古典音乐钢琴教学范文

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成功的演绎一首作品，需要演奏者通过娴熟的演奏技巧将作品的思想内涵用更具想象力和表现力的方式传达给观众。因此，无论作品的难易程度如何，扎实的基本功都是演奏的前提。国内的少儿钢琴教学对这方面的重视程度相对较高，随着琴童钢琴学习程度的不断加深，攻克演奏技巧上的难题对国内的琴童而言是相对比较容易的，这完全得益于从小对基本功练习的重视。但是，单纯靠技巧支撑的音乐是没有灵魂的，琴童在面对作品技术层面的难度不断提高的同时，往往需要在演奏过程中倾入更多的情感，从而使整个作品演奏更具说服力、更加充实饱满。而这种情感，是需要通过了解并认知作品本身的创作背景、感悟作曲家创作之初的思想动机而获得的。现代钢琴教学体系中，我们接触到的作品绝大多数属于欧洲古典音乐作品，受年龄因素制约以及不同的时代背景和文化氛围的影响，这些孩子很难与这些作品中包含的情感达成共鸣；即便教师在授课过程中对作曲家的生平及作品本身的背景进行解读，由于地域文化的差异以及不同时代背景下缺少对这种情感的认同感，孩子还是很难单纯的从老师营造的语言环境中去体会作品的情感，从而完美的呈现作品。

在从教的二十余年中，笔者接触过的既有刚刚选择学习钢琴的4～5周岁的学龄前儿童，也有已经结束启蒙课程转入正规学习的小琴童；在教学的过程中慢慢发现，直白的对单一作品或作曲家的背景进行解读或是试图通过乐曲曲式、强弱的变化、速度的变化等使学生感受作品所要呈现的情感变化，从而引导学生完成演奏，最终的效果都不尽如人意。因此，如何在少儿钢琴教学过程中让这些年龄较小的琴童可以更直观、更有效地感受这些富有历史文化底蕴的欧洲古典音乐作品、了解作品中所表达的情感，成了在少儿钢琴教学中不断探索的新课题。通过不断地尝试，总结出了一些比较有效的方法以及情感培养过程中应该着重的方向，主要概括为以下三个方面。

第一，培养孩子对新事物的认知能力。国内的琴童从小接受的便是传统的中式教育，而钢琴这种传自于欧洲的乐器，其演奏的精髓是对欧洲古典音乐的完美阐释。欧洲古典音乐作为欧洲文化的结晶，其本身带有厚重的历史文化底蕴和鲜明的时代特点。每一首音乐作品的创作，既是作曲家个人情感的宣泄，同时也是当时时代背景下意识形态的缩影；而作为学龄前的小琴童，是不具备把握这种情感的能力的。所以，我们最初要做的，只是引导孩子们可以本能地、真实的反映出自己听到作品时产生的情感。

许多从事少儿启蒙钢琴教学的同事都喜欢用生动活泼的语言来引导小学员学习演奏，拟声词和意境营造是老师们常用的两种方法；这种以语言形式诱导学生的方法在教学初期还是可以达到一些效果的，但却仍有一些弊端。

学生接受的往往是成人思维下的情感认知而并非自身对接触音乐作品时的第一感受。即便是第一次接触音乐作品的孩子也会对作品本身产生自己的情感，最直接的回答便是“好听”或是“不好听”。在这个阶段的教学过程中，我们需要做的其实并非是让孩子真正懂得作品所表达意境或是主题，只需要让他们学会在欣赏作品后用语言表达自己最直观的感受。

笔者曾与同事分享过自己赴欧洲比赛时在国外一家少儿钢琴培训中心的所见，偌大的教室中放着五颜六色的颜料，老师在演奏作品的同时让孩子用色彩在地上涂鸦，孩子们用不同的色彩表现自己在听到音乐时的第一感受，这种更直接的传达感受的方式，让他们感觉耳目一新。我们相信，孩子们对事物的认知和感受能力，正是在这种直截了当的表达方式中树立并不断得到提升的；而涂鸦的过程正是一种对自身情感的宣泄，学员们已经在这种看似玩闹的过程中学会与音乐作品同步展示情感。

第二，学会欣赏、注重量的积累。在经历了最初的以培养孩子的认知能力为目的的官能欣赏过程后，我们需要的便是循序渐进的引导学生学会情感欣赏。情感欣赏是古典音乐欣赏中非常重要的一环。对作品时代背景的分析以及对作曲家的深入了解，是情感欣赏的前提；在学员充分了解这些信息后，他们便已经对作品所要表达的情感有了一定的了解和认识，之后再对作品呈现出的调式、曲式、节奏、速度、力度、音色加以系统分析，我们便可以引导学生将抽象的情感具体到每一种演奏形式。

在这个阶段的学习过程中，欧洲音乐史的贯穿学习将会起到至关重要的作用。不要怀疑小学员能否真正了解历史，因为他们要做的只是了解，而并非感同身受。任何情感的产生都需要一个时间的沉淀，当我们像讲故事般将欧洲音乐的发展史娓娓道来时，这些他们听到的故事将伴随着他们的成长一同沉淀，最终形成他们对欧洲音乐文化独有的认识，这是一个漫长的过程，也是孩子学习钢琴中情感培养至关重要的一环。

此外，对音乐作品的赏析同样需要量的积累。现如今的教育模式下，孩子很难接触到与自己当下技术难度不相匹配的音乐作品，但是我们不妨想想，欣赏，并非要求他们掌握。就像我们从小给孩子们讲睡前童话一般，所有的童话故事又与孩子当下的生活有什么关联呢？所以不要让“听不懂”成为他们欣赏古典音乐的绊脚石，因为我们真正应该关注的，是孩子对音乐本身是否会产生情感而并非情感的正确与否。我们需要培养的是一个对音乐作品饱含深情地演奏者，并非预先编排好程序的机器人。

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西方古典音乐欣赏在音乐教学中非常重要，通过学习和欣赏西方古典音乐，能够使学生受到古典音乐的熏陶，塑造学生高尚的情操和健全的人格，培养学生对古典音乐的兴趣。

一、按照西方音乐发展史的顺序来开展教学

教师要把握西方音乐的发展史，从而掌握教学的时间轴，以此为顺序来开展教学。在西方古典音乐欣赏中可以遵循这样的顺序、首先，欣赏巴洛克音乐，然后欣赏维也纳古典时期音乐，进而欣赏浪漫主义时期的音乐，最后，欣赏西方的现代音乐。教师要先为学生搭建一个西方古典音乐史的发展大纲，使学生能够掌握西方古典音乐史的历史现状和逻辑规律，从而使学生能够更好地理解每个时期不同的音乐特点。

二、在音乐欣赏中加入其他学科的内容

音乐并不是一种孤立的艺术，音乐与历史、文学、表演艺术紧密地结合在一起，因此，在进行西方古典音乐欣赏时教师还要将多门学科综合起来，为音乐欣赏服务，从而有效地提高学生的音乐欣赏水平。

一个时期的音乐往往反映了那个时期的政治、经济、文学和社会风尚，例如，巴赫音乐带有浓郁的宗教色彩，而键盘乐器正是当时技术发展的一个体现。例如，在欣赏贝多芬的《英雄交响曲》之前，教师就要为学生介绍贝多芬创作这首交响曲的时代背景，以及贝多芬的生平事迹，从而使人感受到乐曲中那跳动的时代脉搏，获得更深层次的音乐欣赏体验。

三、因材施教，尊重学生的个性化特点

由于西方古典音乐有一定的欣赏难度，学生的音乐欣赏能力和水平参差不齐，刚开始时学生甚至难以理解西方古典音乐之美，例如，难以区别肖邦和李斯特的钢琴曲，也听不懂贝多芬的交响乐。如果教师强行向学生灌输艺术心得，只会让学生对西方古典音乐敬而远之。此时教师可以循序渐进，先从一些抒情类的小夜曲开始，降低欣赏的难度，培养学生对西方古典音乐的兴趣。对于一些学有余力的学生，教师也应该为其提供有难度的曲目，满足学生欣赏和学习的需要。

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相比于文中提到的那些热衷于为乡村学生传授乐理知识、乐器演奏技巧的组织，我认为，为孩子们提供欣赏的机会才是第一步。不同于城市学生，乡村孩子们的课余生活并没有那么丰富。农忙季节，他们甚至需要为家庭分担压力。对于他们来说，学习乐器演奏无疑会加负担。此外，欣赏音乐是演奏音乐的前提。如果能够保障这些学校音乐教育的师资，那么至少这些学生能对古典音乐有基本的了解。

我曾于两年前在湖南一所乡村小学支教。这所小学距的家乡只有大约40分钟车程，当地经济条件处于全国平均水平。然而此校的校舍无法满足6个年级的需求：五、六年级一共两个班借用临镇初中的校舍――这还是在每个年级仅一个班、一个老师的情况下。我们支教团队的到来，暂时解决的师资短缺的问题。但这所小学，仍然面临诸如电灯、黑板等硬件短缺的困难。

很显然，一个老师教授语文、数学、英语、科学4门课已经是捉襟见肘。因而，诸如音乐、美术这类艺术教育基本无法展开。从与学生的对话中得知，哪怕上音乐课，也无非是老师教他们唱一些妇孺皆知的流行歌曲。

我有幸出生于一个古典音乐爱好者的家庭，5岁的时候就开始半自愿的接受钢琴培训。因此，在支教期间能带着孩子们一起欣赏柴可夫斯基、施特劳斯等人的作品――尽管对于真正的古典音乐爱好者来说，这些作品仅是“入门级”。然而对于这群孩子们来说，很有可能是第一次听到这样的音乐。

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音乐属于艺术课程的范畴，不仅可以培养人的情操和鉴赏

力，还可以提高其思维和记忆，有利于人的工作和学习状态的提升。大学音乐素质教育中主要有古典音乐和流行音乐两种，但这两种音乐从不同时期发展而来，具有时代特征的差别，但两者在本质上具有共性。所以，如何实现大学音乐素质教育中古典音乐跟现代流行音乐的有机结合，对大学音乐教育至关重要，甚至会影响到未来音乐事业的发展。

一、古典音乐和现代流行音乐的特征

李岚清在《李岚清音乐笔谈》中提到音乐的重要性：“音乐是美育的重要组成部分，不仅可以陶冶人的情操，还可以启发创意，有利于自我情感的表达和抒发。”喜欢和热爱音乐，可以完善自身的文化修养。现代音乐主要分为古典音乐和流行音乐两大门类。古典音乐（classical music）主要是指规模宏大、影响深厚、结构复杂，具有持久性效应的音乐，而现代流行音乐（popular music）主要是指广为流传、通俗易懂、活泼的音乐，两者表面看似存在很大

区别，但其本质上存在一定的通性，所以，并不存在真正的矛盾和

冲突。

现代音乐创造中，可以实现古典音乐和流行音乐的融合，很多古典音乐家将古典的音乐转变成了现代流行音乐的风格，例如：理查德・克莱德曼采用流行音乐的元素来诠释和演绎古典的钢琴曲，在大的时代背景下，采用“应情动人”的方式来表达。所以，现代大学音乐中，如果将现代流行音乐跟古典音乐相结合，发挥出各自的优势和特色，有利于音乐素质教育水平的提高和发展。实现这两者的结合，不仅会使古典音乐更“平易近人”，同时也会让流行音乐的档次更高，意义更深远。

二、如何实现古典音乐跟现代流行音乐的有机结合

素质教育需要满足的要义：面向全体学生；实现学生的德智体美的全面发展和进步；提高学生的积极性和主动性。将素质教育融入现代大学音乐的教学中，首先，要把握好大学音乐课程教育的目标、对象、教学过程、教学方式和教学关系等内容，同时要注重教学环境，构建符合大学音乐素质教育的教学模式；其次，针对大学音乐教学中的情趣性、创造性和开放性的特点来构建符合大学音乐素质教育的教材和课程体系；最后，在大学音乐素质教育中实现课堂跟课外实践教学。

现代学生对古典音乐的认识存在一定的偏差：对古典音乐的欣赏面比较狭窄；缺乏对古典音乐作品的认识和了解，感觉古典音乐较为古板。所以要想实现古典跟流行的有机结合就需要在培养学生对流行音乐热爱的基础上，提高学生的欣赏水平和鉴赏能力，同时要将古典的元素和内容等融入现代流行音乐中。

1.消除学生内心深处对古典音乐的漠视和恐惧

很多时候学生都会听见一些门铃、洒水车、手机铃声等，但都不晓得这些音乐出自何处，所以可以利用这个机会对那些熟悉的乐曲进行录音，在录音中设置古典音乐，认真地分析古典音乐的内涵和价值。例如，在按门铃时，我们设置一首乐曲《致爱丽丝》，这是贝多芬的钢琴曲。而当洒水车出现时，设置一首《婚礼交响曲》，不仅可以提高学生的学习积极性，还可以让音乐学习富有情趣等。只有消除学生心中对古典音乐的认识偏差，才会提高学生学习的动力。

2.积极地探索古典跟流行音乐的有机结合元素

古典音乐中可以添加一些流行性的元素，很多古典音乐已经开始慢慢地现代化了。在古典名曲《命运》中表现了浓厚的感情，贝多芬的作品让学生感悟到真正的价值所在。但欣赏了理查德改编的《命运》后，才发现《命运》也具有时代特征，于是恍然大悟。所以，要想将古典音乐在大学中普及和推广，需要激发起学生对古典音乐的热爱，例如，可以采用精美的电子小提琴古曲和女子十二乐坊的经典名曲，利用现代化的演绎节奏，提高学生的兴趣。

3.加强大学音乐素质教育的改革和创新

（1）采用多媒体教学方式来提高学生的学习积极性，让生动形象的古典音乐特色展现在学生的眼前；（2）优化课堂教学模式，形成多元化的教学方式。

随着现代音乐的发展和进步，音乐形式逐渐发生了改变，但在大学音乐素质教育中只有优化教学模式，将古典融入现代音乐教学中，才会促进音乐事业的发展，提高素质教育的水平。

参考文献：

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一、古典与流行何以结合

试想一下，将贝多芬的钢琴曲与筷子兄弟的小苹果结合在一起，会是怎样的画面？想来这种冲突的激烈感可能不亚于在静谧高雅的咖啡厅啃猪蹄给人带来的冲击力。流行音乐和古典音乐皆由其特定的特征而与对方区分开来，因此，若突兀地将两者进行结合就可能出现不协调的结果。然而，在大学的音乐教学中，将二者进行结合仍然是老师和学生需要努力实现的效果。二者各有其特色和优劣，如果能将二者有机结合，将会是非常完美的教学典范。

古典和流行何以结合？笔者主要从四个方面来对此进行解释和可能性的探索。

第一，全面拓展学生视野。若学生将视角局限在这两者中的一个之中，其学习音乐的能力、音乐的产生技巧还有音乐的发展可能都会受到影响。只学习流行音乐，学生可能会越来越关注大众音乐审美而忽略宫廷音乐，其曲风或作词都难免会偏向通俗，其作出的音乐很容易与沉稳背离，缺乏内涵；而另一方面来讲，若只专注于古典音乐，学生难免与现代社会和现代音乐环境脱节，容易产生曲高和寡的孤寂感甚至觉得冷寂最终对现实音乐产生厌倦或反抗心理，对大众音乐和流行音乐的了解对他们来讲是必要的，学生在学习两者的过程中，自身的音乐视角也在不断加宽增多，当视域不再局限的时候，学生能够有一颗更加包容的心去接受、连接甚至创造新的篇章。

第二，在多元统一的同时，学生的综合素质也逐步加强。在大学的音乐教学中，学生不断完善自己所了解的音乐类型和特征，在此过程中，学生也开始了对多元文化的接触和了解。对多元文化和多角度的包容能够让学生在自我发展中更具包容心态，在面对新事物的时候能以更加积极的态度来面对。

第三，教学过程趣味性增加。对知识的单一追逐终究是会让学生甚至教师产生厌倦心态，而在此刻引入另一种模式或方式，则会使教学变得更有趣，能够更好地吸引学生的注意力，让学生更加主动的参与学习和讨论中来。

第四，提高教师的参与度和积极性。古典音乐和流行音乐的研究无边际可言，单从一方面进行研究时间一久教师可能会产生倦怠性，而在课堂中将古典音乐和现代音乐进行有效结合，需要教师更多的投入，这也是教学系统中的一个良好的促进机制，激励教师更好地教学。

二、古典与流行如何结合

古典音乐和流行音乐各有其特征，如何抓住这些特征将二者有机结合是我们需要考虑和探讨的问题。笔者同样从四个方面对古典与流行如何结合进行了探索。

第一，树立全面发展，注重素质的教学理念。学校要重视学生的全面发展，对于音乐某一专业学习成绩优异的学生进行嘉奖的同时，不忘对综合素质高，综合能力强的同学进行鼓励，从而激励学生对多元的追求和努力。这样才能够调动学生的积极性，在学习过程中更好地接受二者的结合，面对多元文化的碰撞不会产生文化震惊。

第二，完善教学课程设置。现在已有的教学课程，例如古典音乐概论，这种课程从课程名称上就具有非常明显的价值判断和价值偏好，为了更好地进行教学，教师在教授这类课程时应该加强多元结合，或者对于这种类型的课程进行整改，在课程设置上注重综合性教学。例如，在讲授中外音乐家研究的时候，可以给学生播放贝多芬的钢琴曲，同时也可以给学生播放周杰伦的流行音乐，两者在各自的年代的影响力都非常巨大，两者都有可取之处，学生在听音乐的过程中，完成对不同种类的音乐的鉴赏，也扩展了视野，提高了多元文化的包容力，增强了自身的综合素质。

第三，欣赏中教育，改善教学方式。大部分学生对于流行音乐的接触度大于古典音乐，并且流行音乐在日常生活中出现的频次也远大于古典音乐。因此，有些学生在学习古典音乐时容易产生一定的抵触心理，如同对陌生事物的恐惧一般。因此，教师对其教学方式进行改善是非常必要的。对于这种类型的学生，要现将其引导进两者融合的环境中来，当他放松进行音乐欣赏之时，在见缝插针地进行适当的教学和教育，这种方式一方面能够让学生记忆生刻，另一方面，这是一种对于学生来说非常容易接受和喜欢的教学方式。但这种教学方式的缺点在于对于教学进度和教学内容庞大的课程来说进程可能会很缓慢。因此，教师可以将这种教学方式和普通的授课式教学结合起来，前者活泼愉悦，后者稳重严肃，两种教学方式有机结合，从而实现更好地教学。

三、小结

流行音乐和古典音乐作为音乐类型中的两颗耀眼星星，其独特的光芒让各自都拥有了大量的追捧对象。与其单独对这些星星进行欣赏，将这两者有机结合在一起，进行全方面综合性的欣赏和思考则是现代教育的大势所趋。为了全方面培养学生的音乐审美和发展学生的音乐鉴赏能力，古典和流行这两种元素都不可或缺。本文对流行音乐和古典音乐何以结合以及如何结合进行探讨，探究两者在教学中的和谐融合的可能性与可行性。

流行音乐和古典音乐的结合，可以全面扩展学生的视野；在多元统一的同时，逐步加强学生的综合素质；增强教学过程中的趣味性，同时也能提高教师的参与度和积极性。两者如何有机结合在一起呢？两者的结合，需要学校树立全面发展，注重素质教育的教学理念；要巧用现代技术，科学开展活动；同时，要完善教学课程，并且改善教学方式，在欣赏中教育。

总的来说，在教学过程中，将二者进行有机结合，从学生的角度来对教学进行思考以及从教师的角度对教学进行思考，这两种角度缺一不可。学生作为受教育的主体，而教师作为授课的主体，只有从这两者的角度来对综合多元教学进行思考，才有可能将流行与古典完美结合。

【参考文献】

[1]郭然.试论大学音乐素质教育中古典与流行的有机结合.新课程学习（中），2014（1）.

[2]潘轶.试论大学音乐教学中古典与流行的结合.北方音乐，2014（9）.

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音乐是人类社会精神生活的基本组成部分，西洋古典音乐更是人类文明史中的瑰宝。作为音乐学的研究生，我们希望能够科学有效地利用它对河北省青少年进行音乐教育。

一、学习音乐的目的

目前，我省青少年音乐教育的目的存在着错误的理念：(1)在日益竞争的现代社会，多一门特长多一份竞争力；(2)中考、高考时享受加分的优势；(3)为未来准备一份体面而实惠的“饭碗”。音乐成了主宰未来生存竞争的拼搏手段，忽略了其内部所蕴含的巨大人文精神和力量。

问卷调查的一系列数据反映出，在学习音乐的目的上，孩子与父母有着截然不同想法：51％的孩子学习音乐是为了获得快乐，而考虑到孩子能在音乐中体会快乐感受的家长仅为14％50％的家长让孩子学习音乐、参加考级是为了今后考学时能够“加分”，考虑到这个目的而学习音乐的孩子只有4％；我认为真正的音乐教育不在于使孩子成为音乐家，而是发展儿童的创造性和健全人格；通过音乐的影响力培养他们的纪律性和耐性，获得一颗美好的心灵；培养为他人着想的精神和服务于社会的心态。

二、西洋古典音乐的作用

古今中外的思想家、教育家注意到音乐不仅可以促使孩子感受力、记忆力、表现力、想象力的发展，而且对人的精神面貌、道德风尚和社会教育所产生的影响之大也是无可比拟的。

(一)西洋古典音乐对人智商的提高

81.9％的家长认为西洋古典音乐的胎教对孩子是有积极意义；80.3％-的家长认为孩子在0～3岁期间多欣赏西洋古典音乐，对音乐感的培养是相当重要；78.6％的家长认为0～3岁时所欣赏的西洋古典音乐音乐对孩子以后的音乐学习有重要的基础作用。在161份琴童家长问卷中，人们对音乐开发孩子智商的作用是普遍持肯定态度的。问卷数据显示，家长们最为认可器乐练习对手脑配合灵活性的提高作用，比例高达91.8％；80.3％家长认为通过对乐谱中音高、节奏、力度等方面的记忆训练，孩子的记忆力提高了，反映速度也加快了；80％的家长表示孩子因为有了艺术特长而更受老师、长辈和同学的欢迎，进而自信心也有所增强；65％的家长表示学习音乐后孩子的注意力更加集中了；59％的家长表示自己的孩子在学习音乐后成绩确有提升。

通过对以上数据的分析，我认为，音乐培训对儿童智力提高确有帮助t但不意味着像一些商家所宣称的那样儿童会因此成为天才。音乐教育加强了青少年大脑右半球的功能训练，使整个大脑潜力得到了充分发挥。人的智力和创造力得到了高度的发展。

(二)西洋古典音乐的美育功能

96％的人认为西洋古典音乐最能陶冶人的美好情操。但目前我国的音乐教育，普遍存在着专业化和功利化趋向，把音乐当成唱歌、跳舞和演奏的一门技术。而音乐教育绝不是实用的、功利的而是审美的，使青少年在接触、感受优美乐音时完成娱乐、益智、辅德等功能；使孩子的情感世界受到感染和熏陶，逐步养成健康向上的审美情趣，养成良好的行为习惯和理解、尊重、合作的意识。

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(三)音乐对青少年情绪、情感的积极作用

情绪对人的行为往往有着决定性的影响：当一个人的情绪好的时候，主往会看到事物的积极方面；反之，会偏执于消极方面。音乐通过流动的定律塑造形象，引起人们轻松、欢快的情绪和情感反应。从而达到调节控制情绪情感的作用。

哪种类型的音乐更有利于情绪的健康呢？在家长问卷中，95％的人认为西洋古典音乐能缓解压力；67％的人会以欣赏西洋古典音乐形式放松疲考。古典音乐合理地安排了不同力度音和节奏的比重，对情绪具有最显著内调和、镇定作用。青少年的情绪情感具有明显的两极性，遇事好冲动。音乐教育有助于调节少年儿童大脑皮质细胞的机能和脑神经活动机能，增虽其对情感意志的自我控制，克服遇事容易盲目冲动的缺点；释放他们激烈的情绪、减缓压力、提高情商，增强自我表达能力和沟通人际关系的能力。

三、推广西洋古典音乐的有效途径

在问及“影响人们了解、学习西洋古典音乐的因素”时，位列榜首的是电视节目占64％，其次是西洋古典音乐广播占52％，再而依次是公众喜好西洋古典音乐的程度是47％、精神文明程度23％和公众文化生活取向7％。随着人们精神文明更高层次的需求，艺术教育越来越受到推崇与重既。但西洋古典音乐教育的普及仍需要家庭、社会和政府等各方面的大力支持才能够顺利实现。

(一)家庭音乐教育的加强

“家庭音乐教育”是指父母(长辈)充当教育者在家庭中(生活区)对孩子进行音乐教育性活动的总称。儿童接触音乐的随意性、自觉性，使其感受、理解、表现和创造音乐就像做一件最自然的事。家长应创设良好的音乐环境，让孩子的生活充满音乐。

我省家长普遍认为，孩子学音乐理所当然是在学校或青少年宫由音乐专职老师来承担。而儿童四岁开始就要进行音乐教育，家长要在家庭这个特殊的环境中承担听觉训练、欣赏等音乐教育职能。调查中，50％的青少年会因为家长对古典音乐的喜爱态度或亲戚朋友从事、学习西洋古典音乐而喜欢并选择学习古典音乐；35％的青少年表示，西洋古典音乐的书籍及音像资料会增进他们对西洋古典音乐的了解及学习音乐的积极性。在家庭中的音乐教育中，不一定要求父母要懂音乐，而需要父母有耐心、有兴趣地去参与到音乐活动中，给青少年提供一个能接受艺术熏陶的环境，并在父母的引导下提高他们的艺术感受力和审美能力。通过问卷数据的类比，我发现来自音乐世家和知识分子家庭的小部分孩子，在对古典音乐的了解、喜爱和掌握的程度上远远高于平均值。

(二)学校音乐教育的改进

青少年学习西洋古典音乐的途径：第一为家庭音乐教育58，8％；第二为专业音乐家教52.9％；第三为业余音乐学校47.1％；最后为学校音乐课仅41.2％。当问及学生学习古典音乐的认识时：50％学生强烈要求多了解一些西洋古典音乐知识；53％学生认为业余音乐辅导学校比学校音乐课更能学习到西洋古典音乐知识；42％学生会因为业余音乐学校水平高低影响学习西洋古典音乐的兴趣。以上问卷数据说明，学校音乐教育在讲授西洋古典音乐知识方面存在着很大的不足，有许多需要改进的地方。

1.学校音乐教育的不足

64％的学生很喜欢音乐课本歌曲；57％的学生喜欢古典音乐；71％的学生最喜欢流行音乐，但许多流行音乐的内容并不适合青少年接触。为什么喜欢西洋古典音乐的青少年是最少的呢?首要原因是47％学生认为古典音乐呆板、深奥而无法理解，但事实并非如此!使学生形成这种错误印象的原因是绝大部分中小学音乐教学忽视了音乐欣赏的作用。

50％的学生希望学校开设西洋古典音乐课；64％的学生希望把枯燥铃声改为西洋古典音乐；42.8％的学生会因为音乐教师素质高低影响音乐兴趣，并希望学校多播放一些西洋古典音乐乐曲；28％的学生认为所在学校文艺传统是影响他们对音乐活动兴趣的一个原因，如果学校能多组织文艺活动和比赛他们会更多的关注音乐；50％的学生表示如果学校组织了音乐活动他们会积极的参与。可见。青少年喜欢西洋古典音乐，欢迎各种音乐活动。但由于师资、器材不足，学校对音乐的重视不够，直接影响了学生学习西洋古典音乐的积极性。

2.音乐欣赏应选用的音乐类型

“标题音乐”最大限度地缩小了作者与欣赏者之间的距离。使听众欣赏及理解音乐作品时，有了一定依据。所以，在音乐欣赏中应首选标题音乐。这组数据清楚地表现出青少年喜欢的西洋古典音乐类型：欢乐82％，抒情58％，悲伤5％；大型11％，小型70％；简单58％，复杂29％；熟悉64％，陌生17％。学生对熟悉的乐曲产生积极的反应，更易于感知理解相对句单的旋律性强的音乐。所以，音乐欣赏播放的曲子应是一些优美、高雅的经典性世界名曲，选择那些短小精悍，感情深厚，意境盎然，形象鲜明，易于记忆的音乐，艺术性很高的作品。在一个宽松、自由的环境中，通过聆听古典音乐,使学生在感受西洋古典名曲音乐语言美的同时，从教师剖析中了解音乐作品的结构、题材、风格，从中感受音乐的哲理美。

(三)社会媒体的支持

通过对问卷的分析，我总结了四种青少年了解西洋古典音乐的途径：第一网络64.7％，第二电视47％；第三课外音乐辅导41％；第四音乐课仅有23％。这说明大众传煤对人们的生活及思想观念的冲击是迅速且深远的。

我发现青少年熟悉的音乐家前三甲为：贝多芬、莫扎特和朗朗。朗朗作为中国近年来蜚声国际的青年钢琴演奏家。是中国大地“钢琴热。’浪潮中成长起来的琴童杰出代表。媒体对他的密切关注和大力宣传，是他能在短时间内击败众多知名音乐家成为最为中国孩子了解的演奏家的重要原因。并且随着朗朗、李云迪等一批青年钢琴家蜚声国际，越来越多的青少年开始学习钢琴。

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西方是古典音乐的发祥地，在其漫长的艺术发展道路上，关于古典奏鸣曲的形成，开创了古典音乐发展的新纪元。从巴洛克到海顿，再到莫扎特。贝多芬，奏鸣曲在大师的演绎下，透露出不同时期，不同的音乐风格。尤其是贝多芬，创造了奏鸣曲的巅峰，透过其丰富的作品，让人们感受到其饱满的艺术气息。同时，在古典奏鸣曲的发展中，奏鸣曲的艺术性表现，是创作发展的核心，关于曲式结构的形成，装饰音和踏板的使用技巧，都是其艺术表现的关键。

1古典奏鸣曲的发展进程综述

在西方艺术的发展进程中，衍生而成的古典奏鸣曲，成为了古典音乐史上，一种重要的乐器音乐的表达形式。奏鸣曲起源于16世纪，经过几个世纪的发展，奏鸣曲逐渐完善，成为了西方古典音乐的核心形式。巴洛克、海顿、莫扎特、贝多芬等，是编制古典奏鸣曲的灵魂，在其音乐的创作下，古典奏鸣曲更加的饱满，其表现出的艺术形态，更加具有艺术气息，是人类宝贵的艺术品。

1.1巴洛克的奏鸣曲时期

在西方灿烂的音乐史上，真正意义上的奏鸣曲作品，出现于巴洛克音乐时期，主要用于钢琴教学而创作。而正是这种形式下的作品创作，为古典奏鸣曲的形成，奠定了良好的基础，并对于钢琴演奏的方式和技巧，创造了巨大的发展空间。1750年是奏鸣曲发展的一个新的转折点，巴洛克时代的音乐风格，逐渐朝着深奥和复杂的理论方向发展，尤其是复调音乐朝着典雅、清新的方向发展，为主调音乐的发展，营造了良好的氛围。与此同时，钢琴音乐的表达方式也开始从复调对位的形式向主调音乐的形式过渡，钢琴的严格音乐调在主调和声的发展下，形式和内容更加地丰富，并为维也纳古典音乐时期的到来，铺展了诸多的前奏工作。而且此时期，大批优秀的音乐大师为古典奏鸣曲，奉献了一身的精力，旨在发展和完善奏鸣曲。其中，C.P.E.Bach最为突出，其实现了奏鸣曲朝着表现性格的形式发展，丰富了奏鸣曲的发展内容。为此，C.P.E.Bach是18世纪，古典奏鸣曲的奠基人，为古典音乐的创造性发展，起到了重要的推动作用。

1.2海顿的奏鸣曲时期

海顿的古钢琴奏鸣曲的创造，被视为奏鸣曲发展的重要时期。海顿作为维也纳古典音乐的代表人物，对于C.P.E.Bach的古典音乐模式，进行了发展式的继承，尤其是其创作的60余首的奏鸣曲，是古典奏鸣曲发展的一个重要里程碑。在1767年之前，海顿的钢琴奏鸣曲，多以嬉戏曲风为主，基于轻快的表达形式，为奏鸣曲作为真正的教学内容，起到重要的奠定作用；在1768年后的中期，海顿的音乐风格逐渐沉淀下来，作品透露出成熟感，具有一定的深度。同时，在海顿敏锐的音乐思维下，天生的音乐细胞，使得其中期的音乐作品更加地饱满，作品带给人浓厚的活力和亲切感，尤其是在1771年创作的C小调奏鸣曲，是正意义上的钢琴奏鸣曲；在1781年后的晚期，作品形式和内容比较诗意，其后期创作的五首奏鸣曲，展现出其顶级的音乐创作能力，从每一首音乐曲中，流露出海顿独特的个性，多变的曲式，表现出这位大师超凡的音乐想象力和创造力。

1.3莫扎特下的钢琴奏鸣曲时期

莫扎特作为古典音乐的大师，代表了维也纳古典音乐风格，其创作的18余首的奏鸣曲，是奏鸣曲一个时期的象征。莫扎特在音乐的创造上，有着个性鲜明的音乐特征，并从音乐特征中透露出一个时期段，大师所特有的音乐风格。莫扎特和海顿在音乐的创作上，注重旋律和声感的体现，海顿是创作了这一音乐模式，而莫扎特是发展了这一作曲风格。于是，莫扎特的音乐创作把古典奏鸣曲，推向了纯粹的古典意境。并且，莫扎特所表现出来的音乐基调，丰富和发展了海顿的情绪主义基调，在他独特的不协和音律的使用下，关于欢快的音乐节奏，表现的更加淋漓精致，带给人内心情味的碰撞，可谓意味深长。

1.4贝多芬下的奏鸣曲时期

贝多芬是世界音乐史上的巨匠，对奏鸣曲的发展做出了卓越的贡献。贝多芬一生创作了30余首的音乐作品，被视为是世界钢琴文献中的巨著。他的钢琴奏鸣曲作品，在主调音乐的运用上，达到了一个顶峰，其音乐内容丰富、极具张力，对于情感的变化，以及音律的力度，赋予了戏剧性的变化，带给人心灵的碰撞。而且，贝多芬的音乐之所以伟大，在于天才的音乐思维中融入了创新元素，复杂多变的技术，是其曲目创新的重要情愫。对于贝多芬的研究，可以为三个阶段，即其音乐创作的早、中、晚期。其中，早期的钢琴奏鸣曲作品，受到莫扎特和海顿的影响，其创作的元素单纯而炫技，是后期创作发展的重要铺垫；中期的作品比较丰富，尤其是“月关”曲的创作，完全展现出贝多芬的创作才能，独特地自我音乐风格凸显无疑；而晚期的音乐作品，更多地表现出作者不屈的力量，尤其是在失聪后，其作品展现出强有力的生命动感，并在卡农和变奏的使用下，为浪漫主义音乐元素的产生，孕育了“生命力”。

2奏鸣曲的曲式结构分析

奏鸣曲式结构，是音乐严谨性、流畅性、整体性的重要内容。在对于奏鸣曲的探究中，关于曲式结构的剖析是必不可少的。奏鸣曲的曲式结构分为三个部分，呈现部、发展部、再呈现部，是音乐写作过程中，一种固定的写作框架，具有较强的结构形式。而且，音乐基于三个部分的展示，便于音乐基调的布局，尤其是关于主题元素的呈现，是曲式结构所必须具有的。

2.1曲式结构的呈现部

奏鸣曲式结构的呈现部，主要包括主部、连接段、结尾段。其中主部与连接段的协调性关系，是古典奏鸣曲的传统，乐曲的各元素形成并置或冲突的状态，这样更有助于音乐主题的呈现。同时，在该部分的音乐呈现上，早期的奏鸣曲采用反复式的呈现方法，对于呈现部进行一遍又一遍的表现。而且，呈现部作为乐曲的灵魂所在，是整个乐章的精神所在，因而在创作表现中，该部分的音乐元素比较丰富，需要融入于创作者的情感。

2.2曲式结构的发展部

发展部是音乐展开的部分，是创作者音乐灵魂自由发挥的内容。其主要是音乐的各创作元素，在不同调性上自由融合，进而交替出不同形式下的乐思。在新元素的使用上，要注意复调的处理方式，尤其是对于元素结构上，要以片段性和终止性为核心，使得乐思的方式和内容更加地广阔。同时，该部分是第三部分的过渡段，其造成的矛盾冲突，是在呈现部的内容基础。#p#分页标题#e#

2.3曲式结构的再呈现部

在该部分的展现上，仍以原调为主，并基于连接段，重新使得副部内容在主调上呈现。这样，可以让再呈现部的调性保持良好的统一性。而在收尾部分上，表现出很大的不同，诸如贝多芬的作品，在尾声的处理上，尾声比较长，有第二展开的尾声特性。同时，在再呈现部的相关主题的表现上，冠以相关的因子，以在调性和速度上，与呈现部的结构形成对比。

3奏鸣曲中的装饰音和踏板的使用技巧

在奏鸣曲的艺术元素中，装饰音和踏板是重点。其中，装饰音在于长短倚音的区分，以形成明确的奏法。而踏板的运用，更多地是技巧和方法，在古典奏鸣曲中，钢琴踏板的使用，有着重要的作用。

3.1奏鸣曲的装饰音在装饰音阐述中，主要基于莫扎特和海顿的音乐作品，阐述几种常见的奏法。

3.1.1长倚音的音效，尤其是留音的效果，要做到分配合理，与主要音符在时值上，进行平均分配。这样，可以有效的控制留音效果，便于装饰音的完美体现。

3.1.2回音的时值控制，主要基于主元素的时值范畴，对装饰音的各节拍的落脚点，进行准确的把握，避免第一音落在拍子前，而应该落在拍子上，这样可以更好地体现装饰音的价值。

3.1.3在奏音的过程中，关于波音或回音的奏成，要基于实际的创作需要，在“tr”上，做到上方二度开奏，这样便于各装饰音的形成，并适应于实际需求。

3.1.4在装饰音中，贝多芬的比较复杂。各装饰音要融入于作品之中，进而在拍子中准确的体现，其中低音的对准，是装饰音最为重要的一点。而在对于贝多芬的装饰音，在演奏时要对于其相关的元素弄清楚后，方可进行演奏。

3.2钢琴踏板的使用

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在我国现行的教育体系中，音乐教学一直贯穿于学生学习的始终，从小学阶段的音乐启蒙教育，到高中阶段学生开始学习和鉴赏西方古典音乐，时间跨度长达十二年之久，尽管学生学习音乐的时间不像学习语文、数学那样长，但是在学习的过程中，学生对于音乐也有了一定的认识，学生进入高中以后，已经有了自主学习的意识，音乐的学习能力和感知能力，也有了较大的提升。西方古典音乐在人类音乐史中占有重要的地位，学生在学习的过程中如果能够有效地提高自己的古典音乐鉴赏能力，对于学生学习其他音乐知识也将会有极大的帮助。那么，在高中音乐教学中，如何开展西方古典音乐教学呢？笔者从自身的教学经验得出，可以从如下几点入手，展开论述。

一、以西方音乐的发展史为主线，使学生熟悉西方古典音乐

西方古典音乐不同于中国的一些传统音乐，由于文化差异的原因，许多学生对于西方古典音乐较为陌生，知之甚少，有些学生甚至连西方古典音乐有哪些种类都分不太清楚。学生对西方古典音乐的陌生，在无形中加大了教师教学的难度。因此，在进行西方古典音乐欣赏教学的时候，可以首先让学生了解西方音乐的发展史，熟悉西方古典音乐，这样教师在教学时就能更好地开展音乐欣赏教学。

在进行教学时，教师面对这样庞大、浩瀚的古典音乐世界，难免会无所适从，不知该从何入手。这就要求教师在教学时自身功夫要过硬，有选择地选取适合学生学习的乐曲，因为在许多高中，学生通常每周只有一节音乐课，教师如果自己都不了解西方古典音乐，教学时就会很盲目，学生也难以学到真正的知识。教师可以在教学时，根据西方古典音乐的发展史及其分类，先帮学生构建一个较为清晰的古典音乐发展史的大体框架，这样，学生能够对西方古典音乐有一个大致的了解，为后期的学习奠定一定的基础。

二、音乐不是孤立的艺术，多学科交叉服务音乐欣赏教学

在教学时，教师可能会发现不少学科的知识都存在着千丝万缕的联系，并不是孤立存在的，例如，物理和化学里的不少计算知识就会用到学生学过的数学知识。同样的音乐也并不是一门孤立的学科，它与社会风尚、文学、政治、经济和科学的发展密不可分，音乐的产生，并不是毫无根由的，它是时展的产物。例如，贝多芬所创作的《第九音乐交响曲》就是与文学结合的产物，它是为德国著诗人希勒的诗歌《欢乐颂》所谱的曲。

基于这样的原因，教师在教学时，可以将文学、历史学科的知识迁移运用到学生的音乐学习上，使其他学科的知识能够有效地为音乐欣赏教学服务。这样学生也能够更加清晰地理解西方古典音乐，有利于学生音乐欣赏水平的提高。

三、因材施教，尊重学生发展差异

因材施教的教学理论在我国流传的时间很长。西方古典音乐学习也必须采用这一教学方式。音乐属于艺术的类别，艺术不同于普通的文化知识学习，每个人对艺术的领悟能力都是不一样的，有些人对于音乐艺术的领悟能力强，一点就通；反之，有些学生对于艺术的领悟能力较差，始终不得其法。因此，教师在教学的时候一定要注重因材施教，要尊重每个学生个体发展的差异，根据学生的不同学习需求进行音乐教学。比如说有些学生喜欢听轻松舒缓的抒情类音乐作品，教师就可以鼓励学生在课下欣赏这个类型的音乐，并在课堂条件允许的基础下，给学生播放这种类型的音乐，还有的学生喜欢肖邦的钢琴曲，在教学时，教师也应该予以尊重。根据学生发展的差异不同，对于学习能力强的学生，教师可以让他们欣赏一些难度大的音乐，取得更大的发展，而对于一些基础较差的学生，教师则可以适当地降低难度，巩固好他们的基础，循序渐进，使他们不至于失去学习的兴趣。

总之，西方古典音乐是一门高雅的音乐艺术，学生在一开始接触这个类型的音乐时难免会觉得陌生，但是音乐是不分民族、不分国界的，教师在教学的时候只要找准方法，使学生对西方古典音乐有了一定的认识，并且逐渐喜欢上了这种音乐，那么在教学时，教师遇到的障碍就会小很多。而且学生学好了这门课程，也会提高音乐感知能力。

参考文献：

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音乐是人们在观看电影时最早听闻的声音形式，今天的影视艺术，音乐仍然是影视作品中广泛运用的声音类型。一般说来音乐在影视中有两种配乐类型：一是专门为该片作曲；二是选择现有的音乐，将音乐应用于各个场景上。前者称为创作的配乐，后者称为挪用的配乐。《交响情人梦》是一出反映大学生生活的音乐剧，除运用创作的原声作为配乐，剧中更为挪用了大量的古典音乐进行配乐。本文关注于后者。

《交响情人梦》由日本富士电视台于2006年10月首播，片长11集，根据同名漫画改编。该剧的热播在本土引发古典音乐潮，其后同名TV动画，电子游戏也相继问世。该剧围绕一位出生于音乐世家的公子千秋真一和一位音乐天才兼生活野田惠(常被叫做野田妹)的爱情故事，用幽默的笔触描绘了一群音大大学生的生活。笔者选取部分古典音乐配乐片段从以下方面进行分析以示读者。

一、无源音乐之叙事

无源音乐即指影视作品中不能提供声源依据的音乐，属于画外音乐。如今的电影电视剧中的音乐绝大多数为无源音乐，因为无源音乐更能表现创作者的主观色彩。《交响情人梦》中除用专门创作的音乐作为动机和渲染情绪外，在画外音上还做了比较大胆的举动，即挪用古典音乐配乐。一般认为，影视作品中挪用古典音乐是应该谨慎的。自有声电影问世，传统的观点是电影音乐(无源音乐)是附属于形象的，好的电影音乐是不为人所注意的，是“听不见的旋律”。音乐太好或太差，都有可能搅乱和引开观众对情节的关注。有研究表明“是挪用的音乐而不是创作的音乐更多令人注意到音乐的存在。因为观众常常认出它是挪用的并将其置于一定的文化空间，同时也由于隐含的制片者精挑细选的缘故，这种音乐比起其他音乐来给人的印象更为深刻。”早期许多以古典音乐为电影配乐的作品被视为粗制滥用，正如一位电影工作者表白：“我们谋杀了莫扎特、格里格、巴赫、维瓦尔第、比才、柴可夫斯基与瓦格纳――所有未有受版权保护的音乐都被我们偷窃了。”当然，古典音乐作为配乐也有佳作问世。如库布里克的《2001太空漫游》，舍弃创作的音乐而采用古典音乐配乐为电影史上震撼之举。

电视相比电影而言，其问世之时已包含着声音要素，两者遵循着许多共同的艺术法则。但是，通常认为电视剧不具有电影故事片的高度艺术性。受众层面也有差异，因而电视剧更强调通俗性。一般认为，交响性、哲理性的古典音乐在电视中难以施展。然而。“艺术创作却是诞生于这些法则全部曲折断裂之际”，《交响情人梦》因为挪用大量的古典音乐反成其特色，也因此吸引众多音乐爱好者，并使辨识古典音乐如游戏一般有趣。我们从中可以欣赏到气势磅礴的交响乐《捷克组曲》(勃拉姆斯)，又可以聆听到抒情的钢琴练习曲《离别曲》(肖邦)，而这一切又是多么的与剧中所要表达的意义协调。剧中有许多片断引人注意，其中有场戏一直难以释怀，将之变成如下文字。

莫扎特那简单而优美的旋律，犹如天籁，配合着傍晚时分暖色调画面，在这音画结合的瞬间。呈现出一种具有永恒的艺术境界。恰如“遥远之物的独一显现，虽远，犹如近在眼前。”画面与声音的交织一如宗白华之“静照”，又如本雅明之“灵光”。宗先生云：“艺术心灵的诞生，在人生忘我的一刹那，即美学上所谓的‘静照’。静照的起点在于空诸一切。心无挂碍，和世务暂时绝缘。这里一点觉心，静观万象，万象如在镜中，光明莹洁。而各得其所，呈现着它们各自的充实的、内在的、自由的生命，所谓万物静观皆自得。这自得的、自由的各个生命在静默里吐露光辉。”本雅明言：“静歇在夏日午后，沿着地平线那方山的弧线，或顺着投影在观者身上的一截树枝――这就是在呼吸那远山、那树枝的灵光。”下面我们一起来重拾这一片断，体会由之带来的心灵悸动。

(室内)千秋和野田妹的莫扎特D大调双钢琴奏鸣曲K488合奏成功。

谷冈老师(鼓掌)：太棒了，太棒了，总算越过障碍了(之前老师以指导学妹为理由要求他们练习这首双钢琴奏鸣曲)。

千秋：咦?

(室外，傍晚时分)

千秋独白：原来不是指导学妹而是为了我所上的课啊。

(音乐渐起)老师画外音：天才钢琴莫扎特在他的一生之中只做了这首两台钢琴合奏的乐曲。

(镜头转到室内)老师：虽说是为了有才能的弟子而做的，其实是因为面对她的缘故莫扎特本身想单纯地享受音乐吧。

(镜头回室外)千秋独白：那个狡猾的老师。

野田妹：我的心蹦蹦跳好想扑到学长的怀里。这样是……坠入情网了?

千秋(夸张动作)：不是，不是这样

野田妹：但是我心头一阵绞痛。

千秋：听好，今天只是恰好顺利而已。那样的演奏是不会被认同的，不照谱面而弹是会被排除在比赛之外的。

野田妹(笑)：我去参加比赛?

千秋：咦?你在说什么?

野田妹：我才不会参加比赛。

千秋：那为什么要进入音大，每天练习呢?

野田妹：我想要当幼稚园的老师

千秋：这是你的梦想吗?

野田妹：是的。

千秋特写(不可思议又几分敬佩表情)。(音乐渐止)

伴随上述对话的背景音乐是莫扎特谱写的歌剧《费加罗的婚礼》中著名的《你们这些知道爱情为何物的女人们》咏叹调。在整部电视剧中，无源音乐上采用有人声的音乐惟有这首，在此处配上它，体现了导演的特别用意。从声音技术层面来说，次女高音和简单的和声，没有妨碍处于中低声部的人声对话的清晰呈现，同时女声、弦乐和对话使得声音在垂直维度上形成有着间歇丰满的声音“织体”。从水平维度看，在这场戏之前。两人合奏的正是莫扎特的乐曲，合奏结束后随着老师介绍有关这首乐曲的画外音。渐渐地出现了这首由莫扎特谱写的咏叹调。如果导演的意图仅在此，从形式而言。就声音符号的能指而言，已然是一段不错的配乐。

这里，本文尝试进一步分析。想象一下。为什么选择这首咏叹调?优美的女次高音唱道：你懂得何为爱情?亲爱的女士们／我的心充满爱情／女士们，你们可知我的心充满爱情／我的感受让我告诉你／这是全所未有的悸动／连我都难以理解／我感到一股充满欲望的情绪／同时带给我欢欣和痛苦我很冷／但心里却燃烧爱情／一会儿后／我又再度冷淡／我在找寻身外的另一半幸福／却不知向谁寻觅／亦不知此为何物／我唉声叹气／毫无办法／我摇晃颤抖／不知所以／整天心神不宁／却又欢喜承受这股爱的磨折／你懂得何为爱情?亲爱的女士们……从内容上来看，女声的唱词恰恰呼应着野田妹的表白，并且，莫扎特谱写的这首咏叹调从声音的旋律、和声、节奏、力度等表现形式上 无不契合演唱者角色所要表白的意义，由此可以得出该段音乐从内容上即符号的所指上来说与这场戏所要表达的意义和谐统一。

更深层意义上来说。该剧选用莫扎特的乐曲还暗合了一种境界：单纯。天才莫扎特的音乐远淡古朴，清幽典雅，至洁至简，用来表现单纯的无世俗欲望的音乐天才野田妹恰如其分。正是这种音画结合的单纯境界，带来了空灵，在瞬间闪现出了机械复制时代逐渐消逝的灵光。

二、有源音乐之叙事

如果说剧中的无源音乐用于加强叙事功能，如营造氛围、突出人物心理状态、带来剪辑连续感、强化戏剧效果等，那么剧中的有源音乐则直接参与叙事了。有源音乐，其声源一般呈现在画面之内，但也可能呈现在画面之外，总之能使人感知声源的存在。有声影片问世初期，声音的出现都是有源的，如人物对话声、歌唱声。当时的人们对唱词和歌手嘴唇动作的完全一致，感到十分惊奇。时光流逝，如今有源音乐在配乐上的处理已臻于娴熟。

《交响情人梦》因为情节需要，在剧中穿插了众多的演奏场面，如练习和演出场景，表现了为数不少的经典音乐片断。我们从中可以欣赏到贝多芬、莫扎特、勃拉姆斯、舒伯特、德彪西、拉赫玛尼诺夫、史特拉汶斯基、萨拉沙泰以及格什温等音乐家的经典作品片断。这里选取阿峰小提琴补考片断与读者共赏。

阿峰补考贝多芬第五号小提琴奏鸣曲《春》(第一乐章)之际，担任钢琴伴奏的野田妹突然生病，千秋决定作为阿峰的钢琴伴奏。

配合着两人的演奏。音乐《春》(第一乐章)同步起，优美的又显阿峰特质的小提琴声和柔和的钢琴伴音传出。

(室外)野田妹(躺着喃喃自语)：灿烂青春的喜悦和闪电。

(室内)观众席上的老师：虽然是春，却……

千秋(独白)：真是的，叫他随性地拉就照做，真是坦率的家伙，还是一样乱来。不过。我要配合你让你看看。

(室外，因遭受了打击，搬着行李准备回老家的真澄听见音乐声，停步)

阿峰(独白)：哇，真厉害。他会在我想要他弹的时候弹。让千秋来指挥，真会令人安心，真是舒服的旋律。

(主观画面：阿峰在花田中演奏)

(镜头回室内补考现场)千秋(独白)：啊，他也是野田妹的类型啊。

千秋(独白)：贝多芬小提琴奏鸣曲，第五号，《春》。贝多芬虽然为耳疾所苦，却绝对不会放弃音乐，反而创作了明快幸福的音乐。忍受了痛苦寒冷的冬季之后。终于迎来了温暖的春天。我的春天，也会来吧。

(室外)野田妹：盛开鲜花的花田……

真澄(来到考场外)：果然，音乐真是美妙啊。

野田妹：你要去哪里?(真澄紧张发怒表情)我们的胜负还没分出来。

真澄(放松表情笑)：野田妹！

这时，作为画外音的音乐《春》停止。

伴随野田妹的微笑特写，音乐又渐起，不过这次的音乐是美国作曲家格什温的《蓝色幻想曲》(经过改编的《蓝色幻想曲》从中间乐段响起)。

画面转到室内，两人演奏的慢动作。与音乐《蓝色幻想曲》其中舒缓的节奏统一。

(随着音乐的旋律，镜头转向室外，阿峰补考通过……)

在这个片断中，有值得回味之处。首先，从声音的形式和功能上看，有源音乐《春》在剧中以画内音乐和画外音乐交错进行，配合画面，进行空间变换，分别起着直接叙事和加强叙事的作用。使得情节展开流畅生动。其次，声画结合上，因为表现逼真的演奏行为，采用用“米老鼠式”配乐，音乐与演奏动作节奏同步，以营造现场感气氛。这仅为声画的表层同步方面在深层同步上，贝多芬的《春》象征了“痛苦寒冷的冬季之后，终于迎来了温暖的春天”，预示着阿峰补考成功，将重新面对古典音乐，更预示着千秋经过一系列的挫折之后，他的希望即将来临。另外，在该片断的尾声，配上格什温的《蓝色狂想曲》，镜头画面的慢放与乐曲的速度节奏吻合，初看表面层次上似乎达到声画同步，但我们由上述剧情得知。并从画内声源上听出该段音乐与画面传出的交响乐不符。为什么配上《蓝色狂想曲》？该曲是该剧的片尾曲，与片头曲贝多芬《第七交响曲》同为主题曲。它是格什温将爵士音乐注入交响音乐的杰作，在剧中是对喜欢将古典音乐自由演绎的野田妹和阿峰们之类的隐喻。在此处的声画结合上，貌似表层意义上的同步，却是表层意义的非同步(非乐器所发出的声音)。然则深层意义上的同步，形成一种新颖的意味，正恰似创新的《蓝色狂想曲》赋予人的新奇感受。至此，有源音乐转化为无源音乐……

作为叙事的艺术，时间是一个重要因素。在补考片断中，屏幕上进行的时间长度约3分40秒，这个长度包含了有源音乐《春》和无源音乐《蓝色幻想曲》的进行时间，音乐《春》只进行了不足3分钟的时间(约2分52秒)。实际上，贝多芬《春》第一乐章的长度约7分37秒。用少量叙事时间长度来表现音乐作品的演奏，惟有剪辑。“组合、剪接，干扰了时间的流程。打断了它，而同时却用赋予它一些新的东西，时间的扭曲可以成为赋予影片节奏表现的手段。”补考片段只取音乐开头乐段。而在该剧最后一集里的萨拉沙泰《卡门幻想曲》小提琴协奏曲的表演中。其声音各选取乐曲的开头和结尾乐段共2分07秒长度。中间用上人声过渡、画面切换等方法自然流畅组接来表现长达12分44秒之久的事件时间。

在音画结合上，除精确细微地运用声画同步形式，剧中亦采用电影大师们青睐的声画对位形式，如一个小小的细节：在第二轮预赛中。当野田妹的师兄演奏结束，一位评委对正在打瞌睡的奥克莱尔教授说：“多有热情呀！”如果不了解演奏者表演的钢琴曲，观众可能不能理解导演的用意，因为那位仁兄演奏的正是贝多芬的《热情》奏鸣曲!

值得一提的是，该剧通过有源音乐，去引导观众对古典音乐的理解，如剧中展现新乐团演奏莫扎特C大调双簧管协奏曲K314的戏。通过情节的发展。我们看到一个由“银色”的莫扎特(新乐团初次练习合奏，千秋佩服成员们的技术高超，但察觉出声音缺乏点什么)转变成融入了情感的“粉红色”的莫扎特的过程。从某种意义上来说，剧中的有源音乐除担任叙事的角色外，还赋予了一定的教学启蒙功能。

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一、分配时间。教育心理学资料表明：每节课出现三个时间状态，即“最佳时态”、“始抑时态”和“近闭时态”。“最佳时态”约在一节课的前25分钟，学生在这段时间呈现出情绪高涨，精力集中，体力旺盛，思维活跃的学习状态。“始抑时态”约在一节课的25-35分钟，学生在这时精力已不够集中，精力下降，注意力开始分散。“近闭时态”约在一节课的35分钟之后，学生在这时呈现学习兴趣极低，无精打采，思维不能随教学内容的变化而变化，学习的效率极低。各时态的持续时间，随着不同的班级、内容而发生变化。因此我尽量把课本教学安排在“最佳时态”和“始抑时态”这两个时间段内，约为30分钟左右；将课外音乐欣赏安排在“始抑时态”后期和“近闭时态”中，约为5-10分钟。

二、选择内容。首先，我做了一个问卷调查，对象是我所教的四年级学生。调查结果表明，对流行音乐感兴趣的，约占95%；对儿童音乐感兴趣的，约占60%；对戏曲感兴趣的，约占20%；了解原生态音乐的，约占5%；了解古典音乐的，约占12%。对比着这次调查的结果，我开始有针对性的通过各种渠道搜集音乐素材。然后，我把搜集来的音乐素材分门别类进行整理，并根据不同的内容制定了不同的教学方法。例如：

1.勇于入“流”入“俗”。

“流”是为流行，“俗”意为通俗。如果课堂上你对“周杰伦”、“林俊杰”、“SHE”、“笔笔”等一无所知，那学生将会取笑你的落伍。如果你对此有所了解，并能说出自己独特的见解与感受，那学生将从你身上找到共鸣而亲近你。小学阶段的学生，对流行和通俗音乐的欣赏与崇拜是盲目的。课堂上，常有学生叫嚣着喜欢周杰伦的歌，问其为什么喜欢，他侃侃而谈：“周杰伦他很有才华，唱的歌都是自己写的，每年都能出一张新专辑。他自己还说呢，每张专辑里都会有一首中国风的歌曲。这说明他很爱国。”然后有学生又提出不同的看法：“我不喜欢周杰伦，他口齿不清，唱歌速度又快。”于是我就找了一首比较有代表性的歌曲《霍元甲》放给他们听。欣赏完之后，我和学得出一个结论：周杰伦确实是一个值得我们崇拜的歌手，但是他的大多数音乐并不适合小学生来学习和演唱。从那以后，学生们对周杰伦的歌曲就有了比较理性的认识。所以说，流行音乐并非洪水猛兽，教师无须谈之色变。只要教师擅家引导，它将是音乐课堂的调味品，更是师生感情的剂，是宝贵的课程资源。

2.重视民族音乐。

我国是个多民族的国家，少数民族音乐特别丰富，每个地方都有自己独特的音乐。在课程资源开发上，要把当地的自然环境、人文环境、现实生产、生活环境与民族音乐特色相结合起来，因地制宜的把民族音乐采入课堂。

四年级学生在学完了民歌的三种类型后，我利用周末的时间，去老艺人那里录制并“偷师”了一段民间音乐，然后在随后的教学中展示给学生，使学生认为自己家乡的音乐是“不入流的”观念彻底更新，并对民歌有了新的认识。我还给他们播放了原生态歌手阿宝和全国十大男高音歌唱家戴玉强以及著名民歌歌唱家吴雁泽同台演唱的《草原上升起不落的太阳》，让学生深切感受到这三种不同文化内涵的歌唱都有着打动人心的巨大魅力。这种具有地方特色与个性化的教育资源才是我们真正要重视的多元音乐。这些内容贴近学生生活，和我们教材的共性内容形成互补，使我们的音乐教学变得更加亲切、有趣、新颖和丰满。

3.浅尝古典音乐。

俗话说“诗言志，歌咏言”，歌为心声。如果音乐缺乏与学生生活产生共鸣的东西，就难以让学生产生兴趣，吸引学生。例如，从小学习古典钢琴的周杰伦偶像是有“钢琴诗人”之称的肖邦。他的新专辑《十一月的肖邦》从造型到主打歌都以古典为基调；SHE的新歌《波斯猫》在编曲中引用了凯尔巴特的《波斯市场》中的乐句；王力宏自幼学习古典音乐，他的流行音乐的创作精神就有古典音乐的影子，在他的歌曲《感情是舞台》中，王力宏以为对象，编曲中用了他的《第四交响曲》中的一个乐句。由此可见古典音乐对现代流行音乐的影响是十分深远的，所以我就在课堂中给学生们欣赏了一些古典音乐。音乐是没有国界的语言，通过给学生们欣赏不同时期、不同国家、不同语言的古典音乐，使学生们对古典音乐有了初步的了解。

三、资源运用。教材外音乐资源不同于教材中的音乐资源那样有配套的磁带或教学光盘。从网络中下载音乐，也是我常用的一种手段。我把下载好的音乐，刻成CD来播放，可是每次将音乐刻成CD，价格高，成本大，还有易磨损、不方便携带等诸多不便，所以仅仅依靠CD是远远不够的。在这里，我向大家推荐使用录音机播放MP3。方法是用一根音频连接线的一端连接MP3的PHONE接口，即音频输出的接口，另一端连接录音机的karaok接口，即话筒接口，在播放MP3的同时按下录音机的PLAY键，这样就可以用录音机播放MP3播放器中的所有内容了。我还把话筒运用在了教学过程中，结合MP3的录音功能，把学生演唱的歌曲录制下来放给大家听，并让学生来评价。这种方法也极大的刺激了学生的表现欲望，提高了学生对音乐课的兴趣。

这些音乐课堂的“题外话”似乎是我“多管闲事”，但是身处音乐教师这个圈子之中，身在学校教学一线，“题外之话”却又是和我们的教学事业息息相关。只有不断地提升音乐课的质量，丰富音乐课的内容，才能有效地拓宽学生的音乐视野，同时才能使自己成为一名优秀的音乐教师。

参考文献：

[1]潘椒.教育心理学[M].北京：人民教育出版社，2013.

[2]民间音乐概论[M].河北师范音乐系编，2013.

篇11

2016年9月1日，薛汀哲正式投资成立北京对牛文化有限公司，担任公司CEO，公司开发的产品“对牛”App本月正式上线。在“对牛”App上线之前，薛汀哲团队的公众号 “X音乐实验室”也深受古典音乐“小白”用户欢迎。

“取名‘对牛’，取自‘对牛弹琴’。”薛汀哲解释，“‘对牛’是我们几个初创人员在咖啡馆讨论时我脱口而出的，因为我们的初衷就是让琴童‘对接牛人’，由牛人直播教学，琴童是对着牛人弹琴并通过在线方式与牛人直接互动交流；‘X音乐实验室’则是用轻松愉快的方式让大家了解并爱上古典音乐。”

对于钢琴教育，薛汀哲也有着自己的理解：“互联网可以作为一个工具让音乐变得更简单，让二三线城市的琴童可以接受更高质量大师的点拨。”在这种理念的驱动下，薛汀哲尝试通过直播等互联网模式进行古典音乐教学培训。

“对牛”果然来头不小，第一期便是“但家班”，包括薛汀哲的恩师但昭义先生及薛汀哲的同门陈萨、张昊辰等。更让薛汀哲感动的是，但昭义的恩师、年近九旬的周广仁先生也对“对牛”充满了期待，希望他把教育带到真正缺乏资源的的偏远城市和地区。

“我只想让你看看孩子的手”

触动薛汀哲在互联网做音乐直播教学的其实是一件小事。

2015年4月的一次巡演中，薛汀哲来到了一个中国的三线城市。有个家长和孩子没有买到巡演门票，却执着地在薛汀哲的车前等了两三个小时。

“我以为他们要问我非常重要的问题，但没想到孩子的妈妈只是把孩子的手给我看，让我判断一下孩子的手适不适合学钢琴。”薛汀哲回忆，“当时我就特别感慨，在一个社交和网络如此发达的年代，琴童的家长却还为这么简单的问题而苦等。从那个时候开始，我就开始琢磨如何让互联网把这种接触变得更简单。”

打定主意后，薛汀哲几乎试用了市场排名靠前的互联网音乐教学产品。他发现，这些都是互联网背景人士推出来的音乐教育类软件，它们普遍存在着一个共同的痛点――完全不知道为什么要音乐教育。

薛汀哲表示：“我是懂音乐教育的人，所以很清楚这些产品根本就不是一个音乐教育或学习音乐的人会想用的产品。由于我也曾是一名琴童，所以我非常明白，我要做的产品首先要切实解决用户需求。”

不过，薛汀哲也深知自己的弱点，那就是毫无技术背景，也没有任何互联网经验，他需要一个技术大牛。薛汀哲反复提到了机缘这个词。从2016年4月份开始，他不断经朋友介绍寻找技术方面的合伙人，机缘终于让他遇见了王祺。

王祺是薛汀哲心目中理想的合伙人：拥有十多年互联网及技术背景，年长自己十多岁，有着更多的社会和行业经验，更为难得的是，虽然一直钻研技术，但表述能力很好。“找到他我心里就有底了。”薛汀哲表示。

让薛汀哲更感得幸运的是，随后加入的产品经理毕业于美国麻省理工大学，从小学就学习小提琴，并一直在做音乐类产品，在国外还做了几个垂直类音乐产品，巧的是，薛汀哲还曾使用过其中的一款产品，他个人觉得这款产品非常棒。

短短两个月时间，王祺带着5个技术人员开发出了“对牛”App。“对牛”包含一对一直播教学、一对多大师直播课、琴童评测报告等，根据上传的琴童的测评报告，可以记录其长期的成长曲线。

薛汀哲回忆，在研究直播应用时，他曾多次使用第三方直播平台，每次邀请100个学生家长，与家长们进行沟通和交流，测试产品逻辑。而随着慢慢的经验积累，总结琴童和家长的需求后，坚定了他把直播作为教学的一部分。

“2016年年初起，我身边许多朋友要么在谈论直播要么已经去做直播相关的项目，但我一直把互联网当做一个工具，包括直播我也把它当做工具，我并不把它当多么神奇的事情。”面对直播行业在2016年的爆发薛汀哲坦言。

不过，薛汀哲特别感谢直播这种方式。很多音乐界的泰斗都已高龄，有的甚至80多岁，他们没有时间也没有更多精力去二三线城市讲学，即便能够线下开课讲学，课时也非常少，能得到他们指点的琴童也非常有限。但通过直播这种方式，他们远隔千里就可以给琴童进行一对一辅导，看到琴童存在的问题并给以示范。

未来，对牛还将和其他专业音乐机构合作进行在线直播参赛，许多二三线城市的琴童不再需要远赴省会城市进行音乐赛事的海选和初赛，只需在对牛平台进行直播比赛就可以进行海选和初赛，节约了时间成本和旅途成本。

风口上的牛

虽然对牛这家公司诞生还不到5个月，但已经成功地引起了资本市场的注意，著名风险投资机构IDG资本在对牛刚成立时便成为其天使投资人。而提到IDG，薛汀哲道出了他与其神奇的渊源。

“我父母是看了熊晓鸽老师担任评委的《赢在中国》后去创业的，所以我从小就有一个IDG情节，而在我心目中，身为IDG资本创始合伙人的熊晓鸽肯定不是一般人。所以对牛刚成立时我就做了一个BP（商业计划书）去寻找IDG融资的机会。”薛汀哲毫不掩饰他对IDG和熊晓鸽的崇拜。

幸运的是，熊晓鸽第一眼看到“对牛”这个名字时就非常激动，直言喜欢这个名字。IDG资本在看过薛汀哲的BP后也认为，对牛团队不是纯音乐人的公司，它更像是一个互联网背景的团队来支撑音乐家做音乐教育，这个事情比较靠谱。薛汀哲年纪轻轻，但经过简单接触后IDG资本方面也认为他是一个踏实的人。

中国的音乐培训市场蕴藏着巨大商机，仅钢琴领域就有3000万琴童。不过，IDG和对牛有一个共同的观点：与20年前的VCD教学相比，现在的音乐培训和教学虽然互联网化，但只是把录像带变成了视频在网上付费售卖，没有实质性变化。

从小就练琴的薛汀哲能想琴童所想。“练琴是一件非常枯燥和辛苦的事，贵在坚持，对牛的目的就是要让琴童在学习过程中找到乐趣、得到个人价值的肯定。比如能得到大师的亲自指点对于10来岁的琴童来说是一种无形的激励和肯定。”

对于对牛的商业模式，薛汀哲坦言依然还在摸索中。不过，前期对牛已对琴童家长做过多次调研，去了解愿意付费的人群及接受金额，家长普遍对于要大师点评、大师直播课等表示了极大兴趣。此外，对牛和培训机构合作的方式未来也有着不同的商业模式。

如今的薛汀哲不仅忙于巡演，还要管理公司，每天练琴、写曲、联系大师介绍对牛等，担任着不同的角色，他还做了一个微信公众号“X音乐实验室”，这个公众号除了推送音乐干货之外，每周还亲自出镜教读者如何把音乐玩出花来。

篇12

随着我国现代化进程的加快，中外之间的文化艺术交流日益密切，中外钢琴领域内的教学往来也明显增多。钢琴专业整体发展水平较之从前有很大的提升。在相关的中外师生钢琴交流活动中，学生显现出了扎实的技术基础、乐感强、以及勤奋努力等优势特征。但在中外交流的对比中我国学生也显现出许多不足，针对此种现象笔者进行了专项的考察研究，对其中的典型现象进行了重点分析并对其成因进行了深度挖掘，同时也探求了一些具有建设性意义的策略方法。

一、中外学生演奏法的不同

在演奏方法上，钢琴教学多注重学生基本功的养成，这种方式方法使得中国学生具备稳健的钢琴基本功，致使在演奏高难度作品时中国学生的演奏效果要明显好于外国学生。这种训练对学生的演奏技术有严格的要求，学生的指尖与琴键必须成90度角，指间关节要有较强的支持力，不能松弛。这种演奏的方式会加重肌肉负担，容易增加紧张，最终影响技能水平，甚至会造成肌肉组织劳损。国外相关领域对学生的训练虽然也注重学生的技能培养，但是更侧重点培养学生演奏时的自然状态、放松状态。他们在学生的技能训练方面不过分追求指点与键盘成90度角，重视掌关节的支撑。

中国钢琴演奏法受技能训练模式的局限，使得中国学生在演奏方面更加接近手指学派。手指学派应对海顿、莫扎特等贝多芬之前的作曲家的作品游刃有余，但是若是将这种弹奏法一直延续应用到贝多芬之后的钢琴作品中就不那么轻松了。贝多芬之后的作品演奏需要重量派方面的技能应用，单纯依靠手指学派的方式方法就会给演奏力度与技能增添负担。钢琴演奏要将手形与指法灵活结合，指关节稍微向外，依靠手指尖靠后的位置与键盘接触，同时掌关节要尽最大努力凸起，键盘与指尖、手腕底部基本保持在同一水平线上，从侧面角度看，整个手形是一个三角形的样子。需要注意的是，手形是灵活变化的，手指间的位置变化要依据琴键位置的变换进行调整，如此才会加强双手控制琴键的娴熟度，才会以更加自如的状态投入到演奏中。

二、中外学生节奏观念的不同

虽然外国学生对钢琴演奏中的节奏把握也存在一定的不足，但是较之于我国学生的节奏把握，外国学生要高出一个水平。众多的外国大师级专家在与中国学生的授课互动中，都指出中国学生在节奏方面存在着欠缺。我国学学生对识谱的把握多局限于对音高的识别，对节奏的准确性认识不足，很多弹奏往往仅凭感觉，随意性较大，节奏比例不规范。

这种现象的出现与我国的文化背景有直接的关系。我国在音乐教学水平与音乐普及方面较之外国有一定的差距，相关的乐理与视唱练耳在中小学阶段、学前阶段教育水平不高，甚至在专业性比较强的高等院校相关的音乐理论知识课也没有获得足够的重视。为改变这种状况，学生应该发挥自身的主观能动性，突破客观环境的限制，自觉提高自身的乐理与视唱练耳水平，降低自身对课堂教育教学的依赖性，强化自身严谨、正规化的节奏意识。要把乐理的学习应用于识谱的起步阶段，再对作品节奏有了整体性的精准把握之后，再依据音乐的需要弹性解决。

三、中外学生乐感的不同

西方在古典音乐的教育教学方面注重对学生进行乐感培养，因此外国学生在音乐的专业化学习方面具有得天独厚的文化环境。中国学生在对音乐的把握方面，乐感不强，多数情况下对于音乐的把握依靠纯粹的感性认识。这种“情感投入”多局限在对音乐的浅性认识上，而对音乐的内在含义、地域化特点、文化属性缺乏深度性理解与挖掘。在很多的演奏中，中国学生会将具有中国民族特征的乐感带入到西方作品演奏中，演奏效果颇具滑稽性。从音乐专业化的角度而言这种现象是需要矫正的。音乐是人类情感的一种艺术化，音乐符号是音乐表达的载体，音调、语气、速度等都是音乐所必须涵盖的语言属性。

有研究证明，学前阶段，人的感官对外部环境的认识具有高度敏感性，这一阶段的认知往往具有深刻性。例如人小时候形成的“口味”“乡音”都具有稳定性，甚至会伴随人的一生。“口味”包括物质与精神两方面，体现在精神方面主要指一个人的审美，人类幼年期的审美甚至会为其一生的审美能力打下雏形。因此要实现对西方古典音乐乐感的精准把握，要从人的幼年阶段就开始起步，要多听多练，营造学习古典音乐的文化氛围，要在小时候就进行音乐文化熏陶。

四、中外学生抒情性演奏能力的不同

受社会环境和文化环境的影响，外国学生较之于中国学生更具有开放性，在表现自我、抒发感情方面也比中国学生更加自如、活跃。在钢琴演奏中对于作品感情的抒发要比中国学生胜出一筹。我国学生受传统文化影响，思想开放性不够，性格成分中含蓄的因子较多，而且受中国教育体制的束缚，我国学生课业负担压力较大，学生的自我表现意愿得不到积极的锻炼，因此造成我国学生在精神上存在拘谨、刻板等特征，进而对作品的抒情性不能做到尽情表达。我国学生往往对音乐把握的技术性投入比较大，片面注重作品的“气势”“辉煌”，而在音乐的内在情感因素上精力投入不足。

要想提高学生在钢琴演奏中的抒情力，就要注重开放学生的思想意识，激励学生多动口演唱，尽情展现自我。通过演唱所要演奏的作品，对于把握音乐作品的语气、节奏、特征等都有重要作用，对于演奏中的抒情性发挥有积极的促进效果。同时要注重学生心理素质的提升，要使学生具备进行自我表达的勇气。

五、中外学生艺术风格把握能力的不同

外国学生受西方文化背景的影响，更加容易辨别和抓住不同类型钢琴作品的风格。而中国学生对于“风格”的认识还停留在一个比较低级的层面上，对风格的重视程度不够。在钢琴演奏过程中风格应该被放在首位，因为如果一部钢琴演奏作品失去了风格的话，那么音乐就失去了最基本的表现目的，技术就成了杂耍。所以，看一部钢琴演奏作品的好坏，第一要看风格，第二看音乐，最后才看技术。

要提高学生对“风格”的重视程度，就要树立正确的练琴观：弹得一手好琴不单单需要勤学苦练，还需要不断地提高自身的艺术修养。从艺术的角度加深对作品的理解，充分挖掘作品的内涵，把握不同作品的风格，只有这样才能更好地演绎和诠释作品。

六、结语

我国学生在资质与用功方面绝对无可挑剔，需要提高与改善的是意识与环境。只要我们把握住钢琴教育教学中的症结所在，提高意识，对症下药，就一定会使我国的钢琴演奏在国际舞台上越来越精彩。

参考文献：

[1]员苗苗.五首中国钢琴改编曲演奏技法的分析[J].艺术百家，2011（z2）