艺术鉴赏过程论文范文

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全国艺术院校院（校）长高峰论坛在经过连续六届的成功举办后，今天又以分论坛的形式移师杭州，并且得到了在座各位专家、学者、领导的大力支持。在此，我代表中国文化传媒集团，向前来参加论坛的仲呈祥先生、董长侠先生、陈汗青先生，以及各位院校长和各位朋友们、同志们表示热烈的欢迎和衷心的感谢！

去年，我和在座的各位一同参加了第六届“全国艺术院校院（校）长高峰论坛”，给我留下了非常深刻而难忘的印象。作为当代有作为的艺术家，应该有一种历史的责任感和使命感，应该敢于担当、善于担当。我们的艺术家要用眼睛去观察，用笔去书写、记录，给历史、给后人留下宝贵的精神和文化财富。我们的作品，无论水平高低，应是对生动的社会现实的记录，它的价值就在这里。百年以后，我们在研究这些作品时，就能够从中得到一些启示，能够对当时所处历史的政治、经济、文化有所体悟。这是我们对历史的贡献。历史上有影响的文学作品，同样都是对当时政治、经济、文化的深刻记录，这是文学作品的价值所在。我们的艺术工作者、文化工作者为什么要“三贴近”？为什么要进行“走转改”？就是要让我们的文化艺术工作者深入的体验生活，反映鲜活的内容，这些鲜活的内容正是人民群众平凡的生活的凝练和积累。我们可以从中吸收营养，成为我们创作的源泉。所以，作为一个艺术工作者和文化工作者，就要善于观察，善于总结，善于提炼，用我们的笔，用我们的眼进行剖析、提升，来反映社会。我们这个论坛、包括杭州发展基地，就是要给各位艺术家搭建一个平台，给大家营造一个宽松的、和谐的、融洽的、开放的氛围，让大家的思想和意识无限奔驰，给大家一个广阔的空间，激发艺术家们的创作灵感，为社会、为人类留下宝贵的财富。正常的文艺批评是允许的，正常的文艺批评是激发我们改进和创作的基础，激发着我们如何深入生活，反映最鲜活的生活当中的精华，是帮助我们提高的一个重要手段。我们提供这样一个环境，就是要吸引大家的参与，大家的参与就是对我们工作的最大支持。对我们艺术工作者来说，责任感和担当非常重要，我希望通过我们的基地，能够有一大批传世佳作，若干年以后，我们这里创作出的作品应该是对国家、对杭州当今政治、经济、文化的反映。希望我们的艺术家能够利用好这个基地，成就艺术创作生涯中辉煌的一段。

党的十六大特别是十七大以来，文化建设的地位和重要性不断凸显。从国家层面来看，文化建设逐渐成为与经济建设同步发展的基本国策，有利于文化蓬勃发展的宏观环境不断得到优化和提升，文化建设在国民经济中所占的比重在逐年提高。从大众层面来看，文化建设所取得的丰富而巨大的成就正在改变着我们的物质生活和精神生活。众所周知，被历代文人誉为“人间天堂”的杭州，原本是长江三角洲经济圈中心城市之一，也是一座全球闻名的旅游城市，近几年来，因为拥有了“天堂硅谷”“动漫之都”等文化名片而享誉全国。杭州在文化建设上出奇制胜，成为国内众多城市学习效仿的对象。一踏进这座城市，你就会发现，这里的老百姓对文化有着一种深厚的感情，衣食住行，无处不在。我想，这才是一座城市真正的魅力所在。如果用我们艺术家的眼光去观察，可能会更加深刻。

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长期以来，音乐鉴赏作为普及艺术教育的主要内容和途径，深受广大美育工作者及在校生的普遍青睐，多年来在学生的美育方面一直起着积极而有效的推动作用。那么如何针对普通学生特点，更有效地渗透音乐鉴赏教育理念，使学生的音乐文化素养和能够更有效地提高呢?根据大学生的音乐欣赏层次和阶段性的主要特征，应从以下三个方面着手。

一、教会学生结合自身的生活经历和思想感受、体会来进行音乐欣赏

就德国著名音乐家贝多芬所创作的钢琴独奏曲《献给爱丽斯》而言，其创作源泉来自于贝多芬自身的一段恋情，音乐家贝多芬将他与自己的学生——美丽少女马尔法之间纯洁、美好的爱情。以及其间所发生的矛盾、冲突和最终和好的爱情历程，写在了五线谱上，并通过音乐这种特有的形式表现了出来，但恰恰是这种生活当中最真实、最普遍、最美好的感情，却被音乐家变成了不朽的乐章：这就足以证明艺术来源于生活，一切艺术创作的源头都是都来自于生活。每一部音乐作品的诞生往往是生活和情感的一种体现、高度升华和凝结。

对于普通的学生，他们当中绝大多数人处于青年时期，这一时期决定了他们具有思想敏锐、情感丰富等显著特点，如果在教授音乐鉴赏课的过程中，能教会学生结合自身的生活经历和思想感受、情感体会来欣赏音乐作品，将会使学生更容易领略和掌握音乐鉴赏的方法，并且达到预期的教学效果。

二、教会学生运用“通感”的方法进行音乐欣赏

“通感”是指性质和形式完全不同的两种事物所给人的相同的感受。在著名散文家朱自清的散文《荷塘月色》中曾有过这样的一段话：“塘中的月色并不均匀，但光与影有着和谐的影子，如梵婀玲上奏着的名曲”。这里的“月光”与“影”同“梵婀玲”上奏着“名曲”看似毫无相似之处，可细细体味它们之间那种美妙、宁静、轻灵、飘渺、谐和的感觉是相同的。在音乐欣赏的过程中，我们可以教会学生运用这种“通感”。结合音乐主题，再结合自身的一种感受，进行音乐鉴赏将更有益于音乐欣赏课的授课效果。这就是音乐鉴赏当中的“通感”。即视觉与听觉之间的一种通感，如果将这种“通感”运用到音乐鉴赏的讲解过程当中，会使学生很容易从作品当中体会一种来自于身边的切身的感受，对于音乐欣赏课的讲解是非常有帮助的。

对于普通学生而言，他们的理解能力强、知觉丰富，如果在音乐鉴赏课当中适当地将“通感”的方法运用到其中，将会提高音乐赏析课的授课效果。

另外，我们还应当告诉学生音乐语言不同于我们日常生活当中所接触的说话的语言，音乐语言所表达的喜怒哀乐，完全是利用音乐所特有的音的特征来表达的，当音乐所带给人的感受和人类内心对某件事物的切身的感受产生共鸣时，我们认为我们所说的“通感”产生了，有了这样的通感，我们就很容易与作曲家跨越时空产生共鸣，更好地理解到作曲家的创作意图，音乐鉴赏课也自然会达到一定好的效果。

三、在音乐欣赏讲授过程中应当运用的三个“过渡”

对于普通的学生，由于音乐基础相对薄弱，但理解能力强所以在对他们讲解音乐鉴赏课时，应力求做到深入浅出，由浅到深、逐步过渡，根据这一原则，笔者总结归纳出了三个过渡。 转贴于

1、由声乐曲过渡到器乐曲

在音乐欣赏过程中，最易于欣赏和接受的莫过于声乐作品了。因为声乐作品结构简单，有歌词，并且歌词的内容，与旋律所要表达的情绪，基本上是相一致的，所以在教授音乐欣赏课时，应当首先由讲解声乐作品入手。不仅是因为声乐作品易于欣赏，更主要的是要让学生通过对有歌词的音乐的欣赏，了解音乐的表现、发展、和欣赏的规律，更准确地理解音乐所要表达的含义，从而逐步过渡到器乐作品的欣赏。在讲解声乐作品时，首先应让学生了解作品词、曲作者的生平，了解作品的创作背景，歌词的含义。通过举例和讲解。让学生了解和掌握音乐旋律发展的特征，并锻炼学生在脱离掉歌词的基础上，依然能够欣赏歌曲的旋律，通过旋律进一步理解音乐。这样的过渡会使学生在进入到器乐作品欣赏部分时不致感到不知所云或无所适从。

2、由民间音乐欣赏过渡到西方音乐欣赏

每一个民族都有本民族自己的语言。虽然人们常说音乐是人类共同的语言。但每一个民族都有本民族的审美习性，音乐作为一种民族特有文化。有时会像血液一样融入到人的身体里，它甚至是根深蒂固，与生俱来的。比如说每每播放二胡独奏曲《二泉映月》，民族器乐合奏曲《春江花月夜》，小提琴协奏曲《梁山伯与祝英台》等，对于很多学生而言，都是耳熟能详的民族乐曲，如果在音乐欣赏的过程中，我们能首先将这些作品按照一定的顺序依次介绍给学生，会使学生感觉亲切、更容易理解和接受音乐作品欣赏，尤其是在讲解作品结构时。学生较之就更容易理解，在此基础上再逐步过渡到西方音乐，比如说《命运交响曲》、《蓝色多瑙河》、《仲夏月之梦》等等，这样会使学生对于音乐语言有一个逐步适应的过程，从而能够进一步吸引学生的鉴赏兴趣。

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【中图分类号】G 【文献标识码】A

【文章编号】0450-9889（2016）08C-0174-03

一、问题的提出

对个体而言，艺术教育是生命早期发展的主要动力，是全面提升个体素质与能力的重要途径；对社会而言，艺术是人类社会前进的剂和奠基石。随着素质教育的全面推进，艺术教育在素质教育中的功效及作用越来越受到高校的普遍关注。而医学生的人文艺术教育，也成为近年来的一个热点和亟待有所突破的领域。从医学行业的特征上来说，这个行业不仅是自然科学的重要组成部分，更是社会功能的重要组成部分。在现代社会，医生被看作是与律师、经济学家、教师等职业并列的社会精英角色。而从现代文明构成的角度上看，医乃仁术，没有人文的科学是残缺的科学；没有科学的人文是残缺的人文。这就要求，医学从业者必须具备一定的人文艺术素养，以更好地扮演自己的社会角色。因此，医学院校在开展世态教育的研究与实践中，就应当以艺术教育作为文化教育的突破口，实施科学、艺术的交汇与融合，使学生逐渐从医学长期被认定为自然科学的片面认识中走出来，明确医学兼具自然科学和人文科学的两种性质，补充并具备良好的人文艺术素养。

在人文艺术领域中，舞蹈作为“艺术之母”，从人类原始时期的祭祀、求偶、邦交等功能演变至今的具有健身、教育、娱乐并集音乐、肢体语言、服饰、风格、舞美于一体的综合艺术形式，具有特殊的育人价值。舞蹈鉴赏的最高境界是对于生命的孕育、人类的发展、历史的演变（最高境界的理解）、人格培养和完善给予人文艺术的外化，通过舞蹈艺术鉴赏课来提高医学生的人文素质，有着不可忽视（特殊的）育人价值。更何况，舞蹈与医学并非两个领域的平行线，两者既有历史渊源的交织，亦有实操融合的价值。而目前，部分医学类院校选修课程虽设置了舞蹈鉴赏课，但还未能引起足够的重视，也缺乏符合医学生特点的修养体系。本文从医学专业学生的学科特殊性出发，结合其他综合性院校的舞蹈艺术鉴赏课开展情况从中探讨舞蹈艺术鉴赏课针对医学生开设的意义及其教学方法。

二、舞蹈和医学的历史渊源和内在关联

（一）舞蹈和医学相融合的历史渊源。舞蹈是一种深刻的形体文化，由古至今，人类用舞蹈进行宗教祭祀、国家典礼、传承文化；医学则是对生命终极关怀和追问的科学，随着人类文明的发展，医学在存续人类生命、探究生命奥义的各个领域飞速前进。舞蹈和医学，两项文明传承的精髓，虽一直伴随人类发展，却似乎是两条平行线，从未交织。然而事实上，舞蹈和医学有着很深的历史渊源。早在大禹治水时期，为了治疗风湿疾病，大禹所创的禹步一方面起着治疗病痛的功效，另一方面，其依北斗七星排列的位置而行步转折的步伐，在后期也成为道士在祷神仪礼中常用的一种步法动作，对舞蹈的发展提供了至关重要的历史依据。东汉末年的神医华佗，模仿五种动物的形体动作，创造了“五禽戏”，可算是古代的“保健操”，当然也是一种舞蹈。发源于古印度的瑜伽之术，在现代不仅是一种舞蹈形式和艺术修养项目，更是公认的在医学意义上有利于健康的保健操。上世纪九十年代初，国际医学界正式承认“舞蹈疗病法”，算是对医学和舞蹈之间关联的一种认定。

（二）舞蹈和医学内在关联的社会背景。当然，以上探讨的是舞蹈与生俱来的健身功效（对于治疗的意义），那么加强舞蹈这种人文性质的艺术修养对于医者本身，又是否有现实意义呢？广东省人民医院副院长，广东省肺癌研究所所长，广东省肿瘤防治中心主任，中山大学肿瘤学教授，博士生导师，国务院政府特殊津贴获得者，人称“医侠”的吴一龙曾说：“医乃仁术，没有人文的科学是残缺的科学；没有科学的人文是残缺的人文。”一位顶尖的“圣手”对医者的人文艺术修养如此看重，可见，无论文学、音乐、舞蹈、书法等艺术，都是跟科学领域相关联的。尤其在当代社会，面对患者形成的医学行业体系，不仅仅是技术和科研体系，更是一种社会保障体系，是支撑现代文明的基础社会功能。因此，医者具备舞蹈等现代人文艺术素养，也是医者群体提升医患关系和谐度、塑造行业美誉度的重要条件。

三、面向医学专业学生开设舞蹈艺术鉴赏课的现实意义

（一）在国家政策方针层面上有导向和要求。教育部办公厅《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》中明确指出：“通过鉴赏艺术作品、学习艺术理论、参加艺术活动等，树立正确的审美观念，培养高雅的审美品位，提高人文素养；了解、吸纳中外优秀艺术成果，理解并尊重多元文化；发展形象思维，培养创新精神和实践能力，提高感受美、表现美、鉴赏美、创造美的能力，促进德智体美全面和谐发展。”而舞蹈鉴赏课程是教育部下发的《全国普通高等学校公共艺术课程指导方案》中规定的8门限定性选修课之一。

（二）是现代医学模式转变的需要。现代医学更加关注人，更加关注人的生命状态和生活质量，医学比任何别的学科更强调人文关怀，以人为本，因为服务于人是医学的最终价值目标。因此，医学院校需要培养医学生良好的人文素养―― 关注人、理解人、尊重人、热爱生命，这就要我们在新形势下找到能使医学生更易于接受的教育方式。舞蹈艺术通过肢体语言来表达情感，鉴赏者除了能直接感受到舞蹈艺术的美之外，还能自觉地在脑海展开舞蹈画面所带来的丰富想象，直接与心灵进行沟通与交流，从而达到心灵的共鸣。钱学森先生说了这样一句话：“应该让学科学的（人）学点艺术，一个有科学创新能力的人，应该有艺术修养。”舞蹈艺术教育对人的全面发展起着不可忽视的促进作用，它可以培养人的高尚的审美观和审美情趣，而且可以通过审美教育塑造完美的健康人格。笔者认为，开设舞蹈艺术鉴赏课程，对提高医学生的整体素质，对将来在工作岗位中提高服务质量，实现以病人为中心的整体服务，是现代医学模式转变的需要。

（三）是构建和谐医患关系的修养途径之一。医患关系是当今最为敏感的几种社会关系之一。医患关系一定程度上的紧张，既有整个医疗卫生体制建设缺陷的原因，也与医患关系当中的主动方―― 医护从业者的素养有关。从医患沟通的角度出发，医者不应当仅仅是个严谨刻板的唯物主义者，更应有对患者的生命关怀和情感关照。但如果缺乏一定的人文素养，医者必定在这方面有所欠缺，也不能很好地释放自己的压力。舞蹈作为释放身心、用肢体创造沟通空间的一种艺术形式，对医护从业者增强感性思维和同理心，从而对患者形成更深切地关照，有着良好的促进作用。

（四）有利于提升医学生的综合素质。具体如下：

1.有利于医学生道德情操的培养。所谓医者仁心，仁即道德情操，医术可以在实践中提高，但医学生在三观形成时期的大学阶段，未能树立一定高度的道德情操，则很难在职业生涯中形成对拯救生命的高度责任感。舞蹈在培养人的高尚情感及审美趣味方面有突出作用，舞蹈的综合性能让学生有更多的艺术体验，健康的舞蹈作品能够触及学生的心灵深处，陶冶学生的情操，使学生的素质得到更全面的提高。医学生通过舞蹈鉴赏课程的学习，感受舞蹈演员表现的喜与怒、哀与乐，塑造不同的音乐形象，表现不同的情绪，情感在优美的舞姿中得到放松，在舞蹈音乐中得到升华。尤其重要的是，让学生在参与表演舞蹈的课堂练习过程中，从舞蹈艺术的真、善、 美，升华到对生命感悟的真、善、美，树立起人文情怀。

2.有利于提高医学生的文化素质。爱因斯坦曾经说过：“只用专业知识教育人是不够的。通过专业教育，他可以成为一个有用的机器，但不能成为一个和谐发展的人，要使学生对价值有所理解并且产生热烈的情感，那是最基本的。他必须获得对美和道德的善，有鲜明的辨别力。否则，他连同他的专业知识，就更像是一只受到过很好训练的狗，而不像一个和谐发展的人。”

舞蹈艺术是一种空间性、时间性和综合性的动态造型艺术。在舞蹈活动中，一般都要有音乐的伴奏，要穿特定的服装、有的舞蹈还要手持各种道具，如果是在舞台上表演，灯光和布景也是必不缺少的。医学生通过欣赏舞蹈作品，透过一个个生动的舞蹈形象了解舞蹈作品的创作背景，文学背景，民族精神和情感通过肢体的抒发方式，从中获得大量课外的知识信息和人文知识。特别是各个民族独具特色舞蹈表现方式给医学生带来了全新的视觉冲击和感受，既可以满足他们欣赏美和感受美的心理需求，又可以激发他们寻找美、创造美的欲望。

3.有利于提升医学生的形象思维、想象力。医学生作为理科学生，在科学严谨方面的训练非常系统，但在文学、艺术等方面的修养相对于文科学生要弱。这一劣势看似对职业生涯影响不大，但整体而言，会影响医学从业者的想象力―― 医学和与之关联的生命科学领域，一直如同我们探索的宇宙般浩瀚无垠，对生命秘密的探索不仅需要大量实践，更需要大胆的设想和丰富的想象力。最经典的例子，莫过于爱因斯坦，他对于世界的改变，基础虽然是天才的演算，但原动力却是宇宙级的宏伟想象。医学跟所有学科一样不是停止不前的，每一次科技的更新都离不开创造者扎实的学术知识和活跃的创新思维，在舞蹈艺术作品的鉴赏过程中，医学生可以发挥感悟力和想象力、在舞蹈创作的参与过程中，可以提高创造力和形成不断获取新观念的能力，为医学生的成才奠定良好的基础。

4.有利于医学生强健体质，塑造美的职业形象。舞蹈是一种人体动作的艺术，通过参与舞蹈形体训练还有助于强身健体，甚至可以医治疾病。舞蹈对形体的训练不仅能培养学生健美的身体姿态、动作的协调性、节奏感，而且还可以通过舞蹈抒发和表达感情，提升个人气质和外在美感，调节个人的情绪，使其在艺术修养和气质上得到提高和加强。例如时下风行的各种广场舞、健身操、瑜伽训练等等，不仅仅在运动医学意义上有助于健康，更带来时尚、阳光的正能量体验，这也是医学生从身体健康到心理健康、提升职业抗压能力的一种良好方式。

参与舞蹈实践活动和技能训练，对培养学生的观察能力、控制能力，身体各器官协调能力、动手能力、记忆具有明显的帮助作用。舞蹈技能训练对于护理专业学生更灵活的掌握护理技能操作，培养严谨科学思维和创新性结合有很大促进。学生在舞蹈中对音乐、动作、队形、画面感的统一协调不仅能提高学生的协作意识、团队意识和沟通能力，对创造性思维的发展和创新能力的提高同样具有良好的促进作用。这种求新求变的精神正是当今医学生所迫切需要的。

由于医学院校学生专业的特殊性，对在医学院校所担任舞蹈赏析课的任课教师也有着特殊的要求，任课教师的专业知识积累量、教学能力、教学方法及将会直接影响到课堂教学效果。在长期的教学实践中，我对医学院校舞蹈鉴赏教学有了初步的探讨。

四、医学院校舞蹈艺术鉴赏的教学方法

（一）选择适宜的舞蹈作品，引导学生鉴赏和感受作品的魅力。针对舞蹈基础差，甚至是没有舞蹈基础的医学生，在教材的选择上，不能一味地使用艺术院校的专业教材，可按舞蹈发展史中各阶段的形成特点、舞蹈表演形式、以及提炼优秀舞蹈作品中的人物形象来选择风格鲜明、具有时代意义以及符合当代学生流行审美趋势的并容易引发学生共鸣的作品。

（二）在授课过程中，可分为认识、分析、阐述三个部分。通过认识创作背景、分析作品结构、阐述自身观点层层递进的三个学习方法，让教师从单一的灌输性教学上升至讨论式教学，让学从被动学习转变为主动参与。同时，在鉴赏作品过程中渗透美育教育，引导学生感受舞蹈演员的肢体美、线条美以及从中了解一个优秀舞蹈演员为艺术作品做到的“台上一分钟，台下十年功”辛勤付出，让学生在鉴赏过程中发现美，感受美、进而培养自己追求美、创造美的能力，提高鉴赏水平和审美水平。

（三）寓教于乐，快乐学习，逐渐理解和体会作品的创作背景和内涵。在教学中设计了模仿展示环节，在舞蹈形成的初期，各类舞蹈也是从模仿而来的，例如原始时期祖先们为了狩猎模而仿动物体态；各个部落为了人丁兴盛以模仿图腾而舞，民间舞中的傣族舞、壮族舞都具有典型的图腾形象。在鉴赏戏曲舞蹈时，可让学生来模仿其中的舞蹈角色，不仅使课程更生动，也使学生对欣赏曲目有更深刻的记忆和理解。同时，让学生参与课堂，给出音乐，由学生根据自己对音乐的理解确定主题，用动作表现音乐，增加学生的自我展示能力。对于护理专业的学生，处理掌握扎实的专业知识，还需要掌握娴熟的护理操作技能，在技能操作过程中，要求科学、规范、严谨的同时，对护理人员动作的流畅、娴熟以及美感也提出了新要求。护理是科学与艺术的结合，护理工作人员在给患者提供服务的过程中，同样展现着职业的形象美，因此对护理专业的学生教授舞蹈鉴赏课时，还应注重培养学生的肢体表现力，在让学生从有认识美的意识逐步提升到有表现美的能力。

（四）启发思考，升华思想，有所感悟。开设舞蹈鉴赏课的目的就是为了提高学生的综合素质、陶冶情操，因此在欣赏作品之后，要对作品的内容结合自身实际进行概括，使学生在欣赏优秀舞蹈作品之余，能引导学生树立正确的人生观、价值观，对引发对于人生的思考，从而得到人格的提升。

作为拥有医学专业的综合性大学，对于医学生的培养，应以培养优秀的医务工作者为首要目标，以医学专业学生的人文素质培养为重要途径。在医学院校设置舞蹈鉴赏课的核心目的便是为完善学生的知识结构搭建良好的平台，为提高学生人文修养、综合素质提供科学、合理的信息渠道。总之，在医学专业学生中开设舞蹈赏析课程，要从医学生的实际出发，以学生的知识结构和年龄特点来规划课程设置，在教学内容上提炼出即达到人文艺术熏陶又符合学生喜好的舞蹈作品和鉴赏方法。

【参考文献】

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[5]涂频.浅谈普通高校《舞蹈鉴赏》教学的必要性[J].黑龙江科技信息，2011（3）

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高职院校的大学生不但要掌握好基本专业性知识、专业性技能，更要有高尚的道德情操和人文素养，《文学鉴赏》注重的就是学生的道德情操的熏陶和人文素养的培养，它的作用是其他学科所不能代替的，大学生的人文素养越高，专业技能就能够更好地发挥出来，所以文学鉴赏是一种人文素养的培养，是一种自身能力发展的培养，探求大学生的自身素养能力的发展是高职高专教育教学中的核心问题，以学生的能力发展为本是高职高专教学的主要目标，以学生的能力的培养为本的思想是现代教育所强调的主要理念。因此培养学生的自身素养能力是我们一直努力的方向。

目前，文学鉴赏课的教学：人文精神的培养停留在形式上、而不重注学生的能力的培养、一言以蔽之，人文价值、人文底蕴流失、背离了文学鉴赏本身的规律。教学中不能从实际出发，从提高学生的学习能力入手，极大地妨碍了学生文学鉴赏能力的形成和发展，同时教学观念陈旧，教学方式呆板，多数高职高专教师的教学模式是“以教材为中心”“以理论知识为中心”“以教师为中心”，教学方法基本是“以讲为主”，而对比较先进的新教学方法则知之甚少。这样的教学模式从根本上剥夺了学生在课堂上主动的权利和机会，极大地妨碍了学生语文能力的形成和发展，怎样才能培养、发展学生的鉴赏能力是我们主要研究的课题，本文从四个方面进行了探讨。

一、明确《文学鉴赏课》的重要性

《国家中长期教育改革和发展规划纲要（2010-2020）》中提到要大力发展职业教育。职业教育要求面向人人、面向社会，着力培养学生的职业道德、职业技能和就业创业能力。高职学院注重对学生职业技术与岗位技能的培养，往往忽视了对学生的人文精神教育和人文素质的培养，造成这样局面的因素是多方面的：一是社会因素，当今的时代是一个经济发展的时代，重视的是科学技术，文学意识在人们的心目中已经渐渐的疏远，一方面是教育因素，学生来到高等职业院校后，学院重视专业课程的培养，强调专业课的实用性，不重视基础课，这种高职教育的特殊性，影响很大，造成很多学生重理轻文，厚专业而薄基础，学生对文学鉴赏课同样也不重视。所以一定要明确开设这门课程的重要性。一个合格职业学院的毕业生，不仅要有扎实的专业知识、专业技能，更应该具有健全的人文素养、人文情操，这是文学鉴赏所能够达到的教学目标。

二、激发学生的学习兴趣

兴趣是推动学习的内在力量，学生的学习兴趣是学习的强大动力。

孔子曾经说过：“知之者不如好之者，好之者不如乐之者”，如果学生对学习没有浓厚的兴趣，就会视学习为苦事。兴趣对学习者来说如此重要，那么在《文学鉴赏》教学中怎样培养学生的学习兴趣，首先教师要培养学生的阅读兴趣，阅读是培养学生兴趣的基础，在阅读兴趣的基础上再培养学生理解、欣赏、揣摩的兴趣，只有阅读，学生对文学作品才有的感知、感受，才能从理性认识上升到感性认识，培养学生的理性认识是教学的根本，是培养学生能力的根本，多数教师在引导鉴赏文学作品时，往往就停留在文学作品的感性层面上，而对于作品的深层意蕴，往往没有上升到理性认识层面上。

三、培养学生审美能力

文学鉴赏是一种审美的认识活动。培养学生文学鉴赏能力首先就要培养学生的文学审美能力，学生的审美能力是语文教学的一个重要组成部分。那么，如何培养学生的审美能力。

1. 审美文学作品的形象性

文学作品的最基本的特性，是用生动具体的形象来反映社会现实生活的。在文学作品的创作过程中 ，作家始终进行的是形象思维的活动，在创造过程中作家运用了各种艺术手段把从生活中得到的大量感性材料熔到艺术形象之中，创作出感性的客观形象和感性的主观形象。指导学生感悟形象，从形象中体会出艺术的美。

2. 审美文学作品的感情性

无论什么体材的文学作品都包含着作者的思想感情，情感性是文学作品的生命，无论诗歌、散文，还是小说、戏剧都离不开情感这个线索，文学作品是以感情为线索组织材料的，文学作品的情感性是熔铸在文学作品形象之中的，没有文学作品的形象塑造，也就没有文学作品的感情之源，鉴赏文学作品的形象之时也就体味到了文学作品的情感性。

3. 审美文学作品的虚构性

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1、文学创造中的想象

历来的文学家、艺术家、批评家都十分强调想象与文艺创作的关系。黑格尔认为:“最杰出的艺术本领就是想象”。别林斯基说:“在文艺中起最积极和主导作用的是想象。”翻高尔基也曾指出:“想象是创造形象的文学技巧的最重要的手法之一。翻具体来说,想象就是人脑把客观的形象记忆下来.再重新组合成新的形象。

想象是文学写作过程中一个必不可少的心理行为文学写作一个很重要的特征就是它的虚拟性。它与实用写作不同.不是照搬生活,不是如实传达人们的生活行为.文学创作的整个过程就是一个运用语言文字符号进行形象的组合、再现的过程.虽然其具体过程很复杂,还会运用意识等心理手段,往往还要经过反复的修改、更正、改善,但它离不开想象的辅助作用,所以,文学语言是想象的符号文学写作必须通过写作主体的主观情感去选择、提炼、加工、重新改造生活,把生活变为自己的心灵产物、情感的产物。也就是说.所有文学作品中的生活画面、人物形象、情节故事都是作者虚拟的结果。而虚拟,是必须依靠想象的.因此,想象、联想等心理能力就必然要在文学写作过程中发生作用。

对于创作主体来说.一切艺术发现都要通过形象表现出来。当创作者在营构形象的时候.想象就开始发生作用了,跳跃腾挪,轻舞飞扬,陆机的《文赋》中说:“其始也,皆收视反听,耽思旁讯,精骛八极,心游万仞。其致也,情瞳咙而弥鲜,物昭晰而互进。倾群言之沥液.漱六艺之芳润。浮天渊以安流,濯下泉而潜浸。于是沉醉怫悦,若游鱼衔钩而出重渊之深;浮藻联翩.若翰鸟缨缴而坠曾云之峻。收百世之阙文,采千载之遗韵.谢朝华于已披,启夕秀于未振。观古今于须臾,抚四海于一瞬。”刘勰在《文心雕龙.神思》篇中说:“形在江海之上,心存魏阙之下”,“寂然凝虑,思接千载,悄然动容,视通万里”,“吟咏之间,吐纳珠玉之声,眉睫之前,卷舒风云之色”.从而把创作者的艺术感觉和艺术发现转化为能被读者感知的视觉形象和听觉形象。很多创作者在完成文学作品之前,就已经在大脑中构思了,就是说,创作者借助想象设计未来的作品。在小说的创作上.小说中形象的塑造和作品中形象的塑造和作品中由这些形象所构成的形象体系在某种程度上就决定着作品的成功.而想象又是创作者创作构思的主要方式.所以想象对整个作品的形象和形象体系的雏形的孕育起着“设计师”的作用。鲁迅先生写作《阿Q正传》的情况就是突出的例子,他说:“阿Q的影象.在我的心目中似乎确已有了好几年了”。

想象可以弥补创作者实际经验的不足。众所周知.文学作品并不一定是创作者的真实写照.文学作品在很大程度上是虚拟的.甚至可以说是虚假的其中很多成分就是经过作者的构思、想象而来的。例如《聊斋志异》中的狐鬼世界,蒲松龄并不是亲眼所见.而是对社会现实有感,在对现实反映的基础上运用想象构建出来的.创作者利用想象之力把读者带到了人不能到达的世界.也给读者足够的想象空间。如果没有想象的翅膀.今天的我们是无法见到如此丰富多彩的文学的。

阅读文学作品和创作文学作品是不同的.它们的宏观步骤是相逆的创作者如何运用想象来创作文学作品会对读者在阅读时如何展开想象有着非常有力的影响。创作者将思想和情感深藏于语言文字背后.读者就要充分地利用自己的阅读能力、展开想象力.挖掘这些深层的意义:相反.如果创作者要表达的意思并不处于文学语言的深层.读者就可以利用想象和其它鉴赏手段较为轻松地领会。诗歌是想象的艺术,它的语言是高度想象性的语言.叙事性的历史史诗能把栩栩如生的历史场景呈现给读者.蕴意深远的现代新诗能通过文字给读者心灵深处的震撼,所有这些都是要依靠想象的作用的。中国古代诗歌的意境就是依靠诗人们的想象而成的.倘若没有想象,读者无法通过诗歌中的艺术形象受到情绪上的感染,没有诗人丰富情感的渗人以及广阔心理时空的神游,这些诗句的美感是无法产生的。没有想象,就只剩下裸的语言文字符号,文学作品就缺少必要的张力、活力,不仅鲜活的文学形象无法获得.作品中深刻的思想蕴涵也就无从谈起,就更谈不上文学作品的美了。

文学的创作过程.实际上是创作主体发挥想象力酝酿的心理过程创作主体运用想象力的好坏关系到作品的优劣。想象为创作主体的情感、思想提供载体与展现形式.同时为审美情感所推动.使作家从创作中的自我与此时此地的现实生活中分离出来,而进入物我同化的世界。除此之外.在文学的创造过程中.作家从生活经验中获得众多表象,以静态的方式储存在头脑中。但是,在艺术创造过程中.作家在审美情感作用下.通过想象.使头脑中这种静态式的表象转化为动态式的表象。

想象力对于文学创作的作用往往是综合地发挥着作用,想象力作用于创作的方式是多种多样的。任何文学创作主体都不能忽视、低估想象力对文学创作的作用。文学的创作是离不开想象的.这是人类文学创作发展史上的一个公理。

2、文学鉴赏中的想象

尽管文学鉴赏的方法和途径有很多.但是能最大限度地发挥鉴赏者的再创造能力的心理机能是想象。“想象是一种在观念形态上再造或创造现实表象和形象的心理能力”.想象在心理学上称为“特殊形式的思维活动”,它可以使人“能够根据别人口头或文字的描述在头脑中产生没有感知过的事物的形象”。

康德就认为:“鉴赏是与想象力的自由合规律性相关的对一个对象的评判能力”“想象力可以自得地合目的地与之游戏的东西对于我们是永久常新的.人们对它的观看不会感到厌倦”。可见.想象力对于文学鉴赏的作用也是十分重要的。

想象力帮助鉴赏者将作品中的语言文字符号转化为可以感知的形象。夏丐尊和叶圣陶在《文心》中曾说:“作者把经验或想象所得的具体事物翻译成白纸上的黑字.我们读者却要倒翻过去.把自纸上黑字依旧翻成具体的事物.这工作完全要靠想象来帮助……想象是鉴赏的重要条件.想象力不发达.鉴赏力也无法使之发达的。”不论是欣赏小说还是欣赏诗歌、散文.都必须将文字符号首先转化为具体形象.想象力就担当了转换者的角色。

接受美学学者英伽登认为,文艺作品形象体系仅仅构成一个模糊的图式框架.其中有许多不确定的空白处等待读者去填补、充实、丰富、深化,甚至“重建”。在文学鉴赏中.想象担负着通过作品的语言再现审美意象和创造新的意象的重要任务。鉴赏者鉴赏作品的再创造性想象是具体、不同的.所以就导致了“有一千个观众就有一千个哈姆雷特”.“每个人心中都有自己的林妹妹”的现象如前所言,鉴赏和创作是两个相逆的程序。创作大体上说是将情感、意义负载在文学形象上的,鉴赏则是运用想象.从文学形象来领悟意义的。鉴赏中想象力的作用方式是一个由“形”到“神”的逐步的想象力再创造的过程.当然.这种想象的再创造具有充分的自由和广阔的空间,就是“使有限的艺术形象在欣赏者面前展开着有感觉的有限性通向形象的广阔性的道路”,“如果没有欣赏者的想象来充实和扩展形象诉 诸感觉的有限性那么无论哪一种艺术形象都将失去它那广阔、深人反映生活的可能”。想象力对于文学作品的再创造鉴赏是文学作品的生命。

创作主体将自己的情感、感受、意义藏于文学作品的语言文字中,想象力将这些符号转化为具体的形象,这对于读者领会其中的内容是十分有利的。不仅如此,鉴赏者的积极想象,还有助于发现、补充、发展作品的内在意蕴。当鉴赏者丰富、发展作品意蕴的时候,也是深刻领会了作品意味的时候。换句话说,文学作品的鉴赏者不是也不应该一味被动地接受文学作品的精神内容,而是在鉴赏作品的同时能动地、自发地发掘更多的精神内容,以此填补作品形象结构中的空白部分这也是再创造性鉴赏的一部分。

文学鉴赏对创作是有一定影响的。创作主体在创作作品的时候不能不考虑到鉴赏主体对它的反应,那么.文艺作品的形象构造必定要顾及鉴赏者的因素.这就造成了对创作的反作用了。鉴赏的心理机制中,想象是不可缺少的一个环节鉴赏者如何想象就不能不是决定创作主体如何创作的重要因素之一了。在市场经济的时代,大众文化的消费取向决定了文化生产的重点.文本的创作亦是这样。

想象还是文学鉴赏中发生情感共鸣不可缺少的条件文学欣赏在一定程度上就是一种情感交流的活动,共鸣发生的基础是作品中表达的思想感情与欣赏者的思想感情在某些方面的一致或类似。诚如此言:“艺术就是这样一种人类活动:一个人用某种外在的标志有意识地把自己体验过的感情传达给别人而别人也为这种感情所感染.也体验到这些感情。”但是仅仅如此是不够的。鉴赏者必须借助想象进人作者的世界,与作者同思同感,才能体会到作者倾注在形象画面中的思想情绪。无论欣赏者的主观条件如何.即使在情感上与作品有了共通之处,没有想象力的帮助.共鸣还是不能产生的。

总而言之.文学鉴赏是不能没有想象的。

3、结语

篇6

美术鉴赏包含鉴别与欣赏，在美术鉴赏中，人们总是自觉或不自觉地根据一定的审美理想、审美标准、审美趣味，从作品中获得对于艺术形象的具体感受和体验，展开联想和想像，并伴随一系列的情感反应，从而对作品作出某种审美评价，得到某种精神上的满足，即审美享受，因此，美术鉴赏在具体要求上，比美术欣赏要更高一些，是在义务教育阶段美术课程中“欣赏 评述”学习领域的基础上更高层次的拓展与延伸。也就是说，教师要通过美术鉴赏内容系列的教学，使学生们不仅能欣赏一些古今中外的美术作品，同时也能运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象。

当课程由专制走向民主，由封闭走向开放，教学被看成是师生交往，积极互动，共同发展的过程。在这一过程中，教师与学生将分享彼此的知识和经验，交流彼此的感受和体验。我认为，教师的角色可以做出相应的转变。教师不再是知识的传播者和管理者，而是学生发展的促进者和引导者。教师由教学中的主角转向"平等中的首席"。教师要引导学生寻找，收集和利用学习资源，营造开放式的课堂气氛。让学生始终在课堂上处于一种积极的，活泼的，兴奋的状态。引导学生围绕问题的核心进行探索和讨论，建立和谐，民主，平等的师生关系。引导学生分享彼此的思想成果，并重新审视自己的想的下一代。作为一名美术教师首先就要提高自身的艺术素养，要通过阅读美术理论、美术史、美学等方面的理论著作或学术论文，提高对美术学科的认识，如：“什么是美术”这个具有探索性的问题，就要通过查找资料，阅读文献，找到“美术”这个词演变的轨迹，并综合有名学者的观点，再加上自己的理解，就可以对“美术”一词作出自己的解释了。从多种渠道接受美术信息。高中美术教师应该经常参观美术馆、博物馆所举办的展览，除了关注经典美术作品外，还应该关注当代的发展动向，了解当代美术的特征，思考其原因，从而学会鉴赏，学会评论，以加深对美术的理解。也可通过上网查阅，获得各类美术信息，以开阔自己的艺术视野。此外，还应积极思考，加强交流，在与他人思想火花的撞击中不断地提高自身的艺术素养，以迎接高中美术课程改革提出的挑战。

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中图分类号 G420

文献标识码 A

文章编号 1007-7316-（2014）06-0122-1

美术鉴赏包含鉴别与欣赏，在美术鉴赏中，人们总是自觉或不自觉地根据一定的审美理想、审美标准、审美趣味，从作品中获得对于艺术形象的具体感受和体验，展开联想和想像，并伴随一系列的情感反应，从而对作品作出某种审美评价，得到某种精神上的满足，即审美享受，因此，美术鉴赏在具体要求上 ，比美术欣赏要更高一些，是在义务教育阶段美术课程中“欣赏・评述”学习领域的基础上更高层次的拓展与延伸。也就是说，教师要通过美术鉴赏内容系列的教学，使学生们不仅能欣赏一些古今中外的美术作品，同时也能运用感知、经验和知识对美术作品进行感受、体验、联想、分析和判断，获得审美享受，并理解美术作品与美术现象。

当课程由专制走向民主，由封闭走向开放，教学被看成是师生交往，积极互动，共同发展的过程。在这一过程中，教师与学生将分享彼此的知识和经验，交流彼此的感受和体验。我认为，教师的角色可以做出相应的转变。教师不再是知识的传播者和管理者，而是学生发展的促进者和引导者。教师由教学中的主角转向"平等中的首席"。教师要引导学生寻找，收集和利用学习资源，营造开放式的课堂气氛。让学生始终在课堂上处于一种积极的，活泼的，兴奋的状态。引导学生围绕问题的核心进行探索和讨论，建立和谐，民主，平等的师生关系。引导学生分享彼此的思想成果，并重新审视自己的想的下一代。作为一名美术教师首先就要提高自身的艺术素养，要通过阅读美术理论、美术史、美学等方面的理论著作或学术论文，提高对美术学科的认识，如：“什么是美术”这个具有探索性的问题，就要通过查找资料，阅读文献，找到“美术”这个词演变的轨迹，并综合有名学者的观点，再加上自己的理解，就可以对“美术”一词作出自己的解释了。从多种渠道接受美术信息。高中美术教师应该经常参观美术馆、博物馆所举办的展览，除了关注经典美术作品外，还应该关注当代的发展动向，了解当代美术的特征，思考其原因，从而学会鉴赏，学会评论，以加深对美术的理解 。也可通过上网查阅，获得各类美术信息，以开阔自己的艺术视野。此外，还应积极思考，加强交流，在与他人思想火花的撞击中不断地提高自身的艺术素养，以迎接高中美术课程改革提出的挑战。

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中图分类号：J60文献标识码：A

Fostering of Creative Power and Innovative Thinking in Music Teaching

LI Xiao-hui

面对科学技术高速发展的现代化社会，基础教育中创造思维与创新能力培养的不足已经是阻碍我国科学文化和经济发展的瓶颈。、钱学森之问：“为什么我们的学校总是培养不出杰出人才？”发人深省。加强创造思维与创新能力培养已经成为当前教育界亟待研究解决的重大问题。

纵观目前从小学、中学到大学公共选修的音乐课程，基本都是以音乐欣赏为主，少有在欣赏的基础上，对创造表现能力的培养。我们在几年前提出了音乐教学中艺术思维与创造能力培养的研究课题，在高中音乐教学过程中，对研究性教和学、音乐鉴赏评价、创造表现、创新思维方式、创作思维能力培养等方面进行了系列的探索，实践证明产生了良好的教学效果。通过几年来的研究探索和研究，初步形成新的教学观念以及教学模式，并取得一批教学研究成果：典型教案与课件、撰写发表的研究论文、学生论文、戏剧表演、音乐创作等作品。我们还特地收集整理了一批有关音乐教学中艺术思维的教育研究论文，应该说，艺术思维和创造能力培养才是音乐教学研究的核心内容。

1、为创造表现而聆听，为模仿借鉴而鉴赏

我们认为，在明确创造表现任务的前提下，通过聆听作品感受音乐艺术之美，可以加强学生对音乐的情感体验和创作兴趣，培养学生张扬个性表现自我的创造性人格，建立起音乐的创造表现所需要的情感与创造欲望。从创造表现的角度进行音乐艺术创作表现技术层面的分析与聆听，通过模仿与借鉴，可以使学生从中获得启发与灵感，使学生最终成为真正的聆听者、审美欣赏者和音乐艺术的创造者。从而使音乐的创造表现与音乐艺术的欣赏教学形成发展创造力的环境以及内省外放的互动关系，这种互动式的教学活动可以根据教学的需要，在欣赏和表现、创作教学活动中灵活进行。

2、体验与探究是两个相互关联的思维与行为过程

音乐课程标准在过程与方法中是这样描述“体验”的：“音乐教学过程应是完整而充分地体验音乐作品的过程。要启发学生在对音乐形态与音乐情感的积极体验中，充分展开联想与想象，爱护和鼓励学生在音乐体验中的独立见解。”艺术课程标准提出：要让学生在完整的艺术创造表现过程中培养艺术思维能力和艺术表现能力。教学理论对“探究”的描述则是：引导学生进行音乐探究与创造活动，倡导开放式和研究性的学习方法，以发展学生的创造性思维能力。”因此可以说体验和探究是一个因果关系，只有体验了才能去激发探究和创作的欲望。而带着探究的目的去体验才能真正激发创造能力的培养。

3、从创作表现角度来进行教学，引导学生从创作表现的角度来聆听作品

在教学中，从作曲家、演奏家、多媒体音像创作编辑工作者的角度来欣赏音乐作品，带着创作任务来聆听作品，使学生从聆听者转换为创作者来鉴赏作品，这样的角色转换带来的是聆听作品的思维目的质的变化，能培养创造意识，从聆听作品的欣赏者转变为创作者，这样的学习具有创造学习的意义。

通过欣赏和自己创作任务相似的经典作品来学习创作，通过欣赏与模仿，从经典作品中获得启发、顿悟，由此作品（被欣赏的作品）转化迁移到彼作品（自己将要创作的音乐），这一过程实际上已经成为创作学习的一个部分。培养学生时刻从创造角度，带着任务进行音乐欣赏能“增强创造意识”。培养创造意识是创造模块教学目标的核心内容。创造意识是创造者的重要思维方式：听某曲、看某景、思某事时，不断揣度创作问题，艺术家可能一下子产生灵感（顿悟），找到解决问题的办法。学生也是这样。在教学过程中，哪怕是鉴赏教学，教师和学生只要具有创造意识，就有可能从艺术鉴赏过程中引发创造意念，引发艺术作品创作意念的产生，从而引发新作品的创作。时时从创造表现的角度考虑问题，能够培养创造意识。

4、在创作模块教学中，“模仿与迁移”对创造力的形成和作品的产生具有重要意义

首先，模仿是学习的必然过程。在教学中，我们为了创作某一作品而选择某类作品进行针对性很强的欣赏与分析，其教学目的很明确，为了创作而分析聆听作品。此时的聆听具有很强的模仿“借鉴”目的，已经成为创作学习的一个部分。但是有时对号入座式的听赏并不能真正形成创造能力。还需要迁移与变迁的创造过程。单纯的模仿创新含量较少，但是可以通过模仿学习经典音乐作品的表现手法。当学生能够较好地模仿出经典作品时，艺术技能也就有了提高，音乐表现的能力也就逐步形成。

再者，培养学生成为高级欣赏者和评价者。聆听分析评价作品非常重要。欣赏与评价对于创作很重要，通过鉴赏知道什么是真正好的艺术和艺术的各种风格流派，是形成音乐感觉的最好途径。成为高级的鉴赏者和评价者是艺术鉴赏学习的高层次，对于创造者来说，具有较高的艺术鉴赏能力，将会对创造产生很好作用。

然后模仿与借鉴。模仿――学师或他人的表现方式；借鉴――将大师或他人使用的某种方法带入自己的作品，优化自己的作品并在这样的基础上加入自己的想法使作品出现新意。

最后进行创造表现。在欣赏他人作品时，学习该作品的优点、开拓思路、借鉴方法，围绕自己的创作任务，构思自己作品的创作表现手法，最终形成全新的作品。

5、理论知识、技能训练与欣赏和创作表现结合起来进行教学

在创作模块教学中，艺术感受、艺术感悟与技能技巧训练、完整的艺术创作行为是培养创造思维和创造能力的重要途径。将鉴赏课与创造表现课一体化，实现感受体验与创造表现的良性循环，进行真正的音乐表现和创造。只有在完整的创造行为中才能培养创造思维与创造能力。

将内省与外放融和为互动循环的整体是形成创造教学的最佳途径。例如：为了体验重复与变奏在音乐作品中的表情作用，可以将欣赏教学与表现创作能力的培养结合起来进行。教师结合教学内容（如音色、音量、乐句、段落与重复变奏在音乐表现中的作用），在引导学生深入聆听作品，感受作品的情感表现与主题内容的基础上，尝试在作品基本情绪内容的基础上，有创意的有设计的，采用某些音乐方式对现成作品进行模仿或改编。

6、重视即兴创作可以提高学生音乐创作的能力与水平

即兴创作是音乐教学在感受体验的基础上进行艺术创作的一种经常使用的创作表现形式。这种创作表现形式往往在有意或无意之间，当某种艺术感觉在某种联想或引发（激发）因素突然降临的时候，即兴发挥的一种艺术创作方式。在高中阶段的艺术综合课程的实验教学中，利用艺术综合即兴创作的方式进行综合艺术课的创作教学，对培养学生艺术创造表现思维具有重要意义。

重视小作品小片段的即兴创作，不断积累丰富的音乐语汇是增强音乐创造表现能力有效办法。例如少数民族和民间音乐中存在大量即兴创作、即兴表现的音乐传统，向少数民族学习，积极培养学生进行即兴合唱、即兴鼓乐、即兴舞蹈的能力培养。在教学过程中，我们应当向少数民族艺术家和民间音乐艺人学习，积极培养即兴合唱、即兴鼓乐、即兴舞蹈的能力培养。即兴创作教学法与任务教学法是音乐课程的重要教学方法。

即兴创作是音乐教学在感受体验的基础上进行艺术创作的一种经常使用的创作表现形式。这种创作表现形式往往在有意或无意之间，当某种艺术感觉在某种联想或引发（激发）因素突然降临的时候，即兴发挥的一种艺术创作方式。在高中阶段的艺术综合课程的实验教学中，利用艺术综合即兴创作的方式进行综合艺术课的创作教学很有意义。

即兴创作往往是教师与学生在受到艺术感染或在欣赏艺术作品的时候突然感受到某种艺术灵感而产生的创作表现冲动，这种冲动在受到教师实时激发和点拨后往往会演变为一种真正的艺术创作激情甚至会达到意想不到的艺术创作效果。这种瞬间产生的灵感往往受到某种刺激物的激发甚至是某种高度强压之下而产生的。当然这种即兴的创作更是长期思索和练习之后的突然爆发――量变质变的现象。在良好的意境中受到某种激发物的刺激也会产生灵感。因此教师应该在课程设计过程中，应当注意教学设计的艺术性、有趣性、异样性、情景性，通过暗示和语言启发，往往可以激发出平常难以获得的创作灵感。

7、以某种重要的创作任务为激发物或刺激物也是进行创作表现教学的好方法

任务教学法来自国外教学经验。以一个富于挑战性的任务激发学生挑战欲望和完成任务的积极性。对于任务本身，教师应该认真设计，适量适度地交给学生，同时应该有前期的准备和适时的现场指导。在综合艺术课程教学实验过程中，任务教学法是一种能力的挑战，对于激发青年学生的好胜心积极性、对于培养学生创造性思维和创造能力很有效果，也很受学生欢迎。我们应当特别重视创设异样的、特别的、有趣的、充满激情有十分有趣的创作任务或题目，引导学生在完整或即兴的创造表现过程中，逐渐积累丰富的音乐语汇的感受表现能力。

8、引导学生从被动欣赏的角色转换为主动创造表现是培养创造性思维创造能力的关键步骤

学生从被动欣赏的角色转换为主动创造表现是培养创造性思维、培养创造能力的关键步骤，其思维方式出现了质的变化。前者考虑的是模仿、接受、理解。后者考虑的是变异、改变、创新、产生、运用。只有在完整的艺术创造表现活动中才能培养创新思维。

创造性角色的思维方式是创新性的和表现性的，这和接受性、感受性、体验性思维是不同的。创造者的思维必须树立创造目标，这种目标并不一定清晰明确，大多时候只是一个初步模糊初步设想。当进入创造步骤时，学生就必须考虑选择采用何种手法围绕创造表现题目进行表现。创造表现手法在艺术表现过程中往往具有多样性多边性。好的创造思路、好的创造方案、好的创造手法需要反复推敲琢磨。需要大量的思维积累。经常从创造表现者的角度来思考问题可以培养创造性思维。只有在实际的艺术创造过程中才能培养创造思维。引导学生转换角色，从审美者变为一个创造表现者，此时的艺术欣赏的过程也就转换为创造性表现思维了。学生与教师的思维由于创造表现任务的缘故，考虑问题的角度就完全不一样。他们要共同考虑怎样进行表现，怎样使自己的作品非同一般别具特色，怎样是使自己的音乐美术作品或者是戏剧小品、人物角色的语言语气身体与手势和作品的表现统一。怎样使自己选择的音乐为自己的戏剧表演渲染气氛等等。改变学生在课堂中或者活动中角色的传统定位是培养创造性思维、培养创造能力的关键步骤。例如：以往我们的艺术鉴赏课同学们以学生角色进入课堂。欣赏美术音乐作品、体验美术音乐、评价美术音乐。是审美体验者。教师教学生学。改变角色后：学生是设计师、音像编辑、作曲家、画家、表演音乐创作美术作品的艺术家、小导演、创作剧本的编剧、是一个音乐美术作品的研究者、探索者。所进行的教学活动是创造与表现。在这样的教学平台上，教师的身份也出现了变化：教师从知识的传授者、讲解作品的教师转变为是艺术作品创作表现指导、导演、设计工作室的专家、画家、音乐表演专家。所进行的不但是审美体验的指导工作，更主要的工作是进行艺术创作表现，具有艺术家音乐家戏剧电影导演的工作性质。考虑的创造表现，考虑的是怎样指导全体学生进行积极地创作工作。而学生也从被动欣赏的角色转换为主动创造表现的主人，从模仿、接受、理解到变异、运用、创新，发生了质的变化。

因此，音乐教育不能以审美为核心，而是以创造表现为目标，将艺术思维和创造能力培养贯穿于整个教学过程，才是积极培养创新人才的重要手段。只有这样，我们的基础教育才能跟上现代科学技术的发展，为培养新世纪创新人才打下良好的根基。

（上接第387页）三连音是为了将旋律表现得更为自由宽广，显然并不适合用于绕口令似的咏叹调《快给忙人让路》以及《让谣言四处传播》里。刻画人物形象、揣摩人物情绪是罗西尼用不规则旋律创作咏叹调的目的。无论罗西尼在各个咏叹调中是否采用这些不规则旋律的写作手法，都是为了表现人物、发展剧情。如同级+跳跃这种旋律进行就并不适合在巴西里奥的咏叹调《让谣言四处传播》使用，巴西里奥表现得阴险和谨慎，不该有过激的情绪变化，级进进行是最好的表现方式。

罗西尼善于控制节奏变化，使用不规则节奏和富有艺术内涵的旋律进行，创作出的符合人物形象、心理的咏叹调，使这部歌剧获得成功，使咏叹调广为流传，使听众赏心悦目。

四、结语

罗西尼赋予喜歌剧《塞维利亚理发师》的不仅仅是音乐，而且是灵魂。有人说，一部歌剧是否成功，取决于其中的咏叹调有多高的知名度。这话虽然太过于绝对，但是也从侧面表现出咏叹调在一部歌剧中所存在的地位。咏叹调是演唱者与观众的交流，相比乐队演奏的序曲，更多了语言这一优势，也就更容易被听众所接受。作曲家既要顾及到这个交流方式的亲民性，还要注重咏叹调创作的技巧内涵，以及如何通过他的创作将听众的情绪带入歌剧之中。作曲家是音乐情绪的塑造者，他所创作的一个个小小的音符组成的旋律，并不是像谱面上那样静止不动的，其内在构成具有相当巨大的情绪能量，影响每一位表演者，抑或是欣赏者，而罗西尼，就是这样一位作曲家，他的喜歌剧创作既受到古典主义时期莫扎特的影响，又结合了浪漫主义时期的音乐个性大于共性的特点，理性感性并存，创作出经典的令人回味无穷的咏叹调，将《塞维利亚理发师》这部他最有代表性的喜歌剧推向世界，传承万世。

①杨立青《真诚高雅纯挚――梅西安的音乐语言》,福建教育出版社，1996年版。

②福尔克尔•舍尔里斯著，张世胜译《罗西尼》，人民音乐出版社,2006年版，第51页。

参考文献：

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1 引言

随着信息技术、互联网的飞速发展和不断更新，全球已经进入了信息化、数字化时代。科技的发展促进了视觉艺术产业的发展，纵观现代建筑、影视、服装等各个领域中的艺术设计无不显现着数字技术的影迹。可以预见，数字技术下的视觉艺术产业将成为下一阶段推动我国经济增长的主要动力。

2 视觉艺术产业

视觉数字技术下视觉艺术成果转化与创新方法研究

文/李婷婷 陈发禄艺术产业是文化创意产业的重要分支，它运用各种材料、工具，以艺术设计方式创造出艺术商品。在当下视觉文化发展的全球化语境中，数字化带来的不仅是技术，更是一种以视觉信息为标示的崭新的思维方式和生存方式。

3 视觉艺术成果转化

视觉艺术成果转化过程中，可以逐步构建“视觉艺术成果转化产业链”。在成果转化过程中，核心的生产要素是高质量、创新型的人力资本，依靠人的智慧、灵感、想象力及创造力，借助高科技技术手段对文化资源的再创造，将艺术与科技进行有机融合。

3.1 数字技术融入视觉艺术产品设计

数字技术为人们展示了一个新颖的视觉天地，以往用手工很难实现的视觉效果，被计算机轻而易举地完成。同时，数字技术为艺术家提供了一种全新的艺术表现形式和空间，开拓了艺术家的创意潜能，将数字技术融入视觉艺术产品设计中将赋予文化创意成果更多的科技内涵，既缩短了创意和成品之间的距离，又能给予人们丰富的想象，实现产品的价值创新。

3.2 数字技术融入视觉艺术产品展示

随着近些年网络信息技术的蓬勃发展，人们对视觉体验产生了更高的需求，为了提升展品的视觉效果和艺术感染力，艺术作品在时与互联网和三维虚拟技术相结合，以高清数字影像包围观众的全部视野，产生强烈的视觉冲击力，再加上环绕的立体声效，可以高度准确地再现真实现场的声音，为观众带来极强的沉浸感和体验感。

3.3 数字技术融入生产阶段

在体验经济时代，随着视觉艺术产业和制造业的快速成长，企业的生产制造应结合数字技术，在设计制作中大量的使用图形图像，并且在构思创作时求新求异，运用数字化手段吸引群众眼球。

3.4 数字技术融入视觉艺术产品宣传推广

数字时代，信息传播渠道的多样化，过去以纸媒介为主的成果推广传播方式已经不能满足数字化时代的需要了。如今，数字化虚拟网络、手机网络、数字电视占据着人们大部分的时间和空间。视觉艺术成果推广也应顺应数字媒体的特点，以文字、图像辅以声音等多种形式表达。在推广中融入文化创意，引起消费者的文化认同，并充分利用多种类的数字化平台打造文化创意品牌形象，最终使品牌推广成为视觉艺术产业发展的强大动力，达到拓展市场的目的。

3.5 互联网+成果销售

虚拟的互联网产业+真实的视觉艺术成果构成创意创新资源共享平台。借助互联网的线上手段，将视觉艺术产业链整合，构建线上线下虚实结合的艺术作品展示平台，并融入数字体验、电子商务、形象塑造还有顾客回馈等模块，打造文化创意成果生存的新空间――创意成果品牌虚拟空间。

4 未来视觉艺术产业发展方向

未来，视觉艺术成果将在游戏、动漫、微电影等方面发挥重要作用，其中离不开数字技术的应用，例如：虚拟现实技术、增强现实技术、幻影成像技术、球幕拼接技术等。“十三五”时期经济社会发展目标指出，构建产业技术创新联盟，推动跨领域跨行业协同创新。数字技术下，视觉艺术创新人才将形成“视觉艺术产业联盟”，为视觉艺术成果转化带来新的活力与生命力。

4.1 利用虚拟现实技术

可以构建虚拟视觉艺术成果展示场馆，并将视觉艺术作品在展馆中进行展示。人们通过互联网平台，采用第一人称漫游方式详细了解视觉艺术成果的样式、材质、艺术价值等信息，为艺术品鉴赏者创造一种身临其境的感觉。

4.2 利用增强现实技术

可以将设计完成后的艺术作品直观地呈现出三维全貌和展品细节，在成果转化论证中，便于专家们对成果设计做出准确的判断和评价。

4.3 利用幻影成像技术

可以将视频画面悬浮在一个实景半空间成像，利用玻璃的透射、反射方式，通过与模型、多媒体等技术相结合，营造出一种亦真亦幻的氛围，运用现代化数字技术为整个艺术品鉴赏过程添上神秘色彩，给人以强烈视觉冲击。

4.4 利用球幕拼接技术

可拼接出半球形银幕，将艺术品鉴赏者包围其中，放映视域范围可达前后180度，左右360度。艺术品鉴赏者目光所及几乎全是绚丽多彩栩栩如生的电影画面，视银幕如同苍弯，加上立体声环音，使鉴赏者如置身艺术海洋。

4.5 利用互联网+技术

可以实现视觉艺术产业联盟。中国视觉艺术产业要实现大发展、大繁荣，需要整合资源，形成视觉艺术产业联盟，打造视觉艺术成果转化产业链，依托互联网技术构建交流合作平台，企业和相关成员间通过合作方式组织创新，提高自身竞争力。

5 总结

因此，数字技术作为现代艺术的一种新型表达方式，体现了艺术与科技相结合的时代特征，在推动了文化创新、艺术创新、经济增长的同时，有利于打造出高技术、高智力的文化艺术作品，繁荣我国艺术品市场，提升我国文化艺术产业的竞争力水平，促进我国文化艺术产业的健康发展，具有巨大应用价值。

参考文献

[1]赵坚勇.平板显示与3D显示技术[M].国防工业出版社，2012.

[2]王艺湘.商业展示与视觉导识系统设计[M].辽宁科学技术出版社，2009.

[3]陈宏京.数字化博物馆的原理与方法[M].复旦大学出版社，2002.

篇10

此文从艺术品、美学理论的专业视角入手,环环相扣,从正反两方面对“奇石是艺术品”做了相应论证。刊登此文,只望给石界更充实的领悟。

有人说,“奇石是具有观赏价值和收藏价值的天然石品”。这种说法认为艺术品是人创造的,能反映社会生活,而奇石是大自然创造的,不能反映社会生活,所以奇石不是艺术品,没有艺术性。我们认为,判定奇石是否为艺术品,决定于其赖以产生的社会实践,而不是局限于一个僵硬的概念。笔者拟从艺术品概念内涵扩展的必然性和奇石文化实践两方面进行论证。

一、艺术品概念内涵扩展的必然性

“春秋战国时期,从经济基础到上层建筑都经历着急剧的动荡和变革。这时,一方面是旧的阶级关系正在瓦解、破裂;另一方面是新的社会力量不断解放、壮大。在这种情况下,许多事物的称谓和它所指的实际事物之间发生了各种各样的矛盾。或是旧的称谓没有改变,但它所指的实际事物已经发生了变化;或是出现了新的事物,旧的称谓不足以表明它的新内容。这样一来,就出现了所谓‘名实相怨’的状况,先秦时期关于名实关系的争论,正是在这样一种历史背景下提出来的。”(见《哲学三百体》第48页,夏乃儒主编,上海古籍出版社)这表明文化的发展过程,就是旧的观念(概念)不断消失、新的观念(概念)不断形成的过程。春秋战国时期刑名、名实之辩的结果,已经揭示了内涵随外延变化而变化的概念辩证法规律。越是具体概念,如猪、马、牛、羊等,其名(概念的内涵)实(概念的外延)对应关系越相对稳定;越是抽象概念,随着社会实践的逐步深入,其内涵和外延的对应关系发生的重组变化越剧烈。(以上参见拙作《奇石立法的意义与可行性研究》一文)由此可见,当一种文化形态的内容――概念的外延随实践的深化发生了本质变化时,规范这种文化形态的思维形式――概念的内涵必然发生相应的变化,这是概念辩证法的基本规律。具体到文化艺术领域,即艺术品概念的内涵随艺术实践的变化而变化实为客观必然。

二、奇石文化实践对艺术品概念造成的冲击

下面我们来考察艺术品概念的外延都有哪些本质变化,或说奇石文化实践在哪些方面的突破对原艺术品概念的内涵造成了革命性冲击。当代奇石文化实践给我们提供了具体而典型的审美案例,通过与艺术、美学理论的结合,我们可以了解到奇石文化欣赏活动的基本特点:

(一)奇石文化欣赏活动具有一般艺术活动的四要素特征

“美国当代文艺批评家、康乃尔大学教授艾布拉姆斯于1953年将艺术活动的要素归结为艺术品、艺术家、宇宙、观赏者四个方面。”(见《艺术概论》第10页,李胜利编著,中国传媒大学出版社)我们姑且简称为“四要素说”。对比这个学说,奇石采集、装饰、鉴赏和赏析艺术家构成的人才队伍相当于“艺术家”;“宇宙”范畴,笔者理解它是一个包括艺术实践、主体活动环境及反映对象的“泛实践”概念;奇石文化受众即观赏者;奇石自然与“艺术品”相对应。从奇石产出到受众欣赏的过程,具有艺术活动的四要素特征。因此,奇石文化欣赏活动是艺术活动,这是奇石是艺术品的论据之一。

(二)奇石具有艺术品的结构

我们先来看一段关于艺术品结构的论述:“艺术作品(艺术品)由文本(直接载体)和载体(间接载体)构成。所谓文本,即我们通常意义上所说的艺术作品,是艺术主体影响、作用于受体的直接媒介,由语言、结构、意象、主题等层次构成。所谓载体(间接载体),即艺术作品寄身其上的物质手段,是艺术作品与主体之间的媒介,譬如,声音是音乐的载体,画布与颜料是绘画的载体,胶片是电影的载体。”(见《艺术概论》第154页,李胜利编著,中国传媒大学出版社出版)由此可见,奇石的形象(即意象)、意境、神韵、主题等层次结构,是直接载体,是意识形态的艺术要素。形态、色彩、纹理、质地等是间接载体,是塑造艺术形象的物质手段。两种载体离不开物质的形成与演化过程,分化又统一于社会实践。因此,奇石具有艺术品的结构特征。这是奇石是艺术品的又一论据。

(三)奇石具有艺术品的美学功能

1、从美的形态看,奇石美具有现实美和反映美两种形态。前者指自然美,后者包括社会美、艺术美、形式美和科学美。

自然美 随着人类社会实践的发展,自然人化程度不断深化,奇石作为自然事物的典型代表之一,逐渐进入人类的实践和认知范畴,成为人类审美实践的对象和结果。自然质朴的感性特征,不仅契合了现有书法、绘画、雕塑等造型艺术的表现手法和效果,而且以自然天成、匪夷所思的艺术形象超越传统艺术形式,大有开宗立坛之势。奇石美是自然人化和人的本质力量对象化双重作用的结果。因此,自然美是奇石的类本质所体现出的现实美。

社会美和艺术美 奇石反映美的形象性和审美主体的发现性,引申出奇石的社会美和艺术美。奇石的社会美是对现实社会美的反映,奇石的艺术美是就它与艺术美都具有以形象反映现实美的共性而言的,它们不是社会美和艺术美本身。因此,我们不能以社会美的具体、生动性和艺术美 “自由”与“自主”的创造性否认奇石美的社会性和艺术性,进而否定奇石艺术品的定位。

形式美 形态、色彩、纹理和质地等自然形式,本来有具体内容,经过长期的重复、仿制、演化和反映,成为脱离内容的规范化形式。因此,奇石的形态、色彩、纹理和质地可以作为单独的审美对象而成为形式美。

科学美 隐含在奇石及其表现形式中的物质及生命演化信息,是科学认识的对象。在科学认识的过程中,作为客体和规律性(真)与主体和目的性(善)相统一的美感,是引导科学家实现科学发明、发现的重要途径。有科学素养的赏石者,可以体会科学家探索过程的趣旨和审美情感。因此,奇石具有科学美。尤其是矿晶、化石和陨石等标本类奇石,作为科学美的集中体现者而具有审美价值。利用现代科技手段观察奇石的微观审美特征和利用现代科学理论提高主体的审美能力是奇石科学审美手段的两个基本发展方向。

奇石美包含所有美的形态和种类。与传统美学的社会美、自然美、艺术美、形式美、科学美的并列与辩证关系不同,奇石美是以自然美为基础、社会美和科学美为反映对象、艺术美和形式美为表现形式的塔形结构。

2、从美的本质和特征看,奇石美的本质与传统美的本质相同,也是在人类实践的基础上,主客体交互作用的产物,是反映人的自由创造和生命活力的生动形象。与“形象”的狭义感性物质创造说不同,笔者认为,奇石的自然本质规定性与人工性的矛盾,决定了奇石“形象”的创造性,不能存在于“形象”之内,只能存在于“形象”之外。存在于奇石的采集、装饰、鉴赏、展出等感性物质的选择活动和奇石鉴赏过程中的理性发现两种基本形式中。奇石美的特征也具有美的形象性、感染性和社会性。由于奇石在表现人类认知范围内的社会和自然事物形象的同时,还表现人类认知范围外的社会和自然事物的形象,以特有的形式丰富着人类对自然美的认识,所以,奇石美具有传统美学形式并不突出的自然性的本质特征。

3、从美感的产生看,奇石美感与一般美感既有相同点又有不同点。

相同点:都是在社会实践的基础上,由实用形式感到审美形式感、由不自觉到自觉、由狭窄到广阔、由肤浅到细致深入的过程。是先民“比德”、“畅神”、“移情”等审美实践的结果或产物。

不同点:奇石美感是借鉴绘画、雕塑艺术的审美模式或经验,以现代美学理论为指导和最新发展形式的艺术感知。

4、从美感的特征看,奇石美感与传统美感的特征有同有异。

直觉性:传统美感有潜藏着理性的个体直觉性,本质上是直觉审美。奇石美感是个体直觉性与理性认识的统一,本质上是理性感悟,是“养眼、养心和悟道”的升华过程。

情感性:传统美感和奇石美感都是人在自己所创造(或选择)的对象世界中直观自身的心理活动,是区别于科学意识、道德意识的对对象世界的特殊反映形式,是以认识为前提的情感判断。

愉悦性:奇石美感与一般美感是相同的。从个体审美看,表现为无功利的纯审美性;从历史唯物主义的观点看,个体超功利审美所依赖的观念,却是功利的延伸物。所以,奇石美感和传统美感都是个体无功利性与社会功利性的统一。

(四)奇石(及文化欣赏活动)与传统艺术品(及艺术活动)比较

综合以上三点,可比较如下:

相同点:(1)奇石文化欣赏活动与传统艺术活动都具有四要素特征。(2)奇石和造型艺术品的结构都由直接载体和间接载体组成。(3)都有自然美、社会美、艺术美、形式美和科学美五类美学形态。(4)艺术性都通过艺术形象反映社会生活、表达思想感情的完美程度得以体现。(5)塑造艺术形象的手段都是形态、色彩、线条(或纹理)或质地。(6)传统造型艺术规律对奇石欣赏活动具有借鉴意义,遵循基本相同的审美规律。(7)都具有审美价值。(8)都具有保值、流通功能,因而具有收藏价值。

不同点是:(1)传统艺术创作的主体是艺术家,艺术家是具体的人或有组织的创作集体,创作活动基本是一次性完成。完成的标志是产品的产出。奇石文化欣赏活动是“人的创造和大自然创造的统一”(见陈慧明《浅论我国赏石文化现状与展望》)。创作活动是由采集、装饰、鉴赏和展出过程的人才结构,独立或分散逐步完成。完成的标志是艺术形象(谱)的确立和摆放方式的确定。(2)在由生产到消费的全过程中,传统造型艺术是先有艺术意象,再有艺术形象,最后又有艺术意象。艺术形象已经产生相对稳定。两个意象分布分明和作用不同。第一个意象的产生来源于艺术家的生活积累。意象向形象的转化,在艺术家的感性物质的创造活动中完成。在消费者的审美过程中,完成由艺术品的形象到消费审美主体的审美意象的转化。在奇石文化欣赏活动中,也有艺术形象和意象。当奇石进入第一个采集收藏者的收藏审美过程中,审美意象和形象就结伴产生,审美形象(谱)随摆放方式的确定而相对确定。当这种形象在展出或流通过程中得到普遍认可,或者被具有相应资历的鉴赏家鉴评后,审美形象转化为艺术形象。当奇石进入爱好者(消费者)的审美消费过程中,艺术形象最终转化为艺术意象。奇石的艺术形象和意象不像传统造型艺术那样易于区分,因而有较多的再发现机会。(3)传统造型艺术的创造性,体现于艺术形象之内,奇石艺术的创造性体现于艺术形象之外。(4)五类美学形态的结构不同。

三、奇石艺术品悖论辨析

要论证奇石是艺术品,除了正面论证之外,还要从反面论证一些代表性观点的错误和局限性。本文开篇所引观点和美学家王朝闻只承认奇石“具有相对意义的艺术性”而不是“艺术品”的观点是一脉相承的,是流与源的关系。因而后者是我们论证的重点。诚然,作为唯一一个关心、垂顾奇石文化事业的大师级雕塑艺术家、美学家、艺术理论家,留下堪称经典的《石道因缘》等宏论,我们每一位石友都发自内心地感谢他。但为了实现大师“终有一天能够穿越探索石道的艰辛,出现系统化、民族化为举世公认、名实相符的赏石美学”(见《石道因缘》第150页,王朝闻著,浙江人民美术出版社)的愿望,我们不得不对大师的部分观点提出保留意见。

“客:对于观赏石,有人说它也是艺术品,你说对吗?主:我先问你观赏石所引起的美感,和艺术品所引起的美感,对你有没有明显的差别?客:不消说,艺术不止反映客观的美,它还创造艺术美……石头虽能引起美感,但这种美与人们精心创造的美不同。”(同上,第12页)用美感的差异性否定奇石是艺术品。这是大师否定奇石艺术品的第一个观点。从本质上讲奇石美是自然美,进一步说,奇石的自然美中契合了社会生活、自然事物的艺术形象,具有社会美、艺术美,与传统艺术美的平衡、对称、整齐划一、随心所欲等“主观性与独创性”的特点不能等而论之。但它对社会美和自然美的表现力,是传统艺术家意想不到、传统艺术美无法企及的。因此,奇石的艺术美是对传统(人工)艺术美的拓展与补充。奇石艺术美与传统艺术美是对立统一关系。用传统艺术美感的标准去衡量奇石美,就是只看到事物的差异性没看到事物的统一性,是形而上学艺术观的表现形式。

“主:说简单点,凡是未经过人类加工的观赏对象,包括具有审美作用的石头,不论它的形体、色彩、斑纹和硬度多么接近动人的艺术品,我只承认它们具有相对的艺术性。客:‘品’与‘性’的概念不能混淆。观赏石的美,在于观赏主体的发现,而不在于它的创造。”(同上,第12页)用感性物质活动对艺术形象的规范性,否定奇石的艺术品定位。这是大师否定奇石艺术品的第二个观点。我们拥护大师对“感性物质活动”的坚持,因为这是唯物主义的基本路线。不坚持这条基本路线,艺术品概念将变得宽泛无比,所有具审美功能的自然景物都将进入艺术品范畴,这无异于取消艺术品概念的规范性。大师认为“从事选石、配基座、选择拍摄角度和命名等活动……这一切活动都具有一定的创造性;不过,这些活动还不会从根本上改变观赏石的审美特性与价值”(同上,第17页),“能够发现观赏石的美,也表现出主体的感受有创造性。但实际上并没有改造观赏对象”(同上,第12页)。由此可见,大师对“选石、配基座”等感性物质活动和感受发现过程的创造性地肯定与对艺术形象感性物质创造性地坚持。但他忽视了奇石的自然本质规定性与人工性的矛盾决定了奇石“形象”的创造性,不能存在于“形象”之内,只能存在于“形象”之外。存在于奇石的采集、装饰、鉴赏、展出等感性物质的选择活动与奇石鉴赏审美过程中发现性的统一。在互为前提的条件下,感性物质的选择活动和鉴赏过程中的发现都具有“创造性”。

美学家王朝闻虽然发现了奇石文化欣赏活动中的创造性,但囿于艺术品概念的既定模式,得出了违反概念辩证法的错误结论,不经意间为奇石文化设置了新的障碍,这是奇石文化理论建构中必须扬弃的。

篇11

音乐是一种艺术,蕴含丰厚的文化在内,社会城市化、工业化的发展,进一步带动了工业文化的进步,人们对音乐的要求也不断变化着。以前人们偏爱西洋音乐的高雅脱俗,但那已是十九世纪,离我们太远;民歌是音乐文化的积淀,虽然经典,现实生活中却也逐渐消失。现代社会生活节奏快,各方面的压力巨大,高中生对那些高雅的、艺术性强的音乐认识不够,难以理解。而流行音乐歌词浅显易懂,贴近生活,便于掌握,有些流行歌曲就是现实生活的原形,如《一封家书》,在歌词上的创作方法采用的是书信体,容易被大众接受。

培养学生的音乐表现力和鉴赏能力除歌词外,流行歌曲的旋律节奏、人声、音箱等因素共同产生的感性效果,有利于挖掘人的表现能力,是另一种音乐美学。沉溺在流行音乐中,人们的身体是活跃的,精神呈”本我“状态,身心都能得到极度放松。而在欣赏音乐时,由于全身心地投入,能净化心灵,缓解紧张和劳累,心跳和节奏融为一体,不仅缓和了情绪,还能扩大学习音乐的空间,有利于提升音乐的表现力和创造力,而这种表现力和创造了都具有很高的音乐美学价值。例如《朋友》这首歌,不仅易学易唱,还能让学生们从中领会到友谊的可贵,加深他们之间的团结。而陶喆的《Susan说》借用了传统戏剧《苏三起解》中一小段,可以经此让学生更多地了解传统文化,增加他们的素养。

篇12

关于音乐欣赏审美过程与审美层次，有不同的学说。1934年最早由黄自提出了“知觉的欣赏、情感的欣赏和理智的欣赏”三层次说；1983年张前在进行音乐欣赏心理分析时提出了“音响感知、感情体验、想象联想、理性认识”四层次说；美国著名作曲家科普兰(A·Copland)提出音乐欣赏三段论，即美感阶段、表达阶段和纯音乐阶段；彭吉象将音乐欣赏的审美过程分为“音乐审美直觉、音乐审美体验、音乐审美升华”三层次；赵宋光先生也提出三层次说，即“感知与情绪，联想与情感和理解认识基础上的高一级情感层次，即整合与感悟”；刘承华提出中国艺术审美过程中的三个重要环节：“感、品、悟”；谢嘉幸根据中国传统哲学“知、感、悟”提出了音乐的意义结构“文本－语境”三层关系，即“形态语境、情感语境、意念语境”；日本的高蔌保治将音乐欣赏活动划分为“快乐地聆听，理解地聆听和识别、评价地聆听”三阶段。另外，蒲亨强认为，在欣赏中国音乐作品时，“要听之以耳、听之以气、听之以智”，以加深对音乐的深刻理解。张法认为：“中国美学有一个发展过程，即由先秦之观到魏晋之味，再到宋代之悟。”王耀华在此基础上，认为“观”、“味”、“悟”是中国传统音乐欣赏与品赏过程中的三个不同的审美层次。

综上所说，各家理论视点不尽相同，但其基本趋向都是把音乐欣赏心理结构大体分为三个层次。其有相同之处，但也有差异，这些差异所在可以视为一种互补。现将音乐作品结构层次、音乐欣赏心理要素及音乐欣赏审美层次和过程概括如下：

(一)音乐欣赏的第一层次：音响感知与情绪体验

黄自在《音乐欣赏》一文中提出，所谓知觉的欣赏，是指音乐的四种基础成分(节奏、曲调、和声、音色)所引起的知觉上的，是音乐欣赏中最幼稚、最肤浅的一步，必须受情感和理智的节制。张前认为，音响感知是对音乐音响及其艺术组合——音乐形式要素的总体知觉。人们欣赏音乐，首先要有辨别音高、节奏、力度、音色等音乐基本要素的能力，但这还不够，还要按音乐的规律把这些要素合成为主题、旋律、乐段、乐章等整体性音乐结构，甚至把它们合成为一首完整的乐曲，这才是完整的音乐感知。科普兰认为，倾听音乐最简单的方法就是纯粹为了对音响的乐趣而倾听，这是音乐欣赏的第一层次即美感阶段。赵宋光也认为这一基础层次：“并不仅仅有静态的听觉音响感知，还有同时出现的动态的情绪反应、共鸣。”高萩保治指出：“第一阶段对音乐并不要求理解，只求感到快乐……即从音乐的音响出发，使孩子们对音响感到快乐，感到喜悦，有一种参与音乐感到愉悦的心情，并具有在未来生活中探求音乐的态度。”黄自和张前认为音乐审美的第一层次主要是对音响和音乐要素的完整感知，但也受情感和理智的制约。科普兰是着眼于音响的趣味性和风格来吸引欣赏者有意识地倾听音乐并对音乐产生美感。赵宋光不仅强调静态的音响感知，还强调通过体态律动来关注动态的情绪体验，而且还认为这种情绪反应是从幼儿开始、与生俱来的能力。

(二)音乐欣赏的第二层次：情感体验与联想想象

音乐欣赏的过程就是情感体验的过程，是欣赏者的情感与音乐中表现的情感相互交融、发生共鸣的过程。同时，音乐感知与情感体验又能唤起对相关的生活形象和意境的联想与想象。关于情感共鸣与形象联想的关系问题，谢嘉幸在他的博士论文《音乐的语境——一种解释学视域》中谈到，音乐的意义是在情感共鸣中获得的，一旦唤起情感共鸣，欣赏者自己就会凭自己在以往生活境遇中曾体验过的相仿情感来自由地唤起许多形象联想，即使当前面对的艺术品并未呈现那些形象，这种因人而异的自由性正是审美意识内部形象联想的特征所在。他强调情感共鸣(作为主体的状态)与形象联想(作为指向的对象)的关系，并非“一对一”或“序对”的对应关系，而是自由应答的呼唤关系。若不能意识到这一点，就很可能在音乐审美接受及其教学过程中，偏离了审美意识成长的规律而导致失败。

(三)音乐欣赏的第三层次：整合感悟与理性认识

音乐欣赏的第三层次是运用整体直觉和理性思维对音乐作品的形式、内容、思想意义、美学意蕴等进行综合认识和评价的过程。主要表现在对音乐作品的内容和社会意义等理性认识上。这一过程“并不是表现欣赏者对乐曲做出的某种抽象的结论上面，而是表现在这种理性认识真正融注于对乐曲的音响感知、感情体验和想象联想之中，使得这些心理要素在理性认识的指引下，达到更深刻、更高级的阶段”。