时间:2023-03-17 18:13:52
引言:寻求写作上的突破?我们特意为您精选了12篇表演艺术论文范文,希望这些范文能够成为您写作时的参考,帮助您的文章更加丰富和深入。
自身的专业表演素质也是重要的。首先是形体,演员塑造的人物形象要通过荧幕传达给观众,依靠的是人物的形象和形体动作,来反映剧情的发展和人物的精神面貌以及心理活动,所以有这样一句话“形体是表演艺术的基石”。
(二)语言
影视人物的形象除了看的见得形体以外还包括听觉即使人物的语言和声音,因为语言和声音是表达人物情绪和内心世界的重要途径,也是众多角色之间交流和冲突的重要途径之一,影视是一门视听艺术,演员塑造的形象和其声音必须高度统一,和谐,也不是说声音要有磁性要好听,而是声音要富有感情,符合当时的情景和人物的心理具有高度的真实感,这样所塑造的形象才能栩栩如生而不是和周围的环境和整体格格不入。
(三)形象
当然,自身的人物形象模型一定要丰富,因为一名演员不可能只出演一部影片,而不同的影片演员的经历及性格都会不同,所以优秀的演员一定要热爱生活,细心观察生活的细节,生活中形形的人,包括他们的神态,表情,动作,语言,处事方法,以防对陌生的角色缺乏了解而茫然无措,演员还需要培养和锻炼自己的音乐及舞蹈方面的能力,有些时候的演出需要,要求演员唱歌或者跳舞,比如《西游降魔篇》中的女主人公,在月下翩翩起舞,增加了作品的视觉冲击和美感,所以在此方面也需要适当的培养和发展。如果在某个影片中需要唱歌,但是演员不会和是对口型的话,或者需要跳舞但却四肢不协调的话,的确会让观众大感不舒服,更多的是虚伪的东西。
(四)感悟
优秀的演员还需要有自己的理解和对饰演角色的感悟能力,当明确了自己饰演的角色时,要根据当时的情景反复模拟角色的心理活动和恰当真实的反映和语言,力求最自然,最贴切。当然也不是一成不免的死剧本,临场的随机应变感悟最真实却也不失艺术的台词或者动作也是优秀的素质,很多优秀的作品反而是在反反复复的修改,演员和导演之间交流演出心得和建议而来。
二、舞蹈所呈现的感染力和绝佳舞蹈技术
舞蹈意境的美,需要舞者纯熟的舞蹈技术来打造。舞者的技艺,是多年扎实的基本功和刻苦的训练才能达到的。高难度的演绎会使观众叹为观止,并且能更快地吸引人进入舞蹈的意境之中,高难度的演绎,本身就是一种美的释放与表达。其次,好的艺术舞蹈作品应该具备强大的感染力,有一种独特的渲染力去带动人的灵魂,表演扣人心弦,有最别具一格的风格。舞蹈是人表达内心情感的一种优美、狂野的方式,它是人内在情感的迸发点。舞蹈意境的蕴含思想,也是人的某种精神高度所需要的物质。通过这种意境的展现,人们也获得了某种达不到,求不得的,是一种心灵的满足感。这就是舞蹈作品所呈现感染力所给予的。
三、意境的创造来源
(一)来源与自然的生活。舞蹈的所有动作,都是来自于生活的种种,千般变化,万般无常,皆是以生活为基本,以生活中的动作来修改、加工,形成全新的舞蹈动作。当然,舞者也必须以全情的姿态投入舞蹈中,古语说“工欲善其事,必先利其器”,所以对于舞蹈动作的琢磨,也一定占据你生活的大部分时间。生活中的情感丰富,古往今来,只要化身为人,都具有七情六欲,有满胸的喜怒哀乐。倘若把其他事物做拟人看待,它也被赋予人所有的一切特征,有情有意,生活中的,无不是都是舞蹈创作的来源。
2演唱情感的审美体现
情感指的是人的心理反应,通过演唱者的情感可以激发欣赏者的想象力,提高其思维能动性,情感审美是声乐表演艺术不可缺少的组成部分。人的情感丰富,而且个人对情感的表现程度以及方式都有所不同,但都会受历史条件和社会环境的制约和规范,再通过人理智的支配而表现出来。情感审美标准表现的是对非黑白的评价。在个音乐作品演唱得是否成功,取决于音乐作品的思想内涵,它所表现的时代精神、社会意义、听众愿望都体现出演唱者的内心感受。另外,情感审美所反映出来的情感是演唱者的真情流露,要避免做作、捏造和虚情假意。音乐作品中涵盖的情感强弱、轻重、深浅以及准确度的刺激是相互对应的,歌唱者要能够很好地把握表现分寸,挖掘音乐作品的思想内涵,使自己的情感得以升华,塑造出更加感人艺术形象。情感审美又是心灵的直接沟通的桥梁,歌唱艺术表演得以流传的原因,其关键在于它所传达的情感具有很强的感染力,使欣赏者能够感知音乐作品优美旋律背后的感情世界,使欣赏者感到愉悦,从而获得真正的审美感受。只有歌唱者对于欣赏者的审美感受是有知时,他的歌唱才能影响到欣赏者的思想。一个成功的演唱者,不仅仅是歌唱家,同时又是审美家,对于音乐作品不仅有极好的演唱能力,还有较高的审美感受能力,这样它的艺术影响的有效性更强。
二、歌唱者提高舞台表演水平的路径
(一)表情与形体动作的训练
表情和形体动作是歌唱者进行舞台表演时的形象要素,也是歌唱者塑造角色的一种技术手段。因此,为更好地完成舞台表演,提高表演水平,应善于利用表情和形体动作进行表演。为此,需要进行表情和形体动作的训练。
1、面部表情的训练
所谓的面部表情,指的是面部肌肉、嘴、眉毛、眼神等的变化[3]。面部表情可以表现一个人的各种感情,其中,眼神的训练最为重要,正所谓“一脸之戏在于眼”。歌唱者应重视眼神的训练,如可对着镜子做各种表情,训练眼睛以嘴巴的协调性。也可多观看一些优秀歌唱者舞台表演时的面部表情,进行模仿学习。或选择不同情绪风格的歌曲进行练习,以丰富自己的面部表情,争取表情的拿捏到位。
2、形体动作的训练
歌唱者应有意识地训练、策划自己的形体动作,包括合、定、引、托等手势动作,并进行反复练习。但表演过程中并非手势越多越好,而应根据歌曲需要而定,做到协调、自然,有意无意之间,使感情、手势、歌曲很好地融合在一起[4]。
(二)心理素质的训练
歌唱者是进行舞台表演时,其心理活动直接影响发挥水平,如果歌唱者心理素质不过关,存在怯场、紧张等心理障碍,往往会影响到面部表情,有些还会出现忘词、走音等情况,影响表演效果。因此,对于歌唱表演者而言,良好的心理素质至关重要。为此,歌唱者有必要加强心理素质训练。首先,歌唱者应树立正确的歌唱态度。根据自身的实际能力和嗓音特点选择适合的曲目,以提高自信心,保证表演水准。其次,进行自我心理暗示,努力使自己习惯于各种场合、各种环境下的表演,而不受其他因素的干扰作用。
二、以神驭形,神形兼备的卓绝舞台功夫
扎实的基本功是戏曲演员刻画人物的基本手段。武忠14岁学戏,有着过硬的戏曲功底,做到了充实的内心体验与完美的外在表现浑然一体。他在情绪贯串上、形体表演上,始终遵循:“我做什么?我怎么做?我为什么要这样做?”除了活用程式、改造程式,他还吸取生活中老年人慈祥、风趣的个性特征。他充分运用帽翅、髯口等各种绝技,吸收电影、话剧等的写实手法,使人物鲜活。《薛刚反唐》的徐策,是他几十年来倾注全部心血的代表作,充分吸取京剧、蒲剧的营养,融入了武术的招数,艺术表现有着武派印记个性鲜明的艺术特质。在把握动作的提神与松弛、激情于控制方面都可谓点石成金,出神入化。他从容入戏,不蹦架、不造作、自然到家。《薛》剧“法场换子”一场,虽只是一个过场戏,但他表演中那外松内紧的心理节奏,显然一个艺术大家的风范;“举狮归宗”一场,他把徐策从上场时忧心衰老,石狮挪位后的突发惊诧,举狮成功后的乐不可支以及讲家史时的痛彻心扉,层层推进,其达到的表演深度与高度自不待言。《跑城》被誉为“中华一绝”,荣获全国“牡丹奖”。《古城会》是他的又一力作。他扮演的关羽属红生,从神韵、气质到功架都较为繁重,难以精准把握,以致长期以来此剧在晋剧界一直无人敢演。上世纪80年代,武忠向京剧界移植此剧,首开晋剧“老爷戏”先河,并演出了晋剧的特色。关羽大义凛然、不怒自威的性格特征,通过武忠丰富到位、扎实功底鲜活生动地表现出来,受到了专家同行的赞誉,获得省级调演一级演员奖。后来,他又先后在《群英会》、《关羽斩子》中扮演了关羽,使“老爷戏”在晋剧舞台上不断增加。《卖画劈门》是当他年在艺校学习时丁老师手把手真传。富于创造精神的他在长期表演实践中不断加以充实、丰富和发展,更贴近人物形象;现代戏《刘胡兰》是他现代戏的一个杰作。他深刻体验人物的心理世界,打破固有的戏曲程式,从容入戏、松弛自然,给观众留下极为深刻的印象;《深宫情恨》中的老皇帝,他打破行当界限,揉进花脸的表演手法,把人物表现得入木三分,此剧在秦、晋、豫金三角调演中获优秀表演奖。人说,武忠天生就是演员,浑身都是戏,这是恰如其分的。
三、念白感人,极具生活化的戏曲韵味
有戏諺:“千斤念白四两唱”,足见戏曲念功的重要性。武忠的念白,既有戏曲韵味,又非常生活化。如《薛刚反唐》中“举狮归宗”一场,一老一少,即兴问答。举狮完毕入祖先堂内,薛蛟次次追问,徐答句句不同,由开始的语调缓慢、平稳深沉到后来的悲从中来、直至哽咽难言,观众也不由跟着剧中人唏嘘落泪。武忠的念白,顿挫有致,层层递进,把这一场多静少动的戏渲染的情绪炽烈,感人肺腑。可见好的念白对剧情的推动和人物的深化具有神奇的作用。
四、多姿多彩,琳琅满目的人物群雕
武忠戏路宽泛,在他四十多年的舞台生涯中,涉猎须生、老生、花脸、文武小生等众多行当,演出了近百个剧目,积累了丰富的舞台经验,塑造了众多行当不同、身份悬殊、性格迥异的人物群雕,堪称当代晋剧艺术大家。在他主演的老生行,除以上所举剧目外,还有《齐王拉马》田婴,《雏凤凌空》寇准,《生死牌》海瑞,《王莽篡位》吴章、《五女拜寿》杨继康、《四进士》宋士杰、《杨门女将》采药老人、《刘胡兰》刘锁等;在须生行,有《草坡》岳飞、《龙凤呈祥》刘备、《智取威虎山》少剑波等;在小生行,有《芙蓉花仙》陈秋林,《逼上梁山》林冲,《智取威虎山》李勇奇等。不管角色大小一经他出演,就鲜活灵动,满台生辉,给观众留下难以磨灭的艺术影像。
二、文艺复兴和巴洛克时期的小号表演艺术
文艺复兴时期百废待兴,人文主义精神在欧洲大陆迅速蔓延,几乎所有音乐内容及形式,包括乐器形制都出现了重大变革。由于文艺复兴时期对复调音乐的推崇,铜管乐器制成了各种大小的形制,形成完整的一套乐器来演奏和声,以达到演奏复音的效果。随着小号管身的加长,除了直管小号之外,为了便于持号还将其弯曲成各种形状,有“S”形小号、“8”字形小号等等。巴洛克时期小号开始普及。18世纪德国出现了活塞式小号,起初只有一个活塞,至18世纪末逐渐形成与现代小号一样的具有3个活塞、可以演奏半音阶的小号和短号。活塞和按键的增加给小号带来了新的生命力,音域的扩大和表现力的丰富使其在管弦乐队中被频繁使用。亨德尔著名的管弦乐《水上音乐》中,小号就承担了主旋律声部的角色。而在巴赫的6首《勃兰登堡协奏曲》的第二首(F大调)中也用了一支F调的独奏小号。
三、古典主义和浪漫主义时期的小号表演艺术
古典主义时期很多乐器的技术水平和演奏形式都已相当成熟,而当时的自然音小号却只能适合作品的部分或者具有英雄主义风格的片段,乐器的局限性制约了它的发展。当时小号形制的重要变革是出现了有键小号。19世纪的西方音乐史是浪漫主义作为主导潮流的时期,伴随着思想文化领域各种自由和进步的思潮流派、艺术风格的出现,乐器在制作技术上的改进也空前繁荣。1815年首先由德国圆号家发明了直式活塞装置,再由比利时乐器制造商萨克斯(AdolphSax)将其应用在小号上。活塞使小号终于能自由地演奏任何一个半音,因而再度成为主流乐器。19世纪中叶,法国著名的小号演奏家阿尔班(1825-1889)写出著名的小号音乐教科书——《阿尔班小号-短号教程》。阿尔班卓越的演奏才能赋予了小号新的生命力,使小号成为一件极富表现力的独奏乐器。
四、现代小号表演艺术
现代音乐对小号的演奏技巧及表演方式提出了更高的要求。音高方面不断追求更高音,甚至连乐队作品中也偶然要求吹出高达“d3”的高音,因此自19世纪中期起制造了一些更高调的小号,如D调等。为了追求更为新颖的音响效果,各种先锋流派进行着不断地尝试和探索,将爵士乐上的某些演奏技法,如滑音、花舌、各种不同速度的揉音、复音演奏、各种弱音器的使用等也用于独奏和乐队。由于受到音乐流派的影响,小号也出现了印象派、无调性、多调性等风格的作品,例如前苏联作曲家格季凯于1933年所作的《小号协奏曲》,德国作曲家兴德米特于1940年所作的《小号协奏曲》等,都充分挖掘了小号的音域及性能,将传统的表现方式提升至现代艺术的范畴,甚至还有所颠覆。20世纪之后,顶尖的小号演奏家光芒引人瞩目,他们以超人的技术技巧及艺术表现力充分展示了小号的个性及其审美内涵,直接促进并带动了小号表演艺术的深化发展。
(一)电容式拾音头
一般电容式拾音头在拾音表现、拾音原理以及制造结构方面基本与常规有效电容话筒相同,相较于动圈式拾音头而言,其高频部分的表现、瞬时响应以及拾音灵敏度更优,并且体积更小。因此在舞台表演中应用最为广泛。
(二)动圈式拾音头
目前动圈式拾音头主要用于头戴耳麦式拾音,其具有较强的抗环境噪声能力,但是灵敏度较低。此外动圈式拾音头受其制造结构的限制,高频部分的表现以及瞬时响应不如电容式拾音头,因此在高环境噪声场合应用较为广泛,如解说与通信等。一般综艺演唱会的舞台伴奏现场具有较大的监听声压,因此动圈式拾音头是最佳选择。
二、领夹式无线话筒的选用
(一)领夹式无线话筒的选择
为了选择出适当的领夹式无线话筒的拾音头,在开始演出的扩声工作之前,要采用频响测试的方法来对每一拾音头的音色特点进行了解。一般在录音棚使用SmaartLive以及TrueRTA等音频测试软件对粉红噪声进行播放,并利用测试话筒调平直其噪声曲线;然后用无线话筒的音头代替测试话筒,并在原插入测试话筒的插口插入无线话筒接收机的音频输出端。这样能对拾音头的频谱特性进行直观观察,并对其银色特点进行分析。此外,为了确保话筒接收机音频输出端的输出相位的准确,也可以采用测试软件进行检测,如果音频输出相位与主要接收机的输出相位相反,可以调换平衡输出端接点位置,确保其输出相位的一致性,从而有效保障演出扩声的顺利进行。在对无线话筒进行选择时,必须要结合演员的实际状况,以拾音头固定位置及指向模式为依据,可选用超心形拾音头,并将其固定设置在演员的头部。一般如果演员台词较少,可以在其胸前佩戴心形拾音头。如在话剧以及戏曲的演出中,演员经常会在胸前中央位置佩带无线话筒的拾音头。其主要原因就是演员在表演过程中,其头部会摆动,因此对拾音头进行全方位选用,在胸前中央佩带拾音头,能减少其头部摆动时产生的声音大小的差别。
二、视唱练耳能力在声乐表演艺术中的运用
作为声乐表演艺术来说,要使声乐具备艺术感染力,达到和谐准确的效果,离不开视唱练耳能力的发挥。视唱练耳与声乐表演艺术是密不可分的关系,一方面视唱练耳教学源于声乐教学实践,另一方面声乐表演又为视唱练耳提供了丰富素材,有助于练耳训练的开展实施。
(一)视唱练耳能够有效增强了声乐表演中的音乐基本能力
声乐表演是对音乐作品加以演绎的过程,其间贯穿了对音乐作品音准、节奏、表情的把控,而这些音乐基本能力都是视唱练耳的重要内容,因此,声乐表演艺术本质上就是将视唱练耳加以综合的一个过程。视唱练耳与声乐表演之间存在着相辅相成的关系,一方面视唱练耳无法脱离声乐表演独立存在,另一方面声乐表演也只有在视唱练耳能力的作用下才能够唱准、唱对。视唱练耳对声乐表演基本能力的促进作用,虽然不仅仅存在于声乐表演这一单一音乐活动中,但毋容置疑的是,声乐表演渗透了视唱练耳的基本内容。
(二)声乐表演中的音感及演唱技巧需要视唱练耳技能的参与
视唱练耳中的视唱环节为声乐表演技巧的提升奠定了基础,声乐演唱要达到旋律的优美和音感的自然流畅,需要有效调动视唱练耳中的基本技能。在开展声乐教学时要沿用视唱练耳的技巧方法,在演唱中要及时调整呼吸,在节奏停顿上要合理有序,从而更好地控制音准及节奏,使声乐演唱达到饱满圆润的艺术效果。此外,在声乐演唱技巧及演唱方法的使用上,讲究乐句之间在换气时要保障演唱旋律的连贯自然,在演唱下行时,声音要保持在高位状态,在演唱上行时,声音则要保持在低位状态,而这些技巧也都是视唱练耳中突出强调的。因此,声乐表演过程中,处处都渗透着视唱练耳技巧的使用,两者是一种水融,互相促进的关系。
关键词:表演艺术论文题目
一、音乐剧声乐表演艺术的本质与作用
众所周知,音乐剧演唱属于声乐表演艺术的一种类型,虽然它在演唱声音特征上隐含着歌剧声乐与通俗歌曲的某些声音造型特征,但和其它姊妹表演艺术一样,它的演唱表演本质同样是二度创作。只是它的声乐演唱更讲究,更具有综合性,即在表演时需要演唱者具有多样型的才能,如具有表演、演唱、舞蹈等复合型的才能。所谓二度创作是指在一度创作(音乐剧声乐作品创作系统基础上)现实成果上的再创造,但这种二度创造是能动的、灵活的。从音乐剧声乐创作的角度来看,一度创作是指歌词与音乐旋律之间的契合,这种契合因音乐剧声乐旋律所要求的个性化、独特化而难度更大。其中也包含着创作者歌词的主观意念、旋律的主观意念以及一度创作的结果。因此,对音乐剧的演唱者来言,其个人精神与高超技巧的具备以及主观理解和感受结果,是二度创作的决定性因素。对于音乐剧演唱者的二度创作来讲,也可能会出现这种情况,即在再现创作者本身的创作精神和意图基础上,会将原作的精髓表现得更加鲜明,甚至在音乐剧声乐表演中,因为表演者自身的理解与感悟,会超出创作者本来的意图,把声乐作品中甚至是整部音乐剧的创作主题的审美倾向和美的形式体现得更加充分,使整个作品内在的艺术生命力得到全面的展示。演唱在整个音乐剧中的作用可以从两个方面来体现,一是来自表演的本质,即创造性的再现原作,从而促使音乐剧中声乐创作的发展。二是作为创作与欣赏的中间环节,为欣赏者提供审美的愉悦和享受,使审美受众接受音乐剧的艺术形式,并且提高欣赏者的审美接受能力和审美趣味2。在音乐剧表演中,演唱者作为一度创作的再现环节,在完成再现与再造的同时,也使创作者的词与曲在音乐剧演唱的实践中被众多欣赏者所检验与接受,同时,因为欣赏者审美和接受程度的反馈及演唱者在二度创造时的反馈,也使词曲创作者不断修正和促进自己的创作能力,创作出更加适合欣赏者审美趋向的作品,即音乐剧声乐创作者创作出的作品必须经过声乐表演这个环节,才能被欣赏者所把握、所接受并及时反馈给创作者,从而形成一个良性地循环系统。从音乐剧欣赏角度而言,音乐剧声乐表演的过程是欣赏者感受的开端,也是把握声乐作品、接受音乐剧的唯一方式,因而演唱者必须重视与欣赏者的联系,充分发挥自身才能,倾听欣赏者的反馈意见,从而不断调整、修正自己的表演能力。而作品内容的体现运用黑格尔的话,也就是:“人声在歌唱之中也说出‘话’来,‘话’就是表达一定内容的思想,所以这种音乐,作为唱出来得‘话’来看,就只能有一个任务,就是要使这个内容得到音乐的表现,而这内容,就凭它较明确的定性被音乐在它可能的范围里带进观念领域里而不再是一种模糊的情感”3。由此而见,音乐剧演唱者二度创作所展现的新的作品内涵,对欣赏者所产生重要影响。同时,还起到提高欣赏者审美能力的作用,尤其是对于国内音乐剧接受能力的培养,当然这不仅仅是音乐剧演唱者个人的责任,这也需要恰当的适合中国戏剧土壤的戏剧音乐成分,除此以外也包括音乐剧的传播途径比如音乐剧行业主体音乐剧剧场等。
二、音乐剧声乐表演艺术的美学原则
音乐剧演唱归属声乐表演系统,它的二度创作的本质决定了其美学原则最终要以真实性来体现其创造性、用历史的连接性来展现其时代的人文的心理内涵并运用自己的表演技巧将作品充分的表现给欣赏者。
1.真实性与创造性
“真实是艺术的生命”。音乐剧声乐表演具有二度创作的基本性质,决定了它必须协调统一真实性与创造性两个层面,。所谓真实性,是指在音乐剧声乐表演系统中演唱者对作品内容的理解和把握的准确程度。它也体现着表演者的综合艺术修养及感悟能力。在音乐剧的演唱中,表演者不仅要了解掌握声乐表演的基本规律,同时,也要把握舞蹈表演规律和戏剧表演规律,把握住不同时期、不同风格的音乐剧中的声乐作品。对于音乐剧中的声乐艺术表演,其真实性就是表演者综合能力的完美体现。在音乐剧声乐表演活动中,能否“入戏”,“入戏”的程度,是表演者对声乐作品真实度再现的前提与基础4。因具有特定的人物情感活动中。如在音乐剧《猫》中,对剧中“剧院之猫”、“铁路之猫”等各种猫的性格特征、动作的把握,对剧情的了解,对剧中音乐的理为音乐剧演唱这种对作品真实度要求较高的声乐形态,如果表演者能够将各种角色的表演投入到解与把握等,才能完成和达到作品真实性要求。所谓创造性是指在音乐剧声乐表演忠实原作的基础上,表演者充分发挥主观能动性而对作品理解的升华、深化及再创造,当然,最终展示在表演者个性化的表现方式上。如被誉为英国音乐剧第一夫人的著名演员伊莲佩姬,其演唱风格极具个性,演唱声音浑厚富有韧性,表演感情真挚、大方,其出色的具有个性的表演风格被英国国家歌剧院以及戏剧协会授予终身成就奖。著名华裔声乐教育家赵梅伯教授就声乐表演的个性也提出了自己的看法,他说:“个性是属于个人的,没有个性完全相同的人,这包括人的智慧、观点与表现。没有个性的艺术家永远不会有惊人的成就,所以说个性是艺术家的本钱,好的歌曲是上佳的材料,声音是工具,技巧是方法,修养是本质,而个性却是原动力,所以缺乏个性的歌者是不能行之久远的”5。由此可见,音乐剧声乐表演的真实性与创造性是统一的。首先要忠实原作的作品,又要体现出表演者具有个性的理解和二度创造。
2.历史性与时代性
王昆的童年时期经常会去观看草台班子的演出,由于他的浓厚兴趣以及努力探索,很快就学会了河北梆子和西河大鼓的艺术元素。后来又受到学堂乐歌(主要用来反映新知识分子要求学习西方文明以及主张共和和富国强兵的爱国主义思想)的影响,他在老师臧玉科的精心指导下,学会了诸《如头舞歌》、《古从军行》、《板桥道情》等作品,通过这些歌曲王昆慢慢进入到了音乐世界,这对他日后从事抗日歌咏活动打下了坚实的基础。
(二)继承基础上的创新
在王昆先生的作品当中,极具代表性的《白毛女》中的《哭爹》,王昆在演唱过程中充分融入了河北梆子当中“哭头”(又称为么二三)板式的演唱风格。这里所谓的“哭头”指的是一种特色专用的板式,它以在唱腔过门间大锣一击、二击和三击而闻名天下。歌曲在旋律上借鉴了河北梆子紧打慢唱的特点,比较强调“3-2-1-6-5”以及“6-5-3-2-1”级进上行的反复方式,上乐句落音于“1”,下乐句则是落音在“5”。另外,王昆在演唱东北歌曲的时候不仅保留了东北民歌中韵味十足并且吐词清晰的特色,而且在有效借鉴了韵白延长的特点,尤其是强调歌词与旋律的完美结合。比方说在演唱《王二嫂过翻身年》中,王昆不仅保留了原有特色,而且有效融入了旋律性的声韵。比方说在第七小节中的“编”字,将调值从高到低分别用5个数字来表示,为5、4、3、2、1。这样一来就可以清楚的看出平调值为“55”,阳平调值为“35”,去声调值为“51”,上声调值为“214”。
二、王昆声乐表演艺术风格的成熟期——高亢而富有激情
(一)融合与拓展
王昆是于1944年正式进入延安鲁迅艺术学校学习的,当时正值文艺之后调整学习的方式和方向的大好时候,这时他可以零距离的学习了民歌和地方戏曲,在民间音乐沃土的滋养下大大丰富了自身的艺术储备,从秦腔、碗碗腔、眉户到后来的新秧歌剧,到后来《白毛女》取得巨大成功之后,使之成为民族新歌剧的奠基石,为我国的民族歌剧开辟了一条正确的道路。通过研究发现,王昆所用的大部分是从戏曲和民歌中吸取精华而逐渐形成的。首先表现在唱法上,歌剧与民歌相比较而言,它更为强调人物造型的塑造,因此人物形象是比较固定的,不会随意改变。因此王昆实现初步设计好了人物的声音造型,并且依次为前提在演唱过程中有效融入了人物的核心思想,并且通过综合不同的唱段体现出人物的思想感情。而在表演上,主要是源于生活中的动作,《白毛女》主要强调的是“民族”性,也就是有中国的特色。鉴于此,王昆借鉴了中国传统特色因素,并且采用了大众喜闻乐见的民歌、戏曲、曲艺的歌唱方法,而并非西洋唱法。
(二)创新和应用
在这个过程中,王昆借鉴了秦腔的唱腔技法,比方说“梢子音”,这是假嗓发声中的一种,这在花脸、小生、小旦中应用得比较多。事实证明,这种假嗓发声好似从真嗓中捎带出来的,并用来增强气势、拉宽音域的目的。比方说在陕北民歌中信天游的代表曲目之一《赶牲灵》就有效运用了这样的演唱技法。这首歌曲是从女性视角出发,对着赶骡子的脚夫引吭高歌,充分反映出陕北高原上脚夫们的生活状况。从“走头头的骡子”,骡子戴着的“铃子”,“三盏盏的灯”到赶脚的人“我的哥哥”,王昆从对骡子、铃子、灯等的演唱,到“我的哥哥”的演唱。这演唱对象的转换其实是一个崭露真实情感的过程。
在钢琴表演过程中,个性与共性不可分割地存在于一个有机整体里,共性寓于个性之中。也就是说,表演者把对作品的整体理解和感情寓于他们不同的表演形式之中。作品给演奏者提供了创作的基础,但也有许多潜在的不定点和空白,给了演奏者填补、再创造的空间。演奏者就可以借助一些手段,创造另外的一种音乐审美效果,拓展音乐表演的视界和话语空间。茵格而顿指出:“像绘画那样的‘原作’在音乐中是不存在的,音乐作品本身只能提供一个多层次的未定点。只有通过一次次的音乐表演来实现一个变体。每一个变体都包含有表演者的独特创造,并使音乐作品成为表演者和作曲者共同创造的艺术复合体。”[1]表演者在这个多层次的未定点的基础上,通过自己对作品的理解以及内心体验的思维活动,进行抒发人类思想感情并赋予音乐作品生命力的二度创作,尽量完善音乐意境,表现音乐情感与内容,并使其成为联结音乐创作和音乐欣赏的纽带。
钢琴表演艺术随着社会的发展和需要更应突出个性化的艺术表演形式。任何艺术如果脱离了创新与发展,就会变得苍白无力,没有生命力和活力。这就对传统的钢琴表演形式有了更高的要求和迫切的需要,同时对表演者来说,除了要有深厚的文化底蕴外,还要有跟上时代的敏锐头脑,来丰富自己个性化的钢琴艺术表演过程。
二、时代化表演是推动钢琴表演艺术发展的因素
“美”产生于人——主体的愿望,而主体愿望的产生则源于他的“社会性”![2]任何创作活动都有一定的社会性,同样,钢琴艺术的表演形式也不能脱离社会性而存在,它与时代的不断发展有着必然的联系。
钢琴表演艺术传统延续下来规范化的表演模式可以被真正有音乐修养的少数群体所接受,是“精英”“贵族”式的欣赏方式。时代的发展、社会的需要、网络传媒等现代交流手段方式的迅速发展与改变,使钢琴音乐面对的是更多、更为广泛的群体,钢琴表演艺术应从音乐表演多元化角度,积极探索如何在表演形式以及音乐表现上使广大观众更好地接受。这也是推广钢琴音乐、提高国民整体素质教育和音乐修养,使更多的人能够欣赏和享受音乐的“准精英”式钢琴音乐的推广方式。
钢琴表演艺术发展至今,由于现代社会文化、观众对象的不同,“阳春白雪”式的钢琴表演艺术在后现代文化的特征上应有所突出。由于“观看并不是一面一成不变的镜子,而是充满生气的理解力。”[3]所以根据观众理解的差异,对于作品的艺术表演再现做出的反映,有可能正确、有可能歪曲。当然真正的艺术是不能以大众的喜好和接受能力作为艺术的标准的,这违反了艺术的原则。正如戏剧界所认同的:“观众不一定都是对的,但无视观众的艺术家却永远是错的。”[4]为了让社会能够更为广泛地接受和认同严肃音乐,我们可以在钢琴音乐的表演过程中采取更容易被大众心理所接受的传媒方式和艺术表现手段。人是精神和肉体的结合物,所以每遇到一种运动,不仅视之而已,同时还有意用我们自己的动作来表出它们。……”[5]所以表演者在钢琴表演过程中,由于从内心生发了音乐的感受并产生了肢体动作,从而更好地表达作品内容及抒发自我情感的手段,即表演形式。它是音乐表演的重要组成部分,是音乐作品和观众思想产生共鸣的必要手段。作为媒介,表演形式有着举足轻重的作用。它帮助表演者创造一种情景,通过观众的想象来产生感情。随着时代、网络、高科技的发展,观众对钢琴音乐特别是适合现代钢琴作品新的表现手段有着强烈的渴求和愿望,希望表演者具有时代感、与生活体验相接近的表演形式,表现与观众共有的对现代生活的体验与感受,从而感染观众,同时也给钢琴表演艺术注入新的血液和生命力,使钢琴表演艺术从不同角度更完美地获得其美学体验。这也是现阶段社会发展对钢琴表演艺术的迫切需要,也是钢琴音乐、钢琴教育和文化发展的一个重要的方向和目标。
三、民族化表演是钢琴表演艺术发展的灵魂
21世纪更是一个在不断发展中求生存的时代,音乐的审美价值趋向多元化、开放性,但总的文化精神是一脉相承的,体现着一种民族精神,闪耀着华夏祖先的文明和智慧。
李凌的美学思想认为,“所谓‘民族风格’,它包括了这个民族的思想、情感以及它要表现这些思想、情感所选取、缔造的音乐形式上的一切特色的总和。”[6]追求表演艺术的民族风格,应该成为钢琴表演艺术遵循的一个美学原则。中国第一位在国际上获得西洋音乐演奏奖的钢琴家傅聪,正是因在他的钢琴演奏中充满了中国灿烂文化的诗情画意般的境界,以及中西贯通的音乐表现力而享有“钢琴诗人”的美誉。他演奏的肖邦被认为“赋有肖邦的灵魂”。傅聪之所以对西洋音乐理解得深刻,“大半得力于他对中国古典文化的认识与体会”。因为“只有真正了解自己的民族的优秀传统精神,具备自己的民族灵魂,才能彻底了解别个民族的优秀传统,渗透他们的灵魂。”[7]这也是傅聪在钢琴表演艺术上能做到真正中西融合贯通,用中国的古典文学表现西方音乐意境的精髓所在。
中国古代对音乐美学的研究源远流长。儒、道、法家对音乐美学都有系统化、理论化的研究。傅聪的父亲傅雷非常重视对傅聪进行中国传统文化教育。自小用近乎私塾的方式,从孔孟先秦诸子、《国策》《左传》《晏字春秋》《史记》《汉书》《世说新语》上选教材,以富有伦理观念与哲理气息、兼有趣味性的故事、寓言、史诗为主,以古典诗歌与纯文艺熏陶结合在一起,亲自对他施教。“我的东方人的根,真是深,好像越是对西方文化钻得深,越发现蕴藏在我内心里的东方气质。”[8]所以在傅聪的演奏中有蕴含中国音乐美学的“无我之境”。这和他自小得益于中国深厚的文化背景和成熟的领悟力是分不开的。
民族性有着博大精深的文化底蕴。是艺术再创造的土壤和源泉,是创造具有特色的表演艺术的动力所在。中国的钢琴表演艺术要坚持发扬民族性,与时代共进,突出个性意识,才能使钢琴表演艺术在社会发展潮流中始终保持活力,在时代变革过程中展现新的魅力。
内容摘要:钢琴表演艺术作为一门理论实践性的艺术学科,它的发展趋势与社会发展时代化、个性化及民族化有着必然的联系。钢琴表演艺术应密切关注时代化、个性化以及民族化的时代特征,与时俱进,从而更好地推广钢琴作品、音乐艺术,使钢琴表演艺术学科日趋完善、成熟。
关键词:钢琴艺术表演时代化个性化民族化
钢琴表演艺术是一门理论实践性的艺术学科。钢琴表演艺术作为艺术作品的二度创作过程,是建立在遵循作曲家原意的基础上、具有表演者个性风格特点的作品再现。钢琴表演艺术学科的实践运用和音乐美学的审美观是密不可分的。在音乐的表演过程中存在着两种方向的运动:一是表演者把内心的精神转化为音乐,即精神变物质的过程。二是观众把这种音乐再通过大脑的理解转化为精神,即物质变精神的过程。好的表演艺术形式总是可以通过自己的表演,积极地影响和感染观众,帮助观众提高对音乐的鉴赏能力,调节观众的欣赏角度和趣味。任何表演艺术的存在都脱离不了时代、个性以及民族这三方面因素的影响和制约。随着社会的不断进步和时代的发展,对钢琴表演艺术提出了更高、更新的要求。因此个性、时代的不断进步,以及深厚的民族文化底蕴是钢琴表演艺术发展的源泉和动力。钢琴表演艺术除了在原有的优秀传统表演基础上要不断发展,还要考虑出新,结合不同层次群体的心理需要,从现代社会人们希望出现新事物的角度,以及对钢琴表演艺术、钢琴文化传播途径的新需求,真正使钢琴表演艺术繁荣昌盛。
参考文献:
[1]赵保清《浅谈音乐表演艺术》南京艺术学院院报2001年第2期
[2]《论音乐表演艺术的创造性——从布莱希特“陌生化”表演艺术理论得到的启示》冯效刚人民音乐1997年第11期
[3]艺术风格学:(瑞士)海因里希·沃尔夫林著、潘耀昌译:中国人民大学出版社2004年1月第251页
[4]《试论音乐表演艺术中表演者主体地位的确立》张放音乐探索1999年第1期
[5](德)罗采《卡里哥纳》H·里曼著缪天瑞译
2、歌唱是音乐化的语言,形体语言是重要的组成部分。作为一种艺术形式,歌唱与纯音乐最大的不同在于纯音乐是以写意为主,而歌唱所要表达的则是一个具象的相对写实的过程。歌唱表达的是创作者和歌唱主体赋予声乐作品的一种对某人或某物的情感寄托及特殊的体验,这其中包含了丰富的情感体验。恰当灵活的形体语言可以帮助表演者更好地展现作品的内涵。需要注意的是,歌唱者的形体表演不是即兴而为,而是根据表演者对作品的领会而创造出来的充分发自内心的一系列心理活动的外在展示。表演者事先都要经过精心设计和反复训练后才会走上舞台展现给观众,并在与观众的交流互动中对形体表演不断改进完善。
3、形体语言是对声乐作品的二度创作。舞台上的歌唱表演是歌唱主体对声乐作品的再创作,而创作材料就是自己的五官四肢。他无法把作品内涵象画家一样在彩纸上表现出来,只能借助自己的肌体,把自己的艺术思维和艺术体验刻画在自己的身上。因此,一个好的歌手,要有良好的形体运用技术,还可通过服饰或道具等增强作品的表现力。
二、歌唱表演中形体语言运用技巧
1、眼睛。俗话讲,暗送秋波,眉目传情。的确,眼睛是心灵的窗户,通过眼神可以向外界传送出极为丰富的信息,甚至可以生动传神地地表达出自己的复杂细微的感情。舞台上的歌手虽然是在用嘴巴表演,但要打动观众,真切地把歌曲的内涵传递给观众,绝对却离不开眼睛的配合。歌手要通过眼神与观众进行交流,更要把作品中的内在情感通过自己的眼神传递给观众。对于不同风格的歌曲,歌手要用特定的眼神与演唱内容密切配合,以达到最佳表演效果。
2、手势。不管是在生活中还是在舞台上,手势都是一种运用非常普遍的表达方式。手势可以说是一种非常丰富的无声的语言。我们会发现,几乎没有哪个歌手会在舞台上四肢僵硬地单纯靠唱功表演。手势可以渲染气氛,表达情感,运作优美,恰到好处的手势更能增强歌曲的感染力。要求舞台上的歌手不但要保持正确的唱歌姿势,还要能灵活地运用各种手势表情达意。当然,手势是有特定含义的,不能矫揉造作,也不能任意而为,要与歌曲内容相符,做到紧而不僵,松而不懈,高低轻重,收放自如。
3、面部表情。面部表情能准确地反映我们的内心世界,所谓表里如一,观其表知其里。不同的面部表情表达的也是一个丰富多彩的内在感情世界。不同的歌曲的内容表达的感情也不一,演唱者要能充分领悟音乐作品中的思想感情内涵,通过自己复杂灵活多变的面部表情细腻地表达出来。观众能通过歌手的的面部表情感受到酸甜苦辣,看到春夏秋冬。要敢于夸张而不做作,巧妙的面部表情有时候甚至比动人的歌喉更能让人感受作品的魅力。