音乐学专业可论文范文

引言：寻求写作上的突破？我们特意为您精选了12篇音乐学专业可论文范文，希望这些范文能够成为您写作时的参考，帮助您的文章更加丰富和深入。

篇1

专业型教学语言是教书育人的重要工具，准确使用专业术语，是各行业人员技术水平的基本体现，在音乐课堂上的专业型语言，更应该注重专业术语的使用。要是教师均使用生活化语言、俗称等代替专业术语，一方面体现不出教师的专业水平和责任感，另一方面给学生留下“音乐课就是唱歌”的片面印象，更不利于音乐人才的培养。例如生活化语言中将三声部称作“上面的”声部、“中间的”声部以及“下面的”声部,而专业术语应该叫“高、中、低声部”。

（二）发挥肢体语言在音乐教学中的作用

广义上的语言包括肢体语言，音乐课堂本身就是一个小的艺术舞台，在舞台上肢体语言显得尤为重要。音乐教师要善于并指导学生准确运用肢体语言来增强舞台表现力和音乐艺术的美感[3]。肢体的伸展舒张均要与音乐节奏旋律相协调，与音乐不协调的肢体语言显得生硬，甚至“画蛇添足”，因此要用准确的肢体语言让学生享受音乐艺术的美。

（三）善于运用诗化语言描述音乐作品

要善于运用诗歌般美妙的语言描绘音乐场景，让学生沉浸在浓郁的语言环境之中。如音乐作品葫芦丝独奏《月光下的凤尾竹》教师可以用这样的语言描述：“宁静的夜空，月光皎洁，江水缓缓的流淌，在月光下晶莹剔透，如何的月光，宛如缓缓流动的江水，化成美妙的雨滴倾洒在凤尾竹上，凤尾竹斑驳的影子在晚风中摇曳，向舞动的绿色精灵……”这样的描述一下子让学生置身于美妙的意境中，受到教育与感染。

二、适当运用时代型网络语言，让音乐课堂接地气，传播正能量

随着信息化水平不断提高，网络语言正在逐步改变并影响着人们的语言环境，音乐课堂作为一个小的艺术传承和音乐教育平台，音乐教师也应该以培养符合时代要求的音乐后备人才和传播弘扬时代精神为主题的音乐作品为己任。

（一）结合学生年龄特点，运用网络词汇沟通

恰当使用网络词汇并不是一味地迎合，而是借助网络词汇更好地拉近和学生的距离，恰当的运用网络热词能使得授课与时俱进，比如用“给力”等词汇对学生进行表扬等。

（二）要引导学生在音乐学习过程中要关注社会发展

可以引导学生关注学习以“中国梦”为主题的音乐作品，将音乐课堂巧妙地与培养学生的价值观相结合，自然体现社会面貌和时代气息，以引导学生树立远大志向和健康积极向上的生活情操。

（三）使用健康、文明、积极的网络语言

作为教师，在教学时还应该注意使用健康、文明、向上的网络词汇，不能将具有骂人、歧视等负面意思的词汇带入课堂，不论那种语言，语言之美都以文明向上为最基本的前提。

三、重视语速语调

在课堂上,正确把握语速语调尤为重要,不恰当的语速让学生听课往往精神不振、一惊一乍或者昏昏欲睡。语速过快则让人不知所云，显得敷衍行事、照本宣科，语速过慢则显得有气无力、缺乏激情；语调过低学生难以听到或者打不起精神，语调过高则显得粗糙高亢，缺乏美感。因此，适当把握语速语调，是保证课堂语言美的重要方面，多快多高为宜，因人因环境而异，但总的原则是要符合教学课程的情景情节，强调重点时高亢、直述事实时平直、长串排比时明快、优雅安静时缓慢。抑扬顿挫、字正腔圆的语言，往往给人以心旷神怡、心潮澎湃的感受，能激发学生对于课堂的热爱。

篇2

以前，在我国音乐学专业创立时间不长、学生人数很少的时候，实施的是精英教育，主要培养从事音乐学研究和音乐学专业教学的高精尖人才。但如今随着招生规模的扩大，我国音乐院校及艺术院校音乐学专业的教育性质已由过去针对少数人的精英教育向既包含精英教育也包含针对较多数人的大众教育方向发展。音乐学专业的培养目标，已并不完全是将来从事音乐学研究和专业教学的人才，而是除此之外还包括大、中、小学内非音乐学专业的音乐（理论）教学、音乐编辑和记者、音乐行政管理等多种类型；另一方面，目前就读音乐及艺术院校音乐学专业的学生，有不少人实际上不适合从事音乐学研究和教学的工作，或者学生自己就没有这种意愿，而从作为人才需求市场的社会来看，其实也没有提供这么多的此类工作岗位。

虽然如今面对的教育形势和学生状况跟以前相比已经发生了变化，但精英教育的观念在一些音乐学专业教育从业者中仍然习惯性地有着或多或少的延续。当今的音乐学专业教育应该怎样妥善处理和平衡精英教育与大众教育的关系，仍然是一个值得思考的问题。

二、保六望九和学术论文的质量层次

在新的形势下，如果我们还是使用较高的学术标准，一心培养高精尖人才，教学将会出现问题。一方面学生很难达到要求，学习压力过大；另一方面教师也会很累，教学进行得很不顺利。但是如果过于降低教学标准，将会损害学校和教师的教学质量和水平，也不可取。解决问题的关键在于把握适当的分寸。

本文认为，“保六望九”的理念是解决这一问题的有效途径。在“保六望九”中，六即百分制的60分，表示及格；九即百分制的90分或更高的分数，表示优秀；保六望九即在教学中针对不同学生的情况，采取“确保及格，争取优秀”的教学理念和方法。

就音乐学专业能力和成果的主要体现，也是音乐学专业学生毕业的主要考核形式――学术论文而言，其质量和水平的表现包括内容和形式两方面。内容方面的要求主要是创新，具体说来包含由低到高的三个层次，即学术材料、研究方法和学术理论①；形式上的要求包括表述的严谨、清晰、规范、简洁和行文风格等方面，其中严谨、清晰、规范属于基本要求，简洁和行文风格属于扩展要求。

根据上述论文质量和水平的诸项构成要素，可将论文的整体质量和水平划分为从低到高、从形式到内容的四个层次，即形式―学术材料―研究方法―学术理论。前两个层次属于低端层次，后两个层次属于高端层次。如下表所示：

以上层次的高低划分是就总体而言，在形式部分的扩展要求中也包含有较高的层次，如行文风格中的文笔优美、格调高雅等，这些也是不易做到、能够体现水平的。

虽然音乐学专业的学生学习的文体主要是学术论文，但教师在教学中应该把论文以外的其他音乐文体（如综述、教材、音乐评论、音乐新闻报道、音乐散文）及其特点告诉学生，还应该把论文质量及水平的不同层次告诉学生，使他们拥有开阔的音乐学视野和清晰的学术层次感。在具体教学中，可根据学生的不同情况区别对待，分别采取两类有所不同的教学原则和方法。

三、确保及格

对于专业素质不太高或学习愿望不强的学生，采取的教学要求可以较低。在其论文（包括学位论文）中，研究方法和学术理论缺乏创新都没有关系，只要达到论文质量和水平的低端层次，即符合论文形式的严谨、清晰、规范等基本要求和学术材料有所创新即可。对于本科生、硕士生、博士生等不同阶段的学生，学术材料创新所要求的程度、数量、质量并不相同。但无论哪种阶段的学生，这种论文质量低端层次的要求都是必须达到的最低标准。达到即可通过，达不到就是不合格。不过只要认真对待，达到这种标准即使对于这类学生来说也并不是很困难的事。

以往的教学中，常常是不管对于哪类学生，都较多地强调研究方法和学术理论的创新，而过于忽略论文的形式。研究方法和学术理论的创新具有很大难度，并不是教师多讲和学生努力就一定能实现的。而且学生论文带有习作性质，很多学生连深入了解和熟练运用已有的研究方法和学术理论都未必能做到，更遑论创新！因此导致以往教学中出现了令人迷惑的矛盾现象：一方面大谈论文必须有创新，特别是研究方法和学术理论的创新（尤其针对博士研究生），但大量获得通过的学位论文（包括博士论文），却实在缺乏研究方法和学术理论的真正创新（国外或其他学科时兴理论和方法的套用倒很常见）。

在以中国传统音乐为研究对象的学位论文中，很多都是选取一个音乐品种进行整体性研究。这类论文除绪论、结语之外的主体框架结构和章节顺序通常是：文化背景（包括自然背景、人文背景）―历史发展―社会运用（包括组织体制、仪式程序）―音乐形态―文化内涵。由于这种结构框架应用的普遍性，有人对采用此框架的论文在学术理念和基本研究方法上的模式化和缺乏创新提出批评。但这种整体性研究模式有其优点，它不仅对研究对象进行了比较完整的分析探讨，而且其中包含了音乐形态、文化内涵、历史发展诸方面内容，有利于学生较为全面地训练和掌握音乐学研究的各方面基本技能，在没有更好的研究思路的情况下，不失为一种较为基本和可取的研究模式。对这种模式缺乏创新的批评在论文评价体系中属于高端要求，而不是基本要求。

与内容创新被过分强调相伴而行的是对论文形式的过度轻视。不少论文形式粗疏，表述不严谨、不清晰，不说明内容出处而导致抄袭剽窃嫌疑，格式不统一、不规范，句子不通顺，错别字太多等问题大量泛滥。然而人们似乎觉得这些问题属于细枝末节，无关大局。当事者自己毫不在意，别人连提出都觉得是小题大作、不好意思。然而实际上，这样的论文往往是不仅高端要求没有达到，而且连低端要求也没有达到，真实的质量和水平可想而知！

如果对具体、实在、小规模的成就不重视而奢谈远大的抱负，最后往往是大事小事都干不成。上述论文写作中的现象正是这种做法在音乐学领域的反映。以往这种对论文形式基本要求的过渡松懈造成了论文质量的明显下滑。我们在论文评价中应加强这方面因素的比重。即使是有错别字、句子不通顺等最为初级和细小的问题，如果数量超过一定限度，论文就不应该通过。

只要教师和学生采取低调而务实的态度，适当降低高端层次的要求，把时间和精力较多用于关注低端层次，则不但能减低教学难度，还可以提高教学质量，使学生能够写出具有一定学术水平的严谨、精致、规范的论文；而且这种注重基础和细节的要求有助于培养学生细致、踏实、有序的行为习惯，能够提高素质、塑造品德，从而达到教书育人的大学教育、公众素质教育目的，其意义不可低估。

四、争取优秀

对于专业素质较高和学习愿望较强的学生，可以采用较高的教学要求。在保证达到论文质量和水平的低端层次，即形式和学术材料的相应要求的基础上，可适当鼓励、引导其迈向高端层次，对研究方法和学术理论进行较多的思考和钻研。

但在艺术学科的音乐学领域，要在研究方法和学术理论上有所突破和创新，需要大量扎实的感性经验和理性认识的积累，需要长期的专业实践，或许还需要天分和运气。在学术研究的高端层次取得成就，对专业教师和学者来说也并非易事，对学生而言就更是如此。所以关于研究方法和学术理论的创新，应采取清醒而豁达的态度。我们除了告知学生学术研究的阶梯和高峰并精心培育之外，更多的只能是希望和等待。学生能够进入学术研究的高端层次进行探索，已经很令人欣慰了。

篇3

中图分类号：G643 文献标志码：A 文章编号：1674-9324（2015）27-0244-02

随着经济全球化的发展趋势，社会对高层次人才的需求不断增加，高层次人才的培养逐渐成为全球教育的发展重心[1]。作为高层次人才培养的重要内容，国际化培养越来越受到高校的重视，并纳入高校人才培养体系中。作为未来社会高层次人才的主要来源，为了适应当前社会对高层次人才的国际化需求，研究生的培养模式应当尤其注重开拓研究生的国际视野、推进研究生的多元文化交流、提升研究生的学术水平、增强研究生的国际交流能力[2]。作为新兴的音乐学院，苏州大学音乐学院自成立以来，十分重视研究生的国际化培养工作，学院积极吸取国内外有关学位与研究生国际化教育的诸多研究成果，大胆吸收、借鉴国际和国内先进的研究生培养经验和管理模式，不断规范和优化研究生的培养过程，以实现研究生的国际化培养目标。本文将从导师队伍建设、研究生培养方案、课程教学方式、论文审核与答辩、国际化交流以及招收留学生六个方面对音乐学院在研究生国际化培养方面所进行的初步尝试进行阐述。

一、加强导师队伍建设

研究生导师队伍建设在保证研究生培养质量方面占有主体地位，导师的水平直接影响研究生的培养质量，研究生导师队伍的国际化也是研究生国际化培养中的关键因素。近年来，学院重点加强了海外人才引进的力度，引进的高水平国际教员充实了学院的教师资源，初步建立了一支国际化的研究生导师队伍，使之成为研究生国际化培养的骨干力量。目前，音乐学院研究生导师队伍中68%的导师来自境外或国外，均毕业或曾任教于国际顶尖大学和音乐学院，如美国耶鲁大学、斯坦福大学、芝加哥大学，茱莉亚音乐学院、新英格兰音乐学院、南加利福尼亚大学、纽约州立大学、法国巴黎国立高等音乐学院、德国科隆音乐学院、西班牙马德里康普顿斯大学等。在学院的研究生导师队伍中，64%的导师具有博士学位，他们有着丰富的教学和演奏经验、并具有良好的国际视野，为学院营造了多样化和国际化的学术氛围。

二、优化研究生培养方案

学院秉承优化学科结构、突出学科特色、培养高素质人才的原则，同时参照国内外先进的课程体系，重新制定了研究生的培养方案。从原来按照一级学科改变成按照研究方向设置课程，使研究生培养目标更明确、针对性更强。研究生培养方案的国际化将为提升研究生的国际竞争力奠定良好的基础。培养方案的设置注重研究生课程的层次，课程的知识内容一般不与本科的知识相重复，并且在课程知识内容的设置方面将知识深度和广度有机结合。根据研究生教学与学习的特点，改革已有的课堂教学方式，采取案例式教学、研讨式教学等方式使教学方式多样化。培养方案修订的内容提倡因材施教，根据各研究方向的特点，比如音乐教育、音乐理论、作曲等，每个研究方向具有不同的培养侧重点，因此在课程设置上注重发挥研究生在专业研究方向上的个人才艺和专业特长，突出研究生音乐专业素养和综合素质的培养，为其个人培养计划的设置留有回旋余地，使研究生的培养具有良好的灵活性，既满足培养方案的基本要求，又能根据音乐教育、音乐理论、作曲等不同研究方向的特点，对课程、音乐会等进行不同的安排，科学地设计研究生培养过程中的课程内容、教学方式及考核手段，调动研究生学习的主动性和积极性，形成具有音乐学院特色的研究生课程体系，进而提高学院研究生教学水平和培养质量。

三、课程教学方式逐步国际化

外籍教师的加入，为学院建立了良好的国际化语言环境，在课堂上，双语教学已成为学院的特色，《钢琴教学与实践》、《室内乐表演》等课程已完全实现全英文教学。由于刚入学的研究生英语水平难以接受全英文教学，因此双语教学在低年级研究生的课程教学中起到了良好的过渡作用。由于原版的英文教材具有更好的语义表达环境和良好的理论前瞻性，因此双语教学过程中尽量使用原版英文教材和英文参考资料。这有利于学生了解音乐专业的一些前沿理论知识和最新发展动态，同时选择原版英文教材也给学生营造了一个全面接触英语的环境，包括准确使用音乐专业词汇和专业术语、准确表达音乐专业内容，有利于熟悉国外的教学思路，真正使课堂教学从形式和内容上能够与世界主流艺术和专业思想接轨，也为逐步实现全英文教学奠定基础[3]。此外，针对研究生在今后科研和学习过程中的需要，学院为一年级的研究生设置了《文献检索与论文写作》、《音乐理论与分析》的共同课程，任课教师采用高水平英文原版教材，课堂教学使研究生获得了一定的科研意识和规范的音乐学术训练。这不仅有利于学生吸收先进的音乐专业知识，还能使其英文阅读能力有所提升。在课程教学师资配备上，根据研究生国际化培养方案的要求，学院选择具有海外留学经验或海外工作经历、并具有较高专业水平的教师作为共同课的课程负责人。由这部分教师担任主讲教师，通过借鉴国外高校的先进教学理念和教学方法将知识传授给学生，将学院研究生国际化培养的课程教学提升到更高的层次。

四、规范论文审核与答辩制度

根据国外高校研究生指导的经验，学院研究生的培养采取导师集体指导制。除主导师外，学生将选择本系和外系各一位导师来进行论文指导，以保证论文的质量。知识时代的学科交叉性要求研究生具有较宽广的知识面，而单一导师的知识局限性易导致研究生学习范围过窄、知识结构不宽，难以适应当前多学科交叉融合发展的趋势。实施导师负责制，辅以导师集体指导制，将不同学术背景、知识结构、研究方向的导师组成一个导师组来共同指导研究生，可相互补充，弥补导师个人知识水平上的欠缺，有利于学生较为全面地掌握知识，拓宽研究生的知识面，提高其音乐水平和综合素质，能够培养具备宽广学术视野和深厚音乐功底的研究生。实行导师集体指导制，充分发挥各位指导教师的专业优势，对研究生进行综合指导，提高研究生的论文质量。论文通过评阅以后进入答辩程序。以往的研究生由于参加答辩的人数较多，一个答辩小组一天要完成多个研究生的答辩工作，每个研究生介绍论文、答辩委员提问、学生回答问题和讨论时间一般不超过半小时，因而没有充足的时间对论文进行详细评审和探讨，整个论文答辩过程也缺乏有效的监督机制，部分研究生的毕业论文答辩常流于形式。学院针对这一问题，2014届毕业研究生首次采用一人一场的答辩形式，每人答辩时间不少于一小时，答辩委员会对毕业研究生的学位论文有充足的时间进行提问，同时也给研究生足够的时间来阐释论文的思路以及创新点等。

五、鼓励研究生科研与国际化交流

积极开展国际学术交流是研究生国际化培养的重要实践环节。学院成立以来，大力支持和鼓励研究生科研并参与国际学术交流。学院研究生论文的发表数量稳中有升，参加国际学术交流会议的人数也逐步增加。2014年我院有4人参加国际学术会议，3人获得了学校的国际会议资助，其中有同学赴日本奈良教育大学参加第四届“东亚音乐研究”会议（Music of East Asia，MEA），并在会上全英文发表学术论文。另有学生参加“2014年民族音乐学研究生论坛”并。部分导师也根据自身的科研方向，通过模拟国际会议等方式积极参与指导和训练研究生参加国际学术会议，提高学生的国际学术交流水平，培养其适应经济全球化发展和国际竞争的能力。

拓宽研究生国际交流的渠道不仅要体现在“走出去”，学院内部也积极为学生营造国际化的学术氛围，开展多形式的学科前沿讲座。学院有众多外籍或国内教师与国外高校、研究机构保持着良好的关系，共同开展学术交流与合作。学院充分利用这一部分师资与智力资源，邀请国外高水平音乐表演艺术家、作曲家等来我院开设各种形式的演奏会、前沿讲座、大师课等。学院在2014年由专任教师带头，举办了“古典艺术歌曲节”、“世界音乐演讲”等一系列活动。目前已有来自台湾、美国、法国、加拿大、印度等境外、国外的多名外籍专家来我院举办讲座、音乐会与大师课。学生通过与国外音乐大师的近距离交流和讨论，不仅收获了耳目一新的音乐知识，更能深刻体会到国外先进的音乐教育理念，让学生不出国门就能感受到国际化的学术氛围。

六、招收留学生

留学生是衡量一所大学的学术水平和国际学术地位的重要标志。吸引优质国际生源到学院攻读硕士学位，对促进学生群体多元化，为学院营造研究生的国际化培养氛围有积极作用。基于学院拥有大量的外籍教师，很多留学生慕名而来，2014年学院共招收包括本科生、研究生、进修生共10名留学生，其中有一名来自哥斯达黎加的留学研究生。这仅是学院招收留学生的第一步，目前学院还在为留学研究生招生和入学后一系列与生活、学习相关的事宜努力，为吸引留学生来学院学习创造更好的条件。招收留学生对丰富学院国际化办学模式、提升学校的影响力等方面均具有重要意义。

学院在研究生培养方面采取的一系列措施，已取得了一定的效果。当然也有需要不断反思和改进之处，音乐学院将继续在研究生培养的各个环节严格把关，并以研究生的国际化培养为目标，努力提高研究生培养质量。

参考文献：

篇4

《黄钟》副主编田可文认为，国内音乐刊物的定位存在问题。按高、中、低三个层次分，多数期刊挤在高端，学报类理论期刊栏目一样、内容一样，“千刊一面”，形成雷同。而国外专业期刊分工明确，定向发展。我们音乐期刊的发展还处于初级阶段。《中国音乐学》副主编秦序认为，刊物分层发展的设想很好，但各家刊物有个“出身”问题，主办单位的不同，要求也不一样。《黄钟》主编刘永平认为，音乐学院学报文章的选择，学校里面有一个平衡问题。相同水平的文章，得优先考虑本校师生的文章。《中央音乐学院学报》副主编杨明康认为，中央院学报一半外稿、一半学校师生稿件，其中硕士博士论文占30%，这个比例比较合适。《中小学音乐教育》主编晓其介绍选稿标准：对每期作者范围有一定要求，例如，每期稿源作者分布不得少于10个省。

自律与规范

《天津音乐学院学报》副主编郭树群认为，当前学术腐败与泡沫学术现象严重，大量论文书刊存在不同程度的抄袭，据统计有原创水平的文章只占1%。期刊的学术探索应不断质疑现存理论，推动研究深入发展。不能停留在接来稿发文章，等米下锅的被动状态。作为掌握学术文章生死大权的编辑，如何把关十分重要。学报编辑要有自律意识。副主编秦序认为，编辑的自律是立身之本，自律比他律更为重要，那些不研究前人成果，不具备学术水准的文章不能让其出台。

学术论文的写作规范问题，不同期刊有不同标准，关于注释问题，文章格式与篇幅问题，《音乐研究》、《中国音乐学》与《中央音乐学院学报》等期刊介绍了自己的经验。《音乐研究》陈荃有提出该刊论文“三不发”具体标准：1、描述性文章没有论述的不发；2、论文没有系统论述低于4000字文章不发；3、论文没有参考资料与注释者，或西方音乐研究论文参考书没有外文版者不发。《音乐与表演艺术》副主编冯晓刚提出一稿多投的电子邮箱“群发稿件”一律不发。

改革与市场经济

篇5

对于毕业论文撰写者来说，填写开题报告是撰写毕业论文的第一步，它是审核论文撰写者研究水平、选题价值、完成预期成果可能性的重要依据，开题答辩能否顺利通过主要看开题报告填写质量的高低。现以红河学院音乐学院的开题报告为例来阐述如何正确把握开题报告的填写。它主要包括以下几个方面。

一、题目来源

题目的来源主要是指题目从何得来，红河学院本科生毕业论文（设计）给出四个题目来源，分别是教师科研、社会实践、实验教学、教育教学。现在的大学教师做科研的很多，很多学生也参与到教师的科研当中，承担一定的科研任务。在研究过程中学生通过学习了解到与自己专业相关的一些问题，同时对一些问题产生了自己的一些想法和观点，而又特别感兴趣，那么学生可以在调查研究的基础上撰写论文，这就是从教师科研中产生的论文题目。

社会实践是大学生在校期间从事的社会活动，如采风、演出、排练、比赛、下乡、社会调查等，在这些活动中会产生一些灵感、经验、看法、感受。产生的这一切都可以通过整理形成论文，所以论文题目也可以从这些社会活动中产生。

实验教学对于音乐专业学生参与的机会比较少，我们参与比较多的是教育教学，如平时的专业技能小课、专业理论课、专业见习、专业实习等。作为音乐专业的学生，教育教学是我们撰写毕业论文的理论基础，是论文内容的主要来源，因为我们平时的学习实践都与教育教学息息相关。

二、题目类别

红河学院本科生毕业论文（设计）给出四个题目类别，分别是应用研究、理论研究、艺术设计、程序软件开发。不同学科反映不同的客观规律和知识体系，音乐论文作为表达音乐学科研究成果的文体，可以分为音乐学理论研究和音乐表演研究两大类，应用研究和音乐表演研究比较接近，因为音乐表演研究具有很强的实践性和应用性。音乐表演研究里面又包含部分理论性研究，但理论性研究所占成分较少，所以音乐表演研究应该属于应用性研究，同样音乐学理论研究也有一定的应用性的成分在里面，但理论成分大于应用成分，所以音乐学理论研究应属于理论研究。艺术设计和软件开发的音乐专业学生接触比较少，这两个题目类别属于设计范畴，不属于音乐论文的写作范畴，这里我们就不作介绍。

三、选题的目的和意义

选题的目的和意义我们在第一章论文撰写的目的和意义中已经作了部分介绍。大家可以作为参考，还要根据自己的写作实际情况进行选题目的和意义的论述，也可以有自己独有的选题目的和意义。

由于毕业论文具有较高的学术价值，是检验学生知识的掌握程度和运用程度的相关情况，了解运用所学知识分析和解决问题的实际能力与水平。它对专业课程调整和平衡教学重点有着重要的指导意义。

四、选题研究的现状

选题研究现状主要指选题所属学科专业研究所情况、水平、发展的趋势。了解选题的研究现状能使我们在研究时站在一个较高的起点，它是我们研究的基础，是我们创新的前提。它主要包括国内外专家学者就该领域某些问论题进行分析研究的最新成果、硕士、博士科研成果、评定职称论文等。我们在阐述选题研究现状时应选择最具学术水平的成果加以说明。因为学术水平较高的研究成果具有较高的科学性、真实性、新颖性和实用性。我们从中能了解到本学科最前沿的研究现状和发展，能够避免旧说重提，引用假学说的现象发生，从而提高我们研究的价值和意义。另外，我们要选择与我们选题最相关的研究成果来阐述选题的研究现状，不要选择与我们选题不相关或联系不大的内容来表述选题的研究现状。另外，在表述选题研究现状时要注意不要大量地照抄原文内容，要在通读材料的基础之上客观、准确地综述性地介绍，要能预见该论题的后期发展趋势。

五、论文（设计）主要内容（提纲）

为了能让开题答辩专家详细了解自己的论文写作内容，我们要把我们的提纲罗列到三级标题，如第四章提纲的构建范例，这样每个标题下的知识点都很清楚，论文的提纲第四章以作详细介绍。这里就不作过多论述。

六、选题研究的主要问题、重点和难点

选题研究的主要问题就是该课题的主要思想、观点和内容。在这些内容中有些只需简要地说明，但有些问题需要详细地分析和阐述，这部分就是我们选题研究的重点部分，它是论文的主体部分，也是我们论述的重点。选题研究的难点可能有很多方面，可能学术上困难，也可能是时间、经济和材料上的困难。研究的难点要如实地提出，另外还要说明难点解决的办法，能不能解决，如果不能解决，那么这个选题就不合适，开题答辩就不会通过。所以，应充分估计可能遇见的问题、并事先考虑好解决问题的办法。

七、研究目标

研究目标就是通过本课题的研究最后达到的研究程度，这需要在该课题所属领域的研究的现状的基础上对比加以阐述，说明我们在前人研究基础之上有哪些提升或创新，如提出解决问题更科学、更全面的办法，推进事物发展的新途径、新方法等。

八、研究方法、技术路线、可行性分析

选题研究方法有很多，如实地调查法、材料对比研究法、讨论法等，要说明自己撰写论文所采用的研究方法。技术路线就是我们开展研究的科学步骤和顺序，填写时应认真地有逻辑性地罗列，可行性分析要根据我们的实际情况加以分析说明，如果采用材料对比研究法进行研究，我们可以搜集到我们所需要材料，要说明我们获得材料的可能性，可以数字的形式说明该专业领域图书馆藏书数量，这些专业书籍可以保证论文撰写需要，或者自己已经搜集到的资料的数量足以保证撰写论文需求，如以上都不能保证，那么我们采取的研究方法就不可行。如果采用实地考查法进行研究，要说明考查的相关情况，如考查所需时间、经济所需及承受能力等实际情况等。利用以上陈述来证明我们选择研究方法的可行性。指导教师的科研能力和教学水平也是我们研究方法顺利开展的保证。所以，可以对指导教师作必要的介绍。另外还要对自身所具备的科研条件加以阐述，说明自己选题前期准备和知识的积累及选该题目的主动性和意愿。

九、研究的特色与创新

研究的特色与创新主要是指自己研究的独特之处，别具一格的研究特点。如分析问题的科学性、全面性，解决某一问题所采用的方法快捷性、简单性，特色和创新往往是共同存在的，两者可以综合阐述。特色和创新的阐述不宜把论文诸多内容照搬过来，不要把不是特色的特色，不是创新的创新一股脑的加以排列。要提炼出那些是真正的特色和创新之处，进行概括性的简单说明即可。

十、进度安排及预期结果

明确相关安排。它包括论文写作的各项步骤与时间安排，因为我们论文写作是有一定的时间限定，所以我们要合理的安排好论文写作的先后顺序，并制定出合理的计划，要很好的预见论文写作各项工作的所需时间。以保证毕业论文的顺利完成。毕业写作论文进度安排主要包括选题、搜集资料、整理资料、开题报告撰写论文初稿、论文修改（标注好每次修改的内容和时间）、论文定稿、论文答辩几个环节。要说明在这样的时间安排下能否完成毕业论文的理由和条件。这样我们才能按照预期的结果完成论文撰写工作。

十一、参考文献

学术研究不能闭门造车，学术研究成果的创新往往是建立在前人研究的基础上获取的，列出参考文献是为了说明论文科学依据的真实性，表示论文作者严肃的科学的工作态度与严谨的治学风范，是对前人劳动成果的尊敬，这是论文撰写者应有的学术道德，同时也是便于读者查阅相关资料。所以我们必须认真对待。具体要求见红河学院毕业论文（设计）规范。

最后，开题报告应该撰写多少字数，没有统一的规定。但是，作为论文的总构想，文章里更多是以提纲的形式出现，因此字数上不宜过多，但是要把论文的研究目标、内容、如何研究、理论研究的可行性等主要问题说清楚。字数一般在1000―1500字，不超过1500即可。

参考文献：

篇6

学院现设有苏州市苏南地方音乐文化艺术研究所、石湖昆曲曲社等机构团体。学院数字音乐实验室设备先进，目前在国内同类高校中居于水平。

学院于2007年被教育部确定为44所全国普通高校音乐学本科专业课程教学试点学校之一。多年来，学院在教学、科研上硕果累累。每年都有数十篇学术论文在各类刊物和国家核心刊物上发表，并出版多部专著和音像资料；教师的音乐作品在国家专业比赛中获得金奖；在中央电台、中国国际广播电台、省市电视台和外国电视台相继播出。在专业学术交流方面，音乐学院分别组织、承担了“吴中琴会——中华琴学国际打谱交流研讨会”、“全国音乐理论作曲学术研讨会”、“苏南地方音乐文化艺术学术研讨会” 、“‘流’与‘变’全球视野下本土音乐资源之诠释——民族音乐学论坛”等高规格学术会议。组织参加了与德国、法国、日本、俄罗斯等国专业团体的艺术交流；数十次接待来苏旅游的世界各国的朋友和友好人士。同时参加了省、市组织的大型文艺比赛活动，并多次获得奖项。

学院面向全国多省、市招生，优良的生源使招生层次始终居江苏省同类学校之首，在全国也处在前列。

学院自建成以来为全国高校、中小学培养了大批合格的专业教师和管理干部，为部队和地方输送合格的专业文艺演员，为传媒培养合格的专业制作人员，为更高学历的人才培养输送合格的生源，日益受到社会各界的赞誉和认可。

招生专业介绍

音乐学（师范）

本专业为师范类专业，培养能够掌握音乐基础理论、基本技能，具有较强的教学能力和组织及指导社团音乐活动能力的高级专门人才。

主要课程：声乐、钢琴、器乐、乐理与视唱练耳、中国音乐史与名作赏析、外国音乐史与名作赏析、中国民族音乐、多声部音乐分析与习作、合唱与指挥、学校音乐教育导论与教材教法、区域音乐历史文化、形体训练、教育概论、学习心理学等。

学生毕业后可应聘大中小幼等各类学校及文化馆站、青少年宫及企业、社区等单位从事教学、组织、指导、文化管理等工作。

招生范围和计划

2012年我校面向江苏、安徽、河南、湖南、河北、江西、浙江和辽宁8个省招收本科艺术考生，专业成绩全部采用各省组织的音乐专业省统考成绩。

专业 学制 层次 科类 拟招收计划 学费

音乐学（师范） 本科 4 艺术文 64 6800元/年

注：分省招生计划请以各省级招生主管部门统一公布为准。

报考条件

各计划投放省份符合教育部2012年普通高等学校招生工作规定中确定的报考条件且系艺术文科考生，均可报考。

录取原则

考生专业省统考成绩合格，录取时按照公布的各省招生计划，对达到所在省音乐类公办本科批次投档要求的考生，以专业成绩并参考专业门类从高分到低分分省择优录取，其中英语成绩不得低于60分（满分150分计）。

联系方式

地　址：江苏省苏州市高新区科锐路1号

篇7

由中国传媒大学、南京艺术学院主办，中国音协音乐传播学会、南京艺术学院流行音乐学院承办的“2007第三届全国音乐传播学术研讨会”于10月27-28日在南京艺术学院举行，来自全国各地音乐传播领域专家学者、师生与新闻出版单位文化传播人士100多名代表出席了会议，提交大会论文60余篇。

音乐传播教育之现状

在26日上午举办的新闻会上，音乐传播学会会长曾遂今介绍了前两届音乐传播学术研讨会情况，及其教学与科研在各地院校的发展，指出从本科到博士的音乐传播专业教育平台在中国传媒大学已经形成，目前已有5届学生毕业。南京艺术学院流行音乐学院院长王建元在介绍本院音乐传播专业本科毕业生分配与就业情况时指出，音乐传播专业本科就业率高达97%，以广播电视和文化传播公司为主，在目前高校毕业生就业举步维艰的局面下，已成为本院音乐类毕业生就业率最高的专业。记者从会议了解到，近十年来北京、上海、天津、南京、武汉等城市的高等院校相继开办了音乐传播专业，一个音乐传播专业教育平台蔚然形成。

音乐传播理论之思考

音乐传播（Music Communication） 究竟为何物？是学科、是专业、是研究方向、论文题目，还是职业方向，或者公司运营项目？从第一届音乐传播研讨会开始，这就是一个争论激烈的话题。这个争论也延续到本届研讨会。与会代表除开对音乐传播学的音乐学归属、传播学归属等学科性质地位的讨论继续深入而外，许多研究者跳出各执己见的争论，直接进入学科主体理论与方法的研究。曾遂今教授《音乐传播的时空关系研究》与薛艺兵教授《流动的声音景观――音乐传播与地域分布研究方法新探》论文是这方面研究的代表。前者提出音乐传播“零信道、信道、盲信道、网络信道”四种模式，探讨其时空规律，解释音乐生命力形成的时空原因；后者以论文为基础进一步提出音乐传播“狭域、广域、泛域、异域”和“即时、共时、历时、待时”时空传播各自四种不同的模式。王建元教授则根据音乐传播专业在本院建立10周年的教学经验提出学科建设“音乐编导策划、音乐商务、音乐传播研究、音乐治疗”四个发展方向；庄元教授“试论数字化传播新技术媒体对音乐传播的影响”论文集中讨论了数字化传播对音乐传播的影响。冯光钰先生“音乐传播视野中的曲牌考释研究”和伍国栋教授“江南丝竹的传播”等论文则集中研究中国传统音乐的传播与流变情况。

音乐传播实践之研究

音乐传播作为实践性很强的专业学科，必然介入新闻出版、传媒工作的实践活动中去，会议一大批论文集中于各种不同的音乐传播实践活动研究。音乐传播，自然是传播音乐，从理论上讲不是一个问题，而面对实践却成为问题。

篇8

艺术硕士培养模式是指在现代艺术教育理念的指导下，为了实现艺术硕士研究生的培养目标，在培养过程中所采用的特定标准的构造样式及运行方式。艺术硕士培养模式是一个完整的系统，同时又具有泛型性，也具有一定的开放性。又因为培养模式是一个系统，所以它包含着一些固定的要素，即导向性要素（即培养目标）、组织性要素（即培养过程）、调控性要素（即培养考核）。因为培养模式具有泛型性，所以一经形成便可以为培养单位所遵循。但培养模式一经形成之后，同时也具开放性。也就是说，培养模式不是僵化不变的，培养单位应根据本单位的实际情况不断以开放和改革的态度探索适合本单位实际情况的培养模式。

一、重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式的指导原则

重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式的宏观指导思想是：“密切与音乐行业接轨，注重音乐艺术实践，突出音乐职业导向。”在音乐艺术硕士培养方案制定过程中坚持了以下原则：一是注重培养模式与行业标准密切接轨。学院邀请了遵义演艺集团艺术总监王小平、重庆高戈广告有限公司董事长阎旭、重庆市广播电视集团（总台）频道总监寇锦等业界精英共同制定培养方案，并参照相应行业标准设计课程模块。二是注重知识发展性与职业导向性的密切融合。艺术硕士专业学位教育具有学术性的价值取向，这是艺术硕士教育不同于一般意义的职业艺术教育的根本所在。艺术硕士教育培养的不仅仅是艺术行业精通技巧的从业者，而且是艺术实践能力和创新创业能力兼备的复合型高端人才。三是突出艺术职业岗位能力和艺术职业素养的培养。着力加强实践教学，课程设置中注重理论与实践相结合，增加实践学分权重。联合艺术创新实践基地，充分利用各基地的师资和硬件设施以及其他资源，培养学生的职业素养。

二、重庆师范大学音乐艺术硕士培养模式

音乐艺术硕士的培养目标是：培养具有系统音乐专业知识，适应我国社会、经济、文化和音乐事业发展需要的德、智、体、美全面发展的高层次、应用型音乐表演、音乐创作等领域的专门人才。音乐艺术硕士培养模式必须符合这一培养目标的需求。为了有效地实现这一培养目标，重庆师范大学音乐学院经过理论探索与教学实践，逐渐摸索出“人文综合素养+专业理论基础+艺术实践+创新创业能力”的音乐艺术硕士培养模式。在这一培养模式中，培养目标是导向性的要素，是培养工作的出发点和最终对培养工作进行检验的立足点。课程设置和教学安排是培养过程，也就是组织性要素。毕业环节则是对整个培养过程的最终考核，也就是调控性要素，通过这一环节检验所培养的学生是否达到了培养目标的要求。

（一）音乐艺术硕士培养模式的课程内容和教学安排

重庆师范大学音乐学院以音乐艺术实践能力培养为核心，基于“面向社会、服务地方需求、促进音乐事业繁荣发展”的理念，构建了“2+1”的课程体系，即理论课程、实践课程+行业实训，实践环节以课内实践、专题创作实践、作品展演、行业实训等多种不同的方式完成。根据艺术硕士教指委颁布的艺术硕士专业学位研究生指导性培养方案（2015年修订版，以下简称指导性方案），艺术硕士（音乐）的课程类别为公共课、专业必修课、实践环节、选修课。重庆师范大学艺术硕士音乐领域各类课程的学分数及所占比重可参见表1，公共课与专业必修课见表2。在重庆师范大学音乐艺术硕士课程中，文艺理论、艺术原理、音乐艺术实践、音乐心理学、音乐美学等课程属于理论课程。专业主课、高级视唱练耳、音乐论文写作与学术规范等课程属于理论与实践相结合的课程。音乐艺术实践属于纯粹的实践性课程。学院要求这一实践性课程的考核形式为音乐会或实践性成果的展示。比如，对于声乐方向的学生，培养方案要求他们必须开两场音乐会，方能获得该门课程的学分。重庆师范大学音乐学院将音乐艺术实践类课程纳入必修课程中，并占有一定的比重，这样做主要是为了满足培养目标的需要。此处的实践课程同独立实践环节不同。独立实践环节侧重的是总结性评价，是对学生艺术实践能力的最终检验。而必修课中的艺术实践类课程侧重的是对学生艺术实践能力的形成性评价。实践类课程可以在课内进行，也可贯穿于课外活动中；可以在校内进行，也可在校外的实践基地进行。为了增强学生理解作品的能力以及在作品创意表达和风格呈现方面的能力，学院开设音乐美学、音乐心理学、音乐作品分析、视唱练耳等课程。在培养过程中，首先让学生树立正确的艺术理念和美学观念，而很多学生在本科阶段并没有接受到这方面的学习和训练。基于此，重庆师范大学音乐学院在培养方案中开设了音乐美学课程。音乐心理学类课程主要是为了让学生能够应对音乐表演中一些较为复杂的心理问题，比如，音乐创作过程中的心理问题、演出中的怯场等。开设音乐作品分析课程的目的是让学生了解和掌握不同时代、不同风格的音乐作品的分析方法。通过分析方法的掌握，使得他们能够很好地在表演中呈现作品，在创作中把握好作品的风格特质。此外，学院还开设了一门视唱练耳课程，帮助学生解决音乐表演过程中的音准问题。除了必修课程中的音乐艺术实践课程，还有独立实践环节，包括毕业实习、毕业论文、专业能力展示（毕业音乐会）三项内容。该校的培养方案要求在艺术实践基地的行业实习、实训时间不少于一年，同时学位论文（设计）须建立在艺术实践基础上。该校艺术硕士培养实行双导师制，由校内专职教师和校外兼职教师共同承担培养任务。学生修完培养方案所要求的课程，通过学位论文（设计）答辩，同时还须通过艺术行业职业资格认定，方可毕业授位。“2+1”课程体系即两种课程（理论课程、实践课程），加上行业中的实习、实训，更有利于培养目标的实现。

篇9

电脑音乐制作和多媒体技术作为现代音乐教育的教学手段，将其纳入专业视唱练耳教学中，已逐渐成为身处科技高速发展的广大音乐教师必须掌握的手段之一，也将成为今后高校视唱练耳教学的主流发展方向。运用多媒体手段制作的课件，可以拉近学生与实际音乐作品之间的距离，学生在听、学、唱等教学环节中能够接触到相比传统教学更为丰富的音色（传统教学的缺陷之一就是以钢琴为主要载体的训练所产生的音色单一问题，枯燥的纯技术训练也与学生专业学习的实际运用产生距离），各种节奏类型，以及多元文化背景下的多种音乐风格。运用电脑音乐制作技术，能有效解决一般录音合成的多媒体音响材料中无法解决的实时控制分辨问题，在教学上对教学材料的运用和处理能有更大的灵活性和更强的拓展性，将两种现代音乐教学手段有机结合，能够在一定程度上解决传统视唱练耳教学中几乎处于无真实音乐作品音响状态的弊端。因此，对视唱练耳这样一门音乐基础技能训练课程，在教学上具有重要意义。

一、电脑软件在视唱练耳教学中的应用

美国、德国等欧美国家，在多媒体及信息技术领域处于世界领先地位，他们开发的多种音乐制作、编辑软件以及专门用于视唱练耳训练的软件为传统视唱练耳教学提供了更多的拓展性和延伸性。美国JoBrodtkord公司开发的音序软件《Musicator Win3.0》（简称MW3），是一款具有强大的乐谱编辑功能的音乐制作、编辑类软件，受到许多电脑音乐制作人士的青睐，同时国内部分专业音乐院校的视唱练耳教学中，也利用了其可以方便快捷进行乐谱编辑的特点，尝试性地进行视听一体化的教学模式。同类软件中，目前在国内更为流行的是德国斯坦因伯格公司研发的CUBASE，这是一款多功能化的电脑音乐软件，集创作、制作、编辑、后期处理等于一身，通过软件调用逼真的软件音源制作出需要的音响，并生成可视化的乐谱，同样可以进行视听一体化的视唱练耳教学。教师通过软件，可以对用于课堂训练的音响元素进行个性化编辑以及可控制的播放，与传统的放音设备相比，其具有更多的可控制性，比如用实际音乐作品进行训练，教师可以根据需要随意播放作品中的某一声部或者某一小节。

除了音乐制作和编辑类的软件外，许多传统意义上仅用于制作乐谱的软件，随着版本的不断提升，其功能也越来越强大，如最新版本的“西贝柳斯打谱软件”，同样也具备了调用软件音源的功能。如此软件不仅能够制作精美的乐谱，同样也可以通过电脑播放逼真的音效，达到与专业音乐制作、编辑软件几乎相匹敌的能力，因此也适合用于多媒体视唱练耳教学课件的制作。

上述音乐类软件虽然可以为多媒体视唱练耳教学所利用，但这些软件并非专门为视唱练耳教学而设计，而澳大利亚软件厂商RISING开发的专业视唱练耳学习软件――Auralia则是一款专门用于视唱练耳训练的软件，这在国内也是认知度较高的一款软件，其提供了较为强大的交互式的学习环境，教师和学生在其辅助下，可以进行基本的视唱练耳课程教学和学习，并能够对学生的练习给以实时评判。Auralia的操作界面非常简洁，在当下电脑使用普及度较高的社会环境下，任何有过电脑软件实用经验的人，都可以轻松地使用这款软件。该软件具有四个核心的训练模块：音程和音阶、和弦、节奏、音高和旋律。点击具体课程，即可开始训练。四大模块中分别设有若干子模块（如点击音程与音阶后，就进入由音程比较、音程听辨、音程视唱、音阶、音阶视唱等内容构成的子模块），每个子模块又设定了不同的难度级别，由于可以提供实时成绩评判，软件的使用过程有点类似电脑游戏，可以在一定程度上提高学生的兴趣，通过连续正确率，可以很快获得学习的成就感，即使出现连续错误，也可以通过反复练习逐渐建立学习信心。另外，软件中还设定了班级管理以及考试功能，教师可以通过这些功能，为不同班级设定不同级别的训练内容，并进行有效的学习考核管理，十分适合学生课下进行自修训练。但就目前国内大多数音乐或艺术类高校的教学环境来看，在教学中使用这类专业视唱练耳训练软件存在一个缺点，就是教学资源所需的成本较高，需要构建一个有多台电脑构建的局域网体系，将软件进行安装后，才能建立一个完善的听觉训练系统，像视唱练耳这种跨专业方向的共同课，显然需要较多的教室资源、较为昂贵的教学设施财政支持，以及完善的维护和保养措施。但其通过人机交互的方式进行视唱练耳训练，提高了学习效率，确实是与传统视唱练耳教学相比所具有的一个巨大优势。

二、国内对多媒体视唱练耳教学研究概述

大约从2000年以后，随着国内电脑以及互联网普及程度的逐渐提高，一些专业音乐学院在进入21世纪不久，也开始对电脑、多媒体、专业视唱练耳软件以及计算机作曲软件在视唱练耳教学中的运用进行了研究。中央音乐学院早在2000年就已尝试用可以变换音色以及简单音乐编辑的电钢琴替代钢琴作为视唱练耳教学的教学工具，在多媒体视唱练耳教学的实践上迈出了第一步。2007年，在中国音乐学院举办的“全国高等艺术院校基本乐科理论与教学专题学术研讨会”上，中央音乐学院的赵易山教授就多媒体和计算机的软硬件技术运用于视唱练耳教学做了专题讲座，并在研讨会的论文集中发表了论文《电脑网络时代的视唱练耳、乐理教学――实用音乐听觉训练与乐理》，文章对如何实现视唱练耳的多媒体教学，在宏观上给出了可操作性非常强的思路和方案。该文非常实际地提出了两个视唱练耳教学中普遍存在的问题：一是教师如何在课堂上充分发挥自身的能量，二是学生如何在课下进行自觉有效的练习。计算机和多媒体技术是解决这两个问题的有效措施，实施这个措施的理想教学模式需要三个条件：1.建立网上全国视唱练耳、乐理信息储备中心;2.教室电脑备课系统的建立;3.视唱练耳自修听力教室的建立，使用《Auralia》专业教学软件。在该论文集中发表的同类课题论文还有中国音乐学院许清教授的《分级制多媒体教学系统开发策略》、星海音乐学院杨晓老师的《音乐院校<乐理>课多媒体计算机辅助教学的探索与实践》、沈阳音乐学院颜锐老师的《拓宽新视野 展现新前景――展望电脑技术手段在视唱练耳教学中的应用》等论文。近年来，在各类音乐或人文类学术期刊上也不断发表了同类课题研究的10多篇论文，从中可以看，国内不同层次的本科音乐教育对于视唱练耳教学中对电脑和多媒体技术应用的意义和作用等已成为热点研究课题之一，但也应当看到，这一课题的研究在国内仍旧处于起步阶段。在具体的教学中，电脑和多媒体技术应如何介入，在国内教学中还未形成通用标准，很多地方专业音乐院校、艺术院校音乐系、综合大学的艺术系或音乐系以及高职艺术院校的音乐系因教学条件或师资力量所限，在传统的教学模式下能够使用的电脑或多媒体技术十分有限。

三、对多媒体视唱练耳教学的几点思考

（一）发展多媒体视唱练耳教学对师资队伍建设和教师自身能力培养提出了更高要求。作为新时代的视唱练耳教师，需要掌握一定音频的制作、编辑软件、乐谱制作软件、多媒体教学课件制作等现代化教学手段。

（二）专业音乐教师队伍中缺乏掌握计算机软件开发的人才，而专业的计算机软件从业人才大部分没接受过专业音乐的训练，这一矛盾在一定程度上阻碍了中国自主研发专业视唱练耳教学和训练软件事业的发展。因此，多媒体教材的出版物目前还停留在仅能提供mp3格式的配套光盘的层次上。

（三）建立真正意义上的交互式多媒体视唱练耳教学环境，需要投入较高的教学成本，这也是阻碍多媒体视唱练耳教学在国内普及的因素之一。这种交互式的教学系统，需要建设一个教学资源库服务器，下设多个无盘工作站，工作站通过互联网络从服务器方便地调取教学和训练的资源，即使是初级规模的交互系统，也需要投入巨大的人力和物力资源。

综上所述，我国多媒体视唱练耳教学还在初步探索和研究阶段，这个领域有着广阔的前景，但势必还有漫长而艰辛的道路，需要当代及未来的视唱练耳教学队伍去开辟。

（注：本文为2014年度浙江省教育科技规划一般课题“多媒体技术在当今高校视唱练耳教学中的应用研究”研究成果论文，课题编号：浙教电传【2014】296号）

参考文献：

[1]李晓薇.电脑视唱练耳教学的应用实例[J].黄钟（武汉音乐学院学报），2000（3）.

[2]陈希才.高师视唱练耳教学数字化模式与传统模式的比较研究[D].东北师范大学，2007.

[3]彭佩玮.多媒体教学环境下的高师《视唱练耳》教学[M].湖南师范大学，2007.

[4]潘冀冬.Encore软件在电子版单声部视唱教材中的应用[J].电子技术，2007（19）.

[5]邹联丰.多媒体技术在视唱练耳教学中的运用[J].黄河科技大学学报，2007（19）.

[6]蒋琳，李梅平.音乐软件在练耳教学中的应用[J].软件导刊，2007（3）.

[7]但昭立.电脑音乐技术在高师视唱练耳教学中的运用初探[J].云南艺术学院学报，1999（3）.

篇10

    音乐是通过有组织的乐音所形成的艺术形象，表达人们的思想感情，反映社会现实生活。理论是将构成其诸要素的各种认识加以论证组织导出的原理。文献一词，在艺术类学科中指的是一切能记载知识和信息的物体。在《文献著求总则》中对“文献”作了严格的定义，即:“文献是记求有知识的一切载体。”“音乐文献”则是指记录有音乐知识信息的一切载体，包括金石、图书、报纸、录音带、光盘等都可称为文献，它是各类资源的归纳、整合与再利用的物化体。所谓音乐理论文献，是一切记录有音乐知识信息的载体，它是音乐艺术历史、音乐理论研究成果和各种音乐作品转换成相应的信息符号后，通过一定的技术手段记录在纸张、塑料等载体材料上的各种物化知识的集合;以某一音乐事件为研究对象，通过对音乐文献的整合，旨在揭示这一音乐事项形态变化、社会流传和整理利用的特殊规律，并为开展音乐文献工作提供理论依据，这也是目前音乐文献学建设的目标和宗旨。它在普通文献研究方法的基础之上，结合音乐文献的特点而有所侧重和发展。关注音乐理论文献的目的，除了丰富文献整合的内容外，最关键的在于为音乐艺术教育、学术研究、作品创作和演唱演奏实践提供完整、切题、及时的文献信息服务。一般来说，音乐理论文献的研究，会给从事音乐创作、音乐学研究、演奏演唱专业等多方面人员提供更直接的帮助，其意义亦可彰显在这几个方面。

    一、音乐理论文献对音乐创作的重要意义

    音乐作品原本就是作曲、理论、表演等各专业的重要研究对象和再创造的依据。对于搞作曲和作曲技术理论研究的人来讲，完善的理论资料是从事创作工作的基础。古往今来，众多音乐大师的写作技巧，很多就来源于对文献的学习，早到巴赫、海顿、莫扎特，近至科普兰、欣德米特，无不如此。

    首先，对技术理论的学习已不再仅停留在单一的教条模式和机械式的理解水准上，而是将这些技术手法放在整个作曲技术理论发展的长河中，用变化发展的眼光来看待它，从单纯的模仿到融合改编到再创造。这种全方位的学习，对实际创作必定大有好处。其次，对某些作曲家技术手法的研究，能从更广阔的背景中去寻其源，能将作曲家某一时期的作品风格放在其时代风格发展变化的进程中去研究，这无疑加强了对这一时期作曲技术手法研究的深度，有助于较完整地了解该作曲家的音乐风格，对音乐创作益处良多。

    二、音乐理论文献对音乐学研究的重要意义

    音乐学研究是一项严肃的学术工作，音乐理论文献所包含的丰富内容实际上已形成了音乐学研究所必需的最基本的“学术资源”。重视学术性是音乐学家的责任，体现学术性则是音乐学研究的“追求”。为了不断提高我们的音乐学研究水平，在强调学术规范的同时，重视资料工作，关注音乐文献的“学术意涵”是必不可少的过程。

    任何学术研究都是在前人工作的基础上进行的—它是对已有学术成果的阐释、补充、完善或修正。即使是富于“独创性”的研究，也离不开已有学术成果这一展开研究的“上下文”。在这一方面，音乐学研究没有任何例外。作为音乐学术研究过程中必须经过的阶段，了解、梳理和运用音乐文献对音乐学研究的进行及最终学术成果的价值具有重要的意义。因此，当确定了某一音乐学研究的专题之后，需要马上开始的第一项工作就是收集、整理相关的研究资料，其中一项重要内容正是接触音乐理论文献并梳理、整合从中得到的知识与信息。

    在广泛阅读与研究专题相关的各类音乐文献基础上，对具有较高“学术含量”的音乐文献给予特别的关注。一般来讲，“学术含量”较高的文献所讨论的问题都具有一定的学术深度，其内容无论是史料的系统梳理或考证、作品的详尽分析或风格的历史探究，还是艺术观念的阐释或理论体系的构建，体现的都是某种思想的陈述、知识的展示或意义的设释。广泛了解各类文献也是积累资料和开展音乐学研究的基础，重点关注文献中的“学术意涵”是利用资料提升研究层次的关键。因此可以说，如何理解各类文献的特征、作用与把握文献的学术价值决定了以后研究工作的水平。从这个做学问的角度讲，音乐学研究与其他人文学科的研究并无二致，亦需要大量的文献作为参考依据。同时，通过对大量理论文献的收集、整理、阅读，可以对所要研究内容的发展历史、研究角度和近期状况有个更全面的了解。从他人的研究成果中，亦能够发现其研究脉络和研究思想，指引该专题方向的深人，对音乐学学科研究工作具有极为重要的帮助和意义。

三、音乐理论文献对演奏、演唱等表演的重要意义

    音乐作为一种声音的艺术，以极其特殊的艺术形式存在，它需要通过再次演绎使其呈现出来。作为记录音乐艺术形象的乐谱和音响资料可谓独具特色，被喻为特色音乐文献。

篇11

一般来说，学作曲技术理论的人写文章都喜欢从技术的角度、学理的层面分析音乐，他们谈论和声、复调、曲式、配器等作曲技法，犹如庖丁解牛，游刃有余。而田艺苗偏偏不操她熟门熟路的技术分析之刀，她走的是旁门左道，执的是生花妙笔，以爱乐者的心态随意率性地写那些感性、鲜活的品乐文章。这些文章，丝毫也没有学究气，不高高在上以专业术语吓人，不故作深沉玩抽象概念，也不媚俗装酷抖八卦新闻，而是很优雅地跟读者拉家常，谈音乐，谈电影，谈人生，谈读书，谈喝茶、聊天、听唱片。田艺苗的文字清新温婉，雅俗共赏，复旦大学严锋教授这样评价田艺苗和她的音乐文字：“一对专业音乐家的敏锐耳朵，一颗柔软梦幻的心，一支散发芬芳色彩的笔，一种沉静而又迷离的节奏，加起来就是田艺苗的音乐文字。”

读田艺苗的品乐散文，你会感觉她跟那些逝去的大师仿佛神交已久，听巴赫的十二平均律钢琴曲，她悟出了巴赫的智性与适度，温和与宽厚；在《安魂曲》中，她触摸到了莫扎特的灵魂，那是一个疾病缠身，撞见了死神的人在向上帝吐露心声，唱出至真至诚的天鹅之歌；在贝多芬的《庄严弥撒》中，她领悟到了宗教音乐的魅力，“原来宗教音乐，也可以不祈祷，不安魂，只为反照俗世情感如此瑰丽浩荡与深不可测”；在肖邦的钢琴音乐中，她感受到了这个身体孱弱、背井离乡，曾与乔治桑共沐温柔乡，却以钢琴为武器为他的祖国呐喊的男人的心灵自白，她把肖邦的音乐喻为“温柔的战曲”。

读田艺苗的品乐散文，你会感觉她跟那些活着的音乐家、画家、作家、导演似乎心有灵犀，她在他们身上汲取艺术的营养。如在《人文巴赫》中谈到画家陈丹青，“对于陈丹青来说，谈音乐与谈人生，都是犀利而随意，具备弹性”。陈丹青的音乐散文我钦佩有加，想必田艺苗也受其影响；在聆听德彪西的《牧神午后》时，她想到的是孙甘露的诗句，这又教我想起她与沪上作家的交情；在黑泽明的电影中她听到武满彻的音乐，听到武满彻的音乐，她又想象人与风景的交流；在大卫・米切尔的畅销小说《云图》中，她从巴洛克音乐谈到施尼特凯的拼贴音乐；在电影《魂断威尼斯》中，她从谈到尼采；在宫崎骏的动画片中，她对久石让的音乐如数家珍……惟有涉猎广泛，将读书、聆乐、看电影当成生活常态的人，才能在其音乐散文写作中驾轻就熟纵横驰骋。惟有持久地穿行在音乐与文字之间的人，才能将音符与文字都拿捏得恰到好处。

用文字描写音乐，实在是勉为其难的事。最好的作家在捉摸不透的音符面前，在流动的音响面前也会犯难。让音乐家自己写吧，又往往笔力不济，不知所云。于是，在音乐面前人们干脆得了失语症般沉默，让音乐徒自响着，什么也不说，或者即便说了也说不到点子上。人们甚至怀疑音乐是否可以言说？如何言说？这是个音乐学家无法回避的问题。如果说音乐不可言说，那要音乐学家做什么？音乐学家就是解读音乐的人。但问题是音乐学家往往站在专业的立场、学术的高度将音乐说得很神秘、很玄乎，让门外汉望而却步。音乐学家似乎不肯放下身段玩艺术，不屑于给业余听众写轻松的音乐随笔与乐评文章，板着一副学究面孔专注于他们的学术论著，或史料考证，或学理推断，或技术分析，一言以蔽之，老百姓看不懂。

田艺苗则不然，她就敢在公众媒体跟作家分庭抗礼，以音乐散文占有版面，吸引普通读者的眼球。当然，她并不是以放弃学术为代价。她也阅读总谱，分析作品；她也研读理论著作，撰写学术论文；她在音乐学院教复调，也写作品，编教材。她说自己是工作与生活界限不清的人，工作之余最大的享受还是读书，写作，听唱片，看电影。她很清楚自己的读者在哪里，需要什么样的文字。所以，她在写音乐散文时更注意文法修辞，读起来让人觉得有文学的味道。她一手用文字写文章，一手用音符写音乐，是个左右开弓的人。尽管她知道，“用文字描写音乐，基本上是徒劳。”但她始终无法割舍文字，她说如果有人因这些文字爱上音乐，那是莫大的荣幸。

篇12

作为对高师学生的培养，内蒙古师范大学提出的培养目标是“一专多能的复合型人才”，即指首先在专业技能上要有很大提高，同时须在有关音乐基础、文化素养等课程上有全面的提高，重视知识的综合性与互补性。殊不知，担负文化内涵的这些基础课程往往决定学生毕业以后的艺术水准和素养。西方音乐史课在高师院校音乐专业中是专业公共必修课，由于课时短、任务重，显然对全部知识点进行深入的讲解是做不到的，只有挑选重点内容，加以讲解，让学生了解与掌握历史发展进程中重要的作曲家及代表性作品及贡献等，形成点线交叉的线索。在讲解音乐贡献之余，还渗透着每个国家、民族的概况，时代的特色，文化的差异等内容，可以说，包罗万象，无所不有。所以，对于本专业学生而言，学习的不仅仅是音乐知识，还有历史知识，文化知识，民族知识等等。高师音乐课程体系的构建与改革要突出“师范”特色。所谓师范特色，是指具有人文素质、专业知识与社会文化氛围相吻合的教育模式［1］。如欧美等发达国家的音乐教育已经趋向于将音乐教育中的“音乐”作为“文化中的音乐”来界定，这显然是比原来“唱歌或演奏”单纯的音乐技术教育更为完整。只有这样，培养出来的人才才能具备音乐教学和开展社会艺术实践的能力，才能承担起我国学校音乐教育与社会音乐教育的重任。

怎样有效解决教与学之间的矛盾呢?怎样解决学生学习上的上述问题呢?笔者认为，在教学中应当让学生主动参与课堂讨论、分析音乐作品，课后完成单元作业或撰写主题论文、这样就会形成思维的主动性，进一步深化知识点，通过理性的分析与总结，深入理解和掌握要点，学习效果就会显著提高。除此之外，任课教师应该主动地在教学中介绍与渗透民族音乐学的研究方法，通过结合课程实例，由浅入深地进行讲授，引导学生运用研究方法对所学内容进行思考，教学效果则会更好，也是加强师生交流的有效方法与途径。在伍国栋所著《民族音乐学概论》中讲到学科的方法论观念时，有一对学术词语，即“共时”与“历时”，属于方法论观念之三的“时空观”中的名词。所谓音乐事象①的时间观念，是指民族音乐学工作者对某一音乐事象进行观察和研究时所树立的一种“历时”的和“共时”的观念。“历时”观念主要引导研究者去注重音乐事象纵向的历时发展过程，视音乐事象为一种持续存在的音乐形式;“共时”观念主要引导研究者去注重音乐事象横向的共时构成关系，视音乐事象为一种广延存在的音乐实体。在现代民族音乐学研究中，“历时”构成关系是对音乐事象进行的“历史构成”与“未来构成”的考察与研究，而“共时”构成关系则是对音乐事象进行的“现时构成”的考察与研究［2］。首先，在西方音乐史课程的教学中，要让学生对所学知识点(学习材料)有基本的了解和掌握，并运用研究方法引导他们进行巩固和延伸的学习。在讲到西方音乐史巴洛克晚期的几位大师，有三位大师出生同年，即J．S巴赫、G．F亨德尔、D•斯卡拉蒂。其中两位大师巴赫和亨德尔，比做巴洛克宏伟建筑宫殿中的两根支柱，代表着巴洛克音乐的伟大成就，二人同出生于1685年，都为德国人，但从各自创作经历和风格上却迥然不同。在论及巴赫或亨德尔的个人生平、创作阶段时，这是一条纵向的线索，属于“历时”研究;如果把二人放置在同一个时代中进行比较，可从社会环境、创作经历、音乐风格、作品特征等方面做细致的比较。如，巴赫的主要贡献在宗教音乐和器乐领域，偏爱复调音乐的创作;亨德尔的主要贡献则是倾向于舞台艺术，主要在歌剧、清唱剧领域，偏爱主调音乐的创作［3］。这样的研究属于“共时”研究，也是比较音乐学常采用的研究方法。又如，在讲到维也纳古典乐派时，会依次介绍海顿、莫扎特、贝多芬三位大师，在讲到古典主义音乐特征时，会提到三位大师在古典主义音乐风格上的一些共性特征，即音乐语言的质朴与逻辑性，结构的严谨和匀称等，而在剖析各自成就及贡献时，更会提到三位大师在各自创作领域的个性差异。譬如，就个人音乐语言的表达和精神内涵而言，简言为海顿的淳朴、保守、乐观，莫扎特的睿智、华丽、快乐，贝多芬的深刻、内在和英雄性等等。这样在共性的基础上，又形成了三位大师不同的创作风格、个性特征等等。

再如，讲到浪漫乐派俄罗斯民族乐派的代表———“强力集团”时，会依次介绍五位作曲家的作品和贡献。五位作曲家的人生经历和职业都各不相同，但在前辈以及民族乐派的奠基人格林卡的艺术创作思想的影响和感召下，有着共同的音乐审美追求、艺术理想、创作愿望，都怀着振兴民族音乐文化的共同目标而走到了一起。在当时，他们和其他国家民族乐派一样，在争取民族解放、民族独立的背景下，积极地学习民间，从民间音乐中吸取主题元素，创作出大量优秀的作品，涌现出了钢琴组曲、管弦乐、民族歌剧等各种体裁。但是在分析每位作曲家的作品时，会强烈地感受到个人的创作魅力，比如在音乐风格的感受方面，我们会领略到包罗廷的诗情画意、穆索尔斯基的俄罗斯式感情的狂野和宣泄、里姆斯基－戈萨科夫的极具东方色彩的神秘旋律等等，又在总的艺术风格下显示出强烈的个人色彩，可谓五彩斑斓，光彩夺目。上述教学实例可以看出，由于运用了“共时”与“历时”的研究方法，即采取了横向和纵向相互交叉的线索式的考察，学生们在学习中由任课教师引导，掌握“音乐事象”的共性与个性的辩证关系，能够在有限的教学时间内达到对知识的系统化学习，增加兴趣，对人物的形象和作品的内涵会理解得更加深刻和透彻。此外，还可以尝试运用民族音乐学的“文化中的音乐研究”、“局外人的音乐研究”等原则立场，从一种与传统史学不同的角度去探索西方城市艺术音乐，使音乐史成为一部音乐社会史，而不只局限于少数大作曲家的历史等等［4］。在此，需要强调的是，专业理论课程的最终考察学习方式，不能只限于单一的考试模式，否则往往会形成学生的死记硬背，不利于学生掌握和总结知识要点。考试形式可以结合卷面考试或撰写论文等形式，由任课教师决定，只要能够达到检验学生的学习效果即可。笔者认为，抓好课堂教学，是解决当前音乐史论课教学中突出问题的主要手段。要注重学生对课堂知识的理解与学习，注重培养学生的参与意识，注重营造课堂中学习讨论的环境，以达到深化记忆，提高教学质量，调动和激发学生学习的积极性。

总之，能够在有限的课堂教学中，渗透并贯穿有益的理论研究方法，是实现提高教师课堂教学效果和学生学习效果的有效途径。这样的方法同样适用于其他专业理论课程的教学，如在内蒙古师范大学音乐学院开设的蒙古族音乐史、三少民族音乐、中国传统音乐概论、世界民族音乐概论等课程。在教学中，通过从各门学科繁杂的知识库中提炼出框架性、基础性的知识点(材料)，构建科学的知识体系，并运用科学的方法论加以指导，这样，无论是学生还是教师都会紧紧抓住知识的要点，不会盲目地进行教与学，不仅提高了教师的授课水平，而且提高了学生获取知识的可信度和学习的效度，为全面提高学生的艺术修养打好基础。

作者：庆歌乐 单位：内蒙古师范大学