时间:2023-03-22 17:46:55
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在钢琴教学中,笔者发现,有的学生身体僵硬,头颈一点也不动,身体重心不作丝毫的移动,只是手指在机械地弹奏,弹出苍白无味、毫无光泽的声音;有的学生动作僵硬,手肘上下抖动,手肘紧靠身体,手指几乎没有上下动作等等,这都表明学生演奏不够放松。
实际上,在钢琴演奏中,放松是最基本也是最重要的要求,只有学会了放松,特别掌握了手臂的重量,才会掌握正确弹奏方法和钢琴的各种技巧,才能弹奏出快速、清晰、准确的琴声,才能奏出优美,具有穿透力的声音。可以说,放松是通向钢琴演奏自由王国的必由之路。笔者认为,实现放松地演奏钢琴有以下几个途径。
一、手臂放松的基本训练
1.将一只手臂高举至头上,然后放松,它将被地心引力而自然下垂,在身边前后自由摆动,如果手臂下降后是紧贴身体而没有自由地前后摆动,就说明手肘没有放松,这就不可能获得手臂的重量感觉。因此,要获得手臂的重量感觉关键是放松手肘和手腕,同时,从指尖到肩关节应有整体感,先练好一只手臂,再练另一只手臂,然后双臂交换练,最后双手同时练。
2.双臂自然而放松地垂在身边,上身向前鞠躬,这时就可以明显感觉到整个手臂——从肩关节到指尖的血脉都在往下流,这就是手臂的重量感觉。
3.将前两个练习所获得的重量感觉,放在桌子上练习:手在桌上成圆弧形,五个手指均成圆滑形。手腕微提,手臂从肩关节处抬起至肩平,这时大脑所发出的命令是“控制”住手臂,不让它掉下去,当已经感觉到臂在空中的重量时(前提是腕、肘放松),大脑将“撤销控制”改为“坠落”的命令,这时要能清楚地想到:手肘不要太紧张,不要加力,不要故意做僵硬的下降动作,手指不改变其圆形,整个手臂就会从肩关节处自然下落,手臂的重量正好落到指尖上并放到键底。
练习要领:
A.手和手指保持圆状感,各指间略分开;B.腕和肘放松而有控制;C.手臂上提和下降时都必须用很慢的速度练习,以训练其对手臂的控制能力。上提时五个手指犹如“牵了五根线”的感觉,在向上或向下的过程中,都有不使“线”被折断的小心翼翼的心理,这样把注意力集中在指尖上,肘部的紧张度就减少了,直至消失。当手臂缓慢地下降接近桌面时,五根手指尖主动往下放在桌面上,请注意:手指永远是积极主动的。当手指放在桌面上时,指尖紧紧抓住桌面,保持住,再体会从肩到指尖的贯通感觉。训练动作应从极缓慢的速度开始,才能训练大脑对手臂和指尖的控制能力,如果一开始就快速地上下,必然会造成肘部紧张的僵硬状态。
4.在琴上练习:将桌上练习所获得的放松动作和感觉移在钢琴上练习,但手指不弹下琴键,只在空中练习。
方法:将手成半圆状,轻放在键盘上,从手腕处微向上提后控制,手指凭感觉往上牵,直至与肩平。在上提的过程中,明显感觉到大臂肌肉的运动而牵动了肩关节的活动。臂缓慢地往下放,将五个手指轻而慢地放在键盘上。此动作先在原位练数次,再转向左边和右边练数次。同时,头、颈、上身及眼的视线必须做到放松、自然、协调和舒适,身体重心应随手臂位置的变化而移动并放在指尖上。
二、手指放松的动作训练
手臂放在琴盖或桌面上,这时腕臂就会处于松弛状态,然后抬高手指,用指尖模仿敲锣动作,每敲一下立即松开,恢复到原状。通过反复练习后,再移到琴上去弹,如仍能追求这种松弛的感觉,手指抬动就很容易了。我们还可以在琴键上模仿走路,一指抬起来,另一指支撑着全臂的重量,一指落下去支撑重量,重心随之转移,另一指又抬起,这时整个手臂就会高度放松,不弹琴的手指也会保持自然形状。经过反复练习,我们就会体会到手指轮流抬动,移动重心,正如两只脚在琴上走路一样,灵活自如,也有弹性,再也不会出现互相牵制的现象,手指的独立能力也随之加强。匈牙利钢琴家、教育家约瑟夫说:“开始就在琴上练习,是极其错误的。因为学生是初学,让他把注意力集中在手指的动作上,而不是集中在发音上。这在日后弹奏乐曲时,会给正确的神经支配造成困难。”这是放松弹琴的有效途径。
三、轻弹慢练
轻弹时肌肉不会过分用力,不容易引起身心的紧张,慢练可以给大脑留有记忆乐谱,进行心理实践的时间,并能将注意力集中到弹奏要领上,细心领会肌肉活动的松弛感,放松的解决,并不是一劳永逸的,每学一个新技术,都会带来新的放松紧张因素。学习钢琴的过程,也是同紧张作斗争、放松的过程。慢练是放松弹奏的基础,什么时候忽视了慢练,紧张的因素就会乘机而入,因此,慢练是放松弹奏的最好方法。
四、处理好用力和放松的辩证关系
在钢琴弹奏中,放松和用力是相互矛盾又辩证统一,“放松”是条件、前提,弹奏是目的,而弹奏是要用力的。所以“用力”是主要的、绝对的,“放松”却是相对的。放松是为用力做好准备,是为了更好更巧的用力。用力后必须立即放松,才能重新发力(即弹奏),只有会放松的人,才会用力,也只有会用力的人才会懂得和做到有控制的“放松”。放松主要是指用力下键的瞬间之后立即放松,放松和用力要间隔进行,这样我们就能在一种舒适的状态下演奏,获得饱满、丰富而又有变化的音色。
总之,现代钢琴的演奏是运用整个手、整个胳膊、整个身体的总体感觉来进行弹奏的,手腕的放松是弹奏的关键。要弹奏出响亮丰满的声音,关键在于对重量能自如地协调,手臂好像是键盘的延长,而键盘又好似手臂的延长。这样,钢琴就会变成了自己身体的一部分,利用好手臂的力量感,手指花最小的力气就会获得既圆滑、悦耳,又集中、干净、清晰的美妙琴声。
参考文献:
[1]邵智贤.钢琴的音色与触键[J].音乐艺术.1995.1.
沃尔夫冈·阿玛德乌斯·莫扎特(1756~1791),奥地利作曲家,是维也纳古典乐派第2位大师。莫扎特的钢琴音乐是他创作中重要领域,主要钢琴作品,有20多部钢琴协奏曲,钢琴奏鸣曲20首,还有变奏曲、回旋曲和幻想曲等。
莫扎特的钢琴音乐以优美、流畅、明朗、乐观为主要特征。莫扎特在歌剧中表现的非凡旋律天才,也充分显示在钢琴音乐中,如钢琴乐曲中不仅慢板主题气息、宽广、悠扬、婉转,恰似歌剧中的咏叹调,甚至那些轻捷绮丽的华彩经过句,也都是发自心底的歌唱。莫扎特钢琴演奏风格,以典雅,精致,纤巧,细腻而著称于世。莫扎特创造性继承、发展了阿尔贝梯低音写作手法,增强了低音的旋律性,既吸取了法国库泊兰古钢琴音乐中装饰音的曲雅趣味,又大大地改变了装饰音的形式,使装饰音不再仅仅装饰作用使之为旋律的组成部分。这种新的钢琴语汇创造,不仅形成了莫扎特钢琴音乐所特有的纤巧、优雅的风格,而且对19世纪波兰钢琴家肖邦也有很大影响。
《第十一钢琴奏鸣化曲》创作于1778年。1772年莫扎特结束旅行演出后,回到家乡萨尔斯堡任当地大主教宫廷乐长,为了摆脱大主教专横、粗暴、野蛮的压制,希望到别的宫廷谋求职位,于1778年随母亲再度赴巴黎旅行演奏,可是这位当年红极一时的“神童”,如今在巴黎上层社会却受到冷遇,谋求职位落空了,母亲在巴黎又去世了,尽管遭到这种种不幸,但他仍写下了5首优秀巴黎钢琴奏鸣曲,这些乐曲情感内容深刻,大都乐观、明朗,带有一种启蒙时期特有的自信和乐观,然而乐曲中却不时流露出悲哀的阴影笼罩着。这5首钢琴奏鸣曲也标志着莫扎特钢琴奏鸣曲创作的完全成熟。
《A大调钢琴奏鸣曲》就是其中最典型的一首乐曲,而上述莫扎特钢琴音乐创作手法及其特征,也充分体现在这首奏鸣曲中。《第十一钢琴奏鸣曲》,第一乐章,是由“主题和6个变奏曲目组成的变奏套曲”。主题:带有再现二部曲式主题的体裁风格,近似意大利西西里舞曲民谣特性,旋律朴实,明朗富有歌唱性。在性格_L更为内在而抒情,音乐的安详情绪接近了莫扎特的精神,而表现出温暖情感的深度是空前的。主题优美的行板,6/8节拍,A大调,附点的节奏,音乐时值基本上一拍一音,旋律有意简化,同音反复也为后面变奏留有余地。在主题的4个乐句中,前半段为8小节,后半段为10小节:每句前半旋律流畅抒情,每句后半音响加厚是和弦式陈述。而每乐句开始都以西西里舞曲特性节奏开始。主题的呈示部分与再现部分是歌唱性,中间部分主要是舞蹈性。整个主题是歌唱性与舞蹈性相互渗透各有侧重。从总的来看“莫扎特的钢琴奏鸣曲,不能同贝多芬32首钢琴奏鸣曲抗衡,尤其不能同悲枪,月光,热情比肩。但是在今天世界成千上万架钢琴,莫扎特和贝多芬的钢琴奏鸣曲乐谱,永远是放在一起的,肯定还要继续到下个世纪,只要人还是人,保有基本的人性……”莫扎特和贝多芬的曲子总是互补的,就像大阳和月亮、树林和飞鸟、天空和大海、永远是互补的那样。在我们这个星球上,哪里摆着钢琴,哪里就一定有两位作家的钢琴奏鸣曲乐谱放在琴上,这叫做不朽。
演奏他的作品必须把握既含蓄、典雅,又玲珑剔透的音乐风格。具体地说,应当注意以下几点。
1.旋律性极强。莫扎特的作品主旋律往往是简单而极富歌唱性的。弹奏时,应清晰突出,不能草草了事,每一个音符都必须弹得透而不燥,实而不硬,富有一定的韵味。
2.要弹出晶莹透亮的音乐。在指触上要以nonLegato为主,用指尖触键,快速而不生硬,奏出均匀清晰的音粒。
3.注重乐句的处理,强弱的对比。莫扎特的作品很少有大起大落的强弱对比,却差不多每一句都有渐强渐弱的曲线。其作品中很少出现f-PPP的强烈变化,但乐句与乐句之间却经常出现前后照应,强弱对比。有如对话一般,一问一答,错落有致。有时,短短的两个乐句,要弹好都并不容易。首先,每个乐句本身必须要有渐强渐弱的曲线。其次,句与句之间,必须形成强弱对比。如第一乐句可以演奏得稍微弱一点儿,像是在提出间题。第二乐句,可以演奏得较第一乐句稍强,以达到回答问题的效果。当然,还有其它的处理方法,但都必须有所变化,形成前后力度和强弱的对比。:
一、起与落
弹奏的起与落是矛盾的对立统一。良好的下键是以合乎逻辑的离键为条件。钢琴有“乐器之王”的美誊,它的演奏所产生的无穷魅力是多方面的,其中最重要的是其美妙的声音。要想获得美妙的声音,则必须依据良好的发音手段,而钢琴发音的最基本的方式是通过手与手指的上下起落触键。手和手指的起落、下键和离键,从外部运动形态上看它们是一对反向动作,两者处于相互对立、相互依存的关系之中。下键与离键之所以需要认真研究,是由于这一对反向运动无论从形态上还是从本质上都几乎概括了钢琴发音的总和。手指在下键与离键过程中的严格规范的动作是手指跑动至关重要的环节。手指的起与落必须敏捷迅速并具有高度的爆发力。所以在意识上应将下键与离键视为同等重要、互为因果、彼此对立统一的现象与过程。没有迅速而富有弹性的离键,就难以获得明确、快速的起落过程。因而也就难以获得明亮的声音。在这一对看似矛盾的动作中,要想获得理想的统一,手指起落中的一切不必要、不相关的动作必须克服与消除。其衔接要自然紧凑,不能出现任何空隙和动作上的脱节,应强调“步步紧跟”、“环环相扣”。首先,就其起落方式而言,有大起大落、中起中落和小起小落。在大起大落中,遇到速度较慢的断音弹奏时,应以肩部起动,带动整个胳膊,使手臂重量下垂,将重量传导到指尖,以发出厚实、丰满而集中的声音。中起中落,一般指手腕的上下协调动作,从而使断音发音清晰、明确,音量不至过大、笨拙,又具有内在的连续性。小起小落,主要在弹奏16分音符的快速跑动句时,要求指尖末梢部位依靠手指自身活动能力,做到起落迅速、交替明快的发音,尤如竹筒倒豆子一般。其次,就其起落时差而言,下键与离键应具有严格的节奏意义和时间制约,任何时差上的不准确都会导致弹奏的毛病和粗漏。以二连音为例,在弹奏时,用手腕将力送到第一个音,手腕位置较低,在手腕站稳之后,当手腕做轻轻提起的动作时,另一个手指即刻弹奏第二个音,其起落原则为:要等第二个手指下键之后,前面的手指才能离开。从一个手指到另一个手指之间不能有缝隙,如果背离这一原则,那么前后两个音之间必然会出现断层,影响弹奏的连贯性。反之,如果在后一个手指下键的瞬间,前一个手指不能及时离键,就会造成发间不干净,失去弹奏的颗粒感,影响弹奏的速度。再则,就其起落的发力而言,手指起落发力过程的调节对发音有着十分重要的影响。手指的爆发力是实现快速弹奏最基本的核心。在手指爆发力的训练过程中,有几个环节应予以注意:一是随着掌关节的打开,手指迅速、从容地抬起准备发力,手指处于“引而不发”的独立与饱和状态,手臂的肌肉要绝对地保持放松,切忌因手指积极活动使手臂受到牵制或是随之同步发力,而是力求手指高度的独立性,使手臂与手指保持最大的反差率,这种反差正是手指和手臂分工合作、高度协调的重要基础。二是手指发力触健,应以手指第一和第三关节协同,动作务必迅速而富有弹性。手指下键的瞬间,应将迸发出的能量迅速集中在指尖,力求声音明亮、通透。三是在完成了手指触键发声之后,指尖切不可随之而松垮,而保留着一定的紧张度,将琴键轻轻钳住,而其它部位发力时的运动状态立即随之消失,取而代之是一种完全放松自然的感觉。总之,手指的起落发力应在手臂自然放松、意念高度集中的前提下,适当地抬高手指,最迅速而有力的下键,在节奏慢速中结合动作要领进行不断地练习,最后完成手指起的协调,实现矛盾从对立达到统一。
二、量与质
把握住学生弹奏的质与量的平衡,是提高学生弹奏水平与教学质量的重要方面。钢琴的弹奏体现了相当复杂的技巧性和极大的难度,因而在钢琴的教学上如何在有限的时间内使学生既通过一定数量的弹奏以增加曲目的积累,又能达到应有的教学质量,那将是一项十分艰巨的教学任务。从量变到质变,是辩证认识论中一个突出的课题。量与质的矛盾是钢琴教学要求的诸多矛盾中较难以解决的矛盾,因为其中涉及的要素既复杂又不稳定。比如由于钢琴教师本身的技术与学识水平的差异,就会产生不同的教学主张和不同的导向,对质与量关系的认识也必然不同,对教学中各种关系的看法与处理也会不一样,再加上学生生理及其它内在因素上的差异,使得对这个问题更难把握。因此,如果不从辩证法的观点去认识这个问题,也就容易走上极端和绝对化,自觉不自觉的沿着不可靠的途径进行下去。对质与量的关系的认识,常见的有两种相对的观点:一是“数量主导论”,即认为让学生弹奏大量的练习曲,广泛地弹奏不同风格的作品,而对具体的作品及练习曲中的一些技术性课题却不够重视,对作品中音乐文化的内涵更不作理解和挖掘,结果往往是勉强而过;二是“先质后量论”,即精雕细琢一两首练习曲,或是长时间地弹奏一首乐曲。这种方式,对于该首曲目中所要求的技术难点,通过不厌其烦地反复练习有可能加以解决,但对于不同风格的作品领略太少,在技术性方面难以打下较全面的基础,并容易使学生因长期磨炼一首曲目造成积极性和创造性的钝化,形成机械性习惯,对于作品所表现的风格和形象麻木不仁。由此看来,上述两种认识都是不全面、不科学的。唯物辩证法认为,量变到质变是事物发展的客观规律,并且这种变化是以一定条件为基础的,即“以数量中含有一定的质量为前提”,否则量的增加也不会引起质的变化。因此,在钢琴教学和训练的实践中,决不能将质与量的关系简单化、绝对化,教师必须采取科学分析与全面考虑的态度。所谓科学分析就是要思考在学制规定的时间内和音乐教学大纲所要求的教学目标方面存在哪些可行性,即知识容量和技术容量,这些知识和技术各存在于哪些曲目和作品中,其中练习曲和作品的数量是多少。其次,在教学和训练过程中,面临学生的各自不同情况,要临机分析,并采取相应的教学措施和不同的训练方法。所谓全面考虑,就是对教学要有全局上的把握,这种把握是以科学分析为前提的。第一是教学容量的把握,而容量在不同的学生身上体现又可能不一样;第二是对教学内容中技术的重点和难度的把握,而重点与难点对不同的学生也可能不一样;第三是对具体教学对象在弹奏中技术性错误的把握,一旦发现要及时纠正,比如当发现学生因技术性困难造成了弹奏不准确、不完整时,则可从音程距离、和弦位置、指法规范、远距离大跳等一些技术课题入手去解决难点,从辅导、实践等方面去解决不完整性问题。让学生多有完整弹奏的机会,锻炼其正常的演奏心理,逐渐形成正确的演奏状态和演奏习惯。对不很熟悉的曲目或是新曲目,要用较慢的速度弹奏,在慢速弹奏中,对曲目的表情记号、演奏手法加以重视,做到既全面又兼顾重点难点。再则,要重视学生记忆的训练,除了学生普遍习惯采用的动作记忆之外,还应有意识的加强对音符的记忆(即能够唱出或是心中明了所弹奏的音符是什么音)。通过这些措施,在训练的数量上取得相应的质量。钢琴教学和训练质量的获得,必须以科学的弹奏方法为前提,经过一定数量的曲目练习和一个广泛的作品的弹奏过程。唯物主义哲学认为,事物的发展总是螺旋式上升、波浪式前进的。钢琴弹奏只有不断地积累,不断地反复巩固,既注重一定的数量,又从中掌握各种方法和技巧,并能对作品不同风格和音乐形象进行准确理解与完整表达,才能获得相应的水平与质量。那种泛泛而过的多数量练习和毕数功于一役的单曲目的机械重复练习都是不可取的。总之,钢琴教学和训练是一项极为复杂而艰辛的技术劳动与脑力劳动。运用辩证唯物主义的哲学思想和科学方法来指导这一实践过程,将科学的认识论与钢琴学习的基本规律相结合,在对立中求统一,在共性中求个性,在量变中求质变,不断提高教学水平,应是我们钢琴教育工作者共同奋斗的目标。
作者:陈东 陈珺 谢艳群 单位:吉首大学音乐舞蹈学院 广东顺德大良实验中学 吉首市民族中学
紧张心理是一种特殊的心理体验。人在紧张时呼吸会变得急促,大脑空白,心跳加快,身体僵硬,四肢麻木出汗等等。心理学家认为:紧张是一种有效的反应方式,是应付外界刺激和困难的一种准备,有了这种准备,便可以应付瞬间万变的力量。这样看来紧张也并非是件坏事,我们要学会用良好的心理状态来面对紧张的心理,有意识地把紧张转化为动力,发挥积极性,克服困难,从而提高自我的活动能力和活动效率。
那么,在钢琴演奏中无论是初学者还是演奏大师,几乎所有的演奏者都不可避免地出现因紧张而造成的不完美演出,这就给所有学习钢琴的人提出如何调节、控制及消除钢琴演奏中的紧张心理。
下面笔者来谈一下克服钢琴演奏中紧张心理的几个方法。
第一,放松
1.做一些放松身心的活动。人在紧张时可以选择一个空气清新、四周安静、光线柔和、不受打扰,可活动自如的地方。做做深呼吸,活动一下身体的四肢,使关节放开,肌肉松弛。或者闭上眼睛,去感受安静、松弛,想象一些恬静美好的事物,使自己全身心地放松下来。
2.渐进式紧张缓解法。韩国的郑灿皓博士介绍的这一解决心理紧张的小技巧,可以从头到脚地放松,这个方法可以在各种场合适用。
a.先从眉毛开始,下巴保持不动,眼睛看着天花板,此时眉毛就会皱起来,使劲点,心里默念1、2、3、4、5,然后放松,眼睛再往下看,以此反复。
b.使劲闭眼睛,心里也默念1、2、3、4、5,然后睁开眼睛放松,睁开眼后感觉眼前有星光闪烁才表明使的劲足够。
c.低头,将下巴尽量向胸口方向靠,这时要感觉脖子周围的肌肉在用力才对。
d.双手交叉握拳,手臂尽量靠拢,向后伸,有挺胸的感觉。
e.手握成拳,手臂弯曲,向自己的方向用力弯曲。
f.吸气,屏住呼吸,感觉腹部很硬,心里默念1、2、3、4、5然后放松。
g.双脚并拢伸直,脚面向前绷直。
h.双脚并拢,脚跟点地,将脚掌尽力向后绷直。
采用这套渐进式的紧张缓解法,是将全身先紧张起来,然后放松,利用身体紧张后的放松,起到更好的缓解心理紧张的作用。
身体各部位的放松。先做耸肩运动,将双肩耸起,尽力伸至耳朵,保持几秒钟,然后放松,这样反复多做几次。然后是手臂的放松。体会手臂的放松其实很简单,人在走路时手臂在身体两侧自然的摆动就是手臂放松最好的例子。
第二,增强自信心,提高演奏欲望
自信心,使人更加地自信有勇气,给人增加无形的能量。在平日的钢琴学习、练习中就要重视自信心的培养,如常常激励自己,相信自己是最棒的等等。在增强自信心的同时,也要对自己的演奏水平有着客观的认识,不要使自己的自信心高出自身的演奏水平能力的范围。
提高演奏欲望也是很关键的。平日练琴有时会出现“不想弹”的情绪,这时我们要积极调整,如起来放松一下身体,缓解一下心情,呼吸一下新鲜空气,运动一下等等,使自己能够在日后的钢琴演奏中快速地调整自己的情绪,提高演奏欲望。还要有计划、经常地进行体育锻炼,增强自身的体能,确保有充分的心理准备和有足够的体力来进行钢琴的演奏。第三,要具有扎实的基本功、全面的钢琴技术、正确的弹奏方法和技巧
首先,要有良好的手型。掌关节在这里起到关键的作用,它一定要支撑住,手指的第一个关节要很结实的,也就是通常所说的不能塌指,大指的虎口处应该是圆形的,在这里说一下手腕,它的状态应该是松弛的。这些都具备了才能为演奏好钢琴打下坚实的基础。
其次,手指的技巧练习,这是每位学琴的人必须天天面对的重要练习。练习手指有很多方法,也有很多相应的教材可以供我们来学习,比如《哈农》,这是用得最多的一本手指练习的教材,里面提供了许多基本的手指练习,有一些比较有针对性,一般人的3、4、5指不好使,这本书里的第21—30课就是针对这一问题而写的专项练习。当然还有许多种练习的方法,要掌握全面的钢琴技术,我们不能局限于一种练习和同一本教材,这样会显得枯燥无味,从而影响到学习的效果和兴趣。
再次,手腕,手臂的正确运用。很多人不会用手腕,更不会用手臂,往往会出现手臂酸了,手指跑动不起来了,弹出来的声音变成一片一片的了,等等。这些都是不会用手腕和手臂的结果。有些学生说我用手腕了,可为什么感觉还是不对呢,那就要看手腕和手臂运用的是否正确了。比如弹奏音阶时,手腕运动的方向应该是随着音阶进行的方向和手指运动的方向平稳而动,同时大指在这里起到至关重要的作用,它就像桥梁一样起到连接的作用。有很多学生不会用大指,手腕更是上下左右一起动,使弹奏出来的音阶听起来声音不均匀,手指触键又不舒服,要解决这些问题就得用正确的方法来练习。
第四,科学有效的练琴方法
平日练琴要具有经常性、不间断性、有计划性、分阶段的练习习惯。如:视奏阶段,技术攻克阶段,音乐处理阶段,熟练演奏阶段,背谱背奏阶段等,使练琴更具科学性、合理性。这样练琴会更具有效果、更加完整。
还可以用录音机把自己的弹奏录下来,聆听自己的弹奏录音,可以对自己的演奏做出更加客观的评价。录音机可以使演奏者“头抬起来了,看得更高”。帮助演奏者改善缺点完善优点。录音机还可以辅助背谱,在不练琴时小声播放录音,使乐谱直入演奏者的潜意识。
第五,多在众人面前演奏,熟悉舞台气氛
经常在众人面前演奏,可以帮助我们从心理上不断适应表演的环境,熟悉舞台的气氛。如经常给别人演奏,定期邀请同学、朋友进行钢琴演奏的交流性活动等等,以加强自身的心理素质,增强舞台演奏能力。
总之,钢琴演奏中的紧张心理是一种复杂的心理过程,要正确认识和面对这一紧张心理,同时,在钢琴演奏的实践活动中不断地去寻找调节、克服钢琴演奏中紧张心理更有效的方法,使自身能够有效地控制、调节及克服在钢琴演奏中的紧张心理,以求得完美的钢琴演奏,也使自身能够真正地体会和感受到钢琴演奏带来的自信、乐趣与享受。
参考文献:
二、演奏过程中的意外状况影响演奏状态
很多演奏者因为在演奏过程中遇到意想不到的状况,往往就会导致出现大脑空白,无法进行正常的思维而影响到钢琴的演奏。在意外状况条件下,钢琴演奏者如果不能及时处理就会影响自身的演奏效果。在一定程度上说,演奏过程中的意外状况会给演奏者带来巨大的考验。例如钢琴音色的情况发生偏差,舞台与观众的噪音或评分误差等都会影响演奏者的演奏水平发挥。如果演奏者的心理素质强可以正确处理突发事件和灵活改变自身的演奏状态,而对于一些舞台经验较少的演奏者,这无疑会产生不利的影响。当他们遇到这种情况时,可能会导致他们不能进行正常思维,甚至忘记具体演奏过程,形成高度紧张的状态,而这种状况将直接影响钢琴演奏的效果。
三、提高钢琴演奏者心理素质的措施
(一)适度放松克服紧张情绪钢琴演奏中的心理紧张是由多种复杂的原因造成的,但主要的问题是心理素质方面,这将大大影响演奏者的心理活动,使演奏者在演奏过程中的思维灵活性受到心理干预,并且会影响正常的演奏活动,要提高钢琴演奏者的技术水平,演奏者应该在演出过程中应适当放松心情,保持良好的心态,避免过度紧张,明确演奏目标。在演奏过程中,只要有信心,不自我怀疑,不放弃自己,相信自己一定能创造一个好成绩就会正常发挥自身演奏水平。如果一个演奏者没有任何心理负担,集中精力进行演奏,他在演奏过程中就能表现得随心所欲,最终就可以达到美和技巧的完美统一。当然这种自信不是盲目的自信,应建立在通常的高标准严格的实践上,经过许多艺术实践锻炼,在分析的基础上,进行仔细的准备,再抱以完全客观的信心,才能真正实现演奏的理想状态。
(二)加强舞台实践经验积累
在正式演奏前,演奏者可以通过多种途径平复自己的心情,比如可以和自己的亲属和朋友加强交流和沟通。同时,演奏者必须先了解音乐厅,对于观众的数量多少,座位的位置,如果有条件的话可以及时感受钢琴的具体情况,对钢琴的距离,尤其是声反射条件和光的亮度等内环境进行适应。要适应新的钢琴,熟悉具体琴键的音色,检查键盘间距是否均匀,一旦发现问题,应立即请相关人员进行调整。通过这些经验的积累,可以有效地避免不必要的紧张和怯场,尤其是心理素质较弱的演奏者,这确实是一种有效的训练方法。演奏者在进行钢琴演奏之前需要注意心理和生理方面的准备,加强自我激励的表现,及时发挥情感的培养方法,加强舞台实践经验的积累,通过平时训练,模拟舞台表演,在具体实践中不断完善自己的心理状态,消除心理障碍,实现自我调整。
(三)帮助演奏者建立良好心理预期
指导教师应该帮助演奏者建立起良好的心理预期,要积极与演奏者进行沟通,为他们做心理辅导。心理辅导可以帮助演奏者建立良好的心理素质,让他们知道失败是在所难免的,成功需要反复的尝试和努力。一些心理素质较差的演奏者往往会在一两次的失败后就会对未来的演奏过程缺乏信心,使得他们没有信心,产生情绪障碍,从而导致演奏水平的发挥失常。对于心理素质相对较差的演奏者,指导教师必须让他们树立正确的态度,鼓励他们在不断的失败中寻找自己的信心,帮助他们建立起良好的心理预期,才能取得最后的成功。只有让演奏者养成正确的心理认知,建立良好的心理预期,才能让他们进一步提高自身的绩效水平。同时如果比赛前感到紧张,可以用深呼吸的方式减少紧张情绪,不断增加自身演奏过程中的轻松感,也可以在演奏过程中加强积极的自我心理暗示,鼓励自己放弃消极的态度。提高演奏效果的好方法就是避免紧张感的出现,演奏者要不断提醒自己冷静和勇敢,加强自我心理暗示就可以克服演奏过程中产生的恐惧和害怕。
(四)在日常训练中注重心理素质的培养
钢琴演奏者在日常训练中需要不断注重对自身心理素质的培养,通过有效的方法不断提高心理素质。训练模式需要针对不同的演奏状况进行技巧培训。在具体训练中,不仅要求演奏者针对不同的要求完成演奏效果,还可以设置一些意外情况,如突然的噪声和人群的干扰等,进而可以考验演奏者的心理调节能力。在日常训练中,演奏者可以通过调整呼吸,培养耐心,通过不断的训练,培养良好的心理素质,以实现演奏效果的提高。注重培养演奏者的良好心理状态,加强对演奏者的意志和冷静进行控制训练,培养演奏者适应环境的能力,克服不良情绪的干扰。同时由于器乐演奏会受到诸多因素的影响,所以每个演奏者必须结合自身状况找到适合自己的方法,这就要求演奏者具有丰富的知识和想象力,学会表达音乐内容,并且要学会再创造,才能更好的提高心理素质。
随着钢琴教育事业的不断发展,钢琴这件原本神秘的西方乐器早已走进千家万户,被越来越多的人所青睐。钢琴之所以备受青睐的主要原因之一是它让钢琴演奏者步入了音乐的神圣殿堂,领略了音乐艺术的迷人魅力。由此可见,钢琴教学目标并不是让学生掌握“弹奏技法”,而是要他们在”弹奏”的同时领略“音乐”的内涵,将“弹奏”与“音乐”相结合,使钢琴教学提升至“弹奏技法”与“音乐教育”相融的层面。
一、掌握弹奏技法是学习钢琴演奏的基础
技法在钢琴演奏中占有举足轻重的地位,它是高质量演奏的必需条件,若想通过演奏如实、充分地显现出演奏作品的音乐及其情感,全面、扎实的弹奏技法是必备的基础。在钢琴教学过程中,教师应做到以下方面。
1.加强目的性教育使学生明确技法在钢琴演奏中的地位和作用,设定符合学生群体和个体的技法学习目标,激励每个学生积极地自主训练,将技法学习变为自觉的行动。
2.重视钢琴演奏基本功的训练这一教学环节要从最基本的坐姿开始,教师教育学生要在身体放松、高度协调的状态下进行演奏的同时,在严格要求的基础上,观察、分析学生在演奏中出现的技法错误及其产生的原因,及时采用有效方法与措施,纠正与指导学生在演奏中出现的技法错误,使学生形成正确、熟练的钢琴演奏的“动力定型”,为学生操作、控制键盘,自如地表现音乐打下坚实的基础。
正确的读谱是演奏一首乐曲的最基本的范畴,就好像识字是读文章的基本要素一样。提到正确的读谱,许多学生认为只是音高、节奏的正确。而事实上除了这两者之外还有许多重要的标记,都直接影响对乐曲的理解、表现以及对乐曲风格的把握和诠释。例如,音乐术语提示了乐曲是欢快的或抒情的、是快板还是行板或慢板,这直接关系到学生对整个作品的风格把握;力度标记,同样关系到了乐曲演奏中音乐的表现。在古典音乐中,一般从pp到ff之间就有p、mp、mf、f的六个不同层次;而浪漫乐派及后期作品从pppp到ffff,幅度更加宽广;速度变化如:放宽(Allargando)、减慢渐弱(Calando)、加快(Accelerando)、逐渐加快(Stringendo)等等。不同的速度变化直接影响乐曲的效果。因此,学生在演奏作品时要把握不同的速度要求,尽可能表达出作品的本意。
综上所述,我们不难看出演奏的基本功是以音乐的基本要素为基础的,二者是相辅相成,不可分割的。
另外,值得提到的是在教学活动中,要经常向学生介绍一些音乐之外的知识。例如讲到西班牙的音乐作品,可以讲解一下西班牙民族的性格特征及国家的发展历史,使他们在学习的过程中了解多方面的知识。掌握丰富的知识对学生弹奏以及对乐曲的表现都是有很大帮助的。
二、了解感受音乐作品的创作背景、风格是掌握钢琴演奏的前提
在学习演奏音乐作品之前,必须要让学生了解音乐作品的创作背景及其风格才能使学生学会在演奏中表现音乐。
1.充分了解音乐作品的创作背景一个音乐作品往往是作曲家内心体验的再现,只有理解和掌握了作品内在的感情,演奏出来的音乐才具生命力和感染力。所以,在钢琴教学中,教师要向学生讲授作者生活的年代、生活、作品的创作背景等,使学生对作品的相关情况及作曲家的创作意图有一个深刻的理解,使学生从理论的层面上认识音乐作品。
2.感受音乐作品的风格教会学生倾听是感受音乐作品风格的最佳途径。首先教师在教学过程中,要经常提醒学生注意倾听自己的音乐,去努力分辨自己的演奏音乐是否优美,仔细感受声音的层次变化。
其次教师引导学生倾听不同风格的音乐作品和不同演奏家的精彩演奏,使学生在听的过程中感受音乐的美妙,感受音乐作品的风格。例如,肖邦的优雅、华丽,柴可夫斯基的淡淡的俄罗斯忧郁情怀,莫扎特的明朗、纯净,李斯特的热情、奔放等不同的音乐风格。使学生在音乐作品的把握上,有一个初步的了解与感觉,为其在演奏时更准确、细致地表现音乐做好准备。
三、掌握音乐作品的旋律是提高钢琴演奏的关键
旋律是音乐中最富有表现力的关键部分,要表现好旋律,首先要准确地找到旋律的动向、形态。人声是自然界所有声音中最自然、最具感染力的声音,演唱的旋律效果会比乐器演奏的旋律效果更具流动性和感染力。因此,在钢琴演奏教学过程中辅以演唱手段(在演奏的同时演唱或单一演唱作品的主旋律)时,尽量做到使演奏的呼吸恰当、强弱变化自然、音色优美如歌唱一般,使作品中的音乐性更加鲜明。只有这样,学生演奏的音乐才会更自然、更流畅,使演奏更具歌唱性,才能掌握音乐作品的旋律。
四、合理丰富的想象是巩固钢琴演奏的手段
想象,是人的头脑里对记忆、表象进行分析、综合加工改造,从而形成新的表象的心理过程,它是思维的一种特殊形式。科学家爱因斯坦说过:“想象比知识更重要”。而钢琴演奏是再现音乐家思想、民族风格、生活场景等想象的过程。鉴于此,教师在教学过程中,应选择一些形象化的音乐作品让学生演奏,引导并鼓励他们通过想象来表现音乐,使音乐更加形象化,使作品如一幅栩栩如生的画卷一样展现在人们面前。这样会让学生更真切地体会到钢琴演奏的美好和音乐的美好。例如,柴可夫斯基的钢琴套曲《四季》中的《六月——船歌》是根据俄罗斯诗人普列谢耶夫的诗作创作的。诗中写道:“走向河岸——那里的波涛将喷到你的脚跟,神秘而犹豫的星星会照耀着我们。”使学生在演奏作品的同时想象到荡舟湖上的感觉,湖边挺立着美丽的白桦林,突出了作品有的俄罗斯忧郁、柔美的风格。
钢琴艺术教育的实质是音乐艺术素质教育过程,是一种人类自身的文明教育。因此,在钢琴教学中,学生欲将“弹奏”与“音乐”相结合,提高钢琴演奏教学效果,应该熟练地掌握弹奏技法,充分了解感受音乐作品的创作背景、风格,辅以演唱掌握音乐作品的旋律,依托想象再现音乐家思想、民族风格、生活场景,巩固钢琴演奏能力。
参考文献:
加强学生音乐素养的培养,不断的增强演奏者的音乐感染力和表现欲望
教学实践中,我们会发现就算是一些演奏者自身的演奏技法存在着一些问题,哪怕是背谱方面的一些问题,仍然不影响演奏者充满信心的完成整个演奏过程。这主要和和演奏者音乐感染力和音乐表现力有着很大的关系。演奏者在进行演奏的过程中比较喜欢自己的音乐,往往会被自己的音乐所打动,所以在进行演奏的过程中演奏者有信心去打动别人,所以不管是演奏者在技术上出现了什么问题都可以很好的给予应对。这种心理对于演奏者自身的鼓舞是十分巨大的,这足够使得演奏者可以克服很多困难,从而全神贯注的进行演奏,获得很好的演奏效果。另外,老师在教学的过程中也要对演奏者的音乐素养进行一定的培养。对学生在进行演奏前的音乐情绪进行指导,指导学生在演奏之前深刻的领悟和体会音乐所创造的时代背景,让学生能够在对音乐的背景进行把握的前提下,注重在不同场地发声进行必要的调整。所以对于演奏者而言要多听一些音乐会,多去体会发声问题在不同场合的调整,进而让自己能够得到很好的提升。
培养学生在进行演奏过程中的心理素质,特别是演奏者临场的素质
(2)能够培养学生的创造性思维,最大限度的激发学生的潜力。钢琴即兴演奏作为一个综合性非常强的课程,不但要求学生具有敏捷的思维,充分掌握和声配备的理论知识,而且还需要学生具备灵活的手指能力,能够将自己脑海中的想法以伴奏的形式表现出来。创造性思维是推动学生钢琴即兴演奏能力培养的不竭动力,是学生的精神力量,对学生以后的发展也有着巨大的影响。培养钢琴即兴演奏能力不是一件容易的事情,学生在学习时会有一定的压力,也正是这种压力能够激发学生不断的学习与练习,激发出学生的潜力,从而提高学生的钢琴即兴演奏能力。
(3)钢琴即兴演奏应用广泛,灵活性、实用性较强。钢琴即兴演奏在实际生活中的应用是十分多的,大部分都是运用于基层的社会音乐活动中,大学生如果掌握了钢琴即兴演奏能力,在大学毕业后找工作的时候也比较容易好找工作,也可以把这个作为一种技能来当教师教学生,从而把钢琴即兴演奏技能更好的传承下去。由于钢琴即兴演奏需要学生具备各种各样的素质和能力,所以学生一定要重点培养自己的综合素质能力,提升自己的创造性思维,掌握好钢琴即兴演奏的灵活性,真正提高自己的钢琴即兴演奏能力。
2在大学的音乐钢琴教学中如何培养学生的即兴演奏能力
(1)激发学生学习钢琴即兴伴奏的兴趣。钢琴即兴伴奏需要多方面的素质能力,包括:过硬的钢琴演奏基础以及较高的音乐理论水平,快速的反应能力以及创造性思维等。因此,学校应该将钢琴即兴演奏放到与其他课程同等重要的地位,让学生充分掌握一定的钢琴即兴演奏能力。“兴趣是最好的老师,”兴趣也是推动学生深入学习的最佳动力,如果想要提升学生钢琴即兴伴奏的能力就必须要激发学生学习伴奏的兴趣,所以,作为教师在钢琴即兴伴奏教学中应该充分利用课堂时间,选择合适的教学方法,激发学生的学习兴趣,引导学生掌握一定的钢琴即兴伴奏思维方式,注重对学生创造思维的培养和提升合理,还要安排学生课后多多进行练习,使学生在不断的实践中逐步提高自己的钢琴即兴演奏能力并且养成一个良好的学习习惯。教师可以通过自己演奏或者是通过多媒体播放演奏来让学生对钢琴伴奏有一个初步的认知,同时教师还要为学生构建一定的艺术想象氛围,来强化学生学习伴奏的动力。教师作为学生的引导者,要充分扮演好自己的角色,让学生掌握好钢琴即兴演奏能力。教师要培养学生积累学习资料的习惯,让学生学会自己主动动手去学习,还要让学生在上课认真听讲,做好笔记,课后对笔记进行整理总结,使学生充分掌握好课堂上面所学的知识,对于课堂上不懂的问题,课后要积极的询问老师来解决问题,这样,既能够激发学生的学习兴趣,让学生带着问题去学习,还能够让学生掌握一定的钢琴即兴演奏能力,从而达到事半功倍的效果。
(二)培养听觉
拥有灵敏的听觉是学习音乐者最重要的技能,有很多习琴者对声音不敏感,这对乐感的培养有很大的影响,所以训练耳朵是至关重要的:1.音乐源于大自然和生活,我们在日常生活中就可培养听觉,例如刮风的风声,呼———,音值有长有短;而狂风的速度力度又快又强,似八分音符,呼呼,呼呼;大雨是哗啦哗啦,像较丰富的和声,小雨是淅沥沥沥,更似简单的二声部。生活中有很多这种音色音响类似的例子,再比如节奏上,走路的节奏与跑步的节奏就不同,轻快的踱步和逛街之后拖着疲惫身体的步子节奏也不同,只要有心,这些都可随时随地的倾听、培养听觉,使耳朵变得敏感。2.多听自己的演奏和一些优秀演奏家的演奏,同一音乐作品不同演奏家的各种经典演奏处理,做到反复聆听熟悉作品,印象深刻,体会演奏者处理的细节,吸取其精华来提高自己的音乐感受鉴赏力。在自己演奏作品的时候,耳朵往往不能够发挥到最大作用,除了在演奏过程中尝试多用耳朵听辨之外,亦可以录下自己的演奏,再听录音,通过不断的听辨,最后演奏出自己最想要的音色,这种练习日积月累的听辨鉴赏练习自然能在以后的作品中更快速准确地把握好音色。3.广泛的涉及不同流派的作品,不同的流派有不一样的音乐:听巴赫、亨德尔等作品,了解17世纪巴洛克音乐;听贝多芬、海顿等作品,认识18世纪古典主义音乐;听肖邦、勃拉姆斯等作品,熟悉19世纪浪漫主义音乐;听拉威尔、德彪西等作品,了解20世纪印象主义的音乐风格……无论是音乐小品还是交响乐,我们都要仔细分辨作品中各乐器的音色,试着在钢琴上进行模仿,体会作品中的意境,才能在钢琴演奏中将作品的精髓充分表现出来。
(三)重视读谱
读谱看似很容易,把音看准就行了,其实不然。有的学生在演奏乐曲的时候常常错音、错节奏、错风格,不是练得不够,而是看得不仔细,一份琴谱,除了音符之外有很多术语、标记,比如:谱例上有很多上下加线,稍不注意就会弄错,中高低音谱号换用标记没注意导致音符全错,还有指示各种触键方法的连线、跳音、重音、顿音等,这些对音乐的分句、语气乃至风格有极大的联系。除了力度演奏等术语标记,谱上面的表情记号也很重要,因为和音符音高无关,有的学生更是无视这些表情记号,甚至是凭感觉胡乱猜测,往往会弹出与乐谱要求相反的术语。乐谱构成了钢琴演奏的前提和依据,我们必须通过正确的读谱把音乐表现出来,只有正确读谱,才能把作曲家的想法准确、完整地表达出来。因此,演奏者要重视培养正确读谱的好习惯,即使已经是背熟的乐曲,也要经常看谱练习,注意作者所标的表情记号,尊重作者的要求,尽量把这些要求做出来,这样就使练琴成为一种乐趣,使乐曲富有生命,这样的钢琴演奏就是是一种享受,同时,乐感也会慢慢地培养起来。
(四)音乐想象力
通过培养演奏者的想象力来培养乐感。演奏者是否具有想象力也是影响到乐感的重要方面,钢琴演奏中的想象力主要是指演奏者在演奏乐曲的时候头脑里形成的对乐曲整体的情境和感觉。比如贺绿汀的《牧童短笛》,描绘的是一幅美丽的江南水乡画,在钢琴教学中引导学生在弹奏这首曲子的时候,可以让学生想象是两个小牧童在牛背上清闲地吹着短笛,在田野上玩耍,天真无邪的场景,乐曲中部采用欢快的民间舞蹈节奏,就像是牧童跳下牛背在田野上嬉戏、奔跑的场面,一会儿两人追逐,一会儿捕蝴蝶,天真活泼,在弹奏地时候做到轻快跳跃的感觉。这些在音乐中发挥的想象力,演奏者可以根据作品的背景尽情的想象,也可以通过自己对作品的感受进行想象,填补丰富内容,这样非常有助于乐感的培养。
(五)技术培养
乐感的培养与钢琴弹奏技巧是相辅相成的。技术高超的演奏者可以使他对乐曲地演奏得心应手,更好地表现音乐,而缺乏演奏技巧的人,也许对音乐具有极高的乐感和独特的见解,但因为手指技巧缺乏无法准确地演奏作品而感到心有余力不足。技巧仅仅只是一种中介,它的最终目是为更好的表现音乐,技巧的训练要和乐感相结合,没有乐感的琴声是没有生命的。在钢琴教学中,教师们常说的声音颗粒,手指贴键等一些技术要求,这些都是关于各种音乐中运用的不同技法,触键要求,弹奏出来的音色也丰富多彩。手指的触键部位不同可以产生细微的音色变化,手指指腹触键,音色比较柔润;指尖触键,音色明亮;手指抬高下键,发出的是明亮的、颗粒性声音;而声音柔美的连奏就不需抬高手指,用贴键的方式触键就可以了。触键速度影响声音的强弱,触键速度越快声音越强,反之则越弱,另一方面也影响着声音的音色,决定声音的刚柔、明暗、颗粒性等等。所以手指不同的触键会弹出不同的声音,这就需要我们自己不断的琢磨手指的技巧来培养乐感。
钢琴中的放松问题和考驾照中的换挡一样,都是初学者感到头疼的环节。但是这个又不得不正确把握,这个入门级的问题困扰了大多数初学者。产生这种呢情况的原因是多方面的。总结下来就是生理上和心理上的紧张造成的。出现这样的情况是非常正常的,只要按照正确的动作多加练习,都会掌握正确的姿势。同时,初学者必须有一个端正的学习态度,基本姿势都不会,是无法正在弹好钢琴的。
一、钢琴演奏中的放松问题
(一)放松和松懈
放松的状态到底是个什么状态,这个问题可能没人能够清楚的回答。首先,放松不代表松懈,松懈意味着手臂、手指等部位“毫无支撑”的耷拉在支撑面上,这个状态可以简单去体验一下,用手向上托举手臂,你会感觉手臂的所有重量都集中在你接触的点上,这个手臂是“掉”下来的。所以这种松懈是不正确的,钢琴弹奏需要适当的用力按键和摆动,这需要一点力量但是又不会充分的用力,有一个平衡点。另外,还有一种状态也是不是放松,弹奏者直挺挺的端坐着,整个身体和手臂是“脱节”的,这种看似姿势标准,其实所有的力量都不是从手腕发出的,而是从肩膀发出,使人感觉无比的僵硬[1]。
(二)放松和紧张的关系
放松和紧张是一个统一体,也是钢琴演奏中常见的两个精神状态,心理层面的适当放松对调整心态,协调各个部位的灵活度是有好处的,相应的,适当的紧张,也会产生和适当放松一样的效果。当然,过于放松和过于紧张就百害而无一利,这并不只是松懈和僵硬的问题,过于紧张会导致心理和精神产生消极的变化,甚至会产生严重的焦虑,对身体是非常不利的,所以任何钢琴演奏者都需要正确处于放松和紧张的关系,摆正心态。
二、钢琴演奏中的放松问题现状基原因分析
(一)生理原因
第一,在大脑支配下,我们能做出非常丰富的动作,特使被是平静的状态下,活动自如。但是一到紧张的时候,手脚摆动显得非常不协调。在钢琴演奏中,这种情况是非常普遍的。众所周知,钢琴演奏对手指灵活的要求非常好,要达到“手脚并用”的效果,只有通过平时多加练习才能实现。在高强度的演奏环境下,手脚优势会出现用力的情况,难免会是手脚等部位产生肌肉紧张,手指的灵活度往往会降低,实现全程的放松状态是非常困难的。从生理角度上讲,钢琴弹需要用到指肌,由于钢琴演奏的动作要求,贡献最大的就是骨间肌,手指不断对琴键施加按的动作,需要骨间肌的自由伸缩,而这种自由伸缩的养成在儿童时期是非常容易养成的,所以成年人在弹奏钢琴的时候,手指不停使唤显得僵硬也是因为过了训练期导致的,错过了最佳的骨间肌的训练时间。
第二,某些教师固化手的姿势。部分教师在教授初学者练习的时候,主观性非常强,按自己的经验和习惯规定学生按统一的规定动作进行练习。这是不科学的,因为每个人的手掌大小不同,长短不一,还有就是手指肌的发达程度各异,这些实际情况就需要对每个初学者进行区别对待。只有这样才能实现手指伸直和弯曲自如切换。
第三,弹奏力量掌握不足。弹奏力量把握不足在初学者中极为常见,一方面初学者对琴键的分布不熟悉,手臂僵硬往往以“点”的动作按键。另一方面,弹奏的力量和时间把握不到位,容易抢拍和迟拍,出错以后下意识的想错在哪里下一步该干什么,一起了整个问题的僵硬,这样导致的弹奏出来的音色失真,不利于演奏水平的提高。
(二)心理方面
第一,初学者对基本动作要领还不重视。以往习惯的养成,或者对钢琴演奏方法的道听途说,导致很多初学者对于基本功的锻炼是非常不重视的。甚至有些初学者至始至终使用的是自己那一套基本动作,导致基本要领没跟上,造成的结果就是整个手、手臂、背、脚等部位相当僵硬,养成的习惯无法纠正。
第二,容易怯场。这种情况在某些考试、比赛中极其容易出现。由于对获奖名次过于看重,比赛前几天作息时间极为不规律,精神上高度紧张,时刻担心自己表现不佳会被别人嘲笑的心理状态。对于成年人来讲,这种焦虑更多体现在分心层面上,无法高度集中,放松心情。时刻质疑自己的学习效率,但是所学的知识有所遗漏,这些考前综合征使得初学者时刻紧绷着神经,无法静下来准备比赛。
(三)技术层面
钢琴演奏的技术要领非常丰富,需要整个身体随着演奏充分运动起来,这种协调性对各个部位比如手指、手腕、脚部、手臂等部位要求比较高。特别是在某些节奏快的曲目中,这种技术难点会被放大,导致演奏者不自信,全身僵硬,容易出现意外。
三、放松在钢琴演奏中的作用
(一)放松是融入情感的基本心理状态
钢琴演奏是一个不断与情感相呼应的连贯动作,听众对于演奏者的肢体语言和音符都会产生共鸣。演奏者放松的状态能够弹奏出与原曲相对应的感情沉淀,这种曲风能使观众沉醉在音乐的世界里。因为演奏者的表演提出的不仅是个人的情感和情怀,更重要的是通过原曲的呈现,表达出对钢琴家的致敬,而这种情怀式的阐述最需要放松的心境。同样,听众在欣赏这场音乐的时候本身是带着休闲的心境来的。这个和我们看电影相类似,正是因为在电影开播前的那几分钟,影院环境的变化就开始带你进入观影模式。所以,演奏者在传递给听众感染力的时候,首先要调整自己的心理状态――放松。
(二)克服怯场的自我暗示
每个人都有怯场的经历,那种滋味只有自己最清楚,坐在钢琴前等待听众的“检阅”,产生紧张情绪也是正常的,那么能够把紧张通过放松的状态给摒除掉,这是非常见功力的。可以说自我暗示也是钢琴演奏者必备的素质,因为在那个场合,能够为自己解压的也只有自己了。
(三)放松能够为音色和力度带来更好的反馈
我们都有这样的经历,高度紧张的时候,手会不由自主的动起来,有时说话的音色开始发抖,做事情的速度也大幅减慢。这个如果体现在钢琴弹奏上,那就更加明显。下键的实际不对直接导致音色的失真,听众马上就会听得出来,这个很可能就是对本场音乐的减分项目。
四、谈谈在钢琴弹奏中如何实现放松
(一)反复体验放松的感觉
体验放松的状态似乎有点多余,认为我现在非常轻松?其实和上文一样,放松和轻松、松懈的体验是非常不同的。这里涉及到一个平衡点的问题。并不是怎么舒服怎么来,前苏联钢琴大师曾经说过:“几乎任何一种手的姿势都可以说得通,只要符合手的构造和音乐的高低起伏,更主要的是不破坏动作的统一” [2]。这句话说的就是平衡点的问题,这个平衡点就是放松和紧张的平衡点,姿势调整到肌肉用力方向一致就可以了。所以这种平衡点需要反复体验,并且每个人的平衡点肯定也是不一样的,这个没有固定的姿势可循,一句话:多动、多看、多体验。
(二)心情放松很重要
好心情能够给演奏者带来自信,从而顺利推进演奏的进程。对于儿童初学者,既要严格要求他们学习基本的下键动作和坐姿,又要时刻为他们讲解钢琴演奏的乐趣,对待学习进度慢的小朋友,有耐心,因材施教。对于成人钢琴爱好者,培养他们学习的耐心,少一点自我否定,多一点自信。树立正确的名利观,放下名次保护,心态最重要。
(四)具体部位的放松方法
钢琴演奏也遵循“熟能生巧”的规则,特别是初学者,规范坐姿、下键等动作对于呈现出轻松的演奏姿态非常重要。上文提及过的心理层面的放松状态,是钢琴演奏的必备的基本技巧,当然,这种技巧是需要不断的演奏而形成的,每个人的心理控制和姿态控制是不一样的,我们在学习的时候应该选择适合自己的方法。
当然,除了心理层面的放松方法,对具体部位的放松学习也是必不可少的,这也是钢琴演奏的广义和狭义重要区别。下面将对具体部位的放松问题进行简单介绍。
1、正确的坐姿是演奏放松的重要前提
如何形成正确的坐姿其实是因人而异的,每个人的高矮、胖瘦等因素都是影响坐姿的重要原因。另外,正确的坐姿其实就是一个寻找最佳支点的问题。脚与踏板的契合度、躯干和琴的相对位置、手臂上下部位的伸缩程度等都是在寻找一个最佳的支点,比如,我国演奏者坐姿过高,在演奏的过程中,躯干会变得非常僵硬,眼睛与乐谱的距离也相应增加,这样直接导致注意力的分散,并引起紧张情绪。
2、身体各个部位协调是关键
钢琴演奏对各个部位的协调性要求非常高,无论是肩部、肘部、手臂、手指等部位在整个演奏过程中都起着力量传递的的作用。众所周知,肩关节和肘关节是手臂力量的发起者,因为可以带动相关的肌肉,从而进行相对细致的工作。另外,肘关节对上臂起着辅助的作用,由于上臂的回转比较能困,有特定的演奏动作比如震奏中,往往由肘关节完成。所以在训练的过程中需要对这两个部位进行练习,让肘关节打开。
还有需要多加练习的就是手指,对于钢琴演奏所有的指令的最终末端就是手指,手指一旦灵活起来,对于节奏的把握非常重要的,所以平时在训练的时候对手指有一套特殊的计划。同时,也有必要加强手指的力量训练,虽然,弹钢琴并不是一项纯力量行为,但是有时需要手指完成比如重音的动作,这时手指需要承受非常大的力量(虽然是瞬间的),那么保证手指灵活、有力量显得非常有必要。
3、动作有针对性、自然性,不拖沓
在弹奏过程中,紧张的一个最大表现除了僵硬就是小动作频繁,这时人在紧张状态下正常的生理反射。但是对于钢琴演奏,我们需要消除多余的小动作,这里的小动作还包括平时训练中养成的不良行为,这种不自然的动作会引起肌肉不正常的运动,产生额外的能量消耗,对正常的演奏动作也会形成流程上的干扰,所以我们在平时需要规范演奏动作的自然性和针对性。特别是初学者,容易对演奏技巧进行主观上的加工,对技术动作擅自进行增减,久而久之,形成了一系列的不良动作,习惯成自然,后期很难纠正。
五、结束语
钢琴演奏中的放松问题需要得到每个钢琴爱好者和教师重视的问题,只要从心理和技巧方面,认真学习才能真正得到放松的状态。这样,弹奏出来的音乐也更加自然、动听。
关键词:内心听觉;钢琴演奏;听觉意象
2.评价体系在完成所有课程后,学生首先需要确定答辩委员会教授组成员(4-6位),要求包括专业表演、音乐历史、音乐理论、副修专业四个方向的教授,以及论文导师。其次学生需参加博士研究生资格考试并通过之后才能成为博士候选人。资格考试分为理论和实践两个部分,其主要用意在于检验博士生在其研究领域内的综合基本学识理论(substantiveknowledge)和职业技能(scholarlyandprofessionalexpertise),确保其有完成接下来博士论文研究和实践的基本能力。综合基本学识理论考试分为笔试和口试两个环节,出题内容必须包括专业演奏、音乐历史、音乐理论、副修专业这四个方向。考试时间分为两天四个时间段,每位教授会给出两到三个问题,闭卷当场作答,主要以提交论文的形式。考试问题涵盖了几乎所有音乐时期的知识以及作品,例如:讨论20世纪初期法国的键盘音乐,至少包括四位主要的作曲家,详述各自的作曲风格以及运用具体的作品进行论证。音乐理论的教授会给出五个左右的谱例,让考生判断属于哪个时期、作曲家的作品,并详细论述分析原因。口试定在笔试完成后的两个星期内进行,博士候选人除了回答答辩委员会的提问,还要提交博士论文开题报告并进行陈述。对于钢琴演奏专业的研究生来说,职业技能考试是以资格审查音乐会的形式进行,钢琴系全体教授出席进行审核并决定是否通过。美国博士研究生资格考试有着很高的淘汰率,一般在20%-30%左右,如果不通过将无法获得博士候选人资格,进入下一阶段的学位进程。这也体现了美国艺术类博士培养极为苛刻严谨的标准,成为博士候选人仅仅是完成博士学位的第一步,在接下来的两到三年中,钢琴演奏专业的学生需要举办三场独奏音乐会并完成博士论文的写作。音乐艺术博士论文可以通过三种形式提交:200页以上20万字的研究论文;100页论文连带一场和论文有关的projectrecita(l论文项目音乐会);50页论文连带两场lecturerecital(演讲音乐会)。形式多样的论文提交形式,提倡实践与理论相结合,更适用于演奏专业的候选人。
二、对中国钢琴专业学位研究生教育的思考
中国钢琴演奏专业的研究生教育起步较晚,从2005年起,开始面向全国招收艺术硕士研究生,此为音乐演奏专业目前国内的最高学位文凭。美国是世界上唯一可以授予音乐艺术博士学位(演奏专业)的国家,从设立到现在已经有近70年的历史。它整个系统的规范合理性、大量丰富的研究资源、众多在各领域汇集的一流的师资已成为世界公认的精英教育体系。因此积极借鉴美国高校在专业培养模式上的成功经验和成熟体制,因地制宜,取长补短,对提高我国钢琴专业研究生培养质量有着深远的意义。上文论述中,已介绍了美国音乐艺术博士的专业培养模式的各个方面,在接下来的比较探析中,笔者通过研究中国主流音乐学院音乐硕士(钢琴演奏专业)的培养方案,综合分析美式先进体系的优势所在,提出了如下思考和改进建议。
1.优化课程设置美国音乐艺术博士课程设置的连贯性、系统性、全面性、平衡性、多元性是其整个教育培养模式的精华所在,其主要优势体现在重点突出,环环相扣,构架严谨,搭配合理这几个方面。专业核心理论架构稳定成型,专业选修课程阵营强大,专业副修课程特色鲜明,专业方向(演奏)课生动精湛,其合理的基本课程系统架构确实值得国内各高校艺术专业关注并借鉴:基础理论课+方法课+诸门能够让学生掌握具体研究过程的专门研究课+演奏实践课+副专业课。这样的设置不仅使学生在课程选择时灵活性很大,对于拓展视野和深度也能够起到帮助作用,同时更为重要的是使得学生在整个专业知识的学习体系中逐步形成良好完善的高素质研究素养和专业视角,在环环相扣,相辅相成的课业学习中,学生融会贯通知识的综合能力,设置目标完成进度的执行能力无疑都得到更好的锻炼和发挥。国内目前钢琴专业研究生培养课程模式主要分为公共课+专业课+专业必修课+选修课。课程方向齐全,可是每个方向中可供学生选择的课程的数量和种类较为单一。宏观、普适课程居多,中观和微观层面的细化、深入研究课程缺乏。同时也存在课程结构设置比例不合理,内容缺乏前沿性等问题。(1)美国研究生阶段倡导的研讨导修课程模式值得借鉴,教授开课命题,如“德彪西音乐的风格研讨”、“美国当代作曲家作品研究”,学生在既定的范围内自由命题,做课堂研讨、开题报告、陈述展演、论文写作等,循序渐进地引导学生在与本专业相结合的情况下,进入学术研究的领域。(2)应加强如“钢琴文献及作品研究”,“演奏方法与实践”“、方法研究”等钢琴专业学生所需的实践理论课程的开设。目前,国内除北京、上海几所重点院校外,开设这几门课程的艺术院校并不普遍。尤其是研究方法论,学会搜索与研究是研究生阶段一个重要历程,也是学位论文写作的重要依据。(3)注重跨学科领域交叉课程的发展也任重而道远。在国内主流音乐学院钢琴演奏硕士课程设置中没有对副修专业的硬性要求,单一的主修专业使得学生只能完全专注于演奏的探索,缺乏全面适用的知识储备,毕业之后在就业市场上其综合能力和就职空间受到影响。
2.创新培养机制目前国内各高校音乐艺术类钢琴专业研究生在完成规定课程后,学位培养考核模式为举办音乐会以及学位论文的提交。存在的问题主要有考核手段单一,认定标准刻板,缺乏激励主动性学习等。针对表演专业应用型人才培养目标的特殊性,在学位论文提交形式多样化上的创新和改革无疑是一种非常合理的考量。比如,参考美国的经验,可以将传统的论文答辩改为论文+讲座音乐会的形式,边讲边弹,生动地将论据以演奏的方式呈现,并穿插对论点的陈述与讲解,全方位的将研究成果融入到最终极的音乐表现形式演奏当中去,在整个学位论文的完成过程中,学生的自我评估,分析研究,演奏技巧,曲式理解,风格把握等多项音乐素养都会得到本质的提高。此外,艺术硕士学位的中期考核的制度也存在不足,大部分院校只是对课程完成情况的检查以及学分等级的测评,并无统一的对于硕士阶段所学课程以及本专业综合知识的掌握与应用能力的考核。美国音乐艺术博士为了保证学位获得者的质量水平所规定的博士候选人资格考试已成为美国成熟的博士考核制度的重要一环,它不仅起到了中期考核的作用,也是不可或缺的淘汰遴选手段。我们可以借鉴这种方式,在完成规定课程后,举行综合专业理论知识考试(笔试或口试),多次不合格者将不被授予硕士学位,在保证学位质量的同时,考核的形式多样化也促使学生在日常的学习中不得不以理解参悟应用为目标,搭建条理清晰,脉络详细的知识体系,为今后学术研究和论文写作奠定坚实的理论基础。
3.开拓多元化教学形式在艺术硕士研究生教育阶段,除了专业水平的提高和科研能力的加强,还应注重学生,人文素质、沟通能力等方面的培养。针对以表演为核心的理念,采用灵活教学方法,逐渐完成从单一向多元化综合性学科布局,独立和封闭的教学方式向开放互动教学的发展与转化。国内的表演专业课程采用的是一对一教学形式,美国音乐学院studioclass和pianoforum这两种模式可以作为将独立封闭的教学方式向开放互动教学方法转化的起点。专业授课教授希望与学生在演奏上建立平等的交流,站在同一个高度探讨作品,碰撞出灵感的火花。尤其是在studioclass这种新颖有效的课堂模式上,学生可以最大限度的通过相互展示评析克服表演的紧张,在相互切磋的气氛之下更好的掌握演奏技巧和艺术情感。单一封闭式教学容易使学生受到更多的局限,陷入演奏瓶颈。其次,专业理论课的课程多种多样的形式也带给我们一些思考和启发。课堂讲授,讨论班组、文献阅读课、演讲展示、试听鉴赏,无论哪种授课形式都注重发挥学生的主动性,注重培养学生的创造性。课程内容随学科发展而不断变化,有利于学生掌握学科前沿动态。