美术与设计论文范文

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篇1

一、“文房四宝”之笔在林林总总的笔类制品中,毛笔可算是中国独有的品类了。传统的毛笔不但是古人必备的文房用具,而且在表达中华书法、绘画的特殊韵味上具有与众不同的魅力。不过由于毛笔易损,不好保存,故留传至今的古笔实属凤毛麟角。毛笔的制造历史非常久远,早在战国时,毛笔的使用已相当地发达。中国的书法和绘画,都是与毛笔的使用分不开的。古笔的品种较多,从笔毫的原料上来分,就曾有兔毛、白羊毛、青羊毛、黄羊毛、羊须、马毛、鹿毛、麝毛、獾毛、狸毛、貂鼠毛、鼠须、鼠尾、虎毛、狼尾、狐毛、獭毛、猩猩毛、鹅毛、鸭毛、鸡毛、雉毛、猪毛、胎发、人须、茅草等。从性能上分,则有硬毫、软毫、兼毫。从笔管的质地来分,又有水竹、鸡毛竹、斑竹、棕竹、紫檀木、鸡翅木、檀香木、楠木、花梨木、况香木、雕漆、绿沉漆、螺细、象牙、犀角、牛角、麟角、玳瑁、玉、水晶、琉璃、金、银、瓷等,不少属珍贵的材料。从笔的用途来分,有山水笔、花卉笔、叶筋笔、人物笔、衣纹笔、设骨笔、彩色笔等。

最早的毛笔,大约可追溯到二千多年之前。西周以上虽然迄今尚未见有毛笔的实物,但从史前的彩陶花纹、商代的甲骨文等上可觅到些许用笔的迹象。东周的竹木简、缣帛上已广泛使用毛笔来书写。湖北省随州市擂鼓墩曾侯乙墓发现了春秋时期的毛笔,是目前发现最早的笔。其后,湖南省长沙市左家公山出土的战国笔,湖北省云梦县睡虎地、甘肃省天水市放马滩出土的秦笔,长沙马王堆、湖北省江陵县凤凰山及甘肃省武威市、敦煌市悬泉置和马圈湾,古居延地区的汉笔,武威的西晋笔等,都是上古时代遗存的不可多得的宝贵资料。

现在常见的品种有“石獾”、“狼毫”、“兰竹”、“叶筋”、“红毛”、“羽箭”等,其笔型大小不一。软毫笔,一般是用羊亳加工制成,特点是柔软、含水量大。大小型号,品种也很多,大型的如“提斗”、“抓笔”等,中小型的如“鹤劲”、“鹤脚”等等。兼毫笔'是用硬毫与软毫相间制成的,刚柔适中。我们现在常见的如“紫毫”、大中小“白云”

等。笔分长、短、大、小,运用起来能产生不同的效果,如画大幅的画用大笔,画小幅的画用小笔。这些都是一般的规律,但又不能拘泥,如有的画者爱用羊毫,有的爱用狼毫,也有的爱用大笔作小画,认为这样能收到意酣墨饱的效果。

一、“文房四宝”之墨墨给人的印象似稍嫌单一,但却是古代书写中必不可缺的用品。借助于这种独创的材料,中国书画奇幻美妙的艺术意境才能得以实现。墨的世界并不乏味,而是内涵丰富。作为一种消耗品,墨能完好如初地呈现于今者,当十分珍贵。

在人工制墨发明之前,一般利用天然墨或半天然墨来作为书写材料。墨的发明大约要晚于笔。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载,古代的墨刑(黥面)、墨绳(木工所用)、墨龟(占卜)也均曾用墨。经过这段漫长的历程,至汉代,终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟,最初是用手捏合而成,后来用模制,墨质坚实。据东汉应劭

记载:“尚书令、仆、丞、郎,月赐愉麋大墨一枚,愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省干阳县,靠近终南山,其山右松甚多,用来烧制成墨的烟料,极为有名。

从制成烟料到最后完成出品,其中还要经过入胶、和剂、蒸杵等多道工序,并有一个模压成形的过程。墨模的雕刻就是一项重要的工序,也是一个艺术性的创造过程。墨之造型大致有方、长方、圆、椭圆、不规则形等。墨模一般是由正、背、上、下、左、右六块组成,圆形或偶像形墨模则只需四板或二板合成。内置墨剂,合紧锤砸成品。款识大多刻于侧面,以便于重复使用墨模时容易更换。墨的外表形式多样,可分本色墨、漆衣墨、漱金墨、漆边墨。

中国画的用墨也是很讲究的。墨分“油烟”和“松烟”两种,油烟墨用桐油或添烧烟加工制成;松烟墨用松枝烧烟加工制成。油烟墨的特点是色泽黑亮,有光泽;松墨的特点是色乌,无光泽。中国画一般多用油烟,只有着色的画偶然用松烟。但存表现某些无光泽物如墨蝴蝶、黑丝绒等,也最好用松烟。中国画的墨,一般是加工制成的墨锭,我们在选择墨锭时,就要看它的墨色。看墨泛出青紫光的最好,黑色的次之,泛出红黄光或有白色的为最劣。磨墨的方法是要用清水,用力平均,慢慢地磨研,磨到墨汁浓稠为止。用墨要新鲜现磨,磨好了而时间放得太久的墨称为宿墨,宿墨一般是不可用的。但也有画家喜用宿墨作画,那只是个别的。

我们现在有多种书画用墨汁,如“中华墨汁”、“一得阁”、“曹素功”等,可以代墨使用。一般来说,画工笔,最好用研磨的墨;写意画,因用墨量大,可用书画墨汁。

说到中国画的用墨,还需说说中国画的用色。“文房四宝”中的墨,就应该包含有色的意思,因为色也是中国画的不可缺少的材料之一。色在绘画上我们又把它称为颜料,中国画的颜料与西洋画的颜料是不同的。西洋画的颜料都是化学品。

中国画的颜料有两种性质,使用起来会产生不同的效果,其一种是植物质的,如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等,性能是透明、质细,但年久会褪色;另一种是矿物质的,如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等,性能是不透明,有覆盖力,年久不褪色。中国画的颜料比西洋画的颜料种类简单,但给人的感觉却不同,它们使中国画的色彩具有了自己独立的风格。今天,中国画家们为了更丰富地表现生活,也兼用了一些西洋画的水彩、水粉颜料,但这只可适当地搭配,一定要保持中国画的色彩特点;如果西洋画的颜料用过了头,就不像中国画了。

三、“文房四宝”之纸纸是中国古代四大发明之一,曾经为历史上的文化传播立下了卓着功勋。即使在机制纸盛行的今天,某些传统的手工纸依然体现着它不可替代的作用,焕发着独特的光彩。古纸在留传下来的古书画中尚能一窥其貌。

纸张发明之前的很长一段时间内,人们是采用什么来作为记事材料的呢?根据文献和实物资料,最早的人们是采用结绳来记事的,遇事打个结,事毕解去。后来又在龟甲兽骨上刻辞,所谓“甲骨文”。在青铜产生以后,又在青铜器上铸刻铭义,即“金文”或“钟鼎文”。再后,将字写在用竹、木削成的片上,称“竹木简”,如较宽厚的竹木片则叫“牍”。同时,有的也写于丝织制品的缣帛上。先秦以前,除以上记事材料外,还发现了刻于石头上的文字,比如着名的“石鼓文”。

一般人都知道,纸是在东汉由蔡伦发明的。但近年的考古发掘,却对此提出了疑问。随着西北丝绸之路沿线考古工作的进展,许多西汉遗址和墓葬被发现,其中也不乏纸的遗物。这些古纸均据其出土的地点而被冠名。

从目前出土古纸自身的年代顺序,可以分别排列为:西汉早期的放马滩纸,西汉中期的灞桥纸、悬泉纸、马圈湾纸、居延纸,西汉晚期的旱滩坡纸。这些纸不但都早于蔡伦纸,而且有些纸上还有墨迹字体,说明已用于文书的书写。

中国古时候绘画多画干帛和绢上,其实帛也是一种绢类织物。画画用的绢是特制的,现在有一些工笔画家还喜欢用绢作画。大约到了宋元时代,人们才开始大量用纸作画。绢和纸各有特点,纸是植物制品,绢是丝织品,笔墨画在纸上,容易表现出笔墨和色彩的变化。画在绢上,其画的光洁度就更强一些。我们现在主要是用纸作画,一般是宣纸。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的,水墨不容易渗透,在上面可以工整细致地描绘,反复地上色,因此像绢织物一样,适合于画工笔画。现在常用的熟宣有“冰雪宣”、“蝉衣笺”、“云母宣”等。生宣是没有经过矾水加工的,水墨容易渗透,落笔为定,无从更改,而且渗透开来,能产生丰富的笔墨变 化,所以写意画多用生宣。常见的品种有“净皮”、“棉料”、“棉连”等。

除宣纸外,有的画家还喜欢用皮纸作画,皮纸又称高丽纸,它的性能与宣纸相似,但价格却便宜得多。所以,初学画的人也常用这种纸。

四、“文房四宝”之砚砚,是磨墨用的。要求细腻滋润,容易发墨,并且墨汁细匀无渣。砚也有石砚、陶砚、砖砚、玉砚等种类之分,最负盛名的是广东产的“端砚”和安徽产的“歙砚”。

不过,作画用砚,也不一定那么讲究,一般选择那种石质好、砚池深、稍大有盖的,研磨时发墨快、水分不易挥发的就可以了。

在古代的文房书斋中,除笔、墨、纸、砚这四种主要文具外,还有一些与之配套的其他器具,它们也是组成文具家族中必不可少的一员。明代屠隆在《文具雅编》

中记述了四十多种文房用品,通常较为常见的有:

笔掭:又称笔砚,用于验墨浓淡或理顺笔毫,常制成片状树叶形。

臂搁:又称秘阁、搁臂、腕枕,写字时为防墨沾污手,垫于臂下的用具。呈拱形,以竹制品为多。

诗筒:日常吟咏唱和书于诗笺后,可供插放的用具。多以竹制,取清雅之意。

笔架:又称笔格、笔搁,供架笔所用。往往作山峰形,凹处可置笔。也有人物和动物形的,或天然老树根枝尤妙。

笔筒:笔不用时插放其内。材质较多,瓷、玉、竹、木、漆均见制作。或圆或方,也有呈植物形或他形的。

笔洗:笔使用后以之濯洗余墨。多为钵盂形,也作花叶形或他形。

墨床:墨研磨中稍事停歇,因磨墨处湿润,以供临时搁墨之用。

墨匣:用于贮藏墨锭。多为漆匣,以远湿防潮。漆面上常作描金花纹,或用螺细镶嵌。

镇纸:又称书镇,作压纸或压书之用,以保持纸、书面的平整。常作各种动物形。

水注:注水于砚面供研磨,多作圆壶、方壶,有嘴,也常作辟邪、蟾蜍、天鸡等动物形。

砚滴:又称水滴、书滴,贮存砚水供磨墨之用。

篇2

二、胡氏电影美术风格的特点

在评述胡氏电影的特点时，大都会提到胡金铨的禅机。实际上，日本早期的古典主义电影最早将东方的禅意融入电影中。如通过转场空间或“轴枕镜头”穿插静止画面来营造一种悠然的叙事与诗意。这些东方特点的电影不仅引起了西方的关注，也同时影响了香港的电影。胡金铨早期所在的邵氏曾经为演职人员大量放映日本电影来学习。而其中的日本剑戟片也成为影响新武侠电影的重要因素。在胡金铨的新武侠电影中也能看到这些因素的体现。胡金铨在吸收了中国传统美术的营养，再加上日本及好莱坞电影的种种元素之后，终于逐渐走出一条属于自己电影的美术风格。胡金铨的电影美术特点中最重要的一点在于很好地吸收了中国传统文化。如胡金铨个人艺术创作巅峰之作的《山中传奇》，编剧钟玲曾在《鬼气、美感与文化》一文中指出，胡金铨在展现风景时多采用观画者看山水手卷的方式，“银幕上出现书生在大自然中徒步长途行走，他大多从银幕的左方出场，走向右方。此时，壮丽的风景即随着书生的移动以水平方向呈现在观众面前”。像元明时期的山水长卷一样，《山中传奇》中的人物往往从属于自然景观，在构图中居于画中一隅，虽如此，但整个画面却变得气韵生动。另外，文人画里的留白技巧也在影片中得到广泛使用，如庄依云的出场，山色溪光，倩影绰绰，似真似幻惹人遐想，可谓美不胜收。影片中的特效受制于当时条件而应用寥寥，但即便如此，还是大量使用了烟雾来营造一种特别的视觉效果。这种烟雾恰似中国山水画中的朦胧。胡金铨电影美术中令人称道的另外一点就是态度的严谨。徐克曾经说：“他依照他的感觉，在现场捕捉气氛，一步步把画面营造出来。那时候的导演，真的是有他坚持的信念。”在他的电影中，美术设计是非常重要的一项工作，他常常亲力亲为。胡金铨自述文章《从拍古装电影找资料谈起》中，我们能看到胡金铨的“考据”作风。我们现在依然能看到大量人物衣饰考据记录的手稿。在拍摄著名的影片《龙门客栈》时，因为讲述的是发生在明朝中期的故事，胡金铨从《古今名画300种》《古今名画大观》等书中摘录和临摹了许多内容。所列便有仇英的《春游晚归图》《风壑曳舟图》《桐阴清居图》，蓝瑛的《西山雪霁图》，以及青花瓶上的图案等，并一一注明从该资料中可以借鉴衣、帽还是带的设计。由于明代服装仿自唐宋，他甚至从隋唐时期的敦煌壁画中寻找灵感。设计完成后，胡金铨还让研究历代服装的权威王宇清评判，后者仅仅对个别地方提出了更改。当然胡金铨的电影美术也并非无懈可击，《山中传奇》的场景设定与剧本就有一定的出入，这或许与当时无法进入内地取景有一定的关系。

篇3

    一、“文房四宝”之笔在林林总总的笔类制品中,毛笔可算是中国独有的品类了。传统的毛笔不但是古人必备的文房用具,而且在表达中华书法、绘画的特殊韵味上具有与众不同的魅力。不过由于毛笔易损,不好保存,故留传至今的古笔实属凤毛麟角。毛笔的制造历史非常久远,早在战国时,毛笔的使用已相当地发达。中国的书法和绘画,都是与毛笔的使用分不开的。古笔的品种较多,从笔毫的原料上来分,就曾有兔毛、白羊毛、青羊毛、黄羊毛、羊须、马毛、鹿毛、麝毛、獾毛、狸毛、貂鼠毛、鼠须、鼠尾、虎毛、狼尾、狐毛、獭毛、猩猩毛、鹅毛、鸭毛、鸡毛、雉毛、猪毛、胎发、人须、茅草等。从性能上分,则有硬毫、软毫、兼毫。从笔管的质地来分,又有水竹、鸡毛竹、斑竹、棕竹、紫檀木、鸡翅木、檀香木、楠木、花梨木、况香木、雕漆、绿沉漆、螺细、象牙、犀角、牛角、麟角、玳瑁、玉、水晶、琉璃、金、银、瓷等,不少属珍贵的材料。从笔的用途来分,有山水笔、花卉笔、叶筋笔、人物笔、衣纹笔、设骨笔、彩色笔等。

    最早的毛笔,大约可追溯到二千多年之前。西周以上虽然迄今尚未见有毛笔的实物,但从史前的彩陶花纹、商代的甲骨文等上可觅到些许用笔的迹象。东周的竹木简、缣帛上已广泛使用毛笔来书写。湖北省随州市擂鼓墩曾侯乙墓发现了春秋时期的毛笔,是目前发现最早的笔。其后,湖南省长沙市左家公山出土的战国笔,湖北省云梦县睡虎地、甘肃省天水市放马滩出土的秦笔,长沙马王堆、湖北省江陵县凤凰山及甘肃省武威市、敦煌市悬泉置和马圈湾,古居延地区的汉笔,武威的西晋笔等,都是上古时代遗存的不可多得的宝贵资料。

    现在常见的品种有“石獾”、“狼毫”、“兰竹”、“叶筋”、“红毛”、“羽箭”等,其笔型大小不一。软毫笔,一般是用羊亳加工制成,特点是柔软、含水量大。大小型号,品种也很多,大型的如“提斗”、“抓笔”等,中小型的如“鹤劲”、“鹤脚”等等。兼毫笔'是用硬毫与软毫相间制成的,刚柔适中。我们现在常见的如“紫毫”、大中小“白云”

    等。笔分长、短、大、小,运用起来能产生不同的效果,如画大幅的画用大笔,画小幅的画用小笔。这些都是一般的规律,但又不能拘泥,如有的画者爱用羊毫,有的爱用狼毫,也有的爱用大笔作小画,认为这样能收到意酣墨饱的效果。

    一、“文房四宝”之墨墨给人的印象似稍嫌单一,但却是古代书写中必不可缺的用品。借助于这种独创的材料,中国书画奇幻美妙的艺术意境才能得以实现。墨的世界并不乏味,而是内涵丰富。作为一种消耗品,墨能完好如初地呈现于今者,当十分珍贵。

    在人工制墨发明之前,一般利用天然墨或半天然墨来作为书写材料。墨的发明大约要晚于笔。史前的彩陶纹饰、商周的甲骨文、竹木简牍、缣帛书画等到处留下了原始用墨的遗痕。文献记载,古代的墨刑(黥面)、墨绳(木工所用)、墨龟(占卜)也均曾用墨。经过这段漫长的历程,至汉代,终于开始出现了人工墨品。这种墨原料取自松烟,最初是用手捏合而成,后来用模制,墨质坚实。据东汉应劭<汉官仪》

    记载:“尚书令、仆、丞、郎,月赐愉麋大墨一枚,愉麋小墨一枚。”愉麋在今陕西省干阳县,靠近终南山,其山右松甚多,用来烧制成墨的烟料,极为有名。

    从制成烟料到最后完成出品,其中还要经过入胶、和剂、蒸杵等多道工序,并有一个模压成形的过程。墨模的雕刻就是一项重要的工序,也是一个艺术性的创造过程。墨之造型大致有方、长方、圆、椭圆、不规则形等。墨模一般是由正、背、上、下、左、右六块组成,圆形或偶像形墨模则只需四板或二板合成。内置墨剂,合紧锤砸成品。款识大多刻于侧面,以便于重复使用墨模时容易更换。墨的外表形式多样,可分本色墨、漆衣墨、漱金墨、漆边墨。

    中国画的用墨也是很讲究的。墨分“油烟”和“松烟”两种,油烟墨用桐油或添烧烟加工制成;松烟墨用松枝烧烟加工制成。油烟墨的特点是色泽黑亮,有光泽;松墨的特点是色乌,无光泽。中国画一般多用油烟,只有着色的画偶然用松烟。但存表现某些无光泽物如墨蝴蝶、黑丝绒等,也最好用松烟。中国画的墨,一般是加工制成的墨锭,我们在选择墨锭时,就要看它的墨色。看墨泛出青紫光的最好,黑色的次之,泛出红黄光或有白色的为最劣。磨墨的方法是要用清水,用力平均,慢慢地磨研,磨到墨汁浓稠为止。用墨要新鲜现磨,磨好了而时间放得太久的墨称为宿墨,宿墨一般是不可用的。但也有画家喜用宿墨作画,那只是个别的。

    我们现在有多种书画用墨汁,如“中华墨汁”、“一得阁”、“曹素功”等,可以代墨使用。一般来说,画工笔,最好用研磨的墨;写意画,因用墨量大,可用书画墨汁。

    说到中国画的用墨,还需说说中国画的用色。“文房四宝”中的墨,就应该包含有色的意思,因为色也是中国画的不可缺少的材料之一。色在绘画上我们又把它称为颜料,中国画的颜料与西洋画的颜料是不同的。西洋画的颜料都是化学品。

    中国画的颜料有两种性质,使用起来会产生不同的效果,其一种是植物质的,如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等,性能是透明、质细,但年久会褪色;另一种是矿物质的,如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等,性能是不透明,有覆盖力,年久不褪色。中国画的颜料比西洋画的颜料种类简单,但给人的感觉却不同,它们使中国画的色彩具有了自己独立的风格。今天,中国画家们为了更丰富地表现生活,也兼用了一些西洋画的水彩、水粉颜料,但这只可适当地搭配,一定要保持中国画的色彩特点;如果西洋画的颜料用过了头,就不像中国画了。

    三、“文房四宝”之纸纸是中国古代四大发明之一,曾经为历史上的文化传播立下了卓着功勋。即使在机制纸盛行的今天,某些传统的手工纸依然体现着它不可替代的作用,焕发着独特的光彩。古纸在留传下来的古书画中尚能一窥其貌。

    纸张发明之前的很长一段时间内,人们是采用什么来作为记事材料的呢?根据文献和实物资料,最早的人们是采用结绳来记事的,遇事打个结,事毕解去。后来又在龟甲兽骨上刻辞,所谓“甲骨文”。在青铜产生以后,又在青铜器上铸刻铭义,即“金文”或“钟鼎文”。再后,将字写在用竹、木削成的片上,称“竹木简”,如较宽厚的竹木片则叫“牍”。同时,有的也写于丝织制品的缣帛上。先秦以前,除以上记事材料外,还发现了刻于石头上的文字,比如着名的“石鼓文”。

    一般人都知道,纸是在东汉由蔡伦发明的。但近年的考古发掘,却对此提出了疑问。随着西北丝绸之路沿线考古工作的进展,许多西汉遗址和墓葬被发现,其中也不乏纸的遗物。这些古纸均据其出土的地点而被冠名。

    从目前出土古纸自身的年代顺序,可以分别排列为:西汉早期的放马滩纸,西汉中期的灞桥纸、悬泉纸、马圈湾纸、居延纸,西汉晚期的旱滩坡纸。这些纸不但都早于蔡伦纸,而且有些纸上还有墨迹字体,说明已用于文书的书写。

    中国古时候绘画多画干帛和绢上,其实帛也是一种绢类织物。画画用的绢是特制的,现在有一些工笔画家还喜欢用绢作画。大约到了宋元时代,人们才开始大量用纸作画。绢和纸各有特点,纸是植物制品,绢是丝织品,笔墨画在纸上,容易表现出笔墨和色彩的变化。画在绢上,其画的光洁度就更强一些。我们现在主要是用纸作画,一般是宣纸。宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的,水墨不容易渗透,在上面可以工整细致地描绘,反复地上色,因此像绢织物一样,适合于画工笔画。现在常用的熟宣有“冰雪宣”、“蝉衣笺”、“云母宣”等。生宣是没有经过矾水加工的,水墨容易渗透,落笔为定,无从更改,而且渗透开来,能产生丰富的笔墨变化,所以写意画多用生宣。常见的品种有“净皮”、“棉料”、“棉连”等。

    除宣纸外,有的画家还喜欢用皮纸作画,皮纸又称高丽纸,它的性能与宣纸相似,但价格却便宜得多。所以,初学画的人也常用这种纸。

    四、“文房四宝”之砚砚,是磨墨用的。要求细腻滋润,容易发墨,并且墨汁细匀无渣。砚也有石砚、陶砚、砖砚、玉砚等种类之分,最负盛名的是广东产的“端砚”和安徽产的“歙砚”。

    不过,作画用砚,也不一定那么讲究,一般选择那种石质好、砚池深、稍大有盖的,研磨时发墨快、水分不易挥发的就可以了。

    在古代的文房书斋中,除笔、墨、纸、砚这四种主要文具外,还有一些与之配套的其他器具,它们也是组成文具家族中必不可少的一员。明代屠隆在《文具雅编》

    中记述了四十多种文房用品,通常较为常见的有:

    笔掭:又称笔砚,用于验墨浓淡或理顺笔毫,常制成片状树叶形。

    臂搁:又称秘阁、搁臂、腕枕,写字时为防墨沾污手,垫于臂下的用具。呈拱形,以竹制品为多。

    诗筒:日常吟咏唱和书于诗笺后,可供插放的用具。多以竹制,取清雅之意。

    笔架:又称笔格、笔搁,供架笔所用。往往作山峰形,凹处可置笔。也有人物和动物形的,或天然老树根枝尤妙。

    笔筒:笔不用时插放其内。材质较多,瓷、玉、竹、木、漆均见制作。或圆或方,也有呈植物形或他形的。

    笔洗:笔使用后以之濯洗余墨。多为钵盂形,也作花叶形或他形。

    墨床:墨研磨中稍事停歇,因磨墨处湿润,以供临时搁墨之用。

    墨匣:用于贮藏墨锭。多为漆匣,以远湿防潮。漆面上常作描金花纹,或用螺细镶嵌。

    镇纸:又称书镇,作压纸或压书之用,以保持纸、书面的平整。常作各种动物形。

    水注:注水于砚面供研磨,多作圆壶、方壶,有嘴,也常作辟邪、蟾蜍、天鸡等动物形。

篇4

    唐、五代、北宋时花鸟画极为繁荣,后代画家更广泛发展了花鸟画风格流派。近现代齐白石则在继承前人又发展传统的基础上成为一代花鸟画大师。中国花鸟画的鲜明特点为:以写生为基础,寓志、抒情为情感表达方式。它具有适合中国传统的审美需求而逐步完善成熟的特征。在造型方法上,以齐白石的追求“不似之似”、“妙在似与不似之间”为代表的观点可以概括。它既重形似又高于拘谨的形似,更重视作者的志趣。在构图上,花鸟画以主体突出、虚实相生为特色,至于写意花鸟,更善于将书法以资画,题诗以言志,辅以印章等。

    作为以描绘花卉、竹石、鸟虫等为表现主体的花鸟画历史悠久。在我国四五千年以前的陶器上就出现了简单的鸟鱼图案,可以作为我国最早的花鸟画。唐张彦远《历代名画记》载:东晋、南朝宋时画在绢帛上的花鸟画已逐步形成了独立的画料。到了唐代,已趋成熟,出现了以工笔勾填画风艳丽的边鸾和以墨代色、墨分五彩的殷仲容。五代时发展有两派,即“徐、黄二体”,一宗徐熙、一宗黄鉴。明代沈启南、孙雪居等,涉笔点染,亦追徐熙。经清石涛到“扬州八怪”的花卉,更完善地形成了诗、书、画三绝。

    中国花鸟画主要以折枝花卉的形式规划画面,以小见大,塑造典型的自然空间。花鸟画应如何处理构图呢?以文章作比喻,就是要处理好“起”、“承”、“开”、“合”这几个阶段。

    由于画面的尺幅大小和表现景物的不同,所以“起”、“承”、“开”、“合”,各部也应有繁简、强弱的差异,以使整体协调。特别是较大的画面,还应处理好局部与整体的阶段变化,这样画面就能显得充实,其中“开”、“合”更是关键。沈宗骞在《芥舟学画编》中对此曾有精辟的分析:“干岩万壑,几令浏览不尽。然作时只须一大开合,如行文之有起结也。至其中间虚处,承接处,发挥处,脱略处,隐匿处,一一合法,如东坡长文,累万余言,读者犹恐易尽,乃是此法。于是会得,方可作寻丈大幅。”

    工笔花鸟画的表现形式多样,风格手法各异,但归纳起来主要有白描、勾填色和没骨三种。这几种形式在唐宋时期就已基本定型,经过以后各历史时期的发展,使形式技法更加丰富完美,但基本上仍保持着原来的面貌。20世纪以来,画家们不断地探索创新,已突破了传统的形式。现代的工笔花鸟画在传统的基础上吸收了各种画种的长处以及外来绘画的营养,正向着多元化的方向发展。

    在中国绘画中,花鸟画是一个宽泛的概念,除了本意花卉和禽鸟之外,还包括了畜兽、虫鱼等动物,以及树木、蔬果等植物。在原始彩陶和商用青铜器上,“花鸟”

    充满神秘色彩,遗留着图腾的气息。最早的“花鸟”或许与早期人类的生殖崇拜有一定关系。

    据史书记载,到六朝时期,已出现不少独立形态的花鸟绘画作品,如顾恺之的《凫雀图》、史道硕的《鹅图》、顾景秀的《蜂雀图》、萧绎的《鹿图》等,虽然现在已看不到这些原作,但着录资料已表明当时花鸟画已具有相当高的水平了。

    到了唐代,花鸟画业已独立成科,着录中计有花岛画家八十多人。如薛稷画鹤,曹霸、韩干画马,韦偃画牛,李泓画虎,卢弁画猫,张曼画鸡,齐曼画犬,李逖画昆虫,张立画竹等等,已能注意到动物的体态结构,形式技法上也比较完善。

    五代是中国花鸟画发展史上的重要时期,以徐熙、黄筌为代表的两大流派,确立了花鸟画发展史上的两种不同风格类型,“黄筌富贵,徐熙野逸”,黄筌的富贵不仅表现对象的珍奇,在画法上工细,设色浓丽,显出富贵之气;徐熙则开创“没骨”画法,落墨为格,杂彩敷之,略施丹粉而神气迥出。黄筌之子黄居宷、居宝,徐熙之孙徐崇嗣、崇矩,都是当时花鸟画的重要画家。

    宋代《宣和画谱》所载北宋宫廷收藏中,有三十位花鸟画家近二干件作品,所画花卉品种达二万余种。北宋的花鸟主要还是承接五代的传统,早期以黄筌之风格为主导,基本上用的是“勾勒填彩”法,旨趣浓艳,墨线不显。到了南宋,画院一半以上的画家画花鸟,这一时期的花鸟画是中国花鸟画发展史上一个高峰。在题材上,宋代出现了水墨梅、竹、松、兰,淡墨挥扫,整整斜斜,不专以形似,独得于象外。以拟人化的手法将崇高、贞洁、虚心、向上、坚强寄于“四君子”上,这种文入画思想的加入,为花鸟画注入新的内容。以文同、苏轼为代表的这一派,已有别于流行时尚的清新风格,获取朝野称赏,并加速了他们的画风成为新的时尚。

    元代花鸟画受宋代文同、苏轼的影响,出现了一批专门画水墨梅竹的画家,他们以柯九思、倪瓒、吴镇、王冕为代表,表现了文人的“士气”。

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现代美术设计中，设计的创新就是运用点的大小、形态以及位置和方向上进行构造，创新的形式无非就是将点的排列以线与面来表达，或者将线与面结构成点来表达。点这个元素具有特殊的形态以及被赋予不同象征和寓意的特征，比如，一个圆点所拥有的简洁干练、内敛的特点，象征着圆满、团圆或者成功。因此可以将我国一些传统的元素运用到现代的美术设计中去，并不断进行创新与改造，变换可塑之处，保持其不可塑的原始特征，使得传统元素与现代美术设计理念相辅相成、互相碰撞并巧妙结合。这样一来，不仅达到了现代美术设计创新的要求，更提高了美术设计的价值和内涵。

2.中国传统元素在与线的构成中的创新

现代美术设计中对线的充分想象与创造，并且赋予线这个元素很多特征。普通的线可以分为很多的形态、种类，也能体现出不同的特性与质感，因此也被赋予了不同的意义。在现代美术设计的同时，只有充分利用线的质感进行创新与改造，就能取得意想不到的效果。将线元素与不同的事物联系起来，能够巧妙的展示出事物的性质与特征，以简洁的设计就能体现事物的轮廓，巧妙的表现出艺术的魅力。

3.中国传统元素在与面的构成中的创新

众所周知，设计中的面不存在厚度等元素，人们可以在设计中用长度与宽度就可以表达一个面元素。因此，面能够给人一种深邃、稳重以及较大视觉冲击力的感觉。利用人们看到面产生的这些抽象词语，现代美术设计中可以充分利用起面的这一特征，对传统元素中的面进行切割、重叠、简化以及并置等手法进行创新与融合。与点、线元素一样，将可塑造的部分进行简化或者分割，保留自身不可塑造的特点，根据现代设计意图，可以重新对面进行组合、创新，形成创新的面结构以表达不同的含义。

4.中国传统元素在与肌理构成创新

肌理是一种表现当代语言形式的元素，其不仅给人无尽的想象力，还能发挥出人的潜能与记忆。因此，充分利用起人们对肌理元素的想象，合理利用在现代美术设计中，利用肌理构成手法不断进行设计创新，就能取得良好的成果。例如，在现代的美术设计课程中，对于课本的封面设计，可以运用起肌理构成手法，将课本内容以美术的形式表现出来，赋予设计和书本内容相符合的意义，有效结合，达到美术设计的目的和效果。中国传统元素在抽象几何与解构主义审美上的创新现代平面设计中，对抽象几何图形的应用具有很重要的参考价值和使用意义，虽然几何图形在艺术理念、哲学思想方面和现代美术设计有所不同，但就艺术形式和艺术语言、特征来说，大体在一个方向。因此，应充分利用传统元素的抽象几何审美，结合现代美术设计的理念和主体、内容，合理的组织有效元素之间的顺序，更加形象的表达现代设计的内涵和目的。而解构主义则是最有效的创造方式，目前在绘画、建筑等领域使用较为广泛，解构主义强调的是解散、片段与不完整，与结构主义不同，也是结构主义的衍生。因此，在现代美术设计中，根据设计的要求，合理的使用解构主义中的错位、重组、分解等手法，有效地对传统元素进行局部或者片段的分解，使设计达到创新目的。

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一、材料和工具

画投影片的画笔是日本进口的（12色的）油性彩色笔，笔的两头分别可画出极细和较粗的线条，色彩明 朗，粘性强，水不溶解，经久不退色，用酒精和松节油可洗掉，是绘制投影片最理想的彩色笔。

画投影片的透明胶片，有成卷出售，用时根据需要剪裁。投影片画面规格是18×15cm，外加宽1c m做边框。画好胶片后，用白色硬片纸制一个双层外框，横边框4．5cm，竖边框宽2．5cm，把胶片嵌 在纸框中间，涂上白乳胶粘牢压实，以方便操作和保护画面。

二、投影片的绘制过程

由于油性彩色粘性强和快干的特性，不易在胶片上修改，因此首先应在画纸上起稿，确定后再转稿到胶片 上，用黑色或深色勾轮廓线，然后在画面背后大胆放手着色，色彩稍微画出线外，也不会破坏轮廓线，这种勾 线填色方法，普遍运用画投影片，画面艳丽，效果良好，能引起学生的兴趣和注意。

三、各类课业绘制投影片方法举例

1．《郊游去》记忆画抽拉片

片底胶片画一部公共汽车，坐满少先队员，车窗外飘扬着红旗。收录机播放着《这是祖国给的》欢乐歌曲 。这时移动抽拉片，银幕上出现蓝天、白云、绿树、鲜花……汽车像在前进。学生在构思，红艳艳的英雄树， 横跨珠江的海印大桥，川流不息的大小汽车，郁郁葱葱的白云山……学生彩笔在飞舞，从不同角度画出广州的 美景，表现出他们对祖国的无限热爱。

2．《上学去》添画组合片

根据学生回忆上学路上所见到的各种景物，用胶片分别画成单幅，诸如楼房、小汽车、鲜花、小鸟等，每 种景物用一张胶片绘出。上课时，供学生边回忆上学路上所看到的景物，边在投影器上添加，摆成上学路上的 画面。学生边摆边讨论，从中认识到画面的均衡，景物的大小前后关系，摆放的合理性。用十多张胶片各绘制 一种景物，组合起来供一个课例使用，这种投影片的设计，能更好体现电化教学优越性，学生看到这种逐渐添 加投影片，感到生动有趣，而不会像看挂图一样，产生厌烦情绪。在摆画的过程中，促进他们的思维能力，使 他们有一种参与意识，通过这样的教学活动，教师就能深入浅出地对学生渗入美术基础知识和思想品德的教育 。

3．三原色调色原理教学器旋转片

用三张直径15cm的圆形透明胶片，把一二张胶片平均分成4份，分别涂上红、黄、蓝三种颜色，留下 1／4透明部分，第三张透明部分同前两张大小相同，剩下3／4涂上不透明色彩，平时透明部分重叠，圆片 中间用一颗按钮固定。

使用时只要在投影器上转动色片，能认识红黄蓝各种原色，继续转动上下调色片，当两种原色重叠时，就 能在银幕上清楚看到图片边缘的红色和蓝色、蓝色和黄色等原色，在扇形部分出现间色之间的变化，例如红＋ 黄＝橙；黄＋蓝＝绿；蓝＋红＝紫。

这个原理也可把三间色调成三复色，制作方法相同。

这种调色器简单，操作方便，解决了以往用颜色直接调配看不到原色的不足。

4．古诗欣赏与绘画风景片

古诗《小池》——“泉眼无声借细流，树阴照水爱晴柔；小荷才露尖尖角，早有蜻蜓立上头。”引导学生 欣赏这首古诗时，我使用“情景教学”手段，画了一组活动投影片，画面上阳光灿烂，垂柳轻拂水面，池中荷 立，充满生机。然后用抽拉片移动几只蜻蜓飞来，一群小鱼游过。此时又播放一首轻音乐曲《小河淌水》 。音美、形美、意美，把学生的思维引到了学校门口的小水池，使他们的听觉、视觉、感觉一齐活动，受到了 美的薰陶，激发了他们创作欲望，画出了一幅学校门口熟悉的“美丽的小水池”风景画。

5．《大家来植树》创作画的构思片

这个课题往年学生交来的作业是千人一面，没有新意，大家以教材范画临过来，名曰创作实为临摹。我改 变程序式的教法，选择了“构图与立意”的重点，创作三幅简单的胶片构图让学生去观察、思考、讨论和创作 。

图片（1），一座学校，当空悬着一轮红太阳。

图片（2），一片荒山旷野，一条小路通向天边。

图片（3），一棵大树浓萌盖地，寂然独立。

学生围绕三幅构图，经过思考讨论，各自构思理想画面，交来的作业有三种类型；情景交融、场景壮观、 理想蓝图。构思新颖、寓意深远，与往年相比，有了明显的差异，较少找到临摹痕迹。

6．人物表情复合片

小学生掌握人物表情喜怒哀乐的画法比较困难，我画了几张人物表情变化复合投影片，进行直观教学。

第一张利用重叠片，出示一幅头像，让学生观察其表情与特征，然后喜、怒、哀、乐四幅同时出现，让学 生欣赏、分析，比较其不同表情、特点与特征。面部表情，以眼部和口部的变化最明显。同时要求背诵口诀： 画人笑眉开眼弯嘴上翘；画人愁嘴向下弯眉头皱；画人怒瞪眼咬牙眉上竖。

第二张利用分解复合片（简笔画），在一张片子上画出头部轮廓，再分别在四张片子上画上不同的五官表 情，只需移动五官表情片，出现了表情各异的头像。要求边看边默记五官变化特征，然后再默画出来。

7．五官位置复合片

人物画教学五官位置。在制片中，先映出一个正面人物头像，然后将五官全部拉走，留一个脸形，讲“三 停”，将复合片三停线合上，再拉动“眉”、“鼻”片，分别放在三等分的1／3，2／3线上，就映出了“ 发际线至眉线＝眉线至鼻底线＝鼻底线至颏底线，”这样给学生清楚地讲明什么叫三停，并掌握眉与鼻的位置 。

然后将复合片“五眼”线合上，拉动“两眼”片讲解什么叫“五眼”。再拉动“嘴”片，放在鼻底至颌底 1／3处，拉动“两耳”片，放在眉线与鼻底线之间。这样，学生对正面头像五官位置就弄清楚了。人的颜面 五官位置有严格的规律性，在绘制“五官”的大小比例与在使用投影片时都必须准确，才能达到教学目的。

8．运动人物（速写）活动拼板人体片

小学人体画教学历来最难，学生也最怕画人物画。为了上好这堂课，要求学生制作一个纸板活动人体，人 体每个关节用按钮钉牢。

（1）开始用投影片映出走路、跑步、坐地的姿态，让学生分析各部关节转动，并用纸板活动人体拼出三 种姿态。

（2）要求学生凭经验记忆拼出一个足球运动员踢足球姿势，并拿到投影器前放映，全班同学观看评价， 总结出一个动态优美且有力量的运动员必须符合下列三要点：肢体变化要协调，身体角度要恰当，器械位置要 合理。

经过一系列纸板活动人体“操练”，在激昂的“运动员进行曲”音乐声中，要求学生用记号笔画出一个运 动员，做到先拼后画。在15分钟内人均画出3个运动员，个个动态栩栩如生，全班没有一个雷同。

9．构图基本知识——变化与均衡活动片

片（1）映出4张学生平时作业构图通病——太小、太散、太满、太偏。让学生当小医生，指出毛病，提 出治方，让学生初步认识构图的重要性。

片（2）画出码头轮船既高大又多。第一张只画出轮船的多；第二张只画出轮船的高大。通过比较让学生 理解构图要根据绘画目的和需要而画。

片（3）映出三个排列一致的苹果，学生看后说：“构图呆板没变化”。指名三个同学在投影器前，用事 前制好的苹果排出有变化的构图，达到变化有大小、前后、掩露、聚散等效果。

片（4）映出两个同样苹果，讲解说：“这两个苹果中间的中心，两边‘重量’相等，叫做均衡”。“这 个构图只均衡没变化，显得呆板”，学生提出问题，接着又由他们在投影前排出一幅幅有变化又均衡的构图。 学生经过看、摆、评的锻炼，较快掌握“变化与均衡”的构图基本法则。

四、绘制投影片的一些特技方法

1．白色图形和文字的绘制。用白乳胶涂在胶片上，加入透明颜色，制成透明底版，待干后用圆珠笔（没 色的）刻出图形和文字。

2．木刻效果的绘制。用广告颜色直接在胶片上写画，可以收到黑白木刻效果。若在画画的胶片上贴上彩 色玻璃纸或彩色明胶片，可以得到套色版画效果。

3．素描效果绘制。用硬一点的（HB）铅笔在用橡胶擦毛的透明胶片上作画，然后涂上一层透明胶水， 可以得到很好素描的效果，也可以着一点色，则成为铅笔淡彩教学投影片。

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字体是各种媒介用来传递信息的一种语言记录符号，是一种特殊的信息承载物。字体设计则是通过对字体笔画、形体结构进行美化装饰加工处理的一个过程。字形之美给人以优美的感觉，为了锁住受众目光，与时俱进的字体创新设计在经济飞速发展的今天越来越显得重要。各大专院校的字体设计课程的设置与教学是否适应新型人才的培养，需要我们更多的思考。

字体设计课，作为一门设计基础课程，是各设计院校视觉传达设计专业必不可少的基础专业课程。传统的字体设计课的教学方法偏重于文字书写、文字结构、文字笔画等文字的理性美感的研究。课程安排也是引导学生在了解中外文字发展简史的基础上，把训练重点放在文字的书写上，往往是临摹一段方正字形的宋体字、黑体字，或是摹写一段线形的罗马体、埃及体等，充其量最后安排一段字体的变形与编排组合就算完事。学生上完课后，只关注了文字的结构、笔画及书写，而对于文字作为特殊的设计元素的文字创意则被忽视。WWw.133229.Com信息时代的今天，文字已经不局限于简单的变形书写，定格在约定俗成的传统模式中。这种模式不管多么完美，已经显得有些俗气而“老套”，已经是信息时代的绊脚石，不适应社会的发展。

如何使大专院校的字体设计课程的设置与教学适应新型人才的培养，如何使字体设计教学生动而具有时代活力？如何使即将走入社会的设计人才学有所用？字体设计专业的教学改革与创新迫在眉睫。

一、对字体设计传统教学模式的扬弃，是改革创新的第一步

对传统的字体设计课程，要用发展的眼光去看待。传统的东西有好的一面也有落后的一面，要学会扬弃。首先，来分析一下字体设计传统教学模式：传统的字体设计有着长久的知识积淀，传承历史悠久的文字艺术，比如注重传统文字的基本结构、文字理性之美、书写方式，培养学生快速、规范书写的技巧和能力，要求学生字体书写准确、生动、严谨和完整，对于提高学生对文字美感的认知和掌握书写技巧，有其科学和合理性，这是需要保留的教学优点等，对字体设计以后的发展也相当有用，需要继承与发展。但传统字体设计教学模式老旧过时，只注重文字书写、文字结构、文字笔画等认知与掌握，或是只注重摹写已成体系的字体，或是只做些许字体变化练习，就称为文字设计，从而忽视文字特殊创意的环节，重心没落在“设计”的概念上，这种模式是不利于优秀设计人才的培养的，这样的模式需要抛弃。

二、给字体设计课注入新的教学理念，传授与时俱进的合理专业知识

新教学观念的注入，有利于培养适应新时代的设计人才。要想培养出这样的新型人才，字体设计教学必须时时观察现实社会的动态，形成一种能随时与时代跟进却又有一定设计规则的设计课程，建立多视角、多元化的、新的字体设计教学模式。

1．继承传统，偏重“创新”的设计理念

前面提到，我们要扬弃传统，对好的东西应继承发展，而对落后没用的东西则应坚决果断地抛弃。过去的字体设计教学，注重传统的继承，学生的技能训练，重心在“字体”书写技能的掌握，却忽视了“设计”是这一课程的真正目的。其实字体设计不仅仅是对传统字体的了解与掌握，而主要目的是在掌握传统字体的基础上，对其做出具体的美化加工处理，也就是对其进行“设计”，创造出新的字体图形。

2．培养供需匹配的人才理念

教学是为了培养人才，培养出来的人才有何用？服务于社会。老师面对的是一群带着理想走入校园的设计人才，这些人走入社会将会造福人类。教学的专业知识如果是落后的，它与社会需求并不匹配，培养的学生也无法立足于社会。在竞争激烈的社会里，他们就很容易被淘汰，这样我们的教学也是失败的，最终也会被社会淘汰。所以，把培养社会供需匹配的人才作为新型的教学理念，是当今字体设计创新改革的必然。

3．与时俱进，不断创新的教学理念

如何培养出供需匹配的人才？这需要站在教育第一线的专业设计教师们有着不断地更新的教学理念，关注时事动态、关注商业设计需求、关注学生的兴趣取向，更新自己的专业知识，用行政法有趣的教学方法，正确引导学生作文字创新设计，创新教学理念。

三、重新规划教学进度与重难点，是落实改革创新的主要措施

文字设计在继承传统教学模式优点后注入了新的教学理念，教学也需要有新的规划。比如授课内容、重点与难点、达到的目标等，教学重心有了新的规定与调整。

1．设立字体设计课程主要的教学目标就是要学生在掌握基础文字的规律与书写技能外，独立创作个性字体，字体创作过程就是字体设计过程。

2．笔者把字体设计课程分成四个阶段，这四个阶段是循序渐进式的梯度教学进程。

第一阶段：基本字体训练部分，占整个课程学时的四分之一。这是对文字的构成、笔画的基本规律的学习掌握阶段，这一阶段引导学生注重字体的基本的书写技能，可为下一步的文字设计打下深厚的基础。

第二阶段：字体变形练习部分，占整个学时的四分之一。此阶段主要是训练学生在基本字体的结构规律上进行笔画与结构的变形练习，把文字作为一个设计元素，进行图形化创意设计练习。

第三阶段：个性创意阶段，占整个学时的四分之一之多。综合文字美化装饰的创作手段，在限定主题的情况下进行个性文字创意创作，并利用现代电脑技术，使文字创意达到最佳效果。

第四阶段：综合其他设计元素进行文字设计，增强整体设计观念。

文字是视觉传达设计中必不可少的设计要素，它既是语言的诉求载体，也是承载形象信息的图形载体，是现代视觉传达设计中诸多设计元素中最重要、最具个性和活力，又最具独特的设计要素。但它却是现代设计整体中的一部分，是与其他设计元素密切相联、相辅相成的，字体设计必须服从设计创意的内容，符合版面的需要。换句话说，就是要部分服从整体。

3．传统的文字设计重点是在字体书写规律与技能上，而难点放在字体的架构上。然而，现代字体设计已不仅仅满足于此，除了创造具有很好架构的字体之外，还强调字体个性。因此，整个课程的教学重心是“设计创新”，重点放在第二阶段与第三阶段。所以，难点也在此处，就是如何在限定主题，限定范围的情况下进行字体个性化创意设计。

四、创造字体设计学习氛围，提高学生学习兴趣

以文字的摹写为主，从头至尾基本都是技能作业练习，学生难免会感到单调、古板、枯燥、乏味，学生积极性受到抑制。现在的字体设计虽然紧跟时代，新的东西很多，但如果教学方法仍陈旧不得当，学生同样会感觉枯燥无味而且还显得杂乱无章。如何让学生既能学到专业知识，又不感到乏味呢？创造一个好的字体设计学习氛围显得非常关键。

如何创造？首先，教师要拥有广博的字体创意理念与创意知识。教师的专业素质决定了文字设计课的高低档次，如果是一知半解，如山中竹笋一样，腹中空空，课堂气氛也永远活跃不起来，学生对老师也会失去信心，这种教学就难免枯燥乏味。其次，老师要有十二分的热度投入到实际教学中，外加丰富的文字创意知识与理念。再之，老师还要懂得如何捕获学生的兴趣取向。可以充分利用学生的好奇心态，进行专题研讨、小组交流、师生互动等，也可以利用多媒体和幻灯机等现代化教学手段，欣赏并分析大量中外优秀的、具有很强视觉冲击力的字体设计案例，或是模拟游戏空间创造文字游戏活动，从而引导学生对文字的字形、笔画、结构大胆创想，打散重构，形意结合，以图创字，以字为图，维度空间利用，字体与实物肌理、材质组合拓展，让字体设计课程变得趣味无穷、充满诱惑，让学生愿意主动积极地参与到学习字体个性设计中去。

以上是笔者为建立完善而具有时代特色的字体设计专业教学提出的改革创新的建议，希望站在设计专业教育战线第一线的教育者与设计者的角度，更多地开发新的创新字体的设计理念，使将来的设计趋于更加完美与完善。

参考文献：

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二、技术美学在室内设计中的具体应用

1.形式美在室内设计中的体现

客观地说，要在室内设计中体现形式美，便是要求设计所涉及的不同物件之间在风格上、色彩上、样式上等不同方面具有高度协调性。具体来说，一方面，应当关注“适度美”。其中，最为重要的核心便是关注人及人的各种需求感，在进行室内设计的整个过程中，应当时刻将满足人的心理及生理需求放在首要位置。从生理需求上考虑，应当根据人体工程学的理论知识，分别从人体的尺寸、比例等不同角度进行分析，同时结合室内空间的大小、室内物品的摆放位置及功能等不同因素来进行室内设计。同时，站在人的心理角度，还需要关注人对设计美的心理感受。另一方面，还必须重视“均衡美”。所谓均衡美，其根本目标是在不断变化的心理过程中寻求一种平衡感。体现在室内设计中的不同方面，如形状、色彩、面积等等。其中，形状的均衡就是不同物件的外观形状或者形态的均衡；色彩的均衡是指室内各个物品颜色的设置或搭配方面的均衡；而面积的均衡则主要体现在视觉面积上面。从本质上说，不论哪一角度，要对人产生一定的影响都必须借助于客观实物来体现。

2.艺术美在室内设计中的体现

传统的观点认为，装饰就是艺术，艺术就是装饰。之所以会有这种错误的论断，其根本原因在于对艺术本身缺乏客观、全面的认识。毫不夸张地说，一件普通产品，即使没有经过任何修饰或者装饰，也可以被叫做是“艺术品”。换句话说，对于任何一件产品而言，均可以借助于抽象的艺术而产生一种艺术美，从而给人以美的视觉享受。毫不夸张地说，一个成功的设计作品必然是美的现实体现，具有较高的艺术价值。同样，室内设计也必须重视实用性与艺术美的完美融合。一般情况下，为尽可能满足人们对于空间的精神需求，在进行设计的过程中，往往可以借助于具体物件来实现不同风格、内涵的体现。不可否认，要体现艺术美，是为了更好地体现形式美。通过设计，能够使人们的生活空间及环境得到完善，从而不断改变人们的生活态度与生活观念。

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1、AUTOCAD软件空间设计表现

AUTOCAD软件作为室内设计中的重要表现方式,在这个方案的过程中得到了充分的使用,为方案的如期完成以及创意的展示提供了有力保障。在整个方案设计的过程中,AUTOCAD软件是运用最多的,从前期平面规划的布置到每个立面的装饰,从节点大样图的分析到各物体尺寸的敲定,都离不开AUTOCAD软件的运用,主要是AUTOCAD软件具有操作简单、灵活,绘制的图纸按实物一比一绘制,同时方便进行修改等优点。相比居住空间而言,公共空间室内设计方案的绘制除了对常规的空间平面布置图、立面图、吊顶图、水电布置图等进行绘制外,还需要对各个材料的交界处以及施工工艺进行大样节点图的绘制、说明。AUTOCAD软件在不同的设计过程中的要求以及重视程度也不一样,我们一般会根据方案的要求进行分阶段的设计,一般我们把设计阶段分为文字内容、形象表达、技术表达、设计认定四个步骤。在形象表达过程中需要设计完成的是平面布局图、设计草图、设计效果图、设计模型等四方面的内容。技术表达主要是进行施工图的绘制,主要完成造型平面、顶面、剖面三视图,标注施工工艺、施工技术的要求,写明装饰材料的规格,明确工程要求达到的质量以及空间、材料之间组合的色彩关系。这是管道墙的立面图,主要表示的是各种规格的管道的排列走向示意,对于图中的一些施工部分进行了尺寸的标注,并通过图层颜色的设置,使整个画面非常安静、整洁、规范,对于委托方以及施工工人都能方便的查看。

2、 3DSMAX软件空间设计表现方

案设计的过程中一般都会进行效果图的绘制,在电脑技术还未普及的年代,效果图的绘制都是通过手绘效果来实现的,用马克笔、彩色铅笔、水彩颜料等工具进行绘制,效果很好,这类效果图更多的还是一件艺术品,因为是绘画艺术的综合使用。但这种手绘绘制的效果图由于耗时多,成本也就大幅上升,另外由于是手绘表现,所以对于空间尺寸的把握不能做到百分之百的正确,在透视问题上肯定存在误差,所以在信息技术普及的现代,手绘效果图慢慢的已经淡出了装饰市场,只是在一些方案的前期设计中运用比较多。3DSMAX软件作为一款三维建模的软件,在今年被广泛的应用在室内设计的效果图表现中, 由于制作成本低廉、周期短、完全按AUTOCAD图纸中的尺寸绘制等有点被得到广泛认可。本案例是采用的V-Ray渲染器插件,3DSMAX软件也自带渲染功能,但V-Ray渲染器插件目前做的比较成熟,在表现室内场景上面有它的优势,效果好同时渲染时间短,所以得到了设计师的认可。

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由于室内设计学科起步较晚，缺乏对学科本质的理解和认识，缺少应有的理性认识和准备，出现学缘关系不明确现象。在美术教育的影响下，将美术知识体系作为基础的室内设计教学与学科本质相违背，出现室内设计教学过于表面，缺乏深入研究的问题，对学生可持续发展产生了消极影响。虽然，美术教育造成了室内设计教学学缘关系不明确的现象，但是，美术教育对室内设计在视觉表达方面提供了帮助，主要表现在三个方面：首先，设计方面，扎实的绘画基础，不仅能够培养学生空间造型能力以及审美能力，还能够控制设计整体效果的表现，从而提高设计水平，实现设计目标；其次，空间以及色彩表现方面，美术构成教学能够引导学生通过运用美学对比原理，将室内空间分割成平面、立体形态，不仅能够优化视觉审美结构，而且通过合理的色彩布局，能够完成色彩设计和目标；最后，设计技术方面，在信息和计算机技术不断发展的今天，将计算机技术与室内设计教学有机结合，利用现代设计软件，学生能够准确的设计建筑形体，并运用空间建模技术将建筑模型展现出来，而photoshop等软件还能够美化和完善设计效果。

2.理性学科边缘化

室内设计与绘画、雕塑等传统美术形式存在本质上的差距，室内设计需要同时满足静态、动态两方面的设计要求，其涉及学科范围较广，例如物理学、科技学等，这些学科内容为室内设计教学发展提供了支持，然而，将美术教育作为基础的现代室内教学，过度追求视觉表象，忽视理性教学的重要性，最终将室内设计学科理性推动边缘化，导致室内设计空洞、缺乏真实性，不仅如此，纯视觉美术教学也在一定程度上阻碍了室内设计教学的发展。

二、构建理性室内设计教学的有效措施

明确学科本质，处理好美术教学与理性学科的关系随着国民经济的快速发展，人们对建筑设计要求逐渐提高，也推动了室内设计领域的不断发展。为了能够完善设计学科，只有通过注入新鲜血液，不断充实设计专业内容，才能够实现室内设计现代化目标。室内设计学科与其他学科逐渐呈现交叉、复合等形式，另外，室内设计学科研究并不深入，还存在许多空白。因此，为了能够提高室内设计教学效率和质量，将功能性与视觉审美分离，并在理性学科基础上定位学科属性，加强建立以功能为中心，明确室内设计学科基础，并处理好美术教学与理性学科之间的关系，优化课程结构，调整课程教学内容，最终构建以理性学科为基础的教学结构，从而促进室内设计教学不断发展。

1.构建学科基础，完善教学体系

学科基础是教学建设的关键，在“大美术”教育影响下，加强理性学科建设至关重要，不仅直接影响室内设计教学活动的顺利开展，而且对提高教学质量和效率同样具有非常重要的作用。因此，在构建理性学科基础过程中，应结合相关学科内容，例如将建筑学、水电基础以及环境科学等学科内容都纳入到室内设计学科基础之中。另外，室内设计本身具有交叉性、边缘性等特点，应将人才培养目标与这些特点有机结合，构建坚实的学科基础，并完善教学体系，为我国现代建筑领域的发展培养更多高素质人才。

2.将设计应用作为评价体系

传统的室内设计教学过度重视设计视觉表现，更多的是强调效果以及画面的质量，侧重美术在室内设计的效果作用和影响，这种传统重视视觉效果的教学方式，错误的引导学生将注意力集中在解释设计而非设计本身。因此，构建将理性学科基础在室内设计中推广的教学评价体系十分必要，也是推动室内教学设计发展的有效途径。首先，转变传统教学观念，从根本上纠正错误的教学观念，是建立新教学评价体系的前提，将室内设计教学与设计学科有机结合，并直接将教学引导到设定的教学目标之中，不仅能够有效的构建室内设计学科与其他学科之间的联系，而且，通过学科的互联性，还能够深化学生基础知识。另外，现代社会中，构建节能、环保以及友好型社会成为发展主流趋势，一切活动都应坚持可持续发展以及科学发展原则。基于此，新的教学评价体系应广泛关注社会需求变化、行业信息等多方面信息，并积极运用到教学活动中，提高教学质量和效率，从而促进室内设计教学逐渐转向应用型学科。

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2.以绿色生态美感设计理念进行统筹规划

要充分结合现代建筑学的基本原理、生态价值观、节能减排绿色环保新技术，营造适宜的生态居住环境，对影响城市生态平衡与美感的各种环境因素、自然因素以及人文因素进行统一协调与统筹规划，使其和谐共融、统一共生，有序而持续地发展。在城市住宅布局整体规划设计过程中，应对环境空间的生态环境进行充分合理设计，依据南北朝向、最大向阳与通风程度对住宅区进行规划，留出科学合理的通风道口与生态绿色走廊；科学合理地设计建筑单体、群体的朝阳区与阴影区，使居民可以最大限度地享受阳光；应以城市空余地面为基准，强化区内景观园林建设；充分利用城市内外自然山水环境，使之统一，通过远山借景、引水入市等美化生态景观；保持动植物种类的多样化，创建自然和谐的生存环境；扩展区内园林树木种植面积，加强生态气候调节能力，提升居民生活舒适度与健康指数。设计师可以通过科学统筹规划绿地、建筑与景观，形成通透深远、富有层次感的景观空间，通过以曲代直的形态布局，美化建筑形态与园林分布空间。

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中图分类号：J023 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2013）07-106-2

美术专业本科生毕业论文写作是高等艺术教育过程中极其重要的教学环节，是检验学生运用所学知识分析问题、解决问题以及动手能力的重要手段。也是培养学生进行艺术考察与材料收集整理，相关文献资料的阅读及使用，学科论文与实用文体写作等基本技能的训练良机。近年来，通过本科教学水平评估，美术专业本科毕业论文写作在规范化方面有所改善。然而，随着学生数量逐年上升，学生的综合素质却逐年下降，其中毕业论文写作质量下降尤其严重。本文根据近几年的毕业论文辅导与管理工作，本文对这些年质量下降的毕业论文进行综合分析，从中发现了一些普遍的规律性问题。并针对问题，对论文教学计划和方案做出了一系列的调整。

一、美术专业本科毕业论文选题与开题常见问题

（一）论文选题

合适的选题是提高研究能力和写作水平的重要保证。多数同学在选题方面缺乏新意，显得陈旧老套，自主性不强，研究价值和意义不大。其次是论文选题盲目笼统，不够精准，缺乏内涵和外延性，或文不扣题，部分题目字数偏多不够精炼，逻辑性不强。或选题偏大，无法用一两个月、数千字深入展开论述，只能点及皮毛。如《工艺美术研究》《论中西方文化艺术比较》《论中国工笔画》《论产品包装》《论中国美术发展历程》《我的何去何从》等。或是论文题目结构不完整，只有名词，缺少动词或介词，或者是重复使用动词，如《抽象与写实》《内衣的流行色》《传统民间绘画艺术性的研究分析》等。因此，导师的积极引导或建议学生选择有研究价值的和正确的选题，是学生顺利完成毕业论文写作和提高毕业论文质量的前提。

（二）论文开题报告不按照要求填写，随意拼凑一些不相关的内容

对该课题的研究目的较含糊，缺乏对课题研究价值与意义的认识。其次知识面狭窄，查阅资料不够，在该项课题国内外研究现状方面，把非常陈旧的选题说成是国内外现在无人研究，本项研究可以填补本课题空白。研究内容不够简单明了，满篇幅的长篇大论。

二、美术专业毕业论文写作方面常见问题

（一）摘要与关键词

摘要是全文的浓缩，也称内容提要或概要。主要包括研究目的、方法、成果和结论等要素。不对文章内容加以补充解释和评论，我们学生在摘要撰写时惯用“本文”、“笔者”等作为主语，习惯对论文内容作诠释和评论及自我评价。还有大部分摘要复制正文中的某一段落，结构不完整，不能够概括反映论文内容构成。关键词，是从论文的题名、提要和正文中选取出来的，是对表述论文的中心内容有实质意义的词汇。关键字的选取都是遵循一定规范的，是为了满足文献标引或检索工作的需要而从论文中选取出的词或词组。关键词的内容应该与论文密切相关，不能使用常用词，如特点、比较、研究等。

（二）文不对题或研究方向与本学科偏离

文章内容与标题有明显不符和偏差，非本学科研究范畴。如：《电热水壶的可能性研究》标题感觉与艺术设计专业无关，而文章内容却是电热水壶造型设计。还有一些文章不能够围绕主题展开论述，比如谈关于绘画情感方面课题，前一两段内容还围绕绘画情感这条主线，中间部分就偏离到绘画教学问题上了，再后的结论则偏离到另一个主题上了。

（三）写作能力方面的问题

首先是选题的自主性不强，题目与研究内容陈旧、老套、缺乏创新。表现为单纯叙述多，口头用语或方言使用频率偏多，对选题的静态解释和再次印证做得过多。创新和理论深度稍显不足，有些论文在研究具体画家或具体作品时，过多地描述画家的生平，不善于与其同时代的作品去比较，更没有放入当时整个社会大文化环境中去分析，这就使得作者在论文自主分析能力方面显得无力，更缺乏对问题的判断与定论。其次有些论文行文中分段过渡不自然，依靠小标题进行上下段落衔接，引用图例量大，而对图例分析缺乏深度，文章拼凑痕迹明显。下载一些与论文选题相关的内容拿来不加分析地肆意组合，前后自相矛盾。如《关于地域民俗文化对民间艺术的影响》一文，文章的前半部分主要是肯定地域民俗文化对民间艺术的影响，然而到文章结论部分话锋一转，对前面的论述予以否定。

（四）论文结构不完整

主要表现为论点不鲜明或没有论点，结论不充足或没有结论，“缺头少尾”或“虎头蛇尾”。全文从头到尾都是对研究内容单纯的叙述或介绍，没有一个明确的研究切入点和自己对这个问题的观点。或者是文章开头架势很大，随着文章的深入，论述越来越显得苍白无力，对所提论点不能自圆其说，首尾缺少呼应。

（五）格式不够规范

美术与设计专业学生的毕业论文格式容易出现的问题有：一是习惯自我发挥，对论文原有固定格式进行随意修改，破坏原有格式及结构。二是不善于阅读，对毕业论文撰写要求理解不够到位。三是没有掌握WORD软件功能，无法按照论文格式标准要求独自完成。

三、存在问题的原因分析与对策

指导教师对毕业论文思想认识与指导力度不够。随着近几年学生数量的增加，师生比逐渐加大，几乎全体专任教师参与本科毕业论文指导工作。由于美术专业教师主要承担技法课程教学工作，且大部分为青年教师，科研能力参差不齐，部分教师对毕业论文写作的重要性认识不足，自身平时缺少论文写作与系统的科研训练，在论文写作方面缺乏经验，因此在论文辅导工作中存在许多困难。从毕业论文的开题到写作及最后答辩难以达到严格的规范要求。

从学生的层面上讲，由于艺术生在招生录取中，文化分数要求普遍偏低，尤其是文字写作能力偏低或缺乏兴趣。因此在毕业论文写作中困难重重，易出现言语匮乏、概念模糊、格式混乱、文不对题，论文结构不合理等问题。其次是美术学科学生缺乏端正严谨的态度，学生普遍认为论文写作与专业技巧知识关系不大，毕业论文的撰写较耗费精力，不必全身心投入，毕业论文成绩只要合格即可大功告成。此外计算机网络的普及与相关学科文献资料源的丰富，给学生提供了论文参考的便捷途径，同时也给论文抄袭提供了方便，论文抄袭拼凑成风。另外就是受到就业压力的影响，学生大部分奔波于各类招聘会，心情浮躁，无法安心进行毕业论文写作。于是出现毕业论文写作不够积极主动，甚至应付的情况。

这既是教风与学风问题，也是客观存在的社会问题。近年来我们在论文工作中对此采用了相应的措施，取得了一定的效果，但未能完全杜绝此类情况的发生。这需要我们在今后本学科毕业论文工作中，从自身的工作中找问题，严抓教风与学风建设，加强学生实践教学环节的监控，制定一套行之有效的毕业论文工作方案和实用于美术学科的文体写作标准及评价体系，这将对美术学科本科生综合能力的培养起到至关重要的作用。

首先建立以系负责人与教研室分级管理制度。把教师能否完成本学科毕业设计（论文）指导作为教学工作考核的一项指标，打造一支业务过硬的老中青结合的可持续发展的毕业论文指导教师团队。鼓励教师在科研方面投入时间和精力，确保学术与教学相互促进。同时以传帮带的形式，对青年教师有规划培养，直至青年教师能够独立进行课题研究及完成毕业论文的指导。

其次是实行导师制，根据教研室分若干课外兴趣辅导组，可安排学生在第二学年后半阶段开始在导师指导下有步骤地进行训练。根据学生的志趣和专长制定训练计划，内容可包括美术基础、艺术创作（设计）、阶段应用文写作、创新训练等，以此培养学生综合实践能力。指导教师在平时加强自身的学术研究，同时也可以鼓励学生参与到自己的课题研究中，以自己的切身感受和研究过程影响学生，以此培养学生的学术研究能力及兴趣。这种训练方式也可以作为毕业论文与创作设计的前提，为学生毕业论文与创作设计打下坚实基础。

最后是毕业论文形式多样化，根据学生的兴趣与实际情况，实行毕业论文类型多样化，如艺术史论、民间艺术、艺术评论、创作（设计）构思与理念等。鼓励学生根据自己的创作（设计）撰写可行性报告书、结题报告书。在撰写此类文章时，思路不能只停留在创作（设计）方法或内容本身，而要上升到对当代社会生产生活、意识形态、人类生存环境等方面的关注，要有社会责任感。

通过以上几个方面的有针对性的教学与实践，可以有效降低学生的抄袭行为，提高学生的综合艺术实践与研究能力，同时也可以提高青年教师的自身科研能力。