美国电影文化论文范文

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    孤独的英雄并不完整,爱情是电影永恒的话题。无论是哪部电影中,或多或少都有爱情的影子。完美的爱情与家庭更是美国电影中不可替代的重要一笔。诸多经典如《泰坦尼克号》《当幸福来敲门》《拜见岳父大人》都充分向人们展示了爱情的永恒与伟大。尤其在911事件以后,美国人彻底改变了生活人生观念,他们相信:爱与亲情是生命中最重要的部分,家庭是最温暖的所在。所以,讲述爱情与亲情的电影无疑有着拉近人与人距离的神奇力量,这类型的电影往往更有亲切感。

    随着信息爆炸的逐渐加剧,美国电影利用其独特的生命力,逐渐吸取了大量来自世界各国的传统元素与演艺界人才。有如同《花木兰》式的中国传统故事,也有类似《功夫熊猫》等经典中国元素的形象塑造,美国电影将这些小众元素加以包装推广,让来自各方的民族特色全球化,从而达到自身经济利益的提升。这种蚕食他国文化并予以改造与加工的方式为美国电影公司带来了巨大的收入,也为出产科技型的大片奠定了厚实的经济基础。美国电影的吸取性与包容性让题材和内容多元化,这也使美国电影在全球影视界中居于主导地位,并且能够长久持续地发展下去。

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[关键词] 新自由主义；美国文化政策；电影市场

一、美国文化政策的新自由主义基调

20世纪70年代早期，发达资本主义国家经济开始衰退，1970～1990年间，七大工业国的制造业利润急剧下滑，一些重要指标也表明经济进入了严重衰退期，而这些国家的商业结构也发生了重要转变，投资从传统工业转向服务业，最典型的是以美国的信息与通讯产业为核心的文化产业表现出极为强劲的发展势头。为了推进其文化产业的发展，20世纪80年代，美国积极地将新自由主义政治经济哲学导入其政治与外交策略中。①

 

新自由主义倡导完全自由的市场竞争和贸易流通，崇拜“看不见的手”的力量，反对国家干预经济。美国国内对包含电影业在内的文化产业采取与钢铁、汽车等其他产业几乎相同的管理办法，认为文化产业并不具有特殊地位，也不需要特别的规制和保护。这同美国在后冷战时期位居全球霸主地位，并已经走过了文化安全的防御阶段有关。②以好莱坞电影为代表的美国文化产业在全球市场占据了绝对优势的地位，由此美国一直以新自由主义作为基本信条，在全球其他国家也极力推行自由主义，通过利用强大的国家实力和话语权，迫使其他国家对文化市场采取自由开放政策，以支撑好莱坞在全球市场的发展。美国政府及好莱坞坚决反对在国际贸易中他国通过贸易壁垒、政府补贴、配额制等形式对国外电影业进行限制。

 

进入21世纪，美国加强了其在全球文化市场自由化双边及区域贸易谈判中的主体角色和作用，与多国间签订了自由贸易协定（FTAs），这些国家包括墨西哥、智利、哥伦比亚、澳大利亚、以色列、新加坡、韩国等。FTAs的目的是消除贸易壁垒、实现公平竞争，协约国政府必须制定公平的、非歧视性的政策和法律法规，实现产品与服务在国家间自由流动，同时美国政府在协议中强调劳工标准和政策环境等内容，提高了协定伙伴国进入美国市场的门槛，从而变相提高了美国厂商进入国际市场的竞争能力。研究表明，韩国、墨西哥、澳大利亚等与美国签署了自由贸易协定的国家，其本国电影的投入产出及市场份额明显减少。③

 

二、电影自由贸易与市场管制的博弈

因中国尚未启动同美国的自由贸易协定谈判，一直以来美国电影开辟中国市场的主要依据是中国加入世界贸易组织时签署的双边协议。依据协议，入世后第一年，允许外商在华设立合资录像公司，但外资持股份需在49%以下，三年后允许外资占股份50%以上的公司从事电影院的建设和经营，中国每年以分账形式进口外国电影20部，三年后，进口电影配额增加至50部。

 

因不同于其他一般普通商品，电影是极为特殊的媒介和文化产品，依附在其上的意识形态宣传属性具有极为重要的社会价值。中国不像美国已度过了文化安全的防御阶段，可凭借其在世界经济格局中拥有的“不分地区的权力”在全球范围力推自由市场和自由贸易，中国一直支持法国和加拿大等国在国际文化贸易领域高举的“文化例外”旗帜，对电影产业实施保护措施，如限制外资电影院线的建设，限制进口影片配额，规定国产电影的放映时间，给予国外电影较低的分账比例等。如2004年，国家广电总局出台规定：每年20部分账影片中，必须保证6部非美国影片，美国影片不能超过14部；2010年广电总局颁布的《关于促进电影产业繁荣发展的指导意见》中规定，影院年放映国产电影时间不低于年放映时间总和的三分之二；规定中影独家拥有进口影片的权利，且此权利“是国家赋予的、体现国家利益的，不会有松动的余地”，因此，中影可以通过决定进口片的档期，来避开或影响一部国产电影的票房。2010年1月22日，2D版《阿凡达》在内地全面下线，而原定2D版下线日期为2月11日，虽然全国800块屏幕会继续播放3D和IMAX版，但在大多数影院都被下线，因为这些影院将假日档期留给了国产片《孔子》。

 

基于上述保护性措施，美国电影在中国市场的获利并未达到先前的预期，而中美双方针对电影贸易的争端也一直未曾停歇。2007年4月，美国贸易代表与美国电影协会等机构就中国限制美国电影和音像娱乐产品的市场准入以及只允许国企引进外国影片并垄断下游院线放映等问题向世界贸易组织提起申诉，指责中国违背了《中国加入世界贸易组织议定书》《关税与贸易总协定》以及《服务贸易总协定》等相关协定的条款。自此中美双方开始了长达4年的电影贸易争端，虽然中方援引了《关税与贸易总协定》（GATT，1994）第20条（A）款所规定的“保护公共道德”之特殊原因进行上诉，但世界贸易组织（WTO）认为中方并未能提供事实证明中国的相关措施与保护公共道德有关，因此驳回了中方的上诉，并于2010年通过裁定报告，呼吁中国遵守入世协定及WTO的相关规则，对美国的指控内容做出调整。④

 

2012年2月，新华社援引美国媒体消息称，中美双方就解决WTO电影相关问题的谅解备忘录达成协议，中国政府同意就原本每年引进20部电影分账大片的基础上增加14部IMAX和3D电影，票房分账也会从原来的13%提高到15%。除了发行放映，双方在制片上也有更紧密的合作，会有更多合资公司成立。虽然中国官方和民间对此协议有各种不同态度，但美国电影界却欢呼雀跃，认为这是中国对指控内容的调整以及中美双方就电影配额等问题达成和解的意向。

 

然而，无论是基于政治保护目标，还是产业保护目标，正如广电总局相关人士所表示的那样，中国目前不会取消国产电影的配额制，也会继续支持中影集团对影片进口和档期安排的权利，同时我们也该清晰地认识到全球市场化将是无可避免的发展趋势，因此，中美双方针对电影贸易的争端将不会停止，中国本土电影业该面对的，是如何在这种常态化的博弈中发展和成熟。

三、近十年中国电影市场变迁相关数据

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二、科幻片重点阐述救世情怀的

基督教与神学伦理

在西方国家之中，美国是一个宗教性色彩比较浓烈的国家。20世纪至今，美国共经历了基督教的两次复兴，由此能够看出宗教思想对美国的影响。文化与宗教之间的关系一直都是相互融合、互为参照的。在美国，神学就是他们一如既往所追求的文化形式。美国的基督教为了将这样的影响力不断扩大，就采用大众传媒和传统文化手段进行传播，并且取得了良好的效果。尤其是好莱坞科幻电影，更是将宗教神学主义运用得入木三分。在很多具有影响力的好莱坞科幻电影中都会加入基督耶稣的英雄形象，作品中所阐述的基督教的原型就是美国犹太人对基督教文化的一种反映。其要表达的意思就是宗教旨在拯救人类，只有宗教才是人类的救世主，这无疑是在强化美国精神和神学理论的形态意识。

好莱坞科幻系列经典之作当属《黑客帝国》《地球停转日》及《超人》。这三部作品的主角都映射出了基督耶稣的救世主形象。具体表现如下：第一，在剧情编写方面，三部作品都与基督耶稣的传说互相衬托。制作于1951年的《地球停转之日》，该作品主要描写来自外星球的柯腊图降落到了美国华盛顿，希望人类停止核试验，减少对大气的破坏。而科学家却没人听从他善意的提醒，甚至向其开火，试图将它杀害。剧情中柯腊图的形象就是基督耶稣的真实写照，他宽容、理性的性格特质与追求物质的现代人形成了强烈的对比;摄制于1978年的好莱坞作品《超人》与《地球停转日》相比则稍有不同，《超人》中所描述的基督剧情更具有指向性，且尤其清晰。甚至可以说《超人》的整个故事情节就是耶稣故事的一个转换。接受了残酷训练之后的淳朴少年克拉克蜕变为拥有神奇力量的强大超人，就如同经历过约波河洗礼之后的木匠耶稣蜕变为人类的救世主基督一样。克拉克的形象与耶稣的形象几乎完全一致。再来看1999年摄制的好莱坞电影《黑客帝国》，剧中的主人公就是能够随意游走在现实与虚幻世界之间的弥赛亚。作品之中的智能人将人类所生存的真实世界摧毁，人类只能流离失所，在这种苦难环境之下，人们内心深处只相信弥赛亚是拯救人类的第一人。而1999年以后，电脑3D视觉技术取得了突破性的进展，延续着之前科幻片的制作道路，继《星球大战》之后，好莱坞一年基本就能够完成一部科幻片的制作，比如作品《星河战队》《指环王》《独立日》《黑客帝国》等。《星球大战》的整个故事情节充斥着浓重的、如同史诗一般的基督教的神秘救世色彩，纵使该作品运用了非常酷炫的科幻特效，也无法掩盖它的伦理特质。在好莱坞电影中，美国伦理文化意识现象被不断深入，尤其是在电影《指环王》中，这样的伦理特质可以说被演绎得更为精彩绝伦。

三、儿童片重点阐述

无法磨灭的纯真与友爱

好莱坞迪士尼所出产的儿童片更是吸引了不同年龄阶段的观影者，并收获了非常好的评价。憨态可掬的卡通人物，仅仅从作品海报上就能唤醒人们内心深处的童真。

在1930年的时候，迪士尼动画进入了最鼎盛的时期。到了1990年，迪士尼卡通片跨入了第二个黄金时期，优秀作品不断涌现。比如《玩具总动员》《海底总动员》《狮子王》《冰河世纪》等。而在这一系列的佳片之中最受欢迎的应该就是《海底总动员》。该片主要描写的是在一片蔚蓝的大海之中，鱼爸爸不惜长途跋涉地寻找着自己的儿子尼莫，途中遇到了热情帮忙的朵莉，鱼爸爸通过重重阻挠与残酷的考验，最后与自己的儿子团聚。各种性格鲜明的角色让整个作品充满了温情。

将人性的感情光辉植入到儿童片作品之中，是美国伦理文化意识的另外一种表达方式。比如动画电影《精灵鼠小弟》，该作品将小老鼠的形象拟人化，赋予小老鼠斯图尔特非常人性化的光辉，斯图尔特从被影迷认识开始就受到了人们的喜爱。近期，儿童剧作品更是为银幕献上了不少的佳作，比如《野外历险》《冰河世纪2》《怪兽屋》《篱笆墙外》《别惹蚂蚁》《加菲猫2》等，均获得了不俗的票房业绩。友爱与纯真是全世界所有人内心最柔软之处，美好的向往不仅是儿童，成人的内心也同样会有这样的情愫，这也许就是儿童片受欢迎的最主要原因之一。

四、言情片重点阐述家庭与爱情的神圣

亲情、友情、爱情是人一生的主题，这些情感最容易触动人类敏感的内心。在好莱坞电影中，言情片所占的比重相当高。电影剧情也会随着主人公情感的跌宕起伏出现戏剧化的转折，而男女主角的任何一个情绪都可能会感染观影者，并与他们产生心灵上的共鸣。言情电影往往宣传和表达的都是一些非常美好的感情和事物，并且能够给社会和家庭以积极、正面的引导，所以其非常具有观众缘。

在1980年以后，好莱坞作品《克雷默夫妇》运用煽情的表述方式，将家庭破碎后所产生的夺子之战描述得感人至深。该片播出之后被称为首部最能赚取眼泪的作品。此后也出现了一系列有关亲情的温情与隔膜的成功作品，比如《金色池塘》《普通人》及《母女情深》。在80年代，类似题材的作品几乎成为银幕作品的主要发展趋势。

比较早的经典爱情作品：《罗马假日》《魂断蓝桥》《卡萨布兰卡》《乱世佳人》等堪称言情电影的鼻祖，这些作品至今再看也非常容易让人为之动容。这一系列的影片所展示出来的爱情是纯真美好的。主人公们都不屈于现实，并在久经考验后终成眷属。从1990年开始言情片仍旧延续着对于美好爱情的讴歌。《当哈利遇上莎莉》《人鬼情未了》《天使之城》《西雅图未眠夜》都赚取了观影者大把的眼泪。那个时期出现了一部风靡至今的大作《泰坦尼克号》。该作品不知影响了多少人的爱情观，每每提到这部作品笔者都是有太多太多的话想说，至今该作品仍然是笔者内心深处最向往的童话，“与子携手、至死不渝”的爱情观也成为少男少女心中不朽的信仰。在男主角说出：“无论如何也要答应我，必须活下去！”笔者也曾几度潸然泪下。虽然该作品是以悲剧结尾，但美好、忠贞、纯洁、神圣的爱情仿佛才刚刚开始。如果说人们因为《泰坦尼克号》没有大团圆结局而感到惋惜，那么《美味情缘》《K歌情人》《曼哈顿女佣》《诺丁山》《倒霉爱神》等就不存在这个问题了，这些电影都是通过幽默、浪漫的基调融合真挚的人生哲理，向人们传递一种温馨式的幸福与美好。

五、灾难片重点阐述人与自然

需要和谐共处及生命的伟大灾难片可以说是好莱坞作品中气势最宏伟之作，其所涉及的角度非常丰富，并希望用这种特殊的方式向人们传递一种正能量的信息。近年来因为环境的恶化、全球变暖、冰川融化、雾霾、海啸等原因使得灾难片越来越受到人们的关注。好莱坞所制作的灾难片画面真实，让观影者有一种身临其境之感。灾难片所传递出的科技伦理、生命伦理都是现代人们内心深处所渴望的理念。有研究者这样说过：好莱坞的灾难片将现代生态状况与生态忧患思想根植于作品之中，让广大的观影者感同身受的同时，产生强烈的共鸣。

1970年以后，被人们所熟知的《大白鲨》《大地震》得到了全球观影者的推崇，受到了广大电影爱好者的欢迎。此后的《狂蟒之灾》《天崩地裂》《龙卷风》《空中危机》《侏罗纪公园》《水深火热》等一系列灾难题材的作品，通过各种极其真实的场面让观众对于未来生活担忧不已，并开始反思自己的行为。好莱坞的灾难性题材作品可以分为“人为型”与“自然型”两种。所有灾难电影所体现的人类在对抗灾难时所展现出来的能力是非常薄弱的。编剧在制作作品的时候很明显地考虑到了生态环境的危机，同时将这种危机意识贯穿于剧中，通过真实而紧张的剧情让观众产生前所未有的认同感，但这类电影所要传达的仍是一种积极向上的思想。

《后天》是好莱坞作品之中极为震撼的一部作品，该作品通过地球气候的灾变使观影者对未来的生活产生强烈的担忧，虽然事实上这样的灾变发生的概率非常低，但是却无法影响人们对作品中环境恶化的深思。人们将这种从电影中获得的感悟付之于行动，不但更加注重对生存环境的保护，而且能够以身作则，起到正面的带头作用。同样还有一些科技色彩比较浓重的灾难片，比如《深度撞击》《绝世天劫》《未来水世界》等，这样一系列影片具备一些深度思想，这些思想包括伦理与理性的抉择问题，不过都是以宣扬积极、正面的思想为核心。

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【中图分类号】G644.4 【文献标识码】A 【文章编号】2095-3089（2013）33-0-01

一、剧情述评

美国电影《第六日》（The 6th Day）是第一部探索人类克隆的动作影片，它把我们带到科技已高度的不远的未来，在那时，人类科技已可以任意克隆任何生物，甚至包括人类本身。然而，即便克隆人类的技术已相当成熟，但因社会伦理的限制，仍不被法律所允许。

人类的弱点之一就是往往抵挡不了利益的诱惑，在利益面前，不少人会很容易地就忘记了道德伦理和法律的约束而为所欲为。电影中韦恩实验室（研究克隆技术的实验室）的老板杜拉克便是典型的一例——他在医学博士韦恩的帮助下不仅克隆了自己，也克隆了许许多多的被他认为对自己有利的人，电影的主角亚当·吉布森（Adam Gibson，阿诺德·施瓦辛格饰演）即为其中之一。

亚当回到家里发现一个与自己一模一样的人取代了自己享受着本属于自己的天伦之乐，其震惊、困惑、痛苦之情溢于言表。而作为观众，我们都不难想象假如这一切发生在自己身上，会是什么一个感受。于是，为夺回原属于自己的一切——自己、家庭和爱，亚当开始了他的“正名”之旅。

如许多美国电影一样，《第六日》也有一个好莱坞式的结局——亚当在其克隆体的帮助之下，成功揭开了这一惊天阴谋，并最终拿回了原本属于自己的一切。

在这部电影中，克隆与爱两大主题相互交织：为了爱，亚当违背了自己的本意为女儿克隆了他们的宠物狗；出于爱，亚当选择与他的克隆体携手合作，共同揭开了隐藏在克隆人背后的巨大阴谋；因为爱，克隆亚当黯然退出……。若是从圣经和基督文化的角度去审视影片的这两大主题，实则是矛盾与冲突的相互交织——是上帝创造了世界和人类，而人类无权去克隆自己，但人类偏偏又克隆了自己；上帝与他所拣选的民立约，要爱上帝，爱家人，爱邻居，爱一切基督徒如兄弟姐妹，而片中的主人公所做的一切事情的出发点正是“爱”，包括克隆。电影就是在这样的矛盾冲突中给观众留下了无尽的回味和思索：人类在享受飞速发展的科技带来便利的同时，也不免担忧——科技高度发达之时，人类是否还能掌控自己的命运？高科技给人们带来的是福音还是灾难？在高科技面前，人类应该坚守的伦理底线是什么？

二、对克隆的矛盾心态

1997年2月22日英国生物遗传学家维尔穆特成功克隆出“多莉”羊的新闻被报道之后，克隆技术便震惊了世界；2000年6月26日，人类基因图谱被成功破译，这更为克隆人类在理论上提供了可能。但很快，顾及到社会伦理道德以及多数人的反对，多数国家通过立法明令禁止克隆人类。

《第六日》带给我们的不仅仅是视觉的冲击和震撼，更多的则是引发了人们对克隆人的深刻思索。影片最后虽没有援引“第六日法案”对疯狂的杜拉克进行法律审判，但对他的道德伦理审判却是显而易见的。

虽然如此，人们对克隆却不免存在有矛盾心态。正如影片中的亚当，其本意是，无论何种生物，“生命的基本法则是，出生，成长，生活，然后死去”。但对女儿的爱却又使他不由自主地走进宠物克隆商场，克隆了他们家的宠物犬“奥利佛”。这在片中的人们看来，为自己和家人克隆一个健康的宠物作为替代品已被普遍认可，即便他们仍强烈反对克隆人。

克隆技术的出现和发展，颠覆了人们传统的对生命的理解和思考：一则人们渴望借助克隆技术延续生命；另一方面，传统的社会伦理法则又告诉他们不可越过雷池。正如影片中亚当的思索和疑虑：克隆出来的，没有灵魂，危险吗？既然安全，为何不允许克隆人类？如何合情合理合法地运用高科技，尤其是克隆技术来造福人类，矛盾和纠结仍在继续。

三、西方伦理文化隐喻与《圣经》

文艺作品大都有其神话的、历史的或现实的素材和思想渊源并受其价值观念的影响，特别是神话传说，“一直在塑造和影响那些民族的思维观念，对各民族的思想观念和文化发展产生了极其深刻的影响” [1]。而在西方世界，“《圣经》的故事和传说是西方文化艺术的重要源泉……它的思想和哲理已经成为人们意识的重要组成部分”[2]。究其原因，在于《圣经》典故在西方社会中影响的普遍性和深入性：《圣经》典故在西方政治、经济、文学、艺术领域普遍存在，且已深深融入哲学、宗教、和意识形态领域，成为西方人的道德和行为规范，其影响力之广、之深是任何其他典故所无法匹敌的。

正如深受儒家思想影响的中国人的伦理道德观念基本来自于儒家学说一样，《圣经》及其典故所蕴含价值观念成为以基督教为普遍的西方人所认可和信奉的社会伦理价值观也就可以理解了。那么，西方电影取材于《圣经》典故并将其伦理思想作为影片的主题来表现并不出人意料。甚至可以不夸张地说，整整一部西方电影史从未脱离基督教文化的深刻影响[3]。

电影《第六日》也毫不例外地带有浓厚的《圣经》文化色彩，我们从该片片名以及男主角的姓名这些细节就可见一斑，因为“一部电影及其片名总是浸润在该民族的文学、历史、哲学、宗教、传统、习俗、传说等形成的文化体系中” [4]。

《圣经》这样描述：“神就照着自己的形像造人，乃是照着他的形像造男造女……是第六日”（《旧约·创世纪》，1：27-31）[5]，而片中被多次重复的一句台词正是“在第六天，上帝创造了人，上帝造人时在第六天”，凸显了片名《第六日》的宗教文化含义；《圣经》中还讲道：“耶和华神用地上的尘土造人，将生气吹在他的鼻孔里，他就成了有灵气的活人，名叫亚当”（《旧约·创世纪》，2：7）[6]，片中主人公也恰恰以上帝所创造的第一个人的名字“亚当”命名；还有，主角亚当·吉布森（Adam Gibson）的姓“吉布森（Gibson）”在古德语中的含义又是“光明磊落的誓约”，此名表达父母希望子女继承其祖先财物及传统的愿望。

这些细节除了在艺术手法上起到呼应主题的作用之外，更深层的含义则是表现该片主创者文艺创作的价值取向，即《圣经》和基督文化所秉承的传统的基督教伦理，即着眼于在肉体层面或物质范畴解读人（尤其是基督徒）与他人、社会及万物的关系嬗变，目标指向以神人和谐为基础，重建被罪扭曲的人与他人、人与社会乃至整个自然界的关系[7]，重新回归到“神”所安排的正常的社会和人类生活秩序。

可见，影片中所反映的克隆人争议以及人们的矛盾心理，究其根源，正是来源于《圣经》深刻影响下的民族文化传统，也反映了影片主创者对克隆人问题鲜明的“上帝取向”的生命价值观和态度，即任何生命的诞生，尤其是人，只有通过正常途径出生、成长的人，才是《圣经》中所讲的“神所应许的”，才是“神”所喜悦的，才是合情合理合法的，否则就是对上帝的不敬——因为人不可能像上帝那样创造人类和世界；当然就是也是反传统的和伦理的，自然不会成为多数人的共识而被普遍接受。

四、结语

任何文艺作品都会反映作者本民族特有的文化传统及其附带的价值观念。欧美大片对所有学英语、用英语的人来说不啻于一个学习和了解西方文化的生动而鲜活的教材，也为我们提供了一个加深中西文化间相互了解、增加彼此间信任的绝好窗口。另外，一部好的电影带给人们的应该不仅仅是精神上的享受以及文化学习和交流的素材，电影故事背后的故事及其带来的对生命和人性的理性思考也非常值得我们去关注。

参考文献

[1]董广坤，王传顺.《2012年》中的神话原型与末日隐喻[J].电影文学，2011：20.115-116.

[2]赵玲洁，赵彦荣.《圣经》在西方文化中的表现形式及影响[J].时代文学，2011：8.88-89.

[3]杨然.电影中的宗教魅力——谈基督教文化在电影中的文化价值[J].电影评介，2009：19.8-9。

篇5

美国作为一个参与电影最初的创始事业的国家之一，不仅对电影的早期建设作出了巨大的贡献，推动了电影的发展，使其能够成为我们现今所说的第七艺术。同时。当电影进入其高速发展时期。正经历着意大利新现实主义、法国新浪潮运动等各种风起云涌的电影浪潮时，美国电影也以其特有的方式进行着自己的变革，由此也就带来了新好莱坞运动的开始。

新好莱坞运动作为美国当代电影的发端，其为美国电影今后的发展预示了许多方向，也使得美国电影逐渐成为一种不同于他国电影并富有自己特色的电影，当然这也是由各国的文化意识形态所造成的。

对于一部电影而言，美国无论是在最初的经典好莱坞时期。还是到了新好莱坞时期，都是一个极会讲故事的国家，它懂得如何变换着不同的形态来讲故事，来吸引观众。可以说美国对于一部电影究竟应该采用何种话语是非常有代表性的。但是。就这一点来说，美国在其电影本身的变革运动中也是不同的。它对于影片的话语的把握随着新好莱坞运动的到来也开始发生着变化。就如作为新好莱坞运动开始标志的影片《邦妮和克莱德》，它首先带来的就是电影话语的变革，在这部影片中呈现除了与以往影片所不同的元素：(1)邦妮和克莱德的形象不再是之前经典好莱坞中的理想化的典型人物，而是代表着20世纪60年代大胆而富有反抗精神的年轻一代，这种平民化的形象成为电影的主角是在之前的美国电影中所不常见的。同时他们也是电影银幕上首次出现的反英雄的英雄形象，对美国社会的主流文化和传统道德提出了挑战。而不像之前的美国电影都是顺从美国的主流文化思想形态的。(2)在这部影片中融入了法国新浪潮的艺术观点和电影技巧。伴随时空的自由交叉切换和快慢镜头的运用，还采用了一些花饰框，产生了特吕弗式的画面与言语构成的双点效果和戈达尔式的喜剧性与强刺激的画面相交替的效果。虽然这部影片最初就是为这两位大导演而写的，但当阿瑟·佩恩拿起导演的指挥棒时，电影开始向着一种更加有趣的方向行进着。而影片在叙事结构上的突破，对于无叙事结构的大胆追求也与之前经典好莱坞所要求遵循的戏剧四段式结构相违背。没有必然因果关系的片段被组接在一起，我们不难说从中多少看到了法国新浪潮电影的影子。但依然不变的是美国人一向骄傲的美国式的幽默，这也使得《邦妮和克莱德》没有成为大多数的法国新浪潮电影那样的枯燥乏味的影片，而是一个能使人从头笑到尾的影片。(3)这部电影突破了经典好莱坞的类型模式，即一部影片只有一个类型，并且是该类型电影元素的最大化的集合的传统，而是体现了类型融合的倾向。在《邦妮和克莱德》中，从表面上看它是一部强盗片，但细细考究之下。其实它还包含了惊险片、警匪片、传记片、喜剧片、爱情片等多种类型影片的元素。体现了类型融合的倾向。

从以上的例子中我们就已经能看出由新好莱坞运动所带来的一些美国当代电影话语特色的一些端倪。这主要表现在以下两点上：即跨文化性和融合性。

就跨文化性而言，在世界电影发生着巨大变革的同时，美国电影所受到的冲击是前所未有的。其中有一些是在欧洲艺术电影中就已经颇有名望的移民导演出现在美国的影坛上。如捷克的米洛斯·福尔曼和伊万·帕塞尔、波兰的罗曼·波兰斯基，以及英国的约翰·斯莱辛格、杰克·克莱顿和肯·罗素等。新好莱坞给这些导演的艺术生涯注入了新的推动力，但同时他们也为美国电影带来了世界的声音。当然也有不少成长于这一时期的美国本土导演，外界世界对他们的冲击使得他们成为欧洲电影的忠实拥护者，他们纷纷迫不及待地想要在自己的电影里实现他们对于欧洲电影的理想。于是，向来高雅的欧洲文化和向来通俗的美国文化在电影这一艺术样式上产生了交融，使得美国电影的故事情节开始完全不同于经典好莱坞所塑造的那些人们心目中的经典情节，而呈现出一种跨文化的趋势。的确，当美国的电影中有了来自于其他国家文化的声音后，它是变得有些不同了。

而就融合性而言，它大致可以表现在以下两个方面：(1)美国电影本身的传统主义与现代主义的融合。虽然美国当代电影所起始的新好莱坞运动是对传统的经曲好莱坞的发难，但它并未抛弃传统经典好莱坞所建立的成果。相反在某些阶段还呈现出一种回归的趋势。就如斯皮尔伯格在其电影《大白鲨》中，就复兴了与好莱坞黄金时期密切相关的风格化技巧，他借用了希区柯克《迷魂记》里缩进／拉出的技巧。这个技巧在1980年代的电影中常常被用来表现围绕着一个固定不动的人物周围的怪异而压抑沉闷的背景。但是“无论对于那些在1970年代中期好莱坞复兴的一代，还是那些在1980年代电影制作扩张中崛起的一代来说，他们的参考坐标，通常都是伟大的好莱坞传统。许多电影工作者工作在稳定的类型片模式、神圣的经典影片和令人生畏的导演的浓烈的阴影之下。”由此，从许多方面来看，美国的当代电影从新好莱坞开始就是通过经典好莱坞所创立的电影传统来确立自己的地位的。所以，即使是美国的当代电影，我们依然从它身上辨析出一些传统主义的影子，只不过他往往被穿上了现代主义的外衣，与现代主义的各种元素相混合在一起，长久以往，融合就不可避免了。(2)对美国早期经典好莱坞所创立的各种类型的混合。新好莱坞的主导类型电影——西部片、强盗片、战争片、情节剧、爱情喜剧、音乐片和科幻片在经典技巧与现代主义技巧之间的张力中寻求着平衡和突破，从而实现了类型的融合。这种融合也可以说是在最初的单型化的影片中加入了许多其他类型影片的元素，从而使得影片本身以一种更为多样化的手法表现出来。如影片《莫扎特》作为一部传记片，但是却并未采用传统传记片的枯燥乏味的形式，而是以一种音乐片的方式进行呈现，使影片在音符的跳动中自然流露。而在经历了20世纪六七十年代的变革转型之后，到了80年代美国电影进入了平稳发展时期，类型样式的混合也同样进入了一个更高层次的发展。如果说之前混合的只是不同类型电影的外在形式的话，那现在所混合的就是不同类型影片的内在精神。即使传统的西部片已经消失，但它的许多主题。如法律的本性，新秩序的创立、个人自由同社会责任等，都或多或少已被转让给科幻片。就像《世界末日》一片已是临近20世纪80年代的作品，但在它理所当然的科幻片的外在形态下我们依然可以看到爱情片的影子，励志片的内涵，当然还有之前所说的来自于传统西部片的种种母题。而90年代以来的卖座大片《黑客帝国》、《异形》系列等都是战争片与幻想片的融合，《哈利波特》则是将儿童的想象世界注入科幻的因子。总之，影片类型的演进过程。就是传统类型和不同表意系统的不断综合过程。并且，多种类型的混合l也使得其所带来的新变种层出不穷。就好像在恐怖片《凶宅》中，早期恐怖片中那令人作呕的血光之灾已不再充斥整个影片，取而代之的是人内心的一种恐怖，当任何一种影片进入到人的内心时，我们都能看到的影子，并且忠贞的爱情似乎是美国当地影片永远无法摆脱的东西，这使得任何一部当代美国电影都能理直气壮地称之为爱情片。

当然。美国当代电影在其发展的过程中除了表现出以上所说的两大性方面的特点外，还呈现出一些其他的话语特点：

第一、美国当代电影从其影片主题思想意识上来说表现出了文化价值取向的变换。

在新好莱坞的最初，影片所选择塑造的人物多为一些反抗社会、反抗秩序的人或犯罪分子。就像《邦妮和克莱德》中所表现的那样，他们善良、富于同情心，而且对社会所宣扬的幸福生活充满信心，但丧失了人性的国家机器的代表者却成了对他们的无情的追逐者和屠杀者。对于此时来说，社会就是用来破坏的。而到了20世纪80年代以后，传统的社会美德又在主人公身上重新得到了回归，家庭的概念变得越来越重要。传统的伦理道德重新受到重视，幸福和睦的家庭和天伦之乐重新又回到了人们的思想意识中来，如在《苹果酒屋的法则》一片中什么是苹果酒屋的法则——张破旧不堪却记录着一代又一代传承着的几条看似荒唐而可笑的法则的纸，虽然它早已破旧得被风轻轻一吹就会自动飘落，虽然人们最终鼓起勇气把它撕了下来，但其实它已植根于每一个人的心中。纵然男女主人公可以发生出轨的行为，女主人公的未婚夫因伤从战场上回来。当家庭的道德观念重新冲击人时，我们所选择的往往会如同男女主人公所做的一样。那就是回到自己原来的秩序世界中去履行每一人应有的那份责任。这就是人的法则。当然如果这部影片出现在新好莱坞正成熟的时期时，将会表现出来的方向就会截然不同了。而在这过程中人内心的矛盾和挣扎无非是对人的道德观念的一种厉练，当然要对那些已经横行电影20多年的反社会的思想意识而言，最终对于传统社会道德观念，对于家庭信仰的回归是多少得付出点时间和代价的。 转贴于

第二、美国当代电影就之前的电影来看所表现出来的很大的一个特点就是开始注重对社会的思考，对人内心的关注，而不如早期的影片那样只是一味地表现一些理想化的生活和人物。无论是《全金属外壳》还是《苹果酒屋的法则》，亦或是看似最为商业化的《世界末日》和《凶宅》。它们在讲故事的同时都没有忘了去关注故事中的人本身。当人在某一个特定的社会环境或事件中，人的心境是怎样的。这是当代美国电影所着力讨论的地方。而《全金属外壳》中所表露出来的对于越南战争的反思也使得对美国近期历史反思的影片一下子爆发出来，加上对好莱坞文化传统的再认识。所共同引起的一股社会反思浪潮使得原先较为理想化的美国生活变得平凡起来。其实。小人物的内心才更值得关注，因为它往往代表了最普遍的民众。

第三，美国当代电影开始懂得用新的镜头语言来讲述故事，以适应电影本身主题内涵等多方面的变化。此时当代美国电影不要求观众对一切信以为真。影片中常出现人为加工的痕迹和一定的间离效果。导演们不但没有掩盖电影技巧，反而尽可能地用技巧去强化气氛。慢镜头、定格、跳接、黑白画面与彩色画面的交织，是这些影片中常见的手法。它们旨在加强视觉上的冲击力，使画面更具感情的力度。就好像我们在《全金属外壳》的开头所看到的那样，连续17个同景别、同长短的固定镜头拍摄的新兵们一个个被剃成光头的画面被毫无关联地跳接在一起。使得我们一次又一次受到强烈的震撼，一群正值花样的年轻人正在被剥夺他们的人性，正在被机器化地打造。正在丧失自我。而在《安妮·霍尔》中各种突破性手法的运用更是使得影片变得截然不同。在影片中。导演伍迪·艾伦充分运用了闹剧和幻想剧的表现方式，使两者相得益彰。主人公直接对着摄影机的长篇独自，回忆性的闪回，在分割的画面中对话，突然插如剧中人物所看到的画面，动作的二次曝光，与行为对立的字幕，摄影机边上突然冒出来的评论。两个反省的声音的对话，这等等等等全新的对传统主义具有颠覆性的手法的运用都在告诉我们美国当代电影所独有的形态，这些手法在对视觉造成冲击力的同时，也是对影片叙述话语发展的一大贡献。

第四、美国当代电影在其艺术电影与主流商业电影上呈现出平行发展的特点。“新好莱坞电影在前10年完成了主流商业电影艺术化、艺术电影通俗化的过程后，便出现了20世纪80年代的繁荣景象：由美国式艺术电影和新主流商业电影构成的两极平行发展，形成巨大的张力。从而使得美国电影的发展机制由单元变为多元，结束了过去长期单轨制发展的局面。这种共存与合流的现象。乃是后现代文化在电影上的特殊反映。后现代文化把生产、技术与文化消费一体化。把上层贵族文化和大众文化一体化，即所谓填平‘精英’与‘平民’之间的文化鸿沟。”其实，就我看来，美国当代电影并没有真正把商业片和艺术片融合起来。所谓的艺术片除了其影片的表现的手法以外，更多的是其所具有的思想性。而美国当代电影只是开始懂得如何将一个深邃的思想，一个更适宜艺术影片的思想以一种通俗化的、商业化的姿态表现出来。它可以将导演眼中的艺术以一种大众化的、甚至于庸俗的姿态来表现，但只是前 者隐藏在后者之下而使得其本身不是那么的一目了然。因此，与其说美国当代电影使得商业片和艺术片彼此之间的界限不再泾渭分明，倒不如说是美国当代电影成功地找到了一种可以被大众所接受又不动声色地传递影片的思想性的道路。它明白怎样在大众文化的幌子下堂而皇之地传递精英文化。

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一、引言

简?奥斯汀的文学作品《傲慢与偏见》讲述的是十八世纪末期至十九世纪初期，英国乡村生活的人情世故。这一文学作品的理论研究很多，主要包括从情感态度，婚姻观，语言艺术，女性主义，比较研究等方面，其中跨媒介研究成为了近年来《傲慢与偏见》研究的新视角，笔者能搜到的国内此类研究论文有50多篇，这为本研究提供了素材，但这些论文中着眼于英美文化研究的论文数量有限，本文着眼于文化视角，采用对比分析法，集同类研究成果之所长，对英美两个电影版本进行了多维度比较，目的在于探讨此类文学作品改编成电影的文化价值。

二、英、美版《傲慢与偏见》文化差异

小说《傲慢与偏见》说中人物刻画鲜明，故事情节荡气回肠，给予了读者无限的联想空间。自问世以来，广泛受到了国际电影人的青睐，1938年至2005年至今，作品被多个国家翻拍成了不同的电影版本，其中以美国好莱坞和英国广播公司拍摄的版本最受关注。文学作品改编成电影的过程本身属于一个再创造的过程，作品被赋予了不同的文化内涵，同时我们看到了英美文化差异。

1.故事场景设置

美国好莱坞于1940年拍摄的《傲慢与偏见》取景于繁华的商业都市，以衣帽店作为开场背景，美国城市繁华的街道、琳琅满目的商品，以及在街道上匆匆行走的行人都是美国快节奏的生活方式和商业文明的标志。英国广播公司于2005年拍摄的电影取景地多为英国庄园。庄园内部陈设的壁炉、地毯、古老的家具、油画将英伦风情展现得淋漓尽致。

英国版电影将故事置放于乡镇田园景致中。突显了英式庄园文化，也体现了当代人对古老庄园文明，闲适田园生活的一种怀念和向往。英国环境曾经一度达到了重污染程度，经过多年治理，英国已经成为了当今世界环保成就最高的国家。随着环境保护意识的提高，英国电影越来越注重利用平淡、恬静的乡间景色来体现动人心弦的故事。

美国版电影再现的是经历30年代经济萧条之后美国社会经济复苏之初的商业文明。受经济危机影响，人们渴望回到曾经的繁荣时代，这部电影正体现了当时人的心理诉求。由于美国公民强调个人英雄主义，因而，人物是美国电影拍摄过程中的重点部分，在美国版中，除了幅员辽阔的风景，更多的是充满人迹的画面。

2.娱乐活动呈现

舞会既是主要娱乐形式又是一种社交途径。从对舞会的表现方式来看看，英国版所呈现的是古典宫廷风而美国版则呈现了时尚之都的浪漫气息。

在英国版电影《傲慢与偏见》中，舞会中人们演绎的是英国古典宫廷风格的乡村舞蹈，而美国版电影中，舞蹈包含了十九世纪最为流行的华尔兹和波尔卡舞。不同的舞蹈形式传达着两个国家不同的文化内涵。英国乡村舞蹈的形式起源于法国宫廷舞蹈，这种形式的舞蹈主要在向人们展示英国十八世纪的优雅礼仪。这与英国传统崇尚高雅、推崇贵族的文化思潮不可分割。然而，美国则是一个快节奏生活的国家，又是多元化文化背景，在发展中逐渐形成了适合自身发展的新思潮，比如实用主义思潮，这种思想理念自然而然地体现到了美国电影作品中。美国在不断吸纳多种文化的同时，积极创造着新型文化形态，美国历史仅有200年左右，属于由殖民地独立而成的国家，不存在英国传统的王室情结，美国更推崇的是时尚和潮流。因此，在美国版电影《傲慢与偏见》中，由新潮的华尔兹和波尔卡舞代替了英国传统的宫廷舞蹈形式。

3.餐桌文化演绎

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中图分类号：J022 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）11-24-1

一、绪论

全球化的浪潮给当代艺术既带来了好处，也带来了很多不利的局势，好处是它给原本孤立的艺术带到一个国际化的艺术平台上，使得各个国家和民族地区的特有艺术能够得以展现和相互交流，促进艺术的多元化发展。但由于经济和政治的不平等性，导致强势文化对弱势文化的辐射、覆盖和同化。文化艺术交流与发展无形之中也形成了高与低、优与劣、先进与落后的不平等性。思想上误认为发达国家艺术的发展都具有先锋性，是发展中国家艺术的方向，这就驱使具有民族特色的文化艺术为了顺应时代的主流，而失去了文化艺术的民族特色，导致艺术逐渐进入趋同化现象。在这里不打算抽象地讨论这个问题，分别从影视艺术和当代绘画艺术的两种角度去说问题。

二、论影视艺术的趋同化现象

20世纪90年代，在这种技术、经济和信息网络技术的全球化特征下，文化与艺术层面也随之开始国际化、趋同化。在影视艺术这一层面上，中国电影也随着全球化大浪潮渐渐参与国际影视市场的竞争。一方面，影视商业化的加剧意味着影视艺术作品成为真正的商品。所谓“商品”就是要销售，要面向大众，要符合大众观赏的口味。二战之后，“好莱坞”影视已压倒性的局势占据了全球影视文化市场，成为时代下的绝对主流。而相比之下，中国民族电影作为新生力量刚踏上影视国际化的平台，不仅制作电影的资金和人员匮乏，技术手段也相对落后，只能小成本小制作，很难拍摄出高质量电影闯入国际市场。跟风和效仿成为民族电影博得大众喜爱的方法渠道，跨国资本的扶持，或者国外电影人参与中国电影的制作。①频繁的影视艺术文化交流虽然从经营、管理、技术、艺术的不同层面上改变了中国民族电影的过去状况，但是也使得中国电影逐渐从本土化走向全球化，在此过程中，影视艺术的民族性与本土色彩会慢慢丢失磨灭，从而加剧了影视艺术趋同化的进程。另一方面，从某种意义上说，好莱坞从一开始就在向全世界推销着美国。美国电影很早就具有国际视野，在罗斯福执政的第二次世界大战期间，好莱坞电影则成为推销美国形象、美国民主，进行政治宣传的重要工具。②如今，美国电影几乎已经成为世界电影，“好莱坞”成为代名词将无处不在，美国电影已经不再是以“美国”的电影而存在，即便是素有“东方好莱坞”之称的中国香港也是它的宣传手段，从而取代本土电影的位置。好莱坞电影工业生产凭借美国强势国力作为后盾并向亚太地区实施文化上的后殖民，间接控制着亚太地区本土文化电影的发展，不断向这些国家和地区进行美国文化输出，造成文化心理的强势认同趋势，很大程度上加大了影视艺术的趋同化局势。

三、论当代绘画艺术的趋同化现象

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首先要理解"类型"并不是电影艺术的专属名词，早在电影出现以前，类型便与其他艺术共同诞生了，人类在进入艺术审美过程开始，在心理上就有积累对某类审美对象的高度认同感的欣赏习惯，人类习惯将某类事物分类，便于认知也利于做深度分析研究。在各种艺术中，文学与类型的联系是较早的，"类型"一词可以追溯到亚里士多德的《诗学》。

从类型的发展历程上来看，类型的形成往往与观众的反映形成互动关系，受到观众肯定和欢迎的文学或戏剧形式便可以很快转化为确定性的原则而成为文学或戏剧中的主导风格，19世纪末，随着电影这一新兴事物的产生及城市化的快速发展，类型的概念也被借用到了电影中来，这主要是和电影与生俱来的商业性质不可分割，那么，到底什么是类型电影呢？

一、类型电影的概念及其分类

类型电影生产的前提是完整、系统的电影工业体系，在这个体系中电影制作者根据观众需求制作一些叙事手法、视听模式类似的有固定套路的电影，好莱坞电影在全球范围内获得成功，基础就在于上个世纪二三十年代开始，在好莱坞制片厂体制下成功建立的"类型电影"系统。

直到今天，对于类型电影的界定依然无法确定，对于类型电影的定义还处于莫衷一是的状态，对类型电影比较有代表性的定义多数是从电影本身出发的，美国电影理论家大卫·波德维尔认为所谓类型影片是"观众及电影制作者通过熟悉的叙事惯例可以识别的各种电影形态。"①；美国学者布鲁斯·F·卡温认为类型"尤其指在叙事电影中，以风格化或经常是惯例的方法处理某一特殊主题"②。从这些理论家对类型电影的表述中，我们可以看到他们认为类型电影是在电影艺术的创造和审美过程中，观众与制作者达到了一致认同后获得的心理体验的外化结果。

我国在上个世纪八十年代一度掀起过对类型电影的研究热潮，著名理论家邵牧君认为类型影片是"按照不同的类型或样式的规定要求创作出来的影片。"③蔡卫、游飞编著的《美国电影研究》中也写到："类型电影是指在主题思想、故事情节、人物类型、影片场景和电影技巧等方面具有明显相似性的一组影片。"④综合来看类型电影就是在观众与制作者达成共识的基础上不断重复构造的影片，从而形成一整套有着固定标准的模式化影片，它通过自身调节对观众产生一种既熟悉又陌生的心理感情，进而吸引观众。

为了方便叙述和分析我就用形式与内容这两个方面为类型电影做个分类。从形式的角度看，大概有歌舞片、喜剧片、悲剧片、惊悚片、动作片、动画片、戏剧片、悬念片等十余种；以内容为标准又可以划分出爱情片、战争片、黑帮片、灾难片、神话片、西部片、警匪片等，这是最传统的分类方式，随着数字电影的到来，对于传统电影来说这些运用电脑特技制作的影片也是极具竞争力的类型，目前一些电影发达国家还用电脑科技制作出了全CG人物的电影主角。

多种类型混合、杂糅的的电影是当前比较流行的电影，香港拍摄的一些功夫片就是融合了历史片与功夫片，比如徐克导演拍摄、李连杰主演的《黄飞鸿》系列；美国科幻片往往也是分属多种类型，比如风靡全球的《蜘蛛侠》涉及了打斗场面、爱情故事等等，既是一部科幻片又是一部动作片，也是一部爱情片，与其类似的还有好多，像《007》系列、《魔鬼终结者》等等。

二、类型电影的特征

虽然每种类型的电影都有其独特的身份特征，但是从电影大的概念上，我们可以将类型电影作为一个整体来看待，不同的电影类型之间也具有共同的特点，这些基本特征成为识别类型电影的标志。

1.模式性

将一部分不同的电影统称为某一类型，其鉴定标准就是具备了一定的电影套路，即模式，模式的形成需要一定的时间，首先是某部影片受到了观众的喜爱，观众渴望再度观看相类似的影片，接着电影制作者就会在最短的时间内通过仿效来创作类型电影。

模式性体现在故事情节、叙事策略、人物性格等方面。人们欣赏类型影片时带有似曾相识的熟悉感，人们会习惯性地预见到故事发展的、冲突设置，特定人物的命运等。比如美国大片中的美国英雄，他们总是有着英俊的外表、幽默的谈吐以及坚强的意志，他们为了正义挺身而出，与恶势力殊死搏斗，当然身边通常不会缺少美女相伴，《角斗士》《勇敢的心》还有2007年上映的《斯巴达三百勇士》，无不是有着相同模式。还有灰姑娘式的爱情故事，偶然的相遇、痛苦的相爱、最终有情人终成眷属，丑小鸭变天鹅的奇迹总能激起女性观众的幻想，从1990年的《风月俏佳人》到2002年末的《曼哈顿女佣》的热映就是最好的证明。

类型影片也是在不断发展的，跟随观众的欣赏趣味电影制作者通常会除固定模式外每次还会添加新鲜元素，让观众在似曾相识的无意识中体会到奇妙的情感交流，"对主体来说，这种事物从未见过但又似曾相识，神秘奇异却又亲切，也许，这是类型电影在模式的框架下，获得艺术生命的一个重要的秘诀。⑤

2.对比性

这种对比是说观众观看影片时可以清晰地辨别出两类对立的群体，善与恶、光明与黑暗、暴力与温情等，总之是大奸大恶与至善至美相对立的两个世界的较量构成影片冲突，"人的内心世界的一元化和社会外在世界的二元化共同构成了类型影片的双重参照系统。"⑥

正如美国学者查·阿尔特曼认为的，"像所有形式的娱乐一样，类型影片兼有文化与反文化的特点。它们表现出的欲望与需求并不是主流意识形态中的成分，但是它们又反映主流意识形态的主要信条。类型影片把社会禁止的体验和被允许的体验结合起来，其结合方式竟能使前者显得合理而后者得到丰富。"⑦这种二元世界对立的建构正好符合人类的情感需求，电影可以实现人类的内心梦幻，在人类正常的生活之外电影可以为人类建立一个在日常生活中无法体会的精神世界。最典型的例子应该是强盗片和警匪片，影片中不可缺少也最震撼人心的是对立群体间火爆的拼杀、打斗、追逐的场面，因为一般生活中被禁止的暴力、血腥、性等紧张、刺激的情绪体验使得人们可以看到未知世界的奇观，看过《邦尼与克莱德》的观众永远不会忘记那经典的枪战场面。

3.反复性

在一类影片中往往可以看到相似的故事情节、叙事结构、矛盾冲突等，一旦在观众中形成欣赏惯性便难以发生改变。比如爱情片中出身显赫且外表俊朗的男主角、境遇悲惨却心地善良的女主角，营造浪漫的海边、月色；黑帮片中阴暗的画面色调、与警察的对峙场面，还有美国西部片中塞外荒凉的风光、孤独深沉的牛仔等，类型电影中出现的明星也常常被人们类型化，理查德·布鲁克斯说"电影观众对一个角色的印象往往来自扮演这个角色的演员。这句话对小配角、大明星都适用。"⑧早期类型电影中嘉宝总是那种深沉高贵、充满神秘感的形象、克拉克·盖博就是潇洒不羁、风流倜傥的浪荡公子、奥黛丽·赫本是可爱、聪颖的窈窕淑女，今天人们看到布鲁斯·威利斯就会联想到英勇善战的硬汉形象、安吉丽娜·朱利就是性感美丽的代名词。

4.娱乐性

前面说到由于类型元素的反复造成了人们对影片的预期，人们总能知道在善恶对决的世界里善良永远可以战胜邪恶、光明最终要颠覆黑暗，电影制作者和观众在制作、观看类型片时彼此都知道要看的、想看的是什么，观众更多的是获得一种满足感，重要的并不是结果而是观看影片的过程人们获得的刺激、痛苦、感动等情绪变化，就好比是在进行一次探险，只不过探险的旅程设置在人们熟悉的环境里，这种轻松、自由无负担的探险必然会带给人们所需的愉悦感，这就是类型电影所呈现的娱乐性，它所创造的是一种快乐，擅长拍摄类型电影的好莱坞导演斯皮尔伯格多次表示希望自己永远不失去为观众创造快乐的能力，也正是因为这种娱乐性让人们愿意反复观看类型电影。

三、类型电影的全球化发展趋势

好莱坞电影已经作为一种流行文化的标志侵入世界各地。美国导演约翰·福特提出：对好莱坞最佳的理解是，与其说它表示一个地理位置，不如说它代表一种意识状态。"⒀暂且不论美国人对美国电影的夸大评价，我们还是可以通过一些统计数据了解到好莱坞电影在各个国家或地区的电影市场的成功渗透，2000年以后好莱坞电影普遍在美国之外的票房多于国内，到2003年好莱坞电影的出口年收入超过了110亿美元⑨，2004年为125亿美元，增长了23%，2005年虽然出现了4%的小幅度下滑，却也能够达到120亿美元⑩。

虽然好莱坞生产的故事片在全球范围内看只是电影生产的一小部分，但是它所获得的放映总收入却可以达到全球放映总收入的75%。类型影片的发展、定型、成熟是在美国，它是工业生产机制与艺术创作相结合的产物，我们熟知的美国类型电影早期有以约翰·福特为代表的西部片、以卓别林为代表的喜剧片、还有希区柯克的惊悚悬疑片，90年代以来美国电影的主打类型有:灾难片、科幻片、恐怖片、喜剧和情节剧等。它们不再是古典时期的纯类型,而是在古典类型框架基础上呈现出混杂的趋势。进入21世纪以后随着科技的进步，出现了新的类型，如后现代电影《罗拉快跑》《低俗小说》等。

对于美国电影来说尽管世界范围内的市场因国家、地域、文化的不同而有所差异，但是从类型电影的角度来看美国电影的海外市场的总体情况，像喜剧片、恐怖片、历史片历来都很受海外市场的欢迎，当然必不可少的就是好莱坞大片，每年好莱坞都会制作一批高预算大片，当然并不是每一部都会有人买单，投资过亿的《珍珠港》（2001）、《逃出克隆岛》（2005）的票房惨败就说明了这一点。

总体来说类型电影可以在最短的时间内让电影制作者获得最大的经济收益，这在好莱坞电影的全球化攻势下得到了很好的验证，有前车之鉴，那么对于世界上其他国家来说发展有本国特色的类型电影无疑是发展本国电影产业的最佳途径。从亚洲范围来看，香港电影和最近几年崛起的韩国电影都是很好的发展了本土类型电影而成功跻身世界电影市场的典范。以香港影片为例，最初的香港影片是从沿用好莱坞制片厂制度起家的，经过战后半个多世纪的发展，类型片已经度过了辉煌的阶段。香港电影最著名的就是动作片，先后成功打入好莱坞的香港导演吴宇森、刘伟强以及明星成龙、李连杰都是从动作片开始打造自己的电影世界；香港喜剧电影的成就主要是体现在平民喜剧天王许冠文和无厘头喜剧天王周星驰的身上，如《半斤八两》、《武状元苏乞儿》等；黑帮片也是香港影片的一大特色，80年代以后逐渐兴起，主要讲述黑帮内部中的争权夺利，或是与敌对帮派抢地盘火拼，刘伟强执导的《古惑仔》系列、杜琪峰的《龙城岁月》系列等都是这类代表作品。

总之，在全球经济、文化一体化的今天，各国之间要以"和而不同"的文化准则与经济大国美国对抗，电影产业也应如从此，向西方看齐是因为我们要吸收他们成功发展的重要因素，挖掘本土本民族文化独有的特色和优势才能与西方发达国家共存。著名文化学者汤一介先生曾说过"如何使不同文化的民族、国家和地域能够在差别中得到共同发展，并互相吸收，以便造成在全球意识下文化多元发展的新形势呢？我认为中国的和而不同原则或许可能为我们提供有正面价值的资源。"⑾不论东西方，只要是观众喜欢、认可的电影故事都完全可以一而再再而三的被搬上银幕，电影作为一种文化产业既要获得商业效益，也要获得大众口碑，而能兼具二者的只有类型电影。

注释

①大卫·波德维尔,等著.《电影艺术--形式与风格》，北京大学出版社,2003年1月第410页.

②布鲁斯·F·卡温.《解读电影》（下）李显立等译，广西师范大学出版社,2003年第1版第673页.

③邵牧君.《中国电影创新谈》，文化艺术出版社,1990年第286页..

④蔡卫,游飞编著.《美国电影研究》，中国广播电视出版社,2004年6月第1版第2页.

⑤郝建.《影视类型学》，北京大学出版社,2002年7月,第一版第50页.

⑥刘琛.《类型影片的美学阐释》2004年4月,硕士研究生论文.

⑦《类型片议》查·阿尔特曼《世界电影》,1985年第6期第79页.

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一种文化往往通过生活在这一文化辐射范围之内的人们的处事原则、行为习惯、思维方式、生活态度等具体行为表现出来，构成了创造和拥有这一文化的民族特有的性格。

美国的历史虽然短暂，但其文化源远流长。它植根于古代希腊罗马文化、基督教文化、英国文化传统和法国启蒙思想。它的前身是英国自17世纪初在北美大西洋沿岸先后建立的13个殖民地。美国文化虽然起源于盎格鲁―撒克逊文化体系，但又决不是这种文化体系的简单延伸，也不是欧洲文明与美洲荒原文化的相加，而是在开拓一个新大陆过程中逐渐形成的有别于他国的独特文化。美国社会在短暂的时间里,形成了一套影响国民生活方方面面的、鲜明的民族性格。作为民族文化的核心,国民性格深深影响着一个民族的文学艺术。电影作为人类文化生活的组成部分，作为一种重要的艺术形式，承载了一个民族的民族性格。因此，从美国电影中，我们能看到鲜明的民族性格。

一、强烈的自我意识

美国人有着强烈的自我意识，他们认为每个人都要依靠自己，而不应该依赖别人；每个人都要对自己负责，而不是对别人负责。在他们的观念中，人们的生活方式和生活水平完全取决于个人的能力。因此，他们总是将自己放在核心地位，面对别人的干涉和影响往往嗤之以鼻或置之不理。即使陷入困境，他们也不习惯于指望别人的帮助。因为他们认为那样会动摇自己的中心地位。

电影《美丽心灵》中，数学家小约翰・纳什很早便发明了博弈理论，他的论文开始享有国际声誉。但纳什出众的直觉受到了精神分裂症的困扰，使他向学术上最高层次进军的辉煌历程发生了巨大改变。面对这个曾经击毁了许多人的挑战，纳什在妻子的相助下，与被认为是只能好转、无法治愈的疾病作斗争。无论多少人说他疯狂，说他精神有问题，他始终如一地做着自己认为重要的事情。经过十几年的不懈努力，最终获得诺贝尔奖。影片反映了美国民族性格中那种强烈的自我意识。

二、开拓精神和冒险精神

美国文化的真谛在“变化”二字,核心思想是“无物不变”,而且变化永不停顿。变化意味着“冒险”,变化意味着“创新”。美国人喜欢独辟蹊径,相信“一切皆有可能”,什么都喜欢去试一下,许多科技新发明就是这样试出来的。因此，冒险和创新成为美国社会长盛不衰,稳步发展的源泉和动力。美国的开国历史证明了美国人的这一性格。美国曾经经历了很多次艰苦卓绝的开拓运动，第一代美国人大都是因为对他们所生存的旧世界心存不满或是面临着旧世界的淘汰而逃亡到这个新世界的。在这里，他们白手起家，顽强地与恶劣的自然环境作斗争，在开辟新家园的同时，也锤炼出了可贵的开拓精神和冒险精神。

电影《古墓丽影》中，女探险家劳拉的生活，总是充满着各种凡人不可想象的惊奇与神秘。她能说多种语言，受过严格的格斗训练，无所不能，桀骜不驯，好像生来只为了冒险。在《哈里波特》、《指环王》中也体现了这种精神。

三、永不言败的乐观精神

美国民族性格的形成与美国的环境和历史有着密切的关系，在整个人类历史上，似乎没有哪个民族、哪个国家像美国那样很少经历艰难险阻，那样万事顺利。美国地理环境优越、土地肥沃、资源丰富、国土辽阔，如此优越的自然条件，似乎每一个有进取心和运气好的美国人都可以致富。经验和现实使美国人形成了一种粗犷豪爽、乐观进取的性格。他们似乎从不知道失败、贫困和压迫，他们认为这些不幸不属于他们，对于美国人来说，进步、发展不是什么抽象的概念，而是日常的生活经验。

电影《阿甘正传》是一部关于当代美国的寓言。从智商只有75分、身体有点残障的儿童，到橄榄球健将，到越战英雄，到捕虾大亨，到跑遍美国……阿甘的人生历程实际上折射着美国战后的社会,见证着美国的历史变迁。 在片中阿甘看似“超常”,但作为他性格内核的诚实、善良和坚忍不拔的精神是数百年来美国社会的主流意识所公认的美德,他就是一个“普通”的美国人的代表,每一个观众都能在他身上看到“自己”的影子。影片反映了美国人永不言败的民族性格。

四、对自由与尊严的追求

美国是一个“自我中心主义”观念相当强烈的国家，国民为自己而存在，为自我的实现和尊严而生活。人人都希望成为“上等人”。美国人认为一个人要得到尊严,要实现自我，要使生活有意义，就必须享有思想和行动的自由,否则一切全是空话，这种精神在艺术作品中也有所体现。

电影《勇敢的心》为我们营造了一幅动人的画面：当刽子手逼迫华莱士放下尊严放弃斗争开口求饶时，圆号单调而低缓的旋律营造出了十分压抑沉闷的气氛。当华莱士嘴角挂着微笑，与妻子双目凝视诀别时，那份蔑视死亡的从容与安详，令观众潸然泪下。刽子手的斧头缓缓砍下，一颗英雄的心就此停止跳动。华莱士已经成为追求自由与尊严的民族精神象征。

电影记录着一个民族走过的历史道路。通过剖析现代美国电影,我们论证了这么一个道理:特定的民族具有特定的民族性格，电影是特定民族文化的一面明镜，它折射出了该民族文化的各个方面；任何成功的电影必须植根于特定的民族文化,以引起大众的共鸣。

［参考文献］

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一、周五拓展课：以电影知识的讲解奠定鉴赏的基础

为了让学生搞清电影与小说的区别，笔者先布置七年级学生阅读《动物农场》，阅读完之后，再利用周五的拓展课来观看电影《动物农场》，并要求学生边看边记录，寻找电影和小说对表现人物和表达主题所采用手法的相似点和不同点（细节描摹是两者的共通点，但是手法的呈现方式不同：一个通过特写镜头、画面和背景音乐展现；一个通过神情、动作、语言描写体现）。有了阅读的基础，在学生观看电影时，笔者有意识地在情节的处暂停。如当播放到老少校演讲的时候，让学生通过画面把其神态动作描写出来，然后翻开原作进行对比，找出自己与原作的差距。又如在播放到尖嗓煽动大家反抗雪球时，笔者提供三种背景音乐让学生选择，并探讨原因，以让学生明白音乐在电影中的作用，再通过反复推敲琢磨，了解文字和电影间的联系。通过这堂课的探究，学生基本明白了电影该如何看，明白了镜头、音乐对表现主题的关键作用。

为了让学生在有限的时间内集中了解电影的手法，笔者在第二堂拓展课上推荐了微电影《黑洞》《下一层》给学生看，让他们明白如何来看懂微电影所表达的主题。15～20分钟的影片，让学生在探讨中明白了“象征”手法对主题的作用。同时，笔者继续让学生关注背景音乐，探讨背景音乐对紧张、舒缓气氛的烘托作用。此外，笔者还引导学生探究“典型人物的塑造除关注神态、语言、动作等细节外还需关注服饰、配饰等物件”。

第三堂课，笔者先播放微电影《百花深处》《过山车》，让学生体味人物的表现所隐含的深层寓意。接着播放《地球的那一端》《鸟鸟鸟》，并要求学生关注通过动作来展现心理的表现手法。

通过三次集中讲解，学生了解了电影的一些基本知识。接下来的拓展课，笔者选择《神奇飞书》《彼得与狼》《父亲》等微电影，让学生自由探索，多角度地进行解读，以达到思维的深入。在学生观看电影前，笔者布置任务：分小组从特写镜头的选人、背景音乐的陪衬、画面色彩的选择、动作心理的联合等角度作观看记录，同时探讨电影的主题。

二、周末作业：围绕经典电影设置思考题引导学生思考

为了调剂学生的生活，同时提升学生的语文素养，笔者设置的周末作业就是观看電影，具体做法是：每周由备课组下载好电影，发到班级QQ群，同时布置两三个简单的思考题（只布置两三个简单的题目，目的是引导学生观看），要求学生选择一到两个完成（书面形式），并在周一进行探讨。看电影对学生来说是放松，而思考题的设置又让他们在放松的同时能提升思维能力。几周下来，笔者发现，许多学生为了能在周一的课堂上尽量展现自己，都会在看电影的时候结合之前学到的方法做笔记，而且记得特别详尽。

笔者推荐学生在周末观看的电影如下：

鉴于《动物农场》反映的是苏联的历史，为了加深学生的理解，笔者推荐的第一部电影是美国电影《兵临城下》。这部电影以二战为背景，讲述的是斯大林格勒战役。思考题的设置，一是围绕“特写镜头的意图和人性的优劣”来设置，如探讨康宁格少校抽烟这个特写镜头的意图，政委丹尼洛夫与敌军康宁格少校人性的对比，等等。二是围绕话题展开讨论，如结合瓦西里的表现来探讨“何为英雄”。三是引导学生写人物评析，如写敌对双方的人身上的特质。

推荐的第二部电影是美国电影《穿条纹睡衣的男孩》。这部电影也是有关二战的，放在《兵临城下》之后观看的目的是进一步加深学生的理解。这次围绕关键词来确定思考题：探讨电影中的“温暖”“宣传”“友谊”；探讨“人性”在每个人身上的体现。

同时，笔者还试着出一些小论文题，如结合三部电影，试着探讨“宣传”对人的作用和影响：老上校的宣传，尖嗓的宣传，歌曲《英格兰的牲畜》的宣传，《兵临城下》中政委的宣传，“七戒”的宣传，小不点所创的《拿破仑同志》的宣传，等等。这一系列提示，可以让学生明白宣传的手段以及达成的效果，为小论文的写作做好准备。

思考题还可以通过设计情境来训练学生的发散性思维和思考问题的严谨度，如看完《穿条纹睡衣的男孩》后让学生思考：请你想象一下，小男孩在“纳粹”的教育与洗礼后，才认识那个犹太小男孩的话，会有什么样的结果？这样的思考题，关注的是整部电影的主题以及人物的个性特征，学生要综观全局才能解决。

思考题是学生深入观影的抓手，要想提升学生的表达和鉴赏能力，高质量的思考题至关重要。

三、“群影鉴赏”课：以“同主题”“同国家”电影的对比来提升学生的思维力

当学生有了一定的电影鉴赏能力之后，笔者借鉴“群文阅读”的概念，开设了“群影鉴赏”课，即用一堂课对三部电影进行探究。

如就《动物农场》《兵临城下》《穿条纹睡衣的男孩》这三部电影，引导学生围绕“贯穿三部影片的线索各是什么”“三部影片中都有‘古堡’，这个设计有什么意图”“美与丑在三部电影中的体现”展开探究。

又如以“爱”为主题，选择美国电影《剪刀手爱德华》、中国电影《钢的琴》和法国电影《美女和野兽》，引导学生对比人物选择的差异、塑造人物手段的异同、细节刻画和场面描摹的侧重等。

再如印度电影的对比。印度电影往往选用一个小的切口来体现一个温暖的主题。《地球上的星星》可以让学生明白如何面对所谓的“差生”；《三傻大闹宝莱坞》可以让学生了解“生命不是为了取悦别人，而是为了绽放自己”的主题。《为爱灭亡》《萨拉提的颜色》等电影也是如此。就这些电影，笔者让学生分析主演阿米尔·汗在不同电影中的不同表现，进而延伸到对印度电影特色的探讨。

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    在电影艺术百年历史中,各种流派、观念、方法不断出现,冲击着旧的观念,好莱坞的影片在意识形态、艺术方面也不断遭到批评,但这一切都动摇不了好莱坞电影在国际商业电影市场上相对稳定的地位。电影的艺术性和商业性总是纠结在一起,既矛盾又联合。如果一味追求电影的艺术审美,忽视票房价值,会导致电影发展危机;但一味追求票房价值,忽视电影审美,又会使电影艺术生命枯萎,好莱坞电影是如何调节两者之间关系的,是值得研究和学习的课题。

    一、好莱坞电影的商业化化发展和运作模式

    从1907年,导演弗朗西斯·伯格斯带领他的摄制组来到洛杉矶拍摄《基督山伯爵》,就开始了美国电影业移师好莱坞的大转移。好莱坞迅速的发展步伐使其自诞生后不久就在国际上占据了重要的地位,时至今日已成为世界电影工业的霸主。在全年世界银幕上座率最高的100部影片中美国影片占88部。而好莱坞电影也是目前商业化程度最高,运作最成功的电影营销模式,不仅为好莱坞投资人带来了丰厚的利润,更向全世界输出了美国的文化。

    好莱坞电影的成功源于成熟的商业制作模式。好莱坞在发展中形成了三大制片制度。一,制片人制度。制片人决定影片的投资和动作,从导演直至各部门人员任免,是电影从筹资、生产到销售所有环节的最后决定人。而这一切首要标准就是商业利益。二,明星制度。也是好莱坞征服世界的基础。电影明星成了制片公司的工具或者商标,并且大量吸收外国籍的优秀导演和演员前往美国。制片公司利用观众对电影明星的崇拜创造出一种传奇的气氛。通过签约演员,进而包装明星,培养明星各种技能,创造演员个人崇拜。甚至根据明星演员的自身发展情况来量身订做影片,使演员与影片共同发展,一方面塑造出魅力明星的基础上,同时塑造出魅力电影。两者相互促进,相得益彰。三,分工生产制度。在生产的每一环节和每个部门都建立严格的分工制度。比如一个剧本分成多位作者,从情节,环境,背景,对话,噱头,各个剧本环节分工由专人写作。最后由制片人定夺。这种严密健全的分工制度适应了电影的高效率生产需求境况。

    而从其外部存在形式来看,好莱坞充分探查电影市场现状,包括对世界各国文化形态研究及人们对影片的心理追求,制造出各种符合人们审美趣味的类型片。包括音乐歌舞片,喜剧片,爱情故事片,西部片,黑帮片等。这些类型片相继出现,粉墨登场,形成了一个个电影系列片的潮流,也使电影走上商业化的路子。

    好莱坞电影以其独有的电影模式席卷了全世界,如今它已不仅仅是一个国家的电影制作地,它更上升成了一种电影的经典史话和制作思想,成为全世界的电影制作财富。

    二、好莱坞电影中的文化传播

    1. 电影传播的符号学分析

    1964年,标志着电影符号学问世的《电影:语言还是言语》一书中,作者麦茨认为电影不是为人们提供的现实感知整体的摹写而是内部有着约定性的符号系统。用这个理念分析影片叙事结构,电影是象征性语言,是叙事性的艺术。电影语言具有“象征化”的过程。“影像世界”不再是与生活世界的同一,而是自身构成了一个“意义世界”。通过预先设定符码构成的“意义世界”来叙事,这个世界是由一个个被预先假定的符号和意义规则拼合而成。电影符号创建了新的言语情境,通过一系列符号虚构生活和想象世界的场景,建构一种意义结构。

    电影符号更多的是象征符号的运用,象征性语言符号的大量使用发挥了电影符号强大的相似和指示功能。呈现动态多变的符号世界。人们在接受各种传播符号的同时,其实更多的是因为电影符号牵动了其中的象征意义,好莱坞电影中这样的符号举不胜举,如《拯救大兵瑞恩》中高高飘扬的美国国旗,它象征着人性的光辉和团队精神。象征意义或者称符号媒介的介入使得电影传播在有限的视域内呈现多重意义。使用符号的人直接从他的经验世界中取得意义,即从现实生命世界取得意义,再通过一系列心理过程:范畴化、映射、整合等得到理性指示。从这个角度分析,好莱坞电影正是利用了各种具体的影像符号,将其赋予了美国的文化价值观念意义,从而实现其价值观的渗透。曾获多项奥斯卡大奖的影片《勇敢的心》虽以十二、十三世纪的英格兰与苏格兰之间的战争为背景,男主角威廉姆·华莱士实际上却成为美国精神的一种表征,在他受尽酷刑后拼尽全力喊出的却是“freedom”,全世界的观众在为之震憾不已的同时,很自然的就会把美国宣扬的自由观念与心中理想的英雄形象相联系。

    2. 好莱坞电影中的美国文化。

    文化是人们生活方式、思想观念及其成果的积累和延续。文化的核心是价值观念,价值观作为最深层次的文化,是通过人们的行为取向及对事物态度反映出来的,是驱使人们行为的内部动力。可以根据不同的价值观念区分不同的文化。

    电影是文化的产物也是文化的载体,电影传播文化的方法是隐蔽的潜在的,她把丰富的文化“内置于”艺术作品的叙事情节中,观众通过电影作品的人物形象和故事情节直接感触到的是一种感性的、直观的力量,在这种艺术形象的基本精神图景中感悟、理解出的是关于人性的、道德的、伦理的文化内容。电影也能建构出能够被国民普遍认同的文化核心价值观,进而确立一种大众共同信守的文化秩序。

    美国作为一个典型的基督教国家,“新教精神”作为宗教价值观的集中体现,是美国精神的主体,渗透到美国人生活的方方面面,成为人们日常的道德规范。“新教精神”也作为美国电影文化的一面旗帜,一直贯穿与美国电影的发展历程。比如基督教观点认为上帝创造每一个个体都有其意义,每一个生命无论是高贵还是卑微,都极为宝贵。在很多好莱坞灾难片里拯救地球的不是总统、将军、特工这样的大人物,往往都是意想不到的小人物。1999年新线公司出品的《骇客帝国》是典型的包涵基督教哲学的一部电影,影片充满了各种宗教式和哲学化的隐喻。最终拯救人类命运的“救世主”尼奥,是一个再普通不过的小白领,偶然一次网络结识了神秘人物墨菲斯特,在他带领下,尼奥认识到自己所在的世界是一个由电脑人所控制的虚拟世界,而真实的人类世界正被其压迫濒临灭亡,尼奥选择吞下一种奇特的药丸获得重生进入真实世界,在真实世界中尼奥重新突破自我,学习各种本领,最终在与电脑人的斗争中取得胜利,成功地保护了人类的生存。这一故事结构有很大的隐喻性,象征着《圣经》中耶稣基督道成肉身,作为“救世主”降临在世。2009年罗兰,艾默里奇的《2012》在结构上也是模式化的体现,影片中淹没地球的大洪水,与最后拯救人类的大船让人们自然会想起《创世纪》中代表上帝愤怒的大洪水与挪亚方舟。而片中约翰,库萨克饰演的电影主人公是一个离婚的中年男人,由于经常迟到,与前妻生活在一起的孩子们都不尊重他,事业也不如意,以给有钱人当司机来糊口,但当大灾难来临时他表现出超前的判断力和勇气,最终他不仅拯救了全家人的生命,也拯救了方舟上所有人的生命,成为令人敬仰的英雄,卑微的小人物凭借一己之力拯救了世界。

    由新教精神与资本主义经济体制所融合产生的“个人主义”也是美国文化价值的核心。其主旨是:强嗣人是具有独立精神的个体,应该在政权和宗教之外保持一种人格上的独立与自尊。在文化上强调个人独立性、创造性,强调个人自由发展。

    这种精神表现在电影里,便是美国片中形形的“孤胆英雄”。从50年代起,大量的“个人主义”的英雄人物就出现在美国的西部片中。2003年在美国电影协会(AFI)评选的“美国片十大英雄”中,1962年的影片《杀死一只知更鸟》中的律师阿提克斯,芬奇名列榜首。在这个集合了慈父、好公民和反种族歧视斗士等多重身份的角色身上,普通的美国人可以发现他们心目中的理想和人生守则:勇敢、乐观、正直、坦诚……这正是美国文化中的个人主义独立精神的集中体现。上世纪50年代的电影《正午》中的退休警长,一个以孤独的正义对付邪恶的英雄,用自己执着的行动表明有时正义在少数人手中。影片在美国影响巨大,并且被誉为历届美国总统最爱观看的影片。此外70年代电影《巴顿将军》里的铁血统帅,80年代史泰龙主演的《第一滴血》系列里的特种兵兰博,90年代施瓦辛格主演的《终结者》系列里的未来战士……,都是个人英雄主义的集中体现。1993年罗伯特·泽米吉斯的《阿甘正传》可谓经典之作,被美国观众认为是“美国梦”和“美国精神”的代表。作为一个弱智儿的阿甘凭借着自己的真诚与执着,阴差阳错地成为美国主流社会的成功人士,这样的故事让人们欢欣鼓舞。阿甘这种以小人物经历透视历史的过程,可以说是“上帝预选论”和“个人主义”的经典案例。头脑简单,视金钱如粪土,为爱执着的阿甘被认为是美国人纯真善良与努力精神的写照,令广大观众深爱不已。

    三、好莱坞电影文化传播的特点

    1. 商业利益是文化传播的动力

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对于一个电影制作机构或者一个导演个体来说，无论是创作“艺术电影”或者“商业电影”，似乎都无可厚非。而对于一个国家，尤其是对于正处在艰难发展时期的中国电影来说，单一的张艺谋或者冯小刚，单一的《英雄》或者《天下无贼》，无论它们取得如何辉煌的票房，都无法完成中国电影文化的整体建构，无法在整体上具备与好莱坞电影抗衡的能力，尽管它们对中国电影文化产业的发展实际上有着举足轻重的意义。在全球化语境中，在实施横向区域电影文化合作的同时，只有在纵向上完成多元形态的电影文化建构，才能够促进中国电影良性、有序的发展。

一、电影类型的多元化

多元形态的电影文化建构，首先体现在多层次的电影创作上。所谓多层次，就是既需要作为电影文化产业主体的、以商业票房为创作主旨的类型电影，也需要以探索电影语言、追求个人表达为主导的艺术电影，还需要在艺术个性和商业需求之间寻求平衡的电影。在中国内地，当然还有在创作数量上占据相当份额的主旋律电影。事实上，近年来的主旋律电影已经越来越显示出超越单一教化层面的类型化趋势。任何单一形态的电影类型，都无法建构起完备、有序的电影文化产业，久盛不衰的美国好莱坞电影、全盛时期的香港电影都证明了这一点。只有形成电影类型的多元化、多层次建构，才能形成一个电影文化的有序结构。

好莱坞是类型电影发展最为完备的大众商业文化之都，但即便如此，在百年美国电影史上，仍然会间断地出现一些偏离类型电影轨道，乃至偏离商业需求的电影作品。正是这样一些作品的出现，在实质上也推动着类型电影的发展。通常人们都会把欧洲当成是艺术电影的圣地。二战结束后的现代电影思潮，正是以意大利新现实主义、法国新浪潮和新德国电影作为主要标志的。意大利新现实主义对世界各国电影都产生着影响。半个多世纪之后，意大利新现实主义的叙事风格还在遥远的东方中国找到了回应，张艺谋的《秋菊打官司》、《一个都不能少》都以其纪实风格的追求（包括偷拍手法的运用、非职业演员的采用等）在向新现实主义的前辈们表示敬意，而它们都在意大利的威尼斯国际电影节上获得了最高奖金狮奖。20世纪70年代末80年代初，一些曾在欧美学习电影的香港年轻导演，以新的视角和技巧，差不多同时执导了一些电影语言、影像处理、叙事风格不同于传统电影的作品，包括了严浩的《夜车》，徐克的《蝶变》等，被香港影评界称为“新浪潮”，也即新电影。香港新电影从整体上看更加强调真实性，强调贴近现实，尤其是小人物和社会底层的现实。在制作上勇于尝试新的技术和新的技巧，从而在整体上提高了香港电影的视听质量，但并不是像通常的欧洲新电影那样走极端。新颖的叙事技巧往往与可看性结合在一起，同时还能够产生较好的商业效果。

同样的进程虽然滞后，却也在20世纪80年代中期的中国进行着。以北京电影学院78班作为创作主体的被称为“第五代”的中国新电影从1984年《一个和八个》、《黄土地》的横空出世，到1987年以陈凯歌的《孩子王》、张艺谋的《红高粱》在戛纳和柏林的不同遭际为标志性符号，其作为一个创作思潮持续了大约四五年时间，便走向分化了。陈凯歌、张艺谋、田壮壮、夏钢等导演的创作形态发生了根本性的变化，即从偏重个人表达、电影语言探索，转向更关注观众和市场的电影创作，如从张艺谋的《代号“美洲豹”》、田壮壮的《摇滚青年》的初涉“娱乐片”，到《英雄》、《十面埋伏》、《无极》等“大片”的直击全球市场。与“第五代”有所不同，同样坚持着创作个性的“第六代”在相当长一个时期里都处于地下或者半地下状态。“第六代”作为从“第五代”自然延伸下来的一种称谓，其更多受到关注的是一种“姿态”，而并非作品。当“姿态”一次一次清晰，作品却常常显得有些模糊不清。张元的《绿茶》，王小帅的《青红》，贾樟柯的《世界》等影片终于让“第六代”浮出水面的时候，并没有如张艺谋的“回归”那样取得至少是票房的成功，妥协的结果可能是巨额的票房和在文化上遭遇的指责，也有可能是既丧失曾经有的艺术个性，又无法获得票房的认同。

“第五代”、“第六代”的存在，不但丰富了中国电影的形态，弥补了中国电影史上新电影的匮乏，更有意味的是，他们对电影影像丰富表现力的探索，客观上为后来商业化的电影创作提供了某种基础，而他们中的一部分成为了商业大片创作的中坚力量。而在这些新电影的导演们全面走向分化的时候，田壮壮的《小城之春》，顾长卫的《孔雀》等影片则以艺术的微光为中国电影金字塔型结构的顶端添加着令人振奋的元素。

二、类型电影的多元化

类型是由于题材或者技巧的不同而形成的，类型电影是按照不同类型或者样式制作出来的影片。作为一种影片制作方式，它在好莱坞一直占据着统治地位。毫无疑问，作为电影文化产业的建构，是以多种门类的类型电影共同持续发展为核心的。单一的类型电影，同样是无法建构起强大的电影文化产业的。全盛时期的香港，可能是除好莱坞之外类型电影发展最为齐全的地区之一。香港的类型电影，除了最具世界影响力的以李小龙、成龙为代表的功夫片，吴宇森的枪战/英雄片，还有喜剧片、枭雄片、黑帮片、鬼片、赌片等各种类型。在香港，一部影片的成功，往往会引发拍摄续集或者同类影片的热潮，而这种复制性正是类型电影创作的基本特征之一。

相比较而言，中国内地的类型电影仍然处在起步的阶段。事实上，中国第一批故事长片就有类型电影的特征，“《阎瑞生》是第一部情节长片，《海誓》是爱情片的滥觞，而《红粉骷髅》则成为侦探片的先声。”在百年中国电影史上，某些类型电影的创作，比如武侠片、喜剧片、反特片等，总是因为“不合时宜”而一次次地遭致夭折。比如“武侠神怪片”这样一种类型，早在20年代末30年代初就有过一个兴盛时期，“据不十分精确的统计，1928－1931年间，上海大大小小的约有五十家电影公司，共拍摄了近四百部影片，其中武侠神怪片竟有二百五十部左右，约占全部出品的百分之六十强，由此可见当时武侠神怪片泛滥的程度。”轰动一时的《火烧红莲寺》更是三年间拍了十八集。但其拍摄风潮很快就走向没落了，之后武侠片在港台获得了空前的发展。从20世纪80年代至今，真正在中国内地电影市场上具有号召力的类型电影，基本上还是以武侠为主，从80年代初由《少林寺》带动而出现的《武当》、《少林小子》，到后来的《双旗镇刀客》，一直到21世纪初张艺谋的《英雄》、《十面埋伏》，何平的《天地英雄》，陈凯歌的《无极》，武侠这种类型电影不但是香港电影中最为重要的类型，同时也是中国内地电影转型中最重要的类型电影。李安的《卧虎藏龙》、周星驰的《功夫》的成功，同样印证了这一点。

中国内地类型电影发展中另一块屡试不爽的金字招牌则是冯小刚的贺岁片，从类型角度来说当属喜剧片的范畴。从电影导演处女作《永失我爱》的小试牛刀，到《甲方乙方》进入贺岁片创作，《不见不散》、《没完没了》、《一声叹息》、《大腕》、《手机》、《天下无贼》持续在票房上大获成功，冯小刚成为除张艺谋之外另一个票房保证。事实上，这些影片无论在影像上，还是在叙事上，并非全部都有共同的特性，而其喜剧风格和明星策略，则几乎是其一以贯之的元素，除了《一声叹息》这个不多见的例外。在冯小刚的影片里，男主角是“铁打”的聪明脑袋不长毛的葛优（除了《一声叹息》），冷静中蕴藏着幽默，显示了强大的票房号召力；女主角则是一部一换人，从《甲方乙方》中的刘蓓，到《不见不散》中的徐帆，到《没完没了》中的吴倩莲，到《大腕》中的关之琳，再到《手机》中的范冰冰、徐帆。《天下无贼》更有刘德华、刘若英、傅彪、范伟、冯远征的加盟。明星策略，毫无疑问是类型电影创作不可或缺的，这一点与注重个人表达的“第五代”前期作品构成了巨大的反差。启用大牌明星。这是一种艺术策略，也是一种商业策略。

然而，问题在于，只有张艺谋和冯小刚，只有《英雄》、《十面埋伏》和《天下无贼》，是无法构建起完备的类型电影体系，无法构建起完全意义上的“中国电影文化产业”的，更惘说在整体上与美国好莱坞抗衡。电影作为这样的一种文化艺术样式，它在中国的诞生和发展，始终都无法完全脱离世界电影的整体背景，即使是在相对闭关自守的那个年代也是如此，只不过，这个背景会因为意识形态的原因而有所变化，其姿态上也会有或主动或被动的差异。当历史进入世纪之交，已经很难在全球化的宏观背景中谋求本土电影的完全独立的发展。因此，跟踪世界电影发展的潮流，实施区域间的电影文化合作，不仅是电影文化产业发展的需求，也是电影本身发展的必然要求。与此同时，在中国电影内部完成电影文化的多元化建构，则是保证这种电影文化合作的必要前提，事实上也成为合作的目的之一。

【参考文献】

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