艺术审美的价值范文

时间:2023-07-09 08:24:05

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艺术审美的价值

篇1

中图分类号:J05 文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2013)05-0087-01

一、艺术是人类的创造物

艺术是人所创造的美,它的审美价值就是一种好恶。假如说一切美都是人类无意识的创造物,那艺术则是人类有意识地根据美的规律创造出来的存在物。任何事物,它必须首先能使人感到美才可能成为艺术。离开了这个最基本的出发点,就很难理解艺术是什么。以往许多对艺术的定义之所以不确切,就因为它一开始就离开了这个最基本的大前提。那种把艺术和技巧混为一谈的看法之所以宽泛和笼统,也因为它没有抓住“美”这一根本的缘故。美不是一个自然客体,故不能采用像自然科学下定义的方式来加以界定,而只能采用直觉来把握。任何事物,它必须首先是美的,然后才有可能是艺术,这是艺术概念的第一个层次。

为了区别自然与社会现象的美,还应当界定艺术品不是自然形成的,而是人类创造,具有创造能力,是人类心智的成长。艺术品的出现,只是人类通过有意识的劳动实践,对现实材料进行有意识的提炼。

绘画和设计在所要达到的目的上是统一的。绘画是通过艺术家的艺术创造力把其生活经验用某种艺术形式展现给大家,目的是给人精神上的美感,使观众感受到艺术家的心声。而设计艺术是设计师通过对人们生活的方式和习惯,结合美学因素而创作的,带给人们实用与美观的产品。然而,它们在工作方式和所运用的原理上又是对立的,设计师首先考虑的是功能性,其次才考虑美学的因素。而艺术家可以不考虑实用性而专门研究美学因素和个人风格,所表现的内容可以是抽象的,设计作品却一定要有一个具体的内容。每一个设计师都应该了解自己创作的目的,明白作品的实用性和美观性的主次。每一份作品都体现着艺术家的喜好,文化素养的理解,随时随地进行不断的分析。

变革是艺术发展的唯一出路,而变革势必会带来冲突。任何艺术流派,哪怕再激进,但最少也要有艺术家的创作过程,有艺术最起码的美。

二、审美价值离不开情感

审美价值离不开情感,情感是审美创作的动力、核心。情感的力量是非常大的,能激励人们为实现自己的审美理想努力奋斗。真实是情感具有审美价值的基础,艺术创作少不了真性情,连自己都无法打动的作品何谈打动别人。一切物境皆虚幻,惟心所造之境为真实,所以审美境界的创构必须因心而得。

艺术的权威是捕捉住那刹间便会过去的情感,令它随时可以再现,是把创作者自己个性的情感,打进别人的情阈里头。艺术创造和审美欣赏是人之为人的一种必不可少的高级精神需求,也是借以超越自我、实现自我的重要方式和途径。

三、艺术审美的民族性

对一个作品会有不同的审美体验,阐释各有差异。但是,在既定的历史情境中的民族,作为一个整体,人们对艺术作品的审美体验是会趋于统一的。

我们欣赏一件艺术作品,所使用的五官感觉本身就具有历史文化因素的渗透,人的心理结构中就有文化传统的力量。就是说人们对作品的感觉理解、审美意向、整体重建,大体上是按一个统一的审美方向。这是造成人们在审美方面具有民族的、文化的差异的重要原因。

为了我们的发展,首先要了解我们文明发展的轨迹,学习我们文明之中的精髓,思考如何从这些精髓中获得发展,得到启发来完善自己。一个不懂得思考的民族是一个没有创造力的民族,所以中国的艺术家不应急于颠覆或批判原有的艺术,而应静下心来好好挖掘,创造一些和自己有关和民族有关的作品,能够表达出具有这个时代特征人文精神的现代艺术作品。

四、结论

新时代就会有新的艺术产生,艺术存在千差万别、变化无穷的形式。作为一个艺术家首先要解决视觉的审美问题,必须要先知道如何表现不同的形象,经历这个传统的阶段,等逐渐熟练后,他自然会有些想法,及对人生对审美对价值观的思考,作品也就会发生变化。通篇下来,我的核心观点就是艺术的本质就是人的本质。要处理好艺术本质中的关系,就必须处理好人本质中的三种关系——也就是处理好人与自然的关系、人与社会的关系以及人和自我即自身信仰的关系。

毕加索说过,艺术可以洗涤自己的心灵和尘埃。如今,艺术的发展形式已经越来越广,但好像离艺术的本质也越来越远了,也许这也是艺术的一个特点吧。

参考文献:

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一、数字化影像艺术创作概述

20世纪90年代,随着数字技术的发展,我们的生活已经进入了数字化时代,而数字化影像艺术创作是最新兴的行业,因此其创作人员来自于许多相关专业,例如计算机软件、美术、工程设计、影视、广告等等。正因为如此,各个行业人会有自己独特的思维方式和感受重点,或欣赏计算机精确的描绘,或把逻辑性放在首位,或从秩序性入手,或从艺术感觉开始,或注重画面本身的华丽、色彩的饱和与丰富,这些都是各有独特的创作方法。不同专业人士制作的切入点也有所不同,把握的关键点也是不尽相同的。于是迥异的风格和效果的作品也就应运而生了,这使数字化视觉艺术呈现群星璀璨的特色,这是其它既有的艺术门类所不及的,也是数字化影像艺术创作最宝贵的财富之一。

数字化影像艺术创作有着自身所特有的语言特征。从艺术本体特性来看,数字化艺术创作对传统影视艺术以及其他相关艺术原有的艺术语言和表现技巧重新进行了解构和延伸。在数字化影像艺术创作中,造型与展示能力得以大大拓展和丰富,它承续着传统艺术对空间的占有,吸纳影像艺术中运动和声音两个构成要素,在表现力上增加了听觉感知与时间流动两个新型审美维度。新的艺术表现形式充分满足了后现代艺术中追求视觉的文化企图和社会语境。另一方面,作为20世纪50年代后期兴起的基于数字技术为基础的数字化视觉艺术设计有其特定的空间、艺术追求和风格,是一种全新的语言。它有自己特有的节律,是造型、情节、场景、境语、声响等各种因素的重复、间隔、交替、渐变等手法整合统一的应用。

二、数字化影像艺术创作中的审美价值初探

随着数字技术的发展,数字化影像艺术创作的审美价值也日益呈现多样性的发展趋势。通过对数字化影像艺术创作中的审美价值的分析,有助于数字化影像艺术创作的健康发展。笔者认为,主要有以下几点:

(一)间离效果与人性化价值

间离效果几乎是所有艺术样式存在的重要价值之一,而且极具有审美的意义。简单地说,它是与现实中人们的视感官所感受到的“真实”状态的差异而产生的有“距离”的美感。而数字化视觉艺术设计也一直在强调艺术创作与“现实”情形之间的间离效果。比如幻想化的造型,随心所欲的动作表现等等。无论是漫画风格或写实风格的动画,都对取自于自然(现实)或产生于幻想的形象进行了夸张、归纳的主观创造,使其成为艺术家心灵的“意象”。它强调的是与观众达到真正意义上的心灵沟通,以此来满足观众“轻松有趣”的精神需求。另一方面,这一艺术样式的间离效果的与众不同之处还还体现在它独特的制作技巧与创作过程。数字化影像艺术创作以最大限度地体现了不同创作者的情感与心理轨迹,同时也显现出数字化影像设计创作的最具人性化价值的一面。设计师在描绘与设计每一个形象与动作之时,注入越多的主观意图,其结果必然会更大地拉开与客观现实的距离,而数字化视觉艺术设计本身的创造性价值便由此而生。而经设计师之手创作的一幅幅作品给观众提供了最直接的人性化与情感化的图形信息。这无疑是构成数字化影像艺术创作审美价值的重要因素之一。

(二)人文精神的宣扬

数字化影像艺术创作是用一定的艺术符号来反映客观事物,加上设计师个人的的审美取向和感彩从而创造出具有审美意义的作品。因此,这些创作作品中,凭借影像与生活的直接展开照面,来传达真实的人文信息。它们体现着高度的人文精神。

(三)高度的科技型、自主性和创造性

数字化影像艺术创作作为一个系统工程,关涉到社会的诸多方面。其中与科技的密切关系尤甚。数字化影像艺术创作是一项高科技运作,具有强烈的高科技性。同时,数字化视觉艺术设计又对传统影视艺术以及其他相关艺术原有的艺术语言和表现技巧重新进行了解构和延伸。无论是色彩、影调、还是用光、造型都可以通过后期对其进行主观调整,设计创作作品具有高度的自主性。而数字化影像所带来的创造性,是众所周知、显而易见的。无论是电影院里的火爆电影、电视机中的新潮动漫还是各类电视节目的栏目包装,都无不显示出了数字影像艺术创作的高度的创造性。

(四)数字化影像艺术创作的梦与真

数字化影像艺术创作是对生活的再造。有人说过数字化影像是生活之外的生活,是让生活成为虚幻、成为梦境、成为奇观的手段之一。因此,运用数字化制作技术创作的模拟现实的动画作品,是一种以幻想的造型,真实的视觉效果给人们提供了一种新的审美样式。纠缠在“梦与真”的数字化影像促使了大众对于影像奇观的不懈爱好和追求,也反映出现代人对虚拟现实的渴望。

三、对数字化影像艺术创作的思考

数字化影像作为一种获取生活世界图像的技艺性活动,它所提供的是一种区别于传统语言、文字和图案表述的新型文化传达方式。但是它所体现的是基于现实生活世界之上的艺术创作形式,因而数字化影像作品正是为这种描述现实与虚幻的视觉精度高的图像文本。通过对数字化影像艺术创作的审美价值的分析与探讨,对影像的创作与批评提供了丰富的理论素材,有助于影像数字化的又好又快的发展。与此同时,通过对数字化影像的审美价值分析,为我们继续挖掘数字化影像图像的文化价值和意义,提供了有力的技术支持和理论支持。

结论

作为一门技术与艺术相互结合的艺术形式,伴随着数字技术的迅猛发展,数字化影像的艺术创作已经成为一个值得探索的课题。本文通过对数字化影像艺术创作的简述,初探了其重要的审美价值。在具体创作中,设计师应注意数字化影响创作的审美要求,不断提高自身的设计素养和业务水平,使数字化影像艺术创作可以健康有序不断地向前发展。

参考文献:

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这种饱含着女性阴柔美的佛教雕塑在唐展到了极致,唐代也因此创造出了典型的菩萨造像体系。其中之一就是:凡是能够让人联想到女性温柔和母性慈爱的品性,都万流归宗般全部集中在此时的菩萨造像上,例如观世音菩萨的造像。另外,唐代菩萨雕塑依据一种“三道弯”的躯体造型节奏来塑造,这是雕塑表现女性美的通用方式。和印度神像比较,唐代的佛教雕塑没有激烈的动作,更多的是有着人世间的风情。她以含蓄抑制的力量,激发出全身丰沃的、无法言喻的温柔,犹如它充盈着脂肪的躯体。唐代佛的世界正是这样丰腴的世界,佛、菩萨、力士、供养人中,除了力士是体健如牛的男人风格外,其它无不丰肩满胸、手肥腰柔,以丰厚的形体来呈现体态。这是一种世俗的丰硕,体现了唐代人“以胖为美”的审美价值观,也正是唐代物质充足,人们生活富足优越的写照。

中国历史上没有哪一个朝代像唐代这样演绎着女性丰满的美,这种对世俗生活的热情、生活的满足感,以至于深深地影响着彼岸佛国,似乎佛教不再是人们精神的寄托、灵魂的归属,更像是变成了人们游戏玩耍的消遣品。

2.从唐代民间雕塑看唐代人的审美价值观

唐代民间雕塑体现在两个方面:陵墓雕塑和陶瓷雕塑。这里将陵墓雕塑归到民间雕塑中是有个人理由的。虽然陵墓雕塑是应皇权要求而制作,但是工匠一般由民间匠人组成,这就不可避免地使作品蕴含着当时流行于社会上的雕刻审美风尚。这种风尚不但出现在上层阶级的活动范围,而且广泛地渗透到各阶层人们的活动范围,因此带有普遍性。所以雕刻体现的是当时整个社会的整体审美需求,故而将陵墓雕塑归到民间雕塑的范畴。

在唐代的陶瓷雕塑中,很大一部分也应归到陵墓雕塑中,例如墓室内的陶瓷冥器,但是无论从体量、题材还是材料上都应将其另外来论,这种冥器体现在“三彩陶塑”和陶俑上。古人将唐三彩及陶俑置入墓中,目的是为了在陵墓中营造一种美观、壮丽的氛围,这是一种审美情感。唐代陶瓷雕塑的最高价值是其独特的审美价值,这是唐代文化最根本的特点,而对精神的追求又在其文化中占了相当大的比重,陶瓷冥器恰好契合了唐人的这种心理需求。唐代陶瓷雕塑形象逼真生动,非常真实地表现了当时的世俗生活,是当时社会精神状态的艺术体现。例如唐三彩中体形健硕的马和体态丰腴、神情微笑满足的侍女俑。这不正是当时社会生活的写照么?当然如果没有开放的社会氛围,没有人们关注自我、关注生活的状态,这些优秀的陶塑作品是不可能出现的。

唐代陵园石雕艺术的主旨是在生与死之间、现世与虚幻之间、人与自然之间提供一个交流的平台,达到对生命与死亡的交流,使逝者永生。这体现了王权统治的欲求、生命的欲求,而雕塑这种造型艺术是满足这种欲求的手段,工匠们运用艺术的手段在满足这种欲求的同时,也体现着审美价值观念的欲求。例如乾陵中央大道两旁的雕塑正是这两种欲求的交织品,其中10对翁仲石像庄严肃穆、造型概括简练;61对王宾像造型写实,姿态端庄,体格丰腴,这正是唐代人审美价值观的外在表现。

3.唐代人的审美价值观

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中图分类号:G71 文献标识码:A 文章编号:1673-9795(2013)05(b)-0195-01

动画产业从初生之刻的标新立异到如今之时的方兴未艾,经历了近百年的发展历程,逐渐稳定地呈现出组件化、阶层性、容量式的趋势导向,并以其巨大宏博的美学内涵吞吐量持续扩充关联产业的价值实体。而动画艺术的悲剧性美学价值则借助这一审美理念的物质基体自身的相对封闭、系统架构的相对单一以及人文内涵的相对纯粹,逐渐成为动画人文文化浪潮中鲜受磨蚀、岿然不移而卓尔不群、绝世独立的一枝奇葩。动画艺术的悲剧审美的官能冲击在于把喜放置在一种司空见惯而又可望不可及的位阶,然后再将悲上升至一种无法企及而又卑微扭曲的程度,最终将喜与悲彻底、打碎,让其充分混合、无法分割,从而形成了痛彻心扉、欲罢不能的官能感触与精神冲击交互下的艺术感染力,最终形成骤然的社会群体化的情感共鸣的意识潮流。这也是笔者将在下文重点阐述的关键部分。

1 动画视角之下的悲剧美学的价值定义

从现阶段世界动画文化产业的格局现状来看,基本上形成了欧美系与日系两大派系两极抗礼的既成态势。欧美系动画多以娱乐消遣性作为创作核心与价值理念,通常都流于“全家人抱一桶爆米花边吃边笑边看”其乐融融的位阶层次,其对于悲剧性的动画创作并不特别青睐。而反观另一极点日本,其则尤为偏于进行悲剧性美学理念的动画形式转化,并频有世界性影响力的动画作品问世,这其中尤以宫崎骏为旗帜标杆。

宫崎骏的悲剧性动画作品为数不多,而却通过“孩子般天真的意识诠释了什么是悲剧审美主义”,尤其是在对于悲与喜的定义层面,宫崎骏充分发挥了其对于动画故事这一受众群体较为固定的艺术载体的创新再造的天才才华,借助精致巧妙地故事构思、细腻动人的语言表述以及深邃纯真的情感流露,始终渗透出“让人无法抑制的喜爱与悲恨的复杂纠葛”,这是一种从表层官能刺激延伸至内在精神撞击的美学层面的“刻意摧残”,其追求的就是这种将人作为“破损精神的接纳容器”的畅快淋漓的心理突变、思维波动以及情绪迸发的“悲哀的美的结果”。而通过其对动画载体形式内容的奇绝独特的营造构筑,宫崎骏将自身对于悲剧审美主义的认知理解发挥至无以复加的程度,最终释放出的则在观影群体之间产生了的官能刺激以及无法散释的精神共鸣。

在其悲剧性的作品,诸如《风之谷》《天空之城》《幽灵公主》之中,宫崎骏集中宣扬了其对于悲剧审美主义的自我认知,那就是喜是美的浅层表现形式,悲是美的深层承载途径,喜与悲的破碎后的交融才是唯美主义的最终体现;悲是一种无谓而可恨的徒劳奉献,它是喜的最终归宿,而喜是一种无知而可怜的自私牺牲,必须通过奉献来实现价值获取。这使得其对于动画视角下的悲剧审美主义的归纳阐释重新回归到了该价值理念最初的定义,即其是一种在感性理性夹杂混合、艺术创造纯粹单一的美学导向下的唯心主义的思维意识。悲的奉献被其上升到了前所未有的艺术高度,在宫崎骏的动画世界之中,没有哪一样事物不是“含着泪在歌唱”,这也是其作为叔本华悲观主义信徒的哲学思维在美学层面以及文学领域的综合凸显。

2 动画载体悲剧审美内涵的社会群体化效用

悲剧审美主义的精神基体来源于欧洲社会的精神殖体―― 人文主义价值理念,人文主义作为欧洲文明的精神家园,其所倡导追求的则是在个人主义思维导向之下的积极寻求抗争、平等追逐自由、公平参与竞争、实现博爱共存的具体实际的行为模式。而在人文主义精神理念的视域之下,命运悲剧仅仅只是作为一种短期寄存的物质形态,是完全可以通过自我精神慰藉、自我精神解析、自我精神警醒、自我精神再塑支配下的个人行为而改变消除的,而由于单元个人的生理机能、精神情感、思维心智的实效位阶不尽相同,所以最终的结果也并非尽然相同,不过经历的过程则最具备人性光辉的体现价值,这也是整个人文价值精神理念的核心内涵之一。喜的美本身的开端与结果都被局限在人性的本能意识的预料认知之内,这就使得其无法具备与悲的美的形式与内容的复杂多变的独特属性,于是悲的美就成了悲剧审美主义践行者群体,尤其是该类动漫作品创作的核心主题与原则基调。

以宫崎骏为代表的悲剧审美主义大师的动画作品立足于悲哀的美感的无谓与可恨,同时通过大量的无知而可怜的喜悦的美感作为对比烘托,从而产生了上文多次强调的悲剧主义所营造的极其强烈的官能刺激与精神冲击。这就不难理解诸如《天空之城》里的空城机器人在希达与巴鲁的童真感染下的平凡而又悲壮的自我殉道、《幽灵公主》之中狼孩姗姗对于悲哀宿命轨迹之下的对于自我灵魂徒劳而又执着的寻觅追逐、《萤火虫之墓》所揭示的命运悲剧笼罩之下的无法承受的苦难与困厄被人性融化后的幸福美满的最终慰藉以及令人叹息的缺憾结局等所营造的“刻意纯粹的悲哀美学”。

3 结语

在当代人文艺术渐入维谷的阶段背景之下,社会群体的精神土壤需要更为多元、纯粹的人文内涵的给养灌溉,而动画艺术这一载体的悲哀艺术的审美价值则协调交互地契合了当前社会群体精神内核的匮乏空洞,也为人文艺术的理念更新、模式优化、途径拓展提供了有利契机。进一步挖掘、开发动画艺术创作资源的悲剧价值,侧重进行悲剧动画创作的形式再造、艺术深化,从而有效凸显其助推人文文化产业发展与社会群体精神洗礼的良性调节的独特效用。

参考文献

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【关键词】动画设计 艺术 审美价值

一、动画题材中的审美价值

动画片的题材是丰富多彩且趣味横生的,因此一些“对生活敏锐的观察”,是“创造性解决问题”的动画片题材获得了观众的一致好评。人们在观赏这一类的动画作品中对生活色彩浓烈一些的是很推崇的。《小蝌蚪找妈妈》、《牧笛》、《山水情》,恰恰是和生活贴的很近的作品。在这里,没有妖魔鬼怪的相互厮杀,也没有激光火炮太空大战。清新、淡雅、亲切、自然,小蝌蚪找妈妈的过程,也是自然知识的普及过程,一个疑团的解开,孩子们得到了一点真正的知识,也获得了那种解疑惑的快乐。他称道的是这样的提炼生活,这样的创意,称道的是妙手,才有此偶得。

二、动画画面中的审美价值

画面是影视动画中传达视觉内容的媒介,所以以观赏为主要目的的影视动画最重要的因素莫过于画面,一部动画作品的品质主要取决于画面的制作水平。动画仅仅依靠画面是不行的,还需要各种拍摄技法的合理运用。影视动画是通过镜头的转换来实现空间感的,在题材选定好的时候,就首先应该考虑到摄影机镜头的运动和镜头的剪辑。

在动画中,各种视觉元素不是简单的堆积,不是对一个特殊的摄影机角度、一个巧妙的移动镜头或者吊臂镜头本身的简单追求,而应该是出于整体的视觉价值的考虑,将“动”与“画”完美结合。因此,在动画中,视觉语言的审美优劣会直接影响最终作品的视听效果、节奏韵律、画面美感等。

三、动画造型中的审美价值

动画艺术是造型艺术的一种,它通过动作和语言,表达人物的丰富感情,采用夸张、变形、拟人等艺术手法将动画造型设计为可视形象。动画中的造型其实间接地反映了设计者的审美倾向,影视动画占领市场的关键不只是技术的魅力,更重要的是创造让人眼前一亮的角色形象,因为形象关系到人物性格魅力的塑造,通过活灵活现的人物演绎出曲折动人的故事情节,好的艺术形象不仅仅是创造良好的商业收益,它还具有相当的审美价值。角色的形象设计如果要准确定位,就要深入挖掘角色的个性特征。动画角色的结构比例、五官设计以及服饰的设计都蕴含着审美价值。

在角色造型的设计上,审美价值要与设计手法、整体效果科学统一。动画的运动可以称为“动画表演”,具有拟人化、夸张化、简约化、程式化等特点。而动画造型的风格在现今社会,也逐渐向着多元化发展。一个优秀的动画角色造型的审美价值要与美术风格、性格特征、地域特征、民族文化、时代特点等方面息息相关,只有这样,才能创造更多就要审美价值的动画形象。

四、动画色彩应用中的审美价值

在动画设计中,应该领悟主体形象所具有的象征意义。应根据需要选择不同的色彩,从而形成一种氛围来烘托主体形象,使之与表达的思想感情更加吻合。在进行动画设计时,也要了解各种色彩的象征意义:红色常象征着热情、活泼、热闹、革命、温暖、幸福、吉祥、危险;橙色常象征着光明、华丽、兴奋、甜蜜、快乐;黄色常象征着明朗、愉快、高贵、希望、发展、注意;绿色常象征着新鲜、平静、清爽、和平、柔和、青春、安全、理想、希望,生长;蓝色常象征着深远、永恒、沉静、理智、诚实、寒冷;紫色常象征着优雅、高贵、魅力、自傲、轻率;白色常象征着纯洁、纯真、朴素、神圣、明快、柔弱、虚无;灰色常象征着谦虚、平凡、沉默、中庸、寂寞、忧郁、消极;黑色常象征着严肃、沉默、黑暗、罪恶、恐怖、绝望、死亡;

随着人们审美能力的提高,人们对色彩的体验也会随着时间的推移掺杂人们主观意识上的一些因素,使得色彩更加具有表现力。在动画设计中,不同的色彩代表着不同的意义,就像红色代表着喜庆,黄色代表着温暖。色彩在动画中的作用同样也是无法替代的,动画的制作过程中,色彩的运用可以有效地将动画表现得更真切、更有内涵。动画色彩的美学主要是通过人物、景色来体现的,合理的利用色彩有助于吸引观众的眼球。同时人们在进行色彩美学应用的时候,对主观色彩的感受和解读,自然会反映到动画设计之中,这就是我们对动画场景色彩应用的关键所在。色彩运用得自然与否,也是对整个动画作品的画面美感起到重要作用的,动画作品中色彩的设计也要和它所处的环境相一致,在色彩鲜明的基础之上也要增加必要的时尚流行元素,这也是色彩对美最好的表达。

五、动画意境中的审美价值

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中图分类号:J601 文献标识码:A

钢琴即兴伴奏,是一门理论性与实践性并重的技能技巧课程,是高等师范音乐教育专业学生的一门必修课程。钢琴即兴伴奏,是演奏者对基础乐理、和声学、曲式分析、作曲理论和钢琴演奏技能等方面知识技能的综合运用,它不单纯是一个技术手法的问题,而且隶属于音乐创作的范围,是对歌曲的再创作。因此,钢琴即兴伴奏具有其自身的艺术特色和审美价值。研究钢琴即兴伴奏的艺术审美价值,无疑对深化高师音乐教育改革,重视钢琴即兴伴奏的课程建设,更新钢琴即兴伴奏教学观念等具有重大的意义。

一、钢琴即兴伴奏体现心灵自由的思维平台

音乐是审美意识的一种特殊表现形态,是人类以情感和想象为特征把握世界的一种方式,是通过有组织的乐音在时间上的流动来创造情境和表达情感的一门艺术。音乐是通过审美来再现现实和表现情感理想的,任何一种音乐基本组织,都必须是在一定的审美意识背景下相互联系、相互依托,共同组成表现“美”的基本要素。因此,音乐,是创美的艺术。“在这创美过程中,同步发生着审美心理的建构,产生对美(自由形式)的自由感受。美与审美是同一人化过程两个侧面。美显现着外在自然的人化成果,审美体现着内在自然的人化成果,美意味着实践的自由。审美意味着心灵的自由。”

钢琴即兴伴奏是音乐活动中的一种形式。钢琴即兴伴奏是根据既定的歌曲旋律,在键盘上作出即兴弹奏,尽可能地用琴声带动演唱者投入歌曲情绪,并与歌声共同塑造鲜明的音乐形象。它的特点是突出弹奏的即兴性,即在无钢琴伴奏谱的情况下,伴奏者能以即兴伴奏烘托歌声并推动音乐的开展。它的作用不仅是使音乐形象得到充分的发挥,更重要的是琴声激起演唱者的情感活动,两者相互呼应,交流,增强音乐的感染力。因此,钢琴即兴伴奏在音乐审美活动中,具有多重的审美功能。它既是对歌曲乐谱的再度创作的审美判断,又是对音乐表演的审美判断,同时,还具有唤醒欣赏者听觉审美的功能。正因钢琴即兴伴奏的这种特殊性,使钢琴即兴伴奏成为了更能表达心灵自由的思维平台。

1、钢琴即兴伴奏的编配,体现了音乐再度创作的心灵自由性。

歌曲中的钢琴伴奏,是依据歌曲旋律的乐音动态结构,通过挖掘歌词的思想灵魂,进行概括、提炼、抽象,选择最能表达词意神韵、最能体现曲中意境的和声、伴奏音型与织体等来揭示歌曲内涵的。即兴伴奏的“即兴”性,不仅体现在伴奏者能根据不同歌曲中的旋律、歌词内容,或是根据歌唱者的情感变化而进行的艺术创作和表演的方式上。而且,还表现在即使是同首歌曲,由于不同的演唱者,不同的演唱形式,伴奏者能灵活地采用变换调性、和声语汇、织体音型等等手法,因人而异,默契配合,使演唱更富于个性化的创造能力上。钢琴即兴伴奏的编配,实质上是对歌曲的再创作。这种二度创作,是在原有歌曲旋律的基础上,运用多声部的音乐思维和创作手法,进一步刻画和塑造音乐艺术的形象,使伴奏和歌唱两者从不同的角度,共同表现音乐作品的整体形象。因此,钢琴即兴伴奏的编配者,必须通过内在听觉的审美判断,去选择符合作曲家与歌词作家内心情感需要的各种音响手段,给予歌曲以音乐伴奏,通过丰富的和声色彩、多种类型的节奏变化、多样化的音型织体等,更好地体现曲作家与词作家要表达的音乐思想灵魂,并与演唱者共创音乐之美。正因为伴奏中所采用的和声的色彩是丰富多样的;所选择伴奏音型也是呈现出千姿百态的面貌,它赋予了和声充满生命活力的表现;所选择的伴奏织体结构也是多层次性(有三个层次:旋律层、陪衬和弦层与低音部层),它们也蕴含着多种多样的组合与表现形态。因此,即兴伴奏者可以通过这些丰富多彩的变化手法,更自由地表达歌曲中的思想情感,这就给即兴伴奏编配者的创作带来了广阔的心灵自由空间。

2、钢琴即兴伴奏的弹奏,体现了音乐想象创造的自由性。

钢琴即兴伴奏是实现把内心体验改造成音响结构,并化为具体实际音响的创造性想象活动的过程,它体现了音乐想象创造的自由性。

其一,钢琴即兴伴奏者,是歌曲乐谱的再度创作者。一首歌曲,只有歌词与由一系列乐音有序地组成的旋律,它们只是给予了歌唱者和伴奏者较为明确的情感基点,以及较为清晰的情绪发展线索,但要具体勾勒出歌曲的内涵,还需要钢琴伴奏者的再度创作。钢琴伴奏者需要以内心的审美判断去寻求和创造符合作曲家与歌词作家内心表现需要的各种音响形态。实现这一再创作的转化,就必须要通过伴奏者的创作想象来完成。而创作想象的来源,是通过伴奏者的外在体验(即形象表象的体验)、内在体验(即内心情感的体验)及艺术体验(即听觉材料积累的体验)等获得的。这些体验,不仅给音乐想象创造r广阔的自由空间,而且使音乐作品更富有艺术的生命力与感染力。例如,伴奏者要根据歌词的内容进行“情境”的想象,选择符合这种情境的伴奏音型与伴奏织体,以更好地刻画音乐的形象。又如,伴奏者要根据歌词的内容与旋律中的乐音动态结构进行“情感”的想象,选择和声的色彩,以丰富旋律的色彩,渲染音乐的情感等。“音乐创作与其它艺术创作相比,主要特征就在于立美主体不仅要把现实生活中的主客体之动态美艺术化,还要把主客体外在的动态转化为音响动态,把主体内在的情态与精神运动外化为声音形态。这是一个抽象化和具体化的过程。一方面,立美主体要对现实美的动态进行概括、提炼、抽象,从结构上把握它的特征,选择相应的音Ⅱ向动态结构与之对应。另一方面,则要选择最恰当的音乐表现因素、最生动的表现形式实现动态结构的转化,使现实美内蕴的意味强化、深化,获得最鲜明的展现。转化的实现必须以作曲家的心理结构(情感模式)为中介,并通过创造者的感知、记忆、情感体验、想象与联想的心理活动来完成。”所以,钢琴即兴伴奏,它是一种音乐创作活动,也是创造性想 象的活动。

其二,钢琴即兴伴奏者,又是音乐的表演者。要把这些再创作的手段变为具体可昕的实际音响,这就需要钢琴即兴伴奏者通过听觉的审美,对音色、力度、速度等要素的分寸做出微致入妙的选择。在这过程中,钢琴即兴伴奏者的音乐创造想象力同样发挥了具大的作用。在钢琴即兴伴奏中,伴奏者必须通过听觉的审美想象,来仔细倾听歌曲的音乐语言、语气,并通过听觉审美想象去判断和声的结构、和声的风格、和声功能的表现力、色彩的表现力以及节奏的表现力等,以更好地控制调整弹奏的动作技能、调整音色的变化,使音乐形象得以充分的发挥。钢琴伴奏的编配,只有通过有效的表演,才能以琴声带动演唱者投人歌曲情绪,激起演唱者的情感活动,并与歌声共同塑造鲜明的音乐形象。同时,也才能实现成为被听众所欣赏的审美对象。“艺术作品既然是由心灵产生出来的,它需要一种主体的创造活动,它就是这种创造活动的产品。作为这种产品,它是为旁人的,为听众的观照和感受的。这种创造活动就是艺术家的想象。……”虽然,在钢琴即兴伴奏中,想象的空间受制于歌词的内容,但是,伴奏者的想象空间和想象色彩仍是最自由和丰富的,因为他的想象处在一种审美的情感世界之中,因而其想象享有更为广阔的自由度。

3、钢琴即兴伴奏可唤醒听众听觉审美,体现音乐联想的自由性。

在钢琴即兴伴奏中,是以伴奏声部揭示旋律声部的和声内涵、衬托歌曲背景、描绘歌曲意境、渲染音乐气氛等。而这些“内涵、背景、意境、气氛”,是伴奏者通过对乐音的运动组合(即通过旋律、调性、调式、和声色彩、节奏、音型织体等),来唤起人们对其意义的联想的。正如波兰音乐美学家卓菲娅・丽莎对音乐所产生的联想功能的论述:“对音运动的感受能使我们构想出这些音乐本身所不能提供出来的东西。音运动的特性,即旋律、和声,特别是节拍――节奏、配器、力度的各种类型。使听众能够将其运动具体化,也即将这种音运动和某种视觉――空间的表象联系起来。”如,钢琴伴奏所选择的各个音区,都具有不同的音色表现力,能唤起人们不同的心理感受。低音区:音色沉重、浑厚,令人感觉沉痛或浓郁。中音区:音色明亮、丰满,令人感觉坚实有力或亲切温暖。高音区:音色清脆,音响尖锐,令人感觉清晰、活泼、欢快或雄壮有力等。又如,钢琴伴奏所选择的各种和弦,就有着不同的色彩的表现力,能唤起人们不同的情感体验。“大三和弦”的色彩感觉是明亮的,令人联想到刚强、热烈、欢快等情绪;“小三和弦”的色彩感觉是柔和的,令人联想到悲伤、温柔、宁静等情感;“减三和弦”的感觉是收拢,令人联想到恐惧感;“增三和弦”的感觉是扩张,令人联想到紧张感等。这就是以和声色彩的背景,来唤醒对情感的联想。再如,钢琴伴奏所选用的各种伴奏织体,就蕴含着多种多样的组合与表现形态,也能唤起人们多种形象的联想。“半分解的和弦织体”表现柔和、优美、平静,给人以温柔、宁静的感觉;“上下反向分解和弦式织体”表现抒情、柔和、流畅,给人带来一种舒适、清新的气息;“多层次分解和弦织体”用以描写波浪起伏的大海和潺潺流动的河水,以及自然景物,表现人物内心情感的波动等。这些都是被听觉唤醒产生的联想。然而,对听众来说,不同的音乐欣赏者,在欣赏同一首歌曲时,由于其个性特征、生活阅历、艺术修养、思想感情以及审美情趣的不同,就会体验到完全不同的感受。因此,被听觉唤醒产生的联想,其形象是千姿百态的,其情感体验也是千差万别的,这就是音乐联想的自由性。

由此可见,钢琴即兴伴奏在审美活动中,体现了心灵自由的审美价值。

二、钢琴即兴伴奏体现创新追求的情感空间

音乐艺术,是情感艺术。在歌曲的演唱中,歌曲的思想内容、艺术形象及情感表达,是通过演唱者与伴奏者的共同创造才得以最终实现的。因此,钢琴即兴伴奏者,绝非只是一个歌唱者被动的陪衬者,而同样是一个创造音乐美的主动者。一个优秀的钢琴即兴伴奏者,在钢琴即兴伴奏的过程中,必然会具有强烈的参与意识和创作热情,必然会自始至终积极处身于创作的活动中。正是这种创美的热情,有力地激发着伴奏者的创造性想象力。“只有当作曲家对创作有一种自我需要的时候,想象才会伴随着他,否则,积存在他心灵深处的各种记忆材料就无法得到分析和综合,想象力也就无力展翅飞翔。”在钢琴即兴伴奏中,“即兴”的特点性,是指没有经过缜密的思考和充分的准备,而仅凭着歌曲中的旋律、歌词内容等的激发而产生的瞬间的感受与冲动,或是根据歌唱者的情感变化而产生临时的创造性的随想而进行的一种艺术创作和表演的特殊方式。因此,在即兴伴奏的编配中,每一次的创作,都可以因人、因时、因地而异。这就为伴奏的创新追求创设了更为自由的情感空间。

1、以多声的音响效果来体现创新追求的情感空间。

钢琴是多声乐器,它具有囊括交响乐团由最低音区到最高音区的全部音域的宽阔音域,具有可以比拟交响乐队合奏时雄浑、嘹亮、光辉、铿锵的音响。因此,在钢琴即兴伴奏中,伴奏者可以利用钢琴这一多声的特点,创造出更多的音响,更丰富的色彩,更多的形象,来描绘音乐歌曲意境,渲染音乐气氛。例如,伴奏者可以钢琴宽广的音域,凭借着对各种乐器音响的想象,给歌曲的旋律以配器手法的处理,以丰富旋律的色彩。又如,伴奏者可采用多种类型伴奏形式,如带旋律的伴奏、不带旋律的伴奏或综合的伴奏等。在采用带旋律的伴奏手法时,可采用单旋律、旋律加和弦音和八度重复法三种。可以把旋律放在上方声部,突出歌曲的主旋律;也可以旋律在中间声部,使歌曲的主旋律显得柔和、优美;还可以旋律在低声部,歌曲主旋律显得深沉、有力。三者可根据旋律发展、情感需要交替使用。再如,在伴奏中,采用复调的创作手法,使伴奏与主旋律形成多线的对比关系。这里也有三种形式,第一种:运用对比复调的形式,使另一个副旋律与主旋律形成对比,起烘托、陪衬、丰富主旋律的作用。第二种,运用模仿复调的形式,与主旋律形成前呼后应的关系,使歌曲更加生动风趣,活跃了节奏,流畅了旋律。第三种,运用支声复调织体形式,将旋律加以装饰变奏,在支声式的钢琴织体中附加声部,充分运用和弦外音的作用,使音响丰满,和声的力度也得到了加强。这些手法,都是利用了钢琴的多声特点,以多层次的线条来丰富歌曲主旋律的内容,扩展歌曲情感的表达空间。“复调音乐可使每个独立的旋律相互进行对比、模仿、追逐,构成多层次的富于动力性的音乐表现力,犹如西洋绘画技巧中的‘透视’技法,使绘画中不同的‘点、线’相互补充、协调、呼应,从而加强了画面的厚度,使其更加丰腴、挺拔,增强了作品的艺术表现性。”

2、以丰富的和声色彩来体现创新追求的情感空间。

和声的设计是钢琴即兴伴奏中具有“灵魂”地位的重要部分,和声在伴奏中的作用,是通过和声色彩、力度和功能效果,来渲染音乐的情感思想,对歌曲起到烘托的作用,更深地刻画 歌曲的艺术效果。

在钢琴即兴伴奏中,最能表达感彩的就是和声。因此,根据歌曲情感的需要,灵活地使用和声语汇、和声色彩的变化,能为歌曲的情感表达带来更为广阔的空间。例如,抒情歌曲的和弦编配,是根据歌曲内容情感的变化及节奏、节拍、调性色彩、逻辑重音来设计的。因为抒情歌曲的旋律强调抒情、优美感人,音乐形象宁静,犹如发自内心细腻的独自,是一种情感抒发。因此它不需要很强的和声力度,而是采用比较缓和具有色彩性的和声,运用大、小交替的手法进行。往往采用重属和弦、副属七和弦、变和弦来推动歌唱的激情或情绪的变换,伴奏衬托出诗化的歌词和歌唱性的旋律色彩性的和弦,把平稳的旋律勾画出一种活力,通过情景的融合,抒发人们内心的情感。又如,舞蹈性歌曲和弦选择,常加入副三和弦和离调和弦,来增加柔和的色彩。因此,丰富的和声色彩,表达了细腻的情感需要,开辟了情感创新的自由空间。

3、以多样化的音型、织体的有机组合体现创新追求的情感空间。

伴奏音型是和弦与和声进行在伴奏中的具体表现形态。是展现内心和声思维活动的载体。伴奏织体是伴奏中旋律、和声、低音三个层次的纵向组织形态与横向运动形态,是伴奏的综合表现手段。伴奏织体是在多声部的伴奏音乐中,根据歌曲内容的需要,进行有机组织的一种形式。

钢琴即兴伴奏织体,主要表现了一种韵律的美,通过伴奏织体的形态,使人的心智体验到一种有形的情感思维形式模式,从而产生审美情感。例如,不带旋律的伴奏织体,不同的和弦奏法,不同的分解和弦,可以表现不同音乐形象,让人产生不同的心理感受。(见谱例1,2)

谱例1中,a与b为断音奏法,表现出坚定果断的形象,起着强调语气的作用。c为长音奏法,表现出平静、安宁的效果,更能突出主题内容。d与e为半分解奏法,表现出柔和、优美、平静,往往描绘背景。f为震音奏法,在不同的音区,不同力度表现出不同的效果,可描绘自然景色或特定动作,往往把歌曲推向。g为琶音奏法,表现抒情、流畅的效果。

谱例2中,a,b与d为带低音半分解和弦织体,具有活泼、轻快的效果。c为带低音分解和弦式织体,右手高音区分解和弦织体,具有华丽的背景效果,坚定有力,明朗的音乐形象。e与f为同向与上下反向分解和弦式织体,具有抒情、流畅、柔和的效果,给人以舒适、清新的气息。g为多层次分解和弦织体,用以描写波浪起伏的大海和潺潺流动的河水,以及自然景物,表现人物内心情感的波动。

在一首歌曲的钢琴即兴伴奏里,根据音乐形象的需要及情感变化的需要,可以穿插多种乃至十几种伴奏织体。可见,以多样化的音型、织体的有机组合体现创新追求的情感空间。

三、钢琴即兴伴奏体现艺术完美的境界背景

在声乐艺术表演中,钢琴即兴伴奏的任务,就是配合演唱者共同完成对音乐作品的诠释、演绎工作。演唱者对音乐作品的再创作的心态、情绪、艺术表现力、感染力,以及对作品解释的准确性等,在很大程度上取决于钢琴伴奏。钢琴即兴伴奏者,通过丰富的创作手法,以钢琴宽广的音域,大幅度的力度变化,细腻的速度变化,多样的节奏变化,以及丰富的和声、织体,丰富的音色变化等为手段,与演唱者默契配合,形成珠联璧合,浑然一体的艺术整体,共创艺术完美境界。

1、钢琴即兴伴奏音乐的模仿性、象征性或暗示性,创设了艺术完美的境界背景。

在钢琴即兴伴奏中,是通过模仿自然界的声音、渲染情绪气氛、音响色彩、音响运动状态以及音响造型等各种的创作手法,给歌曲作品以画面背景和视觉形象的想象,从而完美音乐作品的背景形象。例如,在钢琴伴奏中,可以模仿小鸟的声音与鸟叫的节奏,以表现春天到来的欢快景象。可以模仿雨滴的声音、雷响的声音等,为音乐作品描绘了画面的背景。又如,钢琴伴奏可以通过节奏、音型的变化,象征着歌曲的某种风格特征及情绪。如,波尔卡节奏,表现欢快、活泼的情绪;探戈舞曲节奏,表现潇洒奔放的情调;圆舞曲节奏,表现高雅、浪漫的气氛;伦巴舞曲节奏,表现欢快、明朗的情绪等等。再如,通过丰富的和声色彩以及多样的伴奏织体,来象征画面的背景与刻画音乐的形象。如,采用以大调的和声色彩作背景的,表现了一种明亮、欢快的情绪背景;采用以小调的和声色彩作背景的,表达了一种思念之情的情绪等。伴奏织体的多样性,更是体现了丰富的音乐形象,正如谱例1、2所分析的。因此,钢琴即兴伴奏音乐的模仿性、象征性或暗示性,创设了艺术完美的境界背景。

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中图分类号:J120.9 文献标识码:A 文章编号:1005-5312(2015)08-0021-02

从时间上来说,“当代艺术”主要指的就是今天的艺术,深入其本质,主要指的就是具有现代精神同时具备现代语言的艺术。从这一方面来说,当代艺术所体现出来的不仅仅是包含着艺术作品的“现代性”,同时还包含着艺术家对今日社会生活有所感受的“当代性”。艺术家身处今天的文化环境中,面对的是今天的现实生活,所以,在他们的作品中,必然会体现出今天的时代特征与时代精神。即使是要表现历史或是未来,也需要对其进行当代性和当代感受的转换。由此而言,一个时代的艺术能够直接体现这个时代的民族审美意识、心理状态和精神现象。中国当代艺术代表着我国艺术的先进水平,引领着我国艺术的总体发展方向,这种“当代性”正是建立在我国文化体系之上的。随着媒介革命的不断发展壮大,艺术逐渐从精英艺术转向大众艺术,使普通大众从观念上突破对传统美学的界定,当代艺术的审美价值取向呈现大众化的发展趋势,艺术发展逐渐通俗化,呈现出一种不再为高雅艺术、精英艺术独享的发展趋势。

一、艺术审美价值的内涵与实现

十八世纪,美学成为哲学门类下的独立分支,与伦理学和认识论并列。与此同时,艺术作品的价值在现代美学体系中一直争论不休,集中表现在审美价值、认识价值和伦理价值之间的关系问题上。康德认为,人的全部认识能力可以分为知、情和意,它们分别有着各自不同的领域和价值追求。认识价值主要来源于知性对真的追求,伦理价值来源于对善的追求,而审美价值则来源于对美的追求。所以,艺术作为一种重要的文化活动形式之一,它的价值从根本上来讲,也可以分为认识价值、伦理价值和审美价值三个方面。

艺术审美价值的实现是一个动态的发展过程。首先,在艺术审美价值创造中,艺术家将自己的情感体验赋予作品中,同时以观赏者的角色评判自己的作品能否被大众理解和接受。也就是说,在艺术家的作品创作过程中存在着隐含的观赏者,而艺术家进行作品的创作首先就是为了让隐含的观赏者能够理解。艺术家想要使作品的审美价值得到实现,就要深入揣摩观赏者的心理,作品只有被观赏者接受,才算是真正完成了艺术审美价值的实现。总的来说,艺术审美价值的实现是在观赏者的接受过程中完成的,在这一过程中,艺术家所创作的作品在观赏者的解读中逐渐呈现出来,也可以说,艺术审美价值的实现是观赏者的发展与再创造的过程。

二、当代艺术使用现成品,使之与生活的界限逐渐模糊

艺术作品的价值就在于能够为社会的发展提供动力,而作为人类文化精神延续的艺术,想要真正为人类提供精神食粮,就需要融入生活,从生活中接受创新,而这也意味着当代艺术必然呈现走向现实、走向大众化的发展趋势。

二十世纪初,法国画家杜尚展出自己的作品《泉》,该作品其实就是一个签有杜尚署名的小便器。当一件普普通通的生活用品以艺术作品的形式呈现于人们眼前时,它原先作为小便器的使用价值便不再存在,但是同时出现了一个新的意义,人们也应该从一个新的角度重新审视它。当代艺术将生活融入其中,利用现成品进行创作的艺术作品比比皆是,对我国传统文化和美学思想产生了巨大的影响。它不仅拓展了人们的审美视野,使人们对于艺术的关注不再只是单一的停留在艺术作品上,而是将眼光更多地投入到现实生活中。

(一)将现成品作为艺术作品的一部分

当代艺术虽然呈现多元化的发展特征,但是对于作品中“形体”的塑造来讲,不论是在传统艺术还是如今都始终受到艺术家的重视。比如传统的雕塑作品形象往往通过“雕”、“塑”、“刻”等手法来表现,而当代艺术中,“拼贴”、“挪用”等艺术手法逐渐兴盛,甚至是一些现成品也被大量的运用于作品表现中,使其成为作品整体的一部分。例如我国《收租院》这件大型的泥塑群像,整个作品采用了连环画般的表现形式,通过逼真的人物造型和簸箕、风谷机等现成品的组合,展示了地主向农民收租的真实场景。再如杜威汉森的著名作品《旅行者》,将两位游客塑造的栩栩如生,而为了追求更为真实的感觉,艺术家将两位游客穿上真正的服装。在此作品中,现成品发挥了与在生活中一致的使用功能,而并未有其他不同的意义。

(二)将多个现成品进行组合与重构

现成品除了在当代艺术作品中以部分的形式而出现,同时还经常表现为多个现成品之间所进行的组合和重构。由于现成品本身的构成材料较为多样,同时组合方式也千变万化,所以呈现出来的艺术作品充满着创造的趣味。最典型的例子就是毕加索的《公牛》雕塑作品,该作品用车把表现公牛的牛角,借助于自行车座的倒三角形表现公牛的头部。在这件作品中,现成品成为了艺术作品的全部,可以说车把和自行车座构成了雕塑作品的材料,是为作品的造型服务的。而杜尚的作品《自行车轮》则将现成品组合起来,表达了一定的内涵。在他看来,车轮就只是车轮而已,就像其他的车轮一样,一旦丢失或者毁坏,就可以立刻被新的车轮所替代。作品将造型、审美等因素排除在外,真实的再现了车轮的实用价值,是对无意义的现成品通过组合,赋予其艺术的光芒。劳申伯格也曾利用现成品来完成自己的艺术创作,主要借用了现成品在社会文化中的象征意义来表达作品中的文化意蕴。例如其作品《交织字母》,借用破旧的山羊标本和废气的汽车轮胎进行组合,使山羊从轮胎中穿过,同时在羊头山撒上一些油彩,在羊脚下铺上一块乱涂乱抹的画板。这件作品看似采用了一些毫无意义的现成品随意组合而成,其实却含有深意,著名批评家罗伯特・休斯就从中解读出作品对于性、对于男同性恋的暗喻。

三、当代艺术追求现实性,改变了艺术创作的模式

我国的当代艺术采用了大量的现成品作为艺术品创作的材料,表现出与生活结合的日渐紧密,同时艺术作品和大众之间的联系也变得日渐频繁。由于人们对精神生活的追求越来越高,大众对自身现实生活的要求也随之提高,很多人对于自己的生活状况感到极其不满。再加上当代文化的广泛普及以及人文意识的加强,越来越多的人开始对自身进行重新审视。艺术作品不再是高高在上,只能仰头欣赏的作品,而是逐步演变成为一种对现实生活真实再现的表达方式。艺术审美在与现实生活逐渐融合的过程中,更多的将追求“现实性”作为审美活动的主要内容,并努力使艺术创作活动突破对精神理想的追求而向现实生活转变。例如陈丹青的作品《牧羊人》就打破了时期形成的“红、光、亮”画面风格,用直白的笔触描绘出正在相拥接吻的情侣,画面不再表现革命的激情,而是用生理的激情来取代。作品中的男人虽仅露出背影,却能看到其强悍有力的雄姿。而画面中的女人,其动作僵硬笨拙,仿佛与男人不太和谐,但正是这种不和谐赋予了整幅画面全然不同的美感,仿佛正在挣脱教条的束缚。时期美术创作中一直都被避讳的爱情这一现实主题大胆出现在画布之上,不加掩盖、不加修饰,就如此真实的呈现出来,凸显了艺术作品对于思想的束缚和挣脱,同时也体现了作品向现实迈进的巨大转变。

四、当代艺术更新了艺术接受方式,成为艺术家和大众交流的载体

(一)当代艺术接受方式由“一对一”转向“对话”

在我国传统的审美接受模式中,观赏者对于艺术作品往往只能被动的接受,主要采用的是“一对一”的接受模式,这从一定程度上来看极大的限制了观赏者对于艺术信息的自主能动选择。传统的艺术作品大多数都是艺术精英创作出来的,处于艺术创作发展的前沿。他们在艺术发展中占据着主导地位,起着重要的决定作用,这就注定了观赏者对于此类艺术作品只能是遵从、赞赏。正是由于精英文化所具有的自上而下的传播方式造就了传统艺术“一对一”的接受方式,主要表现为精英艺术家向观赏者的单向展示。

而伴随着我国改革开放的深入开展,科技力量的迅猛发展,网络媒体逐渐对我们的生活产生重要的影响。与此同时,以网络媒体为载体的视觉图像充斥着我们的社会,成为现代人生活中不可或缺的一部分。当代艺术成为了包含着视觉艺术、媒体艺术、大众艺术等为主要内容的多元化艺术,其艺术审美价值也发生了重大的转变。艺术审美价值的实现从“一对一”逐渐向“对话”的模式转变,这主要表现为艺术再也不是精英艺术家对观赏者的说教,而是艺术家与观赏者双方在共同的社会文化环境中进行的文化性沟通,这也使得艺术家、观赏者和艺术创作活动之间产生了文化利益的一致性和文化共通性。

(二)当代艺术成为艺术家和大众交流的载体

艺术家将自己的生活感悟和情感体验融入艺术作品并将之呈现给观赏者,观赏者在观赏作品的过程中,通过作品的造型、构图、色彩、材质等艺术元素的呈现与作品进行交流与对话,并从中得到感悟,获得情感上的体验,与艺术家产生情感共鸣。当代艺术比以往艺术以更加大众化的姿态呈现,成为艺术家与大众交流的载体。在欣赏交流的过程中,观赏者对自己的生存活动及状态有了更直观、更深入的观察和感悟。而艺术家的作品也不再成为自己孤芳自赏的或是自我安慰的工具,而是成为了与大众交流的载体。而正是交流,才使得当代艺术的审美价值的到真正的实现,同时艺术创作活动也真正成为了人们重新审视自我的独特文化方式。例如2011年,何多苓创作了“兔女郎”系列,整个系列中的兔女郎都充满着孤独和忧伤,而其中的作品《兔子的诞生》更是引起了人们的兴趣。该作品与《维纳斯的诞生》有较多相似之处。何多苓想要表现的是维纳斯诞生的时候有春神的迎接,而兔子的诞生就只有独自的凄惶。用兔子代表当下,用维纳斯象征文艺复兴时期,用两者的不同心境传达对当下艺术的思考,是不是我们当下的社会现实远不如文艺复兴时期幸福?

五、结语

艺术审美价值的实现过程是一个动态的发展过程,它不仅仅包含了艺术审美价值在艺术创作中的动态展示,同时也展现出了其在审美接受中的实现。研究当代艺术的审美价值取向,有利于全面把握当代艺术的大众化发展趋势,对于当代艺术审美所呈现出的现实性、对话性等特点进行深入细致的分析,同时对艺术审美价值的动态系统进行考察,对于艺术创作本身和艺术审美价值理论的研究均重要重要意义。

参考文献:

[1]周璇.大众化:中国当代艺术审美价值取向研究[D].开封:河南大学,2011.

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关键词:云南花灯;艺术特征;地域性;审美价值

地方戏曲艺术是流行于某个特定区域的艺术形式,以其独具特色的创作形式和表演特色来表现各个地域的文化特征和风土人情。花灯是流行于四川、贵州、云南等地的一种具有悠久历史的民间戏曲形式,云南花灯则主要流行于云南省境内的汉族、汉族和少数民族聚集区等地。云南省具有不同于其他省份地区的地理环境和人文环境—多山且多种少数民族聚居于此,从而造就了云南花灯独特的艺术风格和文化特征。

1.云南花灯的艺术特征

传统戏曲主要是靠演出的剧目、演员唱词以及演员的舞台表演等环节来向观众呈现戏曲内容。花灯作为地方传统戏曲也不例外。因此,可以从以上几个方面来探讨云南花灯的主要艺术特征。云南花灯剧的剧目较多,主题也较为广泛;主要扮相不同于其他曲种的老生、老旦等,而是以小丑、小生和小旦为主;剧目主题大多和生产生活密切相关,将人们的日常物质生活和精神世界搬上舞台。剧本的主要内容以及演员的唱词都具有浓烈的云南本土味道。如剧目《探干妹》中唱词“是哪个呢声音”、“给(ge)是舅舅”等,都是云南本土方言,意为“是谁的声音”、“是不是舅舅”。

由于云南地理环境复杂,多种少数民族与汉族长期聚居,不同地域的风土人情和风俗习惯都不尽相同,从而造就了云南花灯的另一个特色,就是支系繁多。有昆明、呈贡花灯,玉溪花灯,弥渡花灯,楚雄、禄丰花灯、建水花灯等,各个地方的花灯无论是唱词还是念白都充分包含了当地的民族特色。云南花灯的另一个显著特点就是有歌有舞、歌舞相伴。花灯表演里的身段都是将身体弯曲成“S”,上身和腰部、胯部做相反的有规律的摆动,也就是所谓 “崴”,“崴”在花灯表演中占有重要位置。除了崴的动作,花灯中还包有其他多种动作,如白族霸王鞭、灯笼舞等。云南花灯的音乐也是别具特色,主要表现在花灯音乐的曲调种类繁多。这些曲调要么是从本民族或当地的民族音乐中“借”来,要么是从别的地区甚至外省市移植而来,再结合当地的语言、风俗习惯等加以改进,形成有特色的花灯艺术。云南花灯所使用的乐器主要以管弦类乐器为主,如笛子、三弦、胡琴等,后来又加入了琵琶民族乐器,使花灯音乐更有民族韵味。

2.云南花灯的地域特征

云南花灯几乎覆盖了整个云南省,在地域上呈现出多样化的特征。杨友明提出云南花灯具有“大开放,小封闭”的特点,并从称谓上的地域性、音乐上的地域性、剧目上的地域性、组台演出等几个方面对“小封闭”现象做了研究。

(一) 称谓上的地域性

云南花灯的名称都是以地名或民族命名,然后再加上“花灯”二字,如上文提到的昆明花灯、楚雄花灯、弥渡花灯、嵩明花灯等,这种命名方式不仅在地域上对云南花灯加以区别和分类,而且包含了不同的民族风格和地域特色。

(二)音乐上的地域性

音乐上的地域性是云南花灯地域性特征比较突出的一个方面。云南花灯的唱腔音乐一般都自成体系,形成自己的当地特色。譬如,红河哈尼族彝族自治州的多个县市都是汉族和彝族、哈尼族等少数民族聚居,因此当地的花灯音乐都带有本地少数民族的韵味。如建水市是汉族彝族杂居,因此建水花灯都带有彝族的腔调,因此又称为彝族花灯。

(三)剧目上的地域性

在云南省内,山地较多,交通便利程度相对较低,再加上上个世纪的通讯和媒体尚不是很发达,因此,各地花灯演出团体的交流都甚少,基本上都在一个相对较小的范围内进行演出活动,因此,地域性特征愈加明显。再者,花灯剧目移植古典名著和其他优秀剧目比较多,在不同地域移植和传播过程中随即出现了地域性差异。

(四)组台演出的地域性

云南花灯艺术曾出现过和其他艺术形式同台演出。如在历史上,职业艺人为社会环境所迫,讲滇剧和花灯两种不同的艺术形式同时在舞台上进行演出。时至今日,云南景东、镇沅等地经常花灯中的一种“耍戏”和当地的杀戏同台演出,人们称之为“混合班”。

3.云南花灯的审美价值

云南花灯和其他传统戏曲一样,都是通过演员的扮相以及舞台表演、舞美及唱腔设计、舞台场景布置等手段将戏剧故事情节和人物形象生动的呈现给观众,让观众在欣赏戏剧“美”的同时,更重要的是感受美、领悟“美”,在戏曲情景里寻找生活场景,最终达到戏人合一的境界。因此,云南花灯具有中国传统戏曲艺术的形式美、概括提炼人生的生活美以及凝聚中国传统文化的风俗美。

云南花灯作为传统戏曲艺术,不仅能给人美的享受,同时也能使观众的感情和灵魂得到净化,其所产生的美育效果和感染力对于提高公众思想及觉悟具有不可忽视的作用。学者黄富曾对花灯进行研究时认为花灯的审美价值是多方面的,不仅能愉悦身心,而且能陶冶人的情操,在文化的传承和保护方面也有一定的作用,并且认为这些作用是相互包容、相互渗透、相辅相成的。(作者单位:云南民族大学艺术学院)

参考文献:

[1]宋子龙,张宏伟.论云南花灯的艺术特征及在高校传播的意义[J].大舞台,2013,(3):253-254.

[2]李昆生.《云南艺术史》[M].昆明:云南教育出版社,1995年版.

[3]方伦裕,苏天祥.《花灯舞蹈》[M].昆明:云南人民出版社,1987.

[4]王群.《云南花灯音乐的渊源及其衍变》[J].民族艺术研究1991(2).

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一、明代青瓷

1.青瓷

青花瓷属于釉下彩绘瓷器。是用一种含氧化钴的矿物为原料,再施以透明釉,然后在高温下一次烧制而成后,呈现蓝色图案,故称为“青花”。早期的青花装饰起源于唐,形成于元,鼎盛于明和清。

2.明代青瓷装饰艺术的主要特征

明代青瓷整体来看形成了粗狂、豪放、典雅、古朴、沉静的艺术风格。明代青各个时期都有其代表的特色。从艺术风格来看宣德的浑厚、成化的清雅、嘉靖的逸趣、万历的秀美。

二、青瓷中莲花纹的形成和发展

明代青花瓷绘中,以植物花卉最为丰富。其中莲花纹样又是最具审美艺术研究价值的纹样之一。莲花,通称荷花,又名芙蓉、藕花等。青花中莲花纹包括:缠枝莲纹、折枝莲纹、把莲纹、莲池纹等。莲花纹样在奴隶制社会时期已经被人们运用于工艺美术产品的装饰中。春秋时期是最早运用莲花纹样在器物上的。如青铜器 “莲鹤方壶”上的莲花花瓣纹样的出现。据田自秉所著《中国纹样史》认为:“莲鹤方壶上的莲花纹样与飞鹤配合,表现了一种新的时代精神”。到了六朝时期由于佛教的兴盛,莲花装饰逐渐成为陶瓷产品的主要装饰纹样。唐宋时佛教普及,莲纹饰在各种瓷器上大量使用。到了元代,青花瓷上开始绘制莲花纹样。到了明清青花上更是普遍,形式也更为丰富。

三、明青瓷中莲花纹装饰艺术和审美价值研究

1.莲花纹装饰艺术中独特的形态美

明代是我国瓷器纹样发展的集大成时期,形式多样的植物纹饰使明代瓷器具有丰富多彩的时代特色,其中荷花纹样的装饰在青瓷中最为常见。青花装饰主要通过线条的粗细、疏密、点线等笔法来表现各种艺术意象。整体的装饰艺术特征来看,具有典型的明代“粗大明”特点,作品中无不散发出一种粗犷、大气、古朴、典雅的气息。

(1)缠枝莲纹装饰特征

明代的缠枝莲纹装饰较多。缠枝莲纹是一些不规则的曲线形叶片的藤枝在器物上的缠绕。明时期,审美趣味偏向有规矩、有节奏的韵律美。绘制的纹饰有一种最求写意的效果,追求一种形到而追求一种意到得效果。

(2)折枝莲纹装饰特征

折枝莲纹是截取莲花的一枝或某一个部分,形状像折下来的花枝一样。明青瓷上的折枝莲多作为辅助纹饰在器物上出现,如盘底出现一枝莲的主装饰,盘边缘和内壁以二方连续的折枝莲作为辅助纹饰。装饰手法打破固有的装饰定律。

(3)把莲纹装饰特征

把莲纹是将折枝莲花的枝叶、莲蓬用锦带扎成一束,形成一把一束的纹样装饰,所以称为把莲纹。整个把莲纹装饰在盘心,花茎向上扩撒开来,花朵与莲蓬也跟着花茎的韵律扩散开来。从审美的角度看,这种图案具有一种很强烈的静态图案的动态美存在。

(4)莲池纹装饰特征

莲池纹是表现一个池塘景致的图案,其中画面里有较为写实的莲花。莲池纹通常被作为主体装饰于青花瓷器中,器物的其他部位采用分层的装饰方法,沿用二方连续绘制不同的花纹作装饰。画法细腻、画面层次感丰富、纹饰较为繁密。图案具有很高的装饰意识审美价值。

2.明青花瓷中莲花纹色彩之美

青花之妙在于经过百年历史,青花本身的色料就具有很高的装饰艺术审美价值。白瓷的白色显得纯净,蓝色打破这种白色的单调。蓝与白的交融让人觉得优雅而素静,色彩上给人一种清心悦目感觉。青花上的莲花纹样采用一笔点画法,笔触上又见刚柔、虚实、浓淡、轻重之分。所以青色上层次多样,就像中国画里的浓淡、虚实之分。宣德时期,莲花纹青色浓重、色彩庄重。成化、正德时期,莲花纹色泽清淡、典雅、素美。嘉靖、万历时期,莲花纹呈浓艳的钴蓝色方显大气之美。不同年代所烧制出来的莲花纹色泽都有所不同,可见其当时的青花颜色具有很高的艺术审美价值。

3.莲花纹在明青瓷中的构图布局

(1)青白对比,水路穿插

莲花纹在青花装饰中的构图布局还是采用整体的黑白效果,也就是所说的“青白对比,水路穿插”是莲花纹在青瓷装饰构图中的主要布局规律。所谓“水路”就是分层装饰法中常用的双勾线,空余的地方留白处。这种装饰效果是为了使画面感更为强烈,是为了分割纹样的层次感,起疏密关系的作用。在处理莲花纹样时,就要考虑“水路”的效果,把没有纹饰的地方也当作重要部分来处理。这种“记白当黑”“知白守黑”就如中国的国画一样。

(2)动势的构图

莲花纹中的很多构图都富于一种动态的美感,有一定的节奏和韵律在里面。如把莲纹在青瓷上的纹饰一样。无论是把莲纹上的花茎还是花朵和莲蓬都以一种动态感存在。花茎与彩带上的上扬都有很强的节奏平衡感。其几个莲花纹样也同样有这样的动态美感。缠枝莲纹上的缠枝,缠枝的样式多样,枝与枝的穿插有一种来龙去脉的动势感。而花朵上的花瓣与缠枝上的叶片也随花茎摆动,富于动态感。其叶片往而复回、轻重缓慢,有疏密之分。可见在明时期,在装饰青瓷上已经有了很多智慧和财富的结晶。也凸显了当时的莲花纹样在青瓷艺术上的价值。

四、结论

青花是我国宝贵的艺术财富,其中的装饰纹样艺术审美价值极高。莲花纹又是明青花上最为常见的装饰纹样,从莲花纹的发展起源到成熟时期的特点来分析它在青花装饰上所起到的重要作用。通过纹样上的形、色、韵等装饰手法上分析其艺术审美价值。得出结论:莲花纹样的装饰在明代的青花上不同的时期都有不同的艺术风格,莲花纹在青花中的艺术审美价值性很高。表现形式上又多元化,有缠枝莲纹、把莲纹、莲池纹等,且每一时期都有各自的风格。从装饰构图上来看,采用“青白对比,水路穿插”和动势的构图,其中所蕴含的科学性和材料的组合都是当时人们伟大智慧的结晶。这样宝贵的艺术财富是值得我们去学习、传承和发扬的。

参考文献:

[1]傅克辉.《中国设计艺术史》重庆大学出版社

[2]郑军,远宏等编著.《中国青花瓷器纹饰艺术》人民美术出版社

[3]江苏省古陶瓷研究会编.《中国青花瓷纹饰图典》东南大学出版社

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中图分类号:J23 文献标识码:A 文章编号:1006―0278(2014)03―274―01

高密的民间面塑以造型艺术的身份出现是近几年的事,在历史上讲既无作品记载也无珍品传世。随着时代的变迁,科技的发展我们学会了越来越多的反传统的东西,却对许多传统的民间的手工艺术越来越陌生了。因此有必要对传统文化中的精髓进行深入研究与发展,使民间艺术得以传承。

一、高密面塑的审美特征

(一)粗拙淳朴之美

这里的民间美术如风筝、剪纸、面塑等都展现了古朴纯厚的民俗美。这些作品取材传统,贴近自然;造型随意,简略概括,十分生动;色彩对比,纯洁,明快,直接用原色;构图对称均衡,随意自然;材料素美,富意象征。当你目睹这些民间作品时,那对生活的热爱,深情,把心灵、情感及整个生命注入作品而形成的浓郁的乡土气息的虔诚艺术精神,令人感动,并愿为之探寻,追求。所传达出的寓意有象征爱情的龙凤,有象征多福多寿的桃子,有象征美好生活的花、鸟、虫、鱼,生动地体现了劳动群众特有的亲切、纯真、直朴的思想感情和健康的审美趣味。

(二)飘逸细腻之美

山东的妇女们在长期与山东大汉们生活的过程中坚持保留自己女性特有的性格特征。形成了喜欢抒情、细腻、美丽、安详、精细、含蓄、温馨、和善的审美情趣。她们这样的审美运用到面塑作品当中,营建出自然、美丽、朴实、生动、细腻、飘逸的艺术形象,采用面团本身细柔流动的线条,表现出清明、柔和、丰满的面塑作品。细美的面花无不反应着这阴柔之气的飘逸细腻美。粗中有细,细中有气,有的是那一股灵巧飘逸之气。

(三)空灵取巧之美

高密面塑在制作技巧上把握了面团这一材料的良好的分寸感,面塑艺人通过长期摸索,做成形但不做足,留给面的自然饧发和蒸气来完成作品,以充分发挥面的特性,体现面的质感,自然天成、朴实浑厚、令人爱不释手。特别是一种叫“辩不清”的造型,几个小胖娃娃缠身交臂盘在一起戏耍,使你辨不清是谁的胳膊谁的腿,只看到一组优美的造型,精绝的构思,让人惊叹不已。所塑动物如虎、狮、马、牛、猫、龙、猴、羊等,是让人一眼就难看出来是何物,但是仔细的想找出一只角,一条腿确实不易。他们的基本造型大多是一团面,但却让人一眼就看出来是何神兽,这就是劳动妇女没的魔力。

二、高密面塑的艺术价值

(一)民俗价值

恩斯特・卡西尔在《人论》中说:“符号化的思维和符号化的行为是人类生活中最富于代表性的特征”,没错!面塑其实是一种民俗文化的符号,是原汁原味的乡土艺术。一方水土养育一方人,在家乡长期的民俗行为和精神的熏陶中形成的民俗心理总容易被地方特征明显的艺术形式唤起心中的乡土情感。

(二)审美价值

面塑艺术的特点是造型完整饱满,造型略有夸张,手法简练、注重神气,淳朴敦厚、色彩艳丽,让人觉得亲切自然。面塑之美,美在其自然的材料、自然的工艺、质朴的心境。它塑造的形象是符合民俗文化心理的,是老百姓喜闻乐见的。诚如日本著名民艺学者柳宗悦说的那样:民艺品中含有自然之美,最能反映民众的生存活力,所以工艺品之美属于亲切温润之美,在充满虚伪、流于病态、缺乏情爱的今天,难道不应该感激这些能够抚慰人类心灵的艺术美吗?谁也不能不承认,当美发自自然之时,当美与民众交融之时,并且成为生活的一部分时,才是最适合这个时代的人类生活。

(三)教育价值

面塑绝不仅是个玩赏品,它具有很强的社会教育功能。如同西方人说哥特式教堂里的玻璃彩画是无字的《圣经》一样,面塑艺术也以其形象传达着一个个动人的故事。人们可以通过面塑的孙悟空、猪八戒、白娘子、穆桂英、水浒英雄等形象给孩子讲述相关的历史故事,从而在潜移默化之间启迪孩子的智慧。同时,对于艺术教育和艺术创作,民间艺术总会带来莫大的惊喜。

(四)经济价值

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1858年12月22日,普契尼出生于意大利的音乐世家。当时的意大利仍然沉浸于18世纪繁盛的歌剧发展史中,加之威尔第的继承和创新,进一步推动了意大利歌剧的发展,在威尔第歌剧的影响下,普契尼走上歌剧创作之路。进入米兰音乐学院后,普契尼开始将全部的精力投入到歌剧创作中。他的创作之路并不顺利,前两部作品均未取得较好的评价。但经过不断地积累,十年后普契尼的第三部歌剧《曼侬兰斯科》终于得到公众关注。在这部歌剧中,普契尼的风格特点已经有了初步体现,他的歌剧旋律优美流畅且感情充沛,生动而详细的描绘使其作品内容呈现很多歌剧家所不具备的朴实真切。第三部歌剧后,普契尼的创作开始进入成熟期,创作了非常著名的浪漫三部曲,即《艺术家的生涯》、《托斯卡》以及《蝴蝶夫人》。《艺术家的生涯》被认为是其最成功的作品之一;《托斯卡》被认为是意大利歌剧史上最重要的作品之一;《蝴蝶夫人》经过在布雷西亚城大歌剧院的再次上演,收获了极大肯定与地位,并使普契尼与当时著名男高音家恩利科?卡鲁索之间建立起了亲密友谊。创作高峰期后,普契尼的创作开始进入少产时期,《蝴蝶夫人》在世界各地巡演排练,加之一场家庭悲剧的到来,从1906年至1910年,普契尼仅创作完成了《西部女郎》,不过这部歌剧并未引起太大关注。从1910年至1918年,普契尼创作完成了三联剧,即《外套》、《修女安杰丽卡》与詹尼.斯基基》。完成三联剧后的两年多后,普契尼已经62岁,进入了创作晚期,《图兰朵》是普契尼最后一部作品,在他去世时仍然剩下三十六页未完成。普契尼的歌剧仍然保持着以唱为主的优秀传统,推动了意大利歌剧向歌唱化发展。在普契尼的歌剧中,出色的男高音咏叹调极大地拓宽了歌剧的表现力,成为普契尼歌剧中的亮点。

二 男高音咏叹调在普契尼歌剧中的艺术审美价值

在西方歌剧艺术史中,咏叹调是相对宣叙调而言的最重要的一种独唱形式,能够一定程度低揭示人物的内心活动,在此基础上能够进一步增强歌剧情节感染力,从而对歌剧情节发展起到推动作用。普契尼一生所创作的12部作品中,男高音咏叹调一直是其歌剧亮点,给普契尼的歌剧增添了持久的魅力。且普契尼歌剧中的男高音咏叹调,有其特有的艺术审美价值。

1 旋律优美流畅,内容朴实真切,情感真挚动人

普契尼的歌剧中创作的著名男高音咏叹调共11首,综观这些为人称道的男高音咏叹调无不具备优美流畅的旋律,朴实真切的内容,以及真挚动人的情感,这些艺术特征几乎贯穿于普契尼歌剧所有男高音咏叹唱段中。普契尼创作的男高音咏叹调上行、下行呈现出明显的音阶式,《星光灿烂》、《多么冰凉小手》的等段落中这种艺术特征尤为明显。在这些男高音咏叹调中,音阶式的起落将乐句之间衔接起来,普契尼歌剧中男高音咏叹调节奏大多抒情缠绵的同时激昂跳动,使得歌剧旋律线条感优美流畅,给人以连绵起伏、意犹未尽之感。另外,普契尼歌剧中男高音咏叹调的另一个鲜明艺术特征在于纯音程旋律,纯音程旋律是意大利民歌的典型特征,普契尼在自己歌剧的旋律创作中很好地运用了这一特点,经过纯音程旋律的应用,普契尼的歌剧总是轻易让人感受到浓郁的时代特征,同时又能够让听者从心底感受到意大利民歌的清纯与朴实。纯四、纯五度是普契尼男高音咏叹调音程上、下跳动的主要趋向,其呈现出的旋律跳动相对来说比较春和、亲切,普契尼还会时而将一个小音阶式的回落加入跳动后面,推动旋律向更加柔美亲切的方向转变。在旋律方面,普契尼的男高音咏叹调还喜欢融入强调性的“回音”,这也是其旋律优美的重要方法之一。

普契尼男高音咏叹调的内容多是社会普通人日常生活的折射,因喜怒哀乐趋向真切而深受人们热爱,普契尼只是从这些日常内容出发赋予其生动而具体的描绘。普契尼对平凡人物及身边琐事的描写非常擅长,比较偏重简朴的音乐风格,在这一内容基础上所表达出来的情感总是真挚动人。《艺术家的生涯》中的鲁道夫、《托斯卡》中的卡瓦拉多西,都是现实生活中的普通人,但通过这些人普契尼却很好地将朴实而崇高的爱情主题表现了出来。每一部歌剧作品中,普契尼都将爱作为主题,在音乐中糅杂丰富的情感。普契尼歌剧中男高音人物有着多样化的情感特征,每个人所表达出的感觉也是不同的。在《艺术家的生涯》中,穷诗人鲁道夫的咏叹调抒情奔放;在《托斯卡》中画家卡瓦拉多西的咏叹调温情浪漫。通过对不同人物情感的不同把握,普契尼对不同人物的思想变化和内心活动进行了不同的刻画,具有很强的艺术感染力。

2 整体力度布局与形成手法独具个性,戏剧性强烈

普契尼所处的时期为浪漫主义时期,歌剧家均比较重视音乐布局,普契尼亦不例外,尤其在男高音咏叹调上非常重视音乐整体力度布局。普契尼的男高音咏叹调,音色犹如金子一般,奔放宽广,力度变化相对同时期其他人创作的男高音咏叹调更加丰富、细腻。普契尼的男高音咏叹调,弱或者很弱的力度是其前奏以及以及演唱的起句最喜爱的力度,而结束处则在旋律发展及人物情绪变化和需求的基础上,给予咏叹调自由、随意的布局,通常来说普契尼在咏叹调结束中的力度安排以强或渐强,又或者渐弱等丰富力度为主。以《今夜星光灿烂》来说,《托斯卡》中这段男高音男咏叹调的第一小节前奏以弱或很弱的力度起始,这种力度将画家卡瓦拉多西身上在牢房中的孤单、绝望、悲凉氛围极力地刻画和渲染了开来,待人们感受到卡瓦拉多西内心的悲痛后,普契尼开始引出宣叙调,回忆卡瓦拉多西曾经的美好爱情生活,两相对比呈现出鲜明的差别,让人能够更加深刻地体会到卡瓦拉多西对美好幸福爱情的憧憬与渴望,然而最终结局却仍然走向了悲剧,整个咏叹调戏剧冲突强烈。

另外,普契尼男高音咏叹调在的形成手法上也独居个性。从平静起步后,普契尼的男高音用态度开始连绵不断地趋于上行旋律,在富有成效的倾向性中自然地冲击到最高点。小字二组的a、降b和b三个音,是普契尼男高音咏叹调中的高音区主要集中点,使男高音穿透力极强的声音可以充分发挥,随着男高音最强力度的迸发,震撼人心的顺理成章地形成。普契尼对的这种独特处理,并非为了对男高音辉煌的声音技巧加以炫耀,显而易见是跟着戏剧情节的步伐而走的,当剧情到达点时,普契尼男高音咏叹调也顺理成章地到达感情的顶点。在《今夜无人入睡》中,内在张力隐伏在上行印列中,有着强烈而不可阻挡的力度,在普契尼独特的形成安排下,它们发展蓄积在一起,全曲最最终迸发,成就了整首咏叹调中最为激动人心之处。

3 将宣叙调与咏叹调有效结合起来,使歌剧艺术效果更加新颖

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就当代艺术设计人才的培养来说,审美教育在当代中国面临着现实的挑战,所以我们要科学地按照美的规律来完善教育学生,注重培养学生具有一定的审美素质;同时也要注重培养学生在设计中注入文化价值内涵的教育,使学生对设计作品进行文化价值的创造,进而激发学生的创新意识,不断拓展思维空间。

一、艺术设计创新中审美能力的培养

1. 培养学生在艺术设计审美形式方面的表现

在现代社会中,消费者往往注重产品的造型审美功能,如产品的外观造型和装饰纹样的形式传达出审美信息,这种信息与消费者本体的审美需要产生共鸣,才会使得消费者决策购买意向。这就决定了在艺术设计中,学生一定要了解美的本义和规律,创作出结合社会的美与自然的美的作品,使自身的审美经验以物质的形式显现,传达自己的审美理念,给受众者带来审美情绪上的愉快的效应,使其精神舒畅,甚至超越功利能够带来的情感满足,最终获得极大的审美享受。

2.培养学生在设计中的审美能力

审美能力即是创新形象思维活动的主要形式,主要通过审美想象力和其他思维能力的综合,形成具有创新意义的形象思维成果。培养学生的审美能力要从四个方面考量,包括审美鉴赏力、审美想象力、审美超越能力和审美创造力。

(1)审美鉴赏力的培养

审美鉴赏力是以人的整体感性存在对审美对象的完整形式和深刻意蕴进行充分认识和深切体验以及发现的能力,它是对美事物的鉴别和欣赏。学生要根据自身的审美经验来判断什么是美的,既要有对一切事物审美辨识能力,又要具备自己独特个性的审美能力,将美的形式和内涵注入到艺术设计作品的创作之中,使美的形式推陈出新。

(2)审美超越能力的培养

审美超越能力是对物质的功利性、物质媒介、现实时空的否定和扬弃,对自我生命有限性的否定和自我生命更新与提升等一系列的能力。 这要求学生澄净其心灵,去除一切芜杂繁俗的情感以及物质对其具有功利性的诱惑,从而在审美活动中,教师慢慢引导学生地进入到精神享受中,解脱自我,脱离自我,以纯净的目光,平静的心态,广阔的胸怀审视一切,在这个过程中完成自我的塑造和提升。

(3)审美想象力的培养

审美想象力是在审美主体知觉形象的基础上对审美对象进行再创造。审美能力的培养与创新思维的发散式思维、辐合式思维、联想型思维密不可分。即司空图在《诗品》里提到的“象外之象”。教师在教学过程中引导学生突破时空的桎梏,让学生思维自由充分地运转,以丰富的情感发挥其无限的想象力,让审美形象跨越时空,展现出超越物象本身以外的美的形象,这是继续设计的前提。

(4)审美创造力的培养

审美创造力的培养是要培养学生意识构形能力和形象创造力,是一切审美能力培养的最终目的。审美创造力与审美个体的先天个性有密切关关联,个性是成就新颖的前提,否则就是千人一面。审美创造力的培养能够使学生的个性先天因素得到良好的激发,并更好地将其发挥利用,进而激发审美想象力和创造力,在艺术设计中创造出新的形象,建构出外观定位超前新颖,内涵丰富,意境不俗甚至具有前瞻性的新形象。

二、艺术设计创新中文化价值内涵的培养

1.文化价值内涵对设计作品的提升

设计作品的文化价值内涵体现在作品的寓意上。文化是涵养一个作品的重要方面,他能够使作品不是单薄的物质实体,而是物质表象结合厚实文化内涵的艺术品。中国的传统文化底蕴深厚,为寓意创作提供了丰富的内容题材。传统器具上纹饰主要有瑞兽纹饰、五福捧寿、梅兰竹等,涵义吉祥。如象征高洁的品行,梅花象征坚毅的品质。在设计活动过程中为作品注入人文精神的理念,那么作品在功能与外观形式之外又生发出新的人文内容,满足了人们的精神世界,使作品具有综合的美。文化价值的注入是人们在满足作品功能与艺术性之后的新的情感诉求,既满足了其心理上的审美需要又具有深厚的文化底蕴,容易引起观赏者的注意与兴趣。这是艺术设计中较为深层次的设计行为与文化融合的表达,是作品外观与内涵语言的高度结合。

2.培养学生在设计中渗透文化价值的能力

首先,在教学中不断渗透文化价值的教育,这需要我们重视并长期地贯彻实施。既要从教师的课程体系中、专业教学中加强设计理论知识的灌输,也要激发学生获取相关知识的自觉能动性,使其在主观意愿的支配下主动对相关艺术文学知识进行充分地了解甚或探索,全面吸取艺术史、美学史、设计史、历史等人文学科的丰富营养,转变成学生的感性思维,从历史人文的角度发挥出创造性思维。这样的设计作品融入对作品文化特征的把握,表达出自身对文化价值的渴求,从形而下的器者上升至形而上的道者,以达到具备“器以载道”的文化内涵特征。所以我们要注重培养学生在设计创新中继承已有的历史精神价值,既继承传统文化、地域文化、民族风情中的优质资源,从前人的精神成果中寻求思想之源,在前人精神文化成果的基础结合当下的人文思潮中有意义的观念进行新的文化价值再创造,加强设计作品的文化创新感和厚重感。

3.文化价值的挖掘对于艺术设计人才培养的意义

原有的教育注重专业技能的培养,缺乏对真善美的追求以及对艺术作品相关文化的解读和认识,不利于学生素质的全面发展。文化价值的培养是一种独立的教育形态,有教育的独特目的。具有文化价值内涵的产品在个体价值中具有真、善、美等价值,在社会价值中具有经济价值、意识形态价值、外交价值、文化价值等,能够满足个体需要和社会需要。艺术设计教育要以提升学生发现物体美的个体价值和社会价值为前提,培养学生具有发现美的观察力和在实践活动中积极探索的精神,对促进学生的个性解放和人格的全面发展具有积极的影响,从而提升学生自身的生存质量,具备完善的人格,全面和谐发展以及具备可持续发展的能力,才能不断地完善设计作品意识形态中创新的内涵。这样设计主体才能潜移默化地将人文知识内化为主体的能力和素质,实现设计作品文化价值的涵盖。

艺术设计的竞争实质就是创新能力的竞争,学生要不断具有创新危机感,在艺术设计中培养个体的审美素质,将设计的审美价值和文化价值统一。这就需要教师在教育中多引领学生观察社会,解读社会,仔细的观察、审慎的思考,体会出时代对物质实体与精神层面结合的需求,对社会重建自己理性和独特的认知结构,才能跟上时代前进的步伐。我们的职业教育也应该着眼于培养学生审美能力和文化知识等综合素质,随客观世界事物推陈出新的规律而与时俱进,培养出艺术设计方面的高素质技能型人才以满足社会对人才全方位、综合能力要求高的条件。

参考文献

[1]杨文会.美学[M]河北:河北大学出版社2003.6

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