城市公交站台橱窗中，可以结合数字媒体手段，交替展示两幅广告，用多媒体动态广告代替静止、单一的传统广告。另外还可以在站台旁设置MP3播放器，根据人们的不同需求播放不同的音乐作品。

2．WIFI全面覆盖城市中心

三年内实现无线宽带全面覆盖市中心，加快推进城市网络数字化系统建设。随着数字媒体技术的介入，人们可以借助无线网络技术与他人随时随地进行互动交流。数字媒体技术结合网络交互艺术，由WIFI向游客提供手机定位导游。公众可以借助无线网络交互艺术，参与网络问卷调查，及时反馈信息，与他人互动，与公共艺术品互动。

四、结语

在数字信息化时代，公共艺术设计应加强与数字媒体技术的融合。数字媒体与公共艺术的融合，有利于增强城市环境的趣味性，增强公共艺术与公众的交流互动。这种互动不受时空限制，能够更好地体现城市的文化，提升城市的品质，凸显城市的个性，塑造城市美好形象。

作者：唐丽 黄文静 单位：江苏经贸职业技术学院艺术设计学院

参考文献:

［1］马骏，张新宇．浅析当代城市广场公共艺术与媒体艺术跨界设计［J］．装饰，2012，(3):139－140．

［2］唐丽．唤醒城市的记忆———六朝文化背景下的南京公共环境艺术设计研究［J］．大众文艺，2012，(3)．

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1.城市夜景艺术设计定义

城市夜景艺术设计指的是在夜的背景下，通过现代化技术（主要是各种灯具），运用光的强弱、颜色等艺术手法对某个城市或者某个节点进行点缀、装饰以达到一定商业和艺术效果的一项工程总称，从而美化环境和改善人们生活环境。

2.城市夜景艺术设计的意义

（1）城市夜景艺术设计代表城市的内涵

什么样的城市一定有一个匹配的夜景艺术，主要是从规模、复杂程度、颜色的变化来体现。例如对于一个国家的首都或者经济中心，那么它的夜景景观设计肯定是富丽堂皇，极具现代奢华的气氛；而对于一些都历史古城，那么它的夜景景观设计大多是古色古香，富含人文气息。

（2）城市夜景艺术设计增强城市的区域功能

城市夜景艺术设计，并不是没有依据的感性发挥，而是一种相当严谨而理性的总体规划，要根据具体节点的不同功能而营造出不同的气氛，以增加城市的区域功能。例如对于商业区的夜景景观设计，必须注意各种强烈色彩的运用，通过闪烁、变幻等手法达到一种五光十色、绚丽夺目的视觉效果，让游客有购物的欲望。

总体来说，一个城市的夜景艺术水平可以大致体现出该城市的发展情况和经济实力。例如商业区的夜景景观设计，对于规模较大的城市，由于消费需求较高、商家较多，因此在夜景景观的设计和效果中更注重整体性、吸引性和表现性。另一方面，也正是由于这种吸引作用，使的更多的商家、游客纷纷前来，形成一种良性循环。

3.优秀城市夜景艺术设计案例分析

西方世界早在19世界末就已经开始了轰轰烈烈的工业革命，各国的现代化水平都很高，因此城市夜景艺术设计也就早早发展起来，并且到目前为止已经形成一套严格原则，以下以加拿大“尼亚加拉瀑布（见图一）”的夜景景观规划观案例加以一定的阐述。

该瀑布位于加拿大安大略省和美国纽约州的交界处，平均流量5，720立方米/秒，与伊瓜苏瀑布、维多利亚瀑布并称为世界三大跨国瀑布。白天俯视瀑布全景，万丈水柱倾泻而下，就像万马奔腾归一，气势恢宏，让人不禁深深感染；而到了夜晚，夜景工程的点缀下，又体现出一种梦幻的境界。首先在瀑布的对岸，设置了黄色的高亮度探照灯，并且光柱在瀑布中上下左右穿梭，其次在瀑布底部每隔一定的距离分别设置一种颜色的LED灯，使的水幕从左到右分别呈现出红、橙、黄、绿、青、蓝、紫，象征一座彩虹大桥跨越瀑布两岸。纵观尼亚加拉瀑布夜景工程我们可以借鉴以下几点：

（1）动静结合

画面的美感，是各种元素的协调，是各个细节的统一，动静结合就是把灯柱的跳动和灯光的静止巧妙结合。例如对岸的探照灯和瀑布底的LED射灯，一静一动，一张一弛，把这种灵动静谧的内涵演绎的淋漓尽致。

（2）色彩交错

如果在夜景景观中不断重复某种颜色、元素，那么便会显得空洞无谓，甚至有种重复、繁琐的感觉，让游客产生厌恶。所以应该大胆的运用想象，把各种有意义的点、线、面根据美的原则有机的结合在一起，这样才可以是游客体会到大自然的美，才会体会到设计师所想表达的思想感情和审美愿望。

（3）富含内容

一项成功的城市夜景艺术设计必须要有自己的内涵，即要有一定的人文精神（这种内涵可以体现为历史人物、神话传说，或者是人们千百年的精神寄托），否则再华丽的外表也无法掩饰内部的空虚，只会是一副空壳。总之五彩的绚丽只有依附在社会的意识形态以上才能升华为具有广泛共鸣的艺术品。

4.城市夜景艺术设计现状及存在问题

随着经济的快速发展，各种生活基础设施、景观工程的完善，国内城镇逐渐摆脱了破旧、落后的面貌，市容景观上有了很大的改观，然而，仍存在着一些制约可持续发展的因素：

（1）缺乏必要的维护、维修机制

夜景景观大多都是曝露于户外，常年受雨水侵蚀、烈日曝晒，因此损坏率也较高，所以必须有相应的维护、维修机制，否则不仅会影响整体夜景景观效果，而且对资源也会造成重大的浪费。

（2）缺乏本土相关专业的人才建设

二三线城市在夜景建设阶段都需要向外引进大量人才，而由于这些“舶来”设计师对当地的风俗情况、地质地貌等自然条件不可能达到百分百的把握，因此在设计的时候就或多或少会有一定的遗漏和不合适，这样就没法把区域性地域性的优势发挥到最好；另一方面，在后期施工和维护方面，无法第一时间排除解决出现的问题，小毛病就能积累成大的全面积瘫痪，加大了维修的资金负担。

（3）缺少中长期的规划

一项成熟、成功的夜景景观设计必须要具备一定的可持续发展性，总的来说就是必须包括短期规划、中期规划和长期规划，其中短期计划指的是在当前一些参考基数（包括人口数量、自然环境、城市规模等硬性指标）的基础上所作出的一些列处理方案和计划；中期计划指的是充分考虑一定年限中的浮动因素而定出的相应措施；长期规划指的是根据城市定位和战略需要对该城市的夜景景观设计有个大致的、规范性的总体定位。然而近年来许多人误认为夜景景观设计就是所谓的“一次性工程”、“快餐工程”，忽略了必要规划的重要性。

5.优化城市夜景艺术设计水平的对策以及措施

（1）建立快速、有效的维护维修机制

快速有效的维护维修机制应该是包括信息收集部门、信息调查部门、施工部门和检测部门，即要从一个多角度、全方位的高度去把握、处理问题。并且各个部门之间是紧密联系缺一不可，只有调查、收集工作做好，才会及时发现问题、排查问题，让施工部更好更有效率的发挥作用；另一方面，施工部的高效高产又为今后的信息工作做了良好的铺垫，总之，我们不能只重视其中一个或几个环节，应该把它们视为一个整体，只有在各个方面互相作用、互相影响、互相促进的作用下才能形成一个完善的机制。

（2）加强相关人员的专业素质培养，建立完善的科学管理制度

科学的夜景工程景观规划需要专业的景观规划人员，政府应加大对这方面人才的培养，针对本地区的丰厚的资源特点与良好的环境状况，科学地制定景观规划方案，如确定夜景轴线、动停空间、开发强度等具体规划项目。

（3）制定一套完整的近期、中长期发展方案

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感觉和知觉以感性形象反映个别事物或事物的个别属性，使人能把握各种现象和事物的外部联系。在艺术设计和设计心理领域中，一般思维方式同样作用于人的感知。设计作品能巧妙运用认知心理学知识安排设计元素、营造恰当氛围的画面，使观察者在面对艺术设计作品时，主动运用其分析和综合、抽象和概括等智力操作对艺术设计信息进行加工，以存储于记忆中的知识为媒介，反映其本质和内部联系。发生思维作用的知觉主要有以下五方面，它们都对艺术设计的知觉思维发挥着重要作用。1 艺术设计视知觉思维

视知觉思维规律的应用，可以帮助一件艺术设计作品传播各种有意图的信息，引起受众的注意。受众的视知觉思维是由于受众以往的视觉经验来产生完整映象的。人对艺术设计作品的识别、认知与记忆，是对作品的本质、鲜明特征等的思维反应和信息加工。视知觉会自觉寻找特征、思考联系和简化信息，用最快捷的方式完成整个认知过程。针对艺术设计篇幅上的局限性―――即只能在有限的篇幅内与受众接触，却要向受众传达一定的有意图的信息这一特点，我们可以运用视知觉思维的规律，使受众正确、快速、有效的接收到设计者所要传达的信息。可以从以下几方面视知觉的规律性进行设计应用：

（1）图像是艺术设计视知觉反应的首要内容，其引起的知觉思维要优于文字。研究表明，受众在看艺术设计作品时，首先会注意图片，然后阅读主题，最后浏览正文。由于图像最直观地诠释内涵，所以在设计作品时要尽量使用合适的、富有创意的图像去吸引受众的关注。

（2）格式塔心理学认为，视知觉有一种推论倾向，可以把不连贯的、有缺口的图形尽可能通过视知觉得到弥补，这是一种由生活经验产生的能动作用。另外，在一定时间内，人们总是选择少数事物作为知觉对象，把它背景区别开来，从而对它们做出清晰反应，这种特性为知觉选择性。

（3）强度较大、色彩鲜明的刺激物容易成为视知觉对象；组合比较规律的刺激物容易成为视知觉的对象。即大小、形状、亮度、颜色恒常性原理。

除了上述规律的运用外，在艺术设计中，要充分考虑受众的心理因素以及视知觉接收信息的规律，各种视觉元素应统筹的排列在一个版面上，形成视觉流程合理、主题突出、层次分明、具备秩序感和表现力的有机整体，才能更好地从视知觉出发，引起受众的深切感知，将信息传播给受众。

2 艺术设计听知觉思维

声音与艺术的关系一直以来都十分紧密。主要体现在两方面：一方面是声音本身可以使受众联想到具体的画面和色彩等信息；另一方面，设计中出现的字符，可以引发受众的阅读，声音在心里默默出现，其联想到的内容也对心理产生作用。

（1）声音的抑扬顿挫，音调的平缓焦急等都会引起听者的思维活动与思想变化。人们通过以往的记忆和丰富的想象力，能够把所看到的内容与声音结合起来。尤其是优美的音乐，配合相应的艺术作品，更能和谐的组织在一起，两者能同时带给人们以艺术上的享受。对于音乐描述的意境和情感，同样可以体现在设计作品中。例如活泼欢快的音乐，容易让人联想到纯度高的色彩和明朗的色调。而蓝调音乐则可以使人联想到低明度的色彩和偏向宁静的画面。

（2）字符作为艺术设计作品中的视觉元素起着重要作用，虽然字符的主要用途是作为信息元素发挥作用的。但其发音，更是传递信息最常用、更直接的方式。字符的发音比书写在生活中应用的更加广泛。艺术设计受众在审美作品的过程中是必定要将字符的发音印记在头脑当中的，只是有时通过发出声音印记在头脑中，有时是默默的不发出声音的将读音印记在头脑中。从这个重要性上来说，尽管字符本身不会发音，但设计者却必定要考虑产品名称发音的听觉效果。作为体现设计意图的不同字符有无计其数的组合可能，但一些禁忌是不能触碰的。例如字符发音在读的时候不可以别嘴，如果读起来像绕口令，受众在发音时就会被难住，对设计作品不知所措，受众在认知新作品的同时，不会难为自己，因此容易降低设计作品的信息传播度。再例如作品主题的发音应该给人以美好的联想。如果主题中每个字都是好意愿，而连读时却让人联想到不好的意义，那这个声音是不成功的。例如：“步祥”、“步福”。

3 艺术设计触知觉思维

触知觉引发的设计受众对艺术设计的认知也有很大影响。科学研究已经发现，触觉、视觉、心理产生的触摸动作、触摸意识或意愿，可以改变人体的化学反应过程。触摸促使人做出基本的生理反应，即感官―情感反应。具体到行为上就是，从观看艺术设计作品开始，受众就会细心观察，作品中如果有真实的或者视觉上的特别肌理或材质，都会使受众进行更加仔细的观察和研究。艺术设计如果引起了消费者视觉或心理上的触知觉反应，也能够达到加深记忆和增强理解的目的。

科技进步带来的印刷技术革新、纸业革新、雕刻技术革新和各种新材料的出现等，都能够使艺术设计进行触觉传播。正是由于技术进步、思维扩展，平面设计才得以从二维的平面中释放，投入到三维空间中来。

4 艺术设计味知觉、嗅知觉思维

通过视觉传达而引起的味觉、嗅觉思维活动，也是设计中的重要组成部分。当人们看到甜橙图片时，头脑中就会浮现甜橙的香味和味道，以及它带给我的甜蜜感觉，似乎此时我们已经闻到了甜橙的香味和尝到了它的味道一样。当我们在使用甜橙形状的便签纸时，就好像正在取走它的一片果实，非常贴心有趣。如果运用梨或其他水果的形象，也会产生类似的效应。这种设计就是运用了相关认知原理，使人将已知事物的记忆升华成相关的抽象概念。

美国著名的文化理论家丹尼尔・贝尔曾经说过，从20世纪的下半期开始，人类已经由以读和写作为接受知识的主要方式，转变为以看和听作为主要的方式。他对学习方式的发展趋势做出了伟大的语言。但这仅仅是一个开始，设计作品对受众的影响从某种角度来说是受众知觉思维反应的深入程度决定的，而艺术设计知觉思维正从以往较为狭窄的研究范围扩展为更加宽广的整个知觉思维领域，必定会有更加丰硕的研究结果。

参考文献：

[1]库尔特・考夫卡，李维.格式塔心理学原理[M].北京：北京大学出版社，2010.