艺术美学特征范文

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二、雕塑美

舞蹈中的雕塑美是舞蹈艺术中一种较为独特的美学特征，也是舞蹈过程中难以捕捉的一种美学价值。舞蹈本身就是连续、流畅的动作组合，其舞蹈过程中短暂的停顿和间歇为受众塑造出了舞蹈的雕塑美。尤其是在一些民族民间舞蹈当中，其中有规律性的停顿和间歇，不但没有破坏掉舞蹈原有的流畅性，还更加突出了舞蹈艺术的形象性特征。有时候，舞蹈动作的间歇所带来的雕塑美甚至会成为一个民族文化内涵的标志。例如，白族舞蹈艺术家杨丽萍创作的《孔雀舞》，当孔雀在极尽欢愉之情之后，动作渐渐变缓，直至短暂的停顿，使优美的孔雀瞬间凝固于皎洁的月光之下，好比一尊优雅尊贵的雕像，这就是舞蹈艺术雕塑美的具体体现。又如，反映敦煌宗教文化的《飞天舞》，其原型为敦煌的壁画和雕塑，舞蹈艺术家通过自己合理的想象，将静态的雕塑赋予了动态的灵感，最终形成了中间伴有多次停顿和间歇的完整的舞蹈，这种动与静的结合正是舞蹈雕塑艺术美的具体体现。值得注意的是，欣赏者只有全身心地投入到舞蹈中，才能抓取、领悟到转瞬即逝的雕塑美，而这需要欣赏者具有一定的相关舞蹈文化知识。如“三道弯”是傣族舞蹈中富有雕塑美的典型代表，如果欣赏者能够在事前了解一些三道弯的基本内容，那么在欣赏时就很容易捕捉到其中的雕塑美。

三、音韵美

音韵美是舞蹈表演过程中最基本的艺术审美特征。古往今来，舞蹈的表演都会伴随着音乐旋律出现，二者作为一个统一体互为补充，缺一不可。在舞蹈表演的过程中，音乐的加入更能衬托出舞蹈的音韵美。音乐的运用不仅为舞蹈渲染了氛围，还能有效地把握住舞蹈的节奏和总体风格，有利于将舞蹈的时空流动性展现在受众的面前。总之，无论是最基本、最简单的敲击性的节奏，还是复杂的丝弦音乐，音乐的发展都为舞蹈带来了音韵美的艺术特征，这种音韵美在民族舞蹈中表现得尤为明显。例如，舞蹈作品《担鲜藕》就是将音乐和舞蹈结合的完美典范，向我们描绘出了江南平民百姓生活的环境之美与生活的美满和谐。这支舞蹈选用的是南方的丝竹乐器，其在舞蹈表演的过程中起到了引人入境、画龙点睛的作用，整首舞蹈也因此充满了韵律感。又如，表现西北汉子的舞蹈《安塞腰鼓》，这支大型的舞蹈仅仅使用了腰鼓一种乐器，但是其震耳欲聋的奔放气势将陕北汉子刚强不屈的形象表现得淋漓尽致，粗犷的舞蹈动作中蕴含着音韵美，给人留下了深刻的印象。

四、服饰美

舞蹈艺术的美要借助形式和内容两方面来展现，而舞蹈服饰便是舞蹈艺术美表现形式中的重要环节之一。我国是一个多民族国家，地域环境、文化氛围的不同使得各民族都有自己独特的服饰，这进一步丰富了舞蹈美的表现形式，有利于加深欣赏者对舞蹈美的印象，也有利于民族文化的传播。例如，反映黔东南地区苗族爱情故事的舞蹈《仰阿莎》，其舞蹈服饰囊括了苗族服饰中的所有代表性元素，苗族人民所擅长的织、绣、挑、染等服装的传统工艺技术都在该舞蹈服饰中得到了充分展现，这不仅为舞蹈服装增添了一份美感，更加突出了苗族的特色元素，舞蹈的艺术美也因此得到了更全面的展示。又如，展示傣族人民生活的《邵多丽》舞蹈，其曼妙婀娜的舞姿、优美动听的旋律，再加上多姿多彩的民族服饰，将观众带入到了神秘的傣族文化中。《邵多丽》这支舞蹈涉及到了三种色彩的舞蹈服饰，且每一种颜色的服饰都代表了不同的性格，表现了不同的舞蹈风格，粉红色代表温柔，蓝色代表青春，绿色代表豪爽，三种颜色相结合的服装组合丰富了舞蹈的内涵，摆脱了单一性，给观众带来了不同的美的享受。总之，舞蹈服饰中各种色彩、图案、款式等的运用，赋予了整个舞蹈以层次感和形式美感。

五、意境美

无论是何种艺术，意境美都是其追求的最高境界，舞蹈艺术也不例外。一部优秀的舞蹈作品除了要具有肢体美、音韵美、雕塑美和服饰美之外，还要具备意境美这种具有深层次内涵的舞蹈美学特征。舞蹈的意境美是舞蹈欣赏的最高境界，因为舞蹈的欣赏过程是和舞蹈的形象思维紧密联系在一起的，要想欣赏舞蹈的艺术美首先需要对舞蹈形象有具体的感知，然后再充分发挥自身的想象力和联想力，这样才能真正从心底体会到舞蹈的意境美。以傣族舞蹈《水》为例，它是一支十分注重抒情的舞蹈，为观众展示的是日落时分澜沧江畔的人家生活：在洒满落日余晖的江边，有挑着水罐的傣族少女，有光脚戏水的女孩儿，也有消失在炊烟里的小竹楼。这支舞蹈不仅刻画出了傣家少女的美妙姿态，更重要的是营造出了傣族村落悠闲自得的意境美，这种超脱自然而又不失生活气息的意境美让观众如痴如醉，久久不能自拔。又如，2007年春节联欢晚会上的舞蹈《小城雨巷》之所以能够受到大家的喜爱，就是因为其具有独特的意境美，整个舞蹈在内外形神方面都做到了协调统一。舞蹈以悠扬的丝竹音乐为背景音乐，再配以油纸伞、白墙灰瓦、雨雾缭绕等元素，生动地再现了江南雨季清新脱俗的意境之美，景、形的高度协调塑造出了逼真的艺术效果，使舞蹈艺术的意境美表现得淋漓尽致。

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中图分类号：J01 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2016）12-0175-01

一、艺术美学的特征

艺术美是艺术形象之美。艺术美能够显现美的千姿百态。经过艺术创造实践，艺术美相比较与现实生活中的自然美具有更显著的形态美。现实美是相互分离的，即使它五彩斑斓、形态万千，不过它们相对自由，不能整合成一个具有某种联系的、和谐的整体。与之不同的是，艺术美比较聚集，虽然不如现实美灵动自然，但是，能表现出内部的连结与和谐，显现了人类的感情、现实的规则。因此，艺术美作为艺术形象的特殊潜能，拥有一定的代表性，是美的一个经典形象。所以，艺术美对于人类所表现的效果才具有影响性。现实中的丑通过艺术性的加工整理，引入艺术作品中就会变成艺术家们否认性格感情评定的艺术形象。此类的艺术形象并不能改变其本身丑的事实，不过相比较下能体现现实的美，确定了现实生活中人类的潜在能力。以下是现实生活中艺术美的几大特征。

（一）虚拟性。虚拟与现实是相互对立的两个方面，意象如果通过物态化与物化加入到艺术作品中，就变成艺术意象。如古诗名句中的“秋风吹渭水，落叶满长安”、“春色满园关不住，一枝红杏出墙来”，其中的意象都是自然意象，即取自大自然的“景物”借以寄托情思的物象。

（二）感性。哲学家黑格尔认为，艺术美的本质是理念的感性显现，而“感性关照”的形式是艺术美的基本特征。因此，感性就是人类通过主体感官来体会生活，意识主体不需要通过理性的验证，仅仅依靠感觉就能感知到意象的存在。

（三）想象性。审美意象是通过一系列的意向与想象把“意”与“象”结合为一个整体，就是寓“意”之“象”，意象自身就是想象的结果，它与普遍直观表象、具有深远意义的人工表象或者是简单的回忆表象是不一样的。如马致远《秋思》句中“枯藤老树昏鸦，小桥流水人家”就是依据作者的想象，来抒发自己的思想感情。

（四）情感性。感性生活中情感和“意”具有紧密的联系，也是艺术融入想象的主要动力，并且跟随意象创造的整个流程。艺术意象总是掺杂着某些不固定的感性认知，这也使意象拥有超强的感召力与影响力。

二、艺术美学的表现手法

艺术重视的本质是意象的生成，就是重建。一些人欣赏作品依旧是感知艺术意象，经过对意象的鉴赏，接受了才会赢得审美愉悦与艺术品位。温庭筠《更漏子玉炉香》中，“玉炉香，红烛泪，偏照画堂秋思。眉翠薄，鬓云惨，夜长衾枕寒。”这表达出他接受了这个事实，艺术作品的符号与寓意具有直接的关联，这也使符号的解读更加顺畅与不同。艺术符号形式提供给接受者用来获得意象的诸多可能性或者是有迹可循的导向。

艺术形象是艺术活动中客观存在的再次体现和主观表现的统一。虽然有些艺术形象重视客观存在的再现，有些艺术形象则重视主观表现，但是它们都是再现与表现的统一。例如在巴尔扎克的短篇小说中，主要再现了18世纪法国社会大环境，巴尔扎克运用真实的艺术形象，再现了法国资产阶级赢得胜利与封建阶级逐渐没落，无法规避的社会现实和未来发展走向。从另一个层面看，巴尔扎克也在艺术形象中表达了自身的感情与看法，展现了自身对衰落的贵族阶级的可惜，对资产阶级的深痛恶绝，对广大人民群众表示同情的感情倾向。他的一系列作品就是客观的再现与主体的表现的统一。艺术源于生活高于生活，艺术美也就出现于生活，艺术与现实世界存在紧密关联；在艺术活动中，艺术美是艺术家内心最真实的情感展现。

因为艺术形象既是艺术活动中主观与客观存在的统一，又是艺术内容与形式的统一，所以艺术美事实上是构建艺术形象美的主要因素。现实生活中艺术美即能体现客观上的美学，又涵盖了艺术家所表达的主体环境的美，也就是艺术家所表述的情感、幻想、美好愿景的美。历史上人类无数的艺术活动中，不管是艺术的主体，还是艺术的方法，这些都是艺术家创新生活劳动的产物。艺术家不仅能从深层次反应社会实践主体的潜在能力，还能从艺术本身体现其潜在力量。艺术美是人类潜在能力在艺术品中的完美展现，经过艺术形象的感性认识表现出来。

艺术家想要在各种活动中展现自身的主观情感，就必须在艺术品中表达自己的感知认识，向人类传递自身对事物以及生活的主观看法。艺术形象是再现与表现的统一，主要表现为两点：一是注重艺术和客观世界的紧密联系；二是注重艺术家的内心想法。艺术家的审美认识与审美感性源自客观存在。存在决定意识，是我们所推崇的具有共性认识的马哲思想原理。客观世界的美学也决定了艺术家主观感性的美学。

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一、美学特征分析

（一）现代摄影艺术的纪实性

摄影艺术的本质特性就是现代摄影艺术的纪实性，纪实性是其跟造型艺术其他门类区别的独立的基础条件。摄影艺术的有效构建需要借助于一系列非常先进的科学技术方法，在使用科学技术方法的基础上才可以促使对象记录客观的准确的表现出来，完成图像作品的有效构建，促使其可以对事实以及物象产生客观的记录以及真实的记录。在实际生活中可以对那些正在发生的事件以及客观存在的人物进行反应，同时还可以实现周围自然环境的真实反应。现实生活的有效记录跟真实向的应不光是摄影艺术的纪实性需要，同时还需要其中种客观事实，尊重客观规律所需1。在上述的基础上跟摄影师自身的美学素养以及摄影师自身的审美感情实现有效的融合，在读者欣赏该作品在过程中就可以体会到很强的真实性，进而产生一种身临其境的感觉，进而对读者心灵产生一定的刺激，上述均是摄影作品纪实性的审美价值。

（二）现代摄影艺术的图像性

人类在跟客观世界进行联系以及沟通的过程中，最为主要的途径就是图像，图像是人类更客观世界进行彼此沟通最为主要的方法，不管是哪一种类型的摄影作品，都需要在使用图像这个形式的基础上来表达摄影作品所存在的纪实性，形象性是该类型摄影作品的主要审美特征。如果是一副非常优质的摄影作品，需要具备非常先进的摄影设备，同时还需要摄影者具备非常新颖的创作视角，在上述的基础上可以促使生活美感以及传动美感使用一系列生动形象的图像来展示，在读者欣赏该类型摄影作品的过程中，就可以产生非常强烈的视觉冲击，对于欣赏的摄影作品所存在的意义及其想要表现的视觉美点可以一目了然2。所以在实际工作过程中，我们需要意识到，生活真实内容的直接记录并不是摄影艺术美感特性的唯一来源，其中最为重要的是摄影作品图像形式的直观表现。

（三）现代摄影艺术的现场性

想要拍摄一部非常棒的摄影作品，就需要分析拍摄现场的很多个影响因素，也就是说在摄影艺术作品创作的过程中需要墙根本上观察以及对比拍摄现场存在的事物以及环境等，实现进一步比较选择以及加工提炼。暂时进摄影艺术作品创作的过程中，需要摄影者细致的观察拍摄现场，不管是构思创作还是发掘题材，不管是摄影艺术造型手段的处理还是摄影艺术造型手段的运用，不管是整体的构图还是决定性瞬间的把握3。因为实际的生活中，摄影作品创作的过程中会涉及到非常丰富的跟复杂的周围环境，拍摄的现场情况也是非常的复杂。所以在拍摄的过程中需要拍摄者对现场存在的各种条件以及道具进行有效的使用，同时还需要突破现场条件的限制以及局限，在上述的基础上，如果在拍摄的过程中出现突况，那么就有非常好的解决措施。不会导致拍摄延误以及拍摄失误。所以在进行拍摄的过程中，需要拍摄者具备非常集中的注意力，同时具备非常准确的判断力，这是创造出一副好摄影作品的前提。

（四）现代摄影艺术的技术性

现代科学技术成果是摄影艺术产生的基础，在摄影艺术出现的初期，其最为基础的要素就是科学技术，摄影艺术需要依赖科学技术的发展。所以在艺术的发展过程中还有着技术并行发展的情况，摄影技术从开始的黑白到彩色，从开始的湿版到干版，实现了进一步的改革跟创新。随着社会的发展数字摄影时代实现进一步推进，所以技术水平对摄影术的发展将造成更为强烈的影响。所以完成摄影作品的创造最为首要的最为基础的条件就是摄影人员题所示用的摄影器材以及设备，同时摄影人员掌握的摄影技术技巧也是非常重要的一个影响因素。在摄影作品创造的过程中如果缺乏足够的摄影技巧以及摄影技术，那么就会导致艺术表现的缺失，难以取得很好的作品4。

二、美学表现形式分析

（一）现代摄影艺术的造型语言

摄影艺术也可以一种视觉造型艺术，作为视觉造型艺术的话其根绘画艺术、雕塑艺术以及音乐艺术等形式有着非常显著的一致性，同时它们之间还有着属于自己独特的艺术造型语言。构成摄影艺术的造型语言最为主要的因素就是色调、线条、光线、影调等5。摄影者在实际使用摄影艺术造型语言的基础上完成丰富多彩艺术美感的构筑，在上述的基础上就可以促使欣赏者直接获得美的体验，同时产生美的感受。摄影艺术的语言主要有以下几个部分：线条、光线、色调以及影调等，上述因素的并存都是摄影作品形式产生美感的基础条件，同时还可以促使作品产生非常艺术性的表现力。

（二）现代摄影艺术的寓意

摄影可以作为一个视觉思维的艺术形式，其可以从根本上促使人的视觉感观愉悦提出的需要，同时还可以促使客观事物以及客观形象的再现，同时还可以充分的发掘社会生活本质，人类观照本身，完成人本质以及心理特征的揭示，促使作品实现有限表象形式的超越，促使更深邃寓意内涵实现有效的表现。作品体现美的寓意是目前摄影艺术所追求的最高目标。摄影作品目前已经成为人类审美意识的物化形态，主要从根本上凝结着作品摄影者的心里态度，例如社会生活主观圈以及其他态度6。所以，摄影作品寓意基本元素主要有以下几个方面：首先是摄影者所处现实环境，其次是所处的时代生活，实质上摄影作品寓意基本元素就是摄影者所产生的主观意识，同时还包括生活体验以及审美圈，在原有的基础上实现高度的凝练，这样一来，在欣赏者对作品画面进行理解的过程中就会促使欣赏者产生深层次涵义领悟感，在上述的基础上产生一定联想以及共鸣，这样一来就可以促使摄影艺术从根本上实现最终审美价值。

三、结语

综上所述，摄影艺术实质上跟其他艺术形式有着一定程度的一致性，也就是说，一致性在于在艺术家头脑中客观社会生活的主观反映，主要是在社会实践中，促使摄影者实现审美需求的再次创造。所以，在上述的基础上对现代摄影艺术进行研究，则需要立足于美学视角，以此为基础完成其真正审美意蕴的展示以及审美追求的展示。所以，在完成上述分析之后，我们就可以完成一系列优秀作品的创作。

注释：

1.陈彦彤.现代摄影艺术的美学特征与表现形式[J].大舞台，2015（4）：55-56.

2.孙莉娜.西方摄影艺术的后现代主义转向及其后现代性精神[D].华中师范大学，2011.

3.王国良.摄影艺术的现代美学意蕴与深层解读[D].哈尔滨师范大学，2011.

4.周蓉.基于现实性的摄影美学研究[D].西南大学，2012：121-123

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在社会科学技术不断发展的条件下，不同照相仪器和各种快速感光材料也越来越多，摄影也拥有了自己的独特艺术语言；同时，也慢慢发展变成一门单独的艺术形式。对于一件优秀摄影作品而言，其最触动人心的实际上是摄影者在整个审美时间中凭灵感创造获得的，既可以反映人类客观生命活动的一种影像，也可以将摄影作品看作摄影者自身审美实践的最终产物，其中包括摄影者情感体验、直觉表现及个性表现等，可以将美学蕴意有效呈现出来。

1现代摄影艺术概述

随着摄影艺术的不断发展，其不应该只是单纯地以将客观现实表现出来作为目的，也不应该仅仅简单记录相应的摄影作品，而是应该涉及人类存在的主观世界，对新表达方式进行不断的探索。现代摄影艺术比较重视摄影主体自身主观情感，主要表现的是主体对所处客观世界的一种主观理解[1]。

2现代摄影艺术所具有的美学特征

2.1科学性

艺术发展历史是科学技术和艺术共同发展的历史，特别是当今数字摄影时代，摄影艺术的进一步发展更加依赖于科学技术。对于一部优秀摄影作品而言，创作一定要基于摄影器材、摄影者自身摄影技术条件下进行。

2.2稍纵即逝性

所有事物的发展都处于变动状态，摄影艺术一般只可以将事物发展的某一片段拍摄出来，也可以是一个瞬间，具有稍纵即逝性，拍摄瞬间起着决定性作用。所以，摄影人员自身敏感性非常重要，摄影人员应该具备敏锐观察力及丰富的想象力；同时，应该具备发现并且掌控突发状况的能力，善于运用合适的审美观点以及审美标准。

2.3真实性

摄影艺术的基本特性就是纪实性；同时，该特性也是其和造型艺术之间的最大区别。摄影艺术一定要通过现金科技采可以将客观对象真实记录和呈现出来；同时，形成事实及物象之间的物证，即图像作品，这样就可以将现实生活里面的客观人物、周围环境和出现的时间反映出来。

2.4现场性

只有拍摄现场具有一定的自然环境以及条件，才可以对摄影艺术进行创作。摄影艺术的整个创作过程包括观察、对比、挑选、加工及提炼拍摄现场存在的特定事物及环境。拍摄现场情况一直处于变动中，摄影人员应该善于利用现场所有条件，同时勇于突破条件存在的局限以及带来的制约，具备清晰分析能力以及冷静判断能力，这样才可以创作出优秀摄影作品。

3美学表现形式

3.1利用寓意或者是意境的表现形式

摄影属于视觉思维的具体艺术形式，既应该再现客观事物以及形式，让观赏者的视觉感官获得满足；同时，应该发掘人类生活本质，让作品摆脱有限表象形式所具有深邃寓意内涵。另外，摄影作品包含着一个创作者本身对所处环境的主观态度以及评价，也就是意境。对于摄影作品而言，意境美主要指利用作品里面的画面呈现给人们的，是基于现实生活创作出来的。一般意境美和摄影人员对生活本质的认识有着紧密的联系，其通过摄影艺术相关表现手段创作出情及景的极度契合，让观赏者可以触景生情。

3.2造型语言形式

对于摄影艺术来说，其本身属于视觉造型艺术、音乐、绘画及雕塑等艺术形式相同，具备独特艺术造型语言，这种造型语言的组成元素主要有影调、线条、光线及色调等。通过该造型语言，摄影者能够构筑出各种艺术美感，让观赏人员得到美的体验以及感受。造型语言可以让艺术作品产生一种形式美感，包括节奏感、质感、立体感及空间感等，这样摄影作品就可以呈现出非常强的艺术性。

3.3否定和逆反形式

在信息社会不断发展的今天，人们生存及生活方式也得到了显著改变，特别是散文化速食时代的到来，人们开始对现实进程反思以及批判，渴望获得真正精神家园以及灵魂家园，起哄艺术审美突破本质就成了人们反抗现实的一种方式，达到精神回归的目的。美学重要保证之一就是否定注意，艺术及美学创作具体理论以及时间均表现出一种反艺术思想和反美学思想。

4结语

在人类文化艺术和科学技术不断发展的条件下，摄影艺术也得到了进一步的发展。摄影艺术和别的艺术形式相同，均是客观事物及社会生活在创作者头脑里面的一种主观反映；同时，也是摄影人员在社会实践过程中满足审美需求的有效创造。所以，对现代摄影艺术进程研究时，应该站在美学视角上，这样可以将摄影作品真实审美意蕴及审美追求呈现出来。

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二、历史上每一个民族都在他们的社会生活中创造了一整套反映民族生活、思想情感并具备一定审美特征的艺术表现形式。舞蹈艺术是每个民族开创时间最早，历史延续时间最长，流传范围最广，最能直接表现情感的一门艺术，也是每个民族历史发展中最具有代表性，最具有民族特色，最能反映民族性格和审美情趣的一门艺术。任何一个民族或部落的人们，当听到他们最熟悉的音乐或舞步声时，都会情不自禁产生兴奋情绪，并传达给身体各部位、各关节，随着舞律的变化，身体便自然舞动起来。这就是这个群体审美意识的一种本能的具体表现。由于每个民族所处地理环境、政治历史、、民俗民风的不同，又形成了具有民族和地方特色的风格，如不同地区舞蹈，动作的力度、软度、开度、幅度和舞律的差异，有的民族舞蹈动作的重点在人的下肢，而上身动作较小；有的民族舞蹈，上身动作较为丰富，而下身动作较少；有的地区舞蹈以大动为美，有的地区则以含蓄舞动为美。正是诸多舞蹈风格中蕴藏着民族的审美情趣和审美特征。

“审美意识是客观存在的诸审美对象在人们头脑中能动的反映，一般通称之为‘美感’”(注：王朝闻：《美学概论》[M]，第66页，北京：人民出版社，1984年。)。美感中包含着审美意识活动各个方面和各种表现形态，如审美趣味、审美能力、审美观念、审美理想、审美感受等等

如前所述，藏民族在历史上已形成了比较符合民族审美特征的舞蹈理论体系，但这一理论体系随着社会的发展进步、人们审美能力的提高，在不断完善和发展。舞蹈理论与舞蹈美学有着紧密联系，但又不能等同看待。舞蹈理论是解决什么是舞蹈，怎样舞蹈的问题，而舞蹈美学则解决舞蹈的身韵、姿态、动作、节奏和如何表达情感、体会美感的问题。

藏族舞蹈有其共性的审美特征，但是由于人们居住的地理气候差异、方言差异、服饰差异、宗教影响而形成了独特的审美情趣。藏民族的舞蹈有广泛流传于民间的众多民族民间舞蹈；有专供上层社会享用的卡尔歌舞；也有专为宗教仪式服务的羌姆舞，以及众多门派的藏戏舞蹈。以上舞种虽表现形式和手法各不相同，但舞蹈的基本身韵、动作、姿态和技巧却很相近，音乐的基本曲式结构和节奏风格比较相仿；在服饰方面除宽、肥、瘦及色彩的区别外，样式也基本相同；另外，它们以圆圈舞为主的跳法也很相似。因此，相似或相近的身韵是形成藏族舞蹈美学特征的“根”，是相对稳定的审美感受的共同反映。藏文古籍(注：《智者入门》[M]，北京：民族出版社，1981年。)一书中把“舞蹈艺技九”变成为“诗歌写作九”，要求诗歌写作者用诗写出舞蹈者的身姿、韵律和丰富情感。同样，要求舞者也在舞蹈时表现诗情画意，融诗舞于一体，有歌就有舞，以词带情，以姿促情，使藏族舞蹈富有生命力和激情。在藏族歌谣中唱到要跳舞“就要跳天空无边无际舞”，要跳“高山不可动摇的舞”，跳起来的“卓舞的节奏快如夜空的闪电”。这就像萨班·贡嗄坚参的书中所述(注：萨典·贡嗄坚赞：《乐论》[M]，第10页，北京：民族出版社，1986年。)：“人们梳妆打扮，人们歌舞欢畅，那里没有悲伤，神圣的音乐至高无上”。这就是藏民族对歌舞的共同审美意识的体现，也是藏族歌舞的魅力所在。藏族舞蹈还与地域、时间、年龄、男女等不同对象各自有不同的舞姿和舞律，如前藏人的舞蹈，活泼有力、热情典雅、柔和敏捷，具有浓厚的纯农区和城镇市民特色；后藏人的舞蹈，奔放潇洒，在“扎念”琴的伴奏下步法灵巧、多变，充分展现着西部高寒人的性格特征；阿里地区的舞蹈，有着典雅稳健的舞步、优美自如的舞姿，充分体现着古象雄文化的韵味；而藏东康巴人的舞蹈，威武粗犷、豪放潇洒、矫健雄姿，充分展现着康巴人的气质特征。

关于藏族舞蹈的形态美，除藏文古籍中有大量记载外，在民间歌谣中也有许多记述。如《中国歌谣集——卷“打开歌门”》章节中就记录了大量的传唱舞蹈者身姿的歌谣。从中我们可以体会到藏族舞蹈的基本审美特征。如：林芝地区果谐“祝歌舞者门面三层高”中唱到：

胸部是锅庄的仓库，今日要打开仓库门；

胳膊是卓舞的翅膀，今日我要炫耀翼力；腰部是歌舞摇摆处，今日我要放松放松；

膝盖是锅庄的风轮，今日我要转动转动；

双脚是锅庄的滚球，今日我要滚一滚它。

藏文古籍(注：工珠·云登加措：《知识总汇》，中册，第292页，北京：民族出版社，1985年。)对舞蹈者的形态要求有：

上身动作像雄狮，腰间动作要妖娆。

四肢关节要灵巧，肌腱活动要松弛。

全身姿态要柔软，表演表情要傲慢。

举止要像流水缓步，膝窝曲节要颤动。

脚步脚尖要灵活，普遍要求英姿雄壮。

……

从以上舞蹈时对人体各部位提出的基本要求不难看出藏族舞蹈的基本美学思想。形体美、韵律美、动作的和谐运用是舞蹈美的基本特征。藏族舞蹈非常强调舞蹈时脚、膝、腰、胸、手、肩、头、眼的配合及统一运用。众多藏族古老民歌中关于具体形体要求的歌词和古籍的理论如此一致，不能不说是一个民族对舞蹈者形态、舞姿的共同审美感受。上述关于舞蹈形态的要求不是空泛的，脱离实际的，而是至今保留在众多的藏族舞蹈中，如“热巴舞”、昌都“果卓”、定日“甲谐”、贡布“箭舞”等舞蹈中，男子舞者的上身动作非常讲究，不论手持道具与否，其“上身动作像雄狮”威武雄壮，极富有高原人彪形壮汉的气质，给人以战胜一切艰难险恶环境的信念，而女子舞的上身动作则含蓄典雅，给人以健康和优美的感觉。与此同时，“果卓”、“果谐”等不少舞蹈中男女舞者的前胸或上身动作稍向前俯，这不是表现背东西的舞蹈，这一现象除了与服装的肥厚、装饰物等有关外，从舞蹈学角度分析，向前微俯与动作的大小、强弱、高低对比等关系密切。

在藏族舞蹈中用腰动作非常丰富，不管是男性还是女性舞蹈者，对于“妖娆”的腰、“摇摆”的腰运用的非常讲究。不管是以脚的点子为主的“堆谐”，还是讲究线条富有动感的“谐”，腰部轻软摇摆，在似动非动中给人以充分展现人体的线条美。女子的腰部动作在“热巴舞”和牧区“果卓”中表现得非常丰富。她们的各种翻身动作，侧腰、下后腰动作都把用腰做到了最佳状态。“妖娆”的腰部动作是藏族舞蹈突出的一个审美特征。另外，在民谣和古籍中，认为“膝窝”、“膝盖”是“最灵处”，“要颤动”并被形容为“风轮”、“轮子”。藏族众多舞蹈的“膝盖”动作的确是一个最具典型的具有地方和民族特色的动作之一，也是最能表现内心情感和舞蹈动感的表现手法之一。

正如藏文古籍所指(注：桑杰加措：《四部医典蓝流璃注解》，第131页，木刻板。)“歌舞剧(戏)是：往事如同语言一样，用形态表达各种语言的歌舞剧，它主要靠舞蹈者手、头的各种变化，如卷羊毛时手的动作反复多次后形成优美、迷人的舞”，可见，双手的动作在藏族舞蹈中尤为重要。从对双手的基本要求看，除灵活多变外，手势还要如同“莲花印”，即双手要像盛开的莲花瓣，要有层次地旋转，在旋转中产生优美的想象。我们在观看藏族不同风格的舞蹈时会发现其双手的动作是非常丰富的，极富有活力。双手动作在藏舞包括藏戏舞蹈中已经演化成千姿百态的舞蹈语汇，如藏戏舞蹈中的手势与戏剧语汇融为一体成为藏戏不可缺少的表现手法。同样，在羌姆舞蹈中不少舞全靠手势动作来展示内容；热巴舞中的“颤肩舞”；果谐中的双手前后甩动和胸前划摆，至于“手镯舞”中海螺手镯舞的手势动作就更加丰富。藏戏舞和羌姆舞中很多手势动作直接反映生活，随着剧情、节奏的变化，手势动作也跟着变化，双手始终随舞蹈内容的变化而舞动，并为升华情感需要而创新、发展，具有很高的艺术水平和独特的审美特征。

民谣和古籍中还提到“双脚是锅庄的滚球”、“双脚是舞轮”、“脚下没有刺”、“脚步脚尖要灵活”，脚是舞蹈跳动、踏节的关键。要求舞者的脚像“轮子”、“滚球”般灵活多变，如果说手势动作是“噶尔”歌舞，脚部动作则是“卓”舞蹈，手舞足蹈就形成了舞蹈。舞蹈时要如同“脚下无刺”，踏着强有力的节奏舞起来。藏族舞蹈的双脚动作灵活轻巧，节奏鲜明，脚步热烈而整齐，如，踢踏舞步活泼、清爽，踏出的节奏热烈、坚强有力而轻重分明；果谐舞步是典型的集体舞步，舞蹈充满了劳动气息，在粗犷昂扬的歌声中步伐整齐而富有生命力；昌都果卓的“亚巴舞”步，虽没有音乐，但音乐产生在双脚有力的跺踏声中，一种振天的声响回荡在舞场上空。此外，民谣和古籍中还谈到头部动作，“头是舞的摇晃处”、“做右手势动作和向右行进时头向左看，左动作要反姿，做下面动作时向前看”。从中不难看出不少藏舞的规范程度和形体和谐运用的美学特征。藏舞中的头部动作也是非常丰富的，有绕头舞、甩头鞭舞、前后甩动舞、左右甩动舞等，这些都是舞蹈内容与形体变化紧密结合具有独特头部动作的舞蹈。

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关键词：动漫艺术；美学特征；美的享受；宫崎骏

1 动漫市场的现状

动漫在市场上的地位不可替代，相关产业的兴起以及长久不衰就可以直接证明动漫在市场上的重要性。动漫能带动相关产业的发展。依据动漫人物，制造相同的玩具投入市场，受到广大动漫迷的喜爱。例如：我国国产动画片《喜洋洋与灰太狼》，播出受到小朋友们的喜爱后，许多制造企业抓准时期生产了以玩具为主的产品，以求迎合小朋友们的喜好，从中获得利润。

动漫的表现手法是虚拟的，非现实的，是对现实的方法的完全颠覆，挑战着我们对于画面的界定意义。动漫主要以美国和日本为代表。美国是一个造梦的国度，迪斯尼乐园等更是现实的动漫之城，给人们精神上的享受，带来精神上的美的亲身体验。同时动漫与游戏的结合，让动漫迷们享受了放松的过程还能进行美的欣赏。例如：在日本，动漫艺术已经与游戏产业相联系，形成较为系统的商业链接。

2 动漫艺术独特的美学艺术特征

每一门艺术都有自身的审美艺术特征，动漫艺术由本身的特殊性质决定，使得人物的造型不同于影视类艺术，影视类艺术是以真人为表演对象，动漫艺术的人物造型费真人演出且形象夸张化；同时漫画艺术虽是由静态绘画为基础，但是它结合了蒙太奇的表现手法，将画面灵活化，利用音箱效果，渲染气氛，对观众的视觉和听觉都产生巨大的冲击力，故事的叙述非常的鲜明立体。动漫艺术的美学特征具备了人物造型的夸张性，画面的立体感，音乐的个性化，同时还具备了作者附之于作品的人性美。

2.1 动漫艺术的人物造型

造型在艺术中处于非常重要的地位，创作者要借助外在的形式对角色进行美化，以达到观众的喜爱。动漫艺术的人物造型不是真人出演，都是出于绘画者之手，依据人物的性格，各有其特点。以日本动漫大师宫崎骏的作品为例，进行一一对比。在动漫《龙猫》中，故事情节简单，龙猫的造型设计令观众大爱，龙猫憨厚老实，乐于助人的形象直入人心。宫崎骏将其设计的很胖，眼睛很小，同样具有魅力。从审美角度来说，艺术形象通过本身的造型设计，向观众展现最为出色的一面以及向观众传递美好理念，很容易获得人们的审美青睐。

注重造型艺术是每一个创作者必须明白的。在不同的故事情节中，人物的造型会有所变化，产生另一番审美的角度。例如：宫崎骏的《借东西的小人阿莉埃蒂》中，故事假定于主人公阿莉埃蒂的身份是小人，所以画面的构图比例都会发生变化。在翔晒太阳的画面中，镜头的画面上的花是比较小的，阿莉埃蒂入镜后，镜头切换至特写镜头（相对于翔来说）画面中的鲜花变大，阿莉埃蒂的造型依旧是很小，没有花朵的比例大。依照人物的身份，环境的不同，其人物造型都是有变化的。

在宫崎骏电影中，人物造型变化最多的，当属《哈尔的移动城堡》由于哈尔的身份是魔术师，所以他的造型和衣服都是在不断的变化中，从变化中突出人物的性格，心情以及对于女主角的感情变化。例如：哈尔发现自己头发的颜色变化后，从浴室里冲出来，最后身上的出现了液体。这里透露了哈尔喜欢女主角的信息，同时也体现了他在自己喜欢的女孩子面前非常注意形象。

动漫艺术从人物的造型变化，可以传递出人物的情感变化，交代故事情节，给人以美的享受，这是其独特的美学艺术之一。

2.2 动漫艺术的色彩

动漫艺术的色彩不是随意的涂彩，它依照现实的色彩调和再根据视觉效果进行进一步的修饰，获得艺术上的美的享受。动漫作品的好坏，往往从色彩的调和上就能看得出来。同样是宫崎骏的电影《哈尔的移动城堡》，苏菲回到店中，未点上蜡烛的房间里是以暗色调为主的，点上蜡烛后，房间的颜色瞬时间变成了暖色调，并且在画面上，处于角落的物体颜色比较暗。这一段的色彩调和非常的细腻美妙，从生活的真实性出发，利用色彩的调和再进一步的修饰，使整体效果非常的好。动漫艺术的色彩不是按夸张化的方式来处理的，它是依据现实的色彩基调的

变化规律进行进一步的美化，从而达到美的艺术效果。

2.3 动漫艺术的音乐造诣

音乐是动漫艺术中不可或缺的，每一部热播的动漫剧都有自己专属的音乐旋律，由此可见音乐在动漫中的重要性。宫崎骏的动漫电影音乐大多都是让久石让来创作旋律，没有照搬音乐坛上原有的音乐旋律，通过久石让的理解的动漫故事的讲述内容，进行曲子的创作。有动漫《天空之城》的配乐，空旷悠长的旋律，如同天空之城在空中的漂流，带着一个帝国的衰败在游荡，最后留下最为简单的事物。音乐旋律是心灵沟通的桥梁，能唤醒人类潜在的感情，引起共鸣，形成艺术与艺术欣赏的共通性。

2.4 动漫艺术折射的人性美

艺术是给人以美的享受。社会的组成是由一个个人来组成的，人类需要通过劳动来换取生存。当人类的生存不再受到威胁，他们的精神开始需要充实，需要提升自己的精神需要，已达到满足。此时人性的美能带给人心灵上的安慰和享受。人们观看戏剧、影视甚至游戏、不外乎想从中得到精神上的满足。动漫艺术的诞生是基于人类的需求而诞生的。艺术从来不是舍弃一切客观的事物，相反它是基于社会存在的，人的意识的再创造。在这里人显得尤为重要。动漫艺术要给人美的享受。人性美是从古至今人类追求的精神上的享受，强调生命的意义，强调人性的光辉。动漫艺术中存在着人性的美，例如：宫崎骏的电影，每一部都从人性的角度出发，引发人们的思考。动漫《风之谷》告诉人类要爱惜自然，爱惜每一动物的生命，要与自然和谐相处。动漫《哈尔的移动城堡》告诉观众，战争的残酷性，要尊重生命，善待生命。动漫艺术的创作折射着人性美，用绘画与影视蒙太奇手法相结合，直击人心，给人以美的思考。

3 总结

综上所述，动漫艺术是给人以美的享受，都是从人类的审美角度出发，通过故事的叙述，探讨生命的意义，提升人的思考层次。艺术源于生活，而又高于生活。社会存在决定社会意识。艺术不可能完全脱离现实生活而存在，也不可能脱离人的艺术而独立创作存在，它是两者的结合，迸发出美丽的“烟花”。其美学特征，不仅是先进技术带给人美的享受，同时贯穿始终的人性美，给人们以美的情感体验。

参考文献：

[1]张步中，关晓辉.对动漫美学的理性省思[J].设计艺术（山东工艺美术学院学报），2009（04）.

[2]欧阳爱辉.《喜羊羊与灰太狼》系列动漫的美学表征[J].戏剧（中央戏剧学院学报），2009（04）.

[3]陆蓉之.我眼中的“动漫美学”[J].艺术.生活，2010（04）.

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二、艺术体操的美学特征

1．人体美

人体美包括体型美、形态美、气质美、姿态美及人体美的表现力等。人体体型美是指身体各部分的长短、粗细要均衡。均衡是指身体各部分的发育符合美学比例。其基本要素包括:曲线、对比与对称等。艺术体操运动员在选材过程中对运动员上下身之间的比例、上下身与身高的比例、四肢的长度、肩宽和腰围等都有很高的要求，在测量时要求运动员的双肩、双膝和两踝之间的连线必须与地面平行。身体的S形曲线要纤细而连贯、流畅而鲜明，线条起伏要恰到好处，显示出柔润之美。人体姿态美是指我们在基本姿态中所表现出来的静态美和动态美。它包括立、坐、行、卧。站立时要求挺胸、收腹、拔背、立腰，显出勃勃生机;坐姿和卧姿要姿态端正、规矩平稳，展示出人体的健康美。在行走时，步态要稳，躯干和四肢要优雅端正，协调敏捷，展示出人体的风度美。造型美是指身体在静止状态时或在空中时所展示出来的姿态美。艺术体操基本舞步和技术中有很多动作都展示了造型美。如:迎风展翅、结环跳、平衡、旋转等。艺术体操运动员通过变化多样的人体动作和器械动作，使人体姿态在瞬间的静止和流动中起落变换，给人以变化美、瞬间美和过程美的视觉映像和情绪感染，充分体现了艺术体操运动的姿态美和造型美。艺术体操运动员要求五官端正，鹅蛋脸型，眉清目秀，气质端庄，四肢修长，颈部挺拔纤长，躯干曲线柔和。这些要求及形体美、韵律美和气质美于一身，充分显示了女性优美的身姿和鲜明的个性，能够给观赏者留下强烈的审美欲望。

2．技术美和难新美

合理的动作技术是运动成败的关键。技术美是指艺术体操运动员的动作技术必须在人体生理解剖学的基础理论指导下进行，并符合生物力学原理的省力原则。艺术体操的技术美是以人体为载体，其最高规格的动作，通过运动方向的变换、运动节奏、幅度和力度的变化等因素来完成。难新美即难度美和创新美。难新美指的是以最合理的动作，高质量地完成高难度的、新颖的动作和造型。艺术体操在运动项群分类中属于难美类项目。难度和美是此类项目的两大核心。艺术体操的难度动作包括器械的抛接动作、交换动作和人体超长的平衡能力和控制能力。在难度动作的完成中体现了运动员的勇气、力量和智慧，体现了运动员对自身潜力的挑战，同时也满足了观赏者的视觉感受，激发了观众强烈的认同感和愉悦的审美需求。从2012年艺术体操新周期比赛规则的变动中我们知道，艺术体操目前的发展趋势正是朝着“难”、“新”、“美”的方向发展的。

3．刚柔美与韵律美

刚柔美是指艺术体操运动员在完成动作过程中，既有刚劲有力的动作，又有柔美的动作;既有舒展大方的舞蹈动作，又有平衡、跳跃等难度动作;既有快速有力的大幅度动作，又有缓慢、静止的小巧动作。艺术体操的刚柔美体现了美学的对比美。随着艺术体操音乐旋律与节奏的变化，其动作快慢、强弱和幅度都不断发生变化，这种变化与运动员的身心、形神及呼吸和谐统一，构成了艺术体操特有的韵律。艺术体操中的运动是绝对的，动是活力之美，是生机、是人体生命力的展现;静是相对的，是指生动、鲜明、引人入胜的运动造型。这两种状态相互交替，相互转化，构成了动中有静，静中有动。运动员在完成动作时对动作缓急、起伏及屈伸度的把握及对时空、速度等之间转换和衔接控制，以及运动及路线的巧妙变化，展示了整体与部分、器械与人体及时间与空间的协调统一，突出表现了艺术体操项目流动的美感和生动的韵律美。

4．队形美与音乐美

艺术体操集体项目中的不同队形组成了各式各样的图案。这些队形新颖而独特，充分展现了艺术体操集体项目特有的“队形美”。队形变化在艺术体操集体项目的编排中极其重要，只有巧妙而富有创意的队形才能勾勒出生动合理、虚实结合、富含寓意的精美图案。同时，队形的交错变换要自然流畅，既要突出器械和人体动作特点，又要达到集体项目最佳的艺术效果。音乐属于“时间艺术”，是艺术体操的灵魂。艺术体操中的每一个动作都受音乐节奏的制约，其动作特点和风格是通过音乐的旋律和节奏来诠释的，音乐与艺术体操密不可分。音乐是一种独立而完整的艺术表现形式，同样，艺术体操的音乐不仅仅为了烘托气氛，也不仅仅是为了表现动作而设计。它本身也具有其自身鲜明、独特而系统的表现方式，体现了浓郁的民族特色和时尚的音乐流行元素。其魅力和感染力主要表现在艺术体操乐曲能够增加艺术体操的韵律美，提升艺术体操运动的艺术感染力和审美价值，其视觉与听觉的完美结合能够使观众陶醉，给观众留下美的感受。

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纵观中华民族发展历史，不难发现中国民族声乐艺术对审美的追求由来已久。在某种特定的社会文化形态下便会形成其相对应的美学理念，长久以来在中华民族传统文化中占据重要地位的血缘关系和人伦关系是促使我国民族传统艺术文化美学理念形成的根本条件。而传统艺术文化中的美学理念对我国声乐艺术的演进起着重要的影响作用。

我国传统的音乐美学理念的形成产生于西周时期，经过了萌芽阶段、百家争鸣阶段、魏晋南北朝、隋唐、两宋、元明清发展时期，最终形成了一套完整的理论体系。从这几个发展时期来看，便会发现中国传统文化中的音乐美学理念是在著名的儒家与道家音乐思想相互竞争、相互促进的环境下发展的，以当时的社会政治、伦理道德为基础形成了一套对音乐的理论，指出音乐必须要受到礼的约束，在审美的过程中注重将主客体、感性与理智等形式的统一，以给人们带来轻松、愉快的审美感受。在某种程度上可以说，中国民族声乐艺术自产生之日其便深受传统声乐审美理念的影响，经由社会历史的千锤百炼，中国民族声乐艺术在儒家和道家美学思想的基础上已经形成了天人合一、中正和谐的审美思想。的爆发，标志着近代社会的开始，西方音乐美学思想开始广泛传进中国，促进了中国传统音乐美学向具有现代美学特征的民族声乐艺术美学的发展。

综上所述，我们不难发现中国音乐美学理念既充分吸收了我国传统音乐美学思想的精髓，同时也借鉴了西方社会音乐美学理念中的积极性元素，兼容共生，完全符合当下的美学思想观念，声乐艺术美学特征尤为显著，形成了典型的中国式民族声乐美学特征。

二  中国民族声乐艺术的情感美学特征

声乐艺术简单的说是指音乐和诗词二者的相互结合，其突出特征是借助艺术的表演形式将高级的社会情感传递给他人，即艺术情感。因此可知，声乐艺术的首要表现方式便是“声”，也就是歌声，演唱者本身具有的并通过一定的学习掌握到的发声技巧和能力;其次便是“情”，是指歌唱者对歌曲情感的把握与表达。古代音乐人士认为歌唱就是对某种事物表达内心情感的过程，情不仅仅只表达内在美，同时也在歌唱中占据重要地位，毫无情感表达的歌唱并不会被定义为艺术。古人认为声乐必须声情并茂，用声音将内心情感表达出来其最基本的要求。

从记载先秦之后的文献资料与近现代的歌唱实际表演去分析，把情感作为歌唱表现方式的基本理念具有主导性与一贯性。从如家学说中的孔子、孟子、荀子至《乐记》等在内的诸多历史文献，都将“用歌表达感情”当做审美音乐艺术的核心。在古代，唐朝著名的诗人与音乐艺术评论家，白居易就曾明确指出“唱情”的美学定义，其推崇声情兼具的演唱方式，反对没有任何任何唱情的演唱，这种新颖、独特的音乐理论观点对后世的音乐艺术发展产生了重要的影响。还有清朝的李渔，也认为明晰歌曲的感情并充满感情的去演唱，才能全神贯注并将应有的精神贯注到歌曲之中，不仅能够给予演唱生命，而且能够促使演唱变得自然、流畅、迷人。从中可以看出李渔对“情”在歌曲中的重视程度，这是对白居易“唱情”理论的继承与创新发展。近代以来，我国声乐艺术在西方浪漫派情感美学思想的重要影响下，把声情、词情和曲情融合后在歌唱上形成了独特的审美特征，进而实现了音乐创作的水准。词情是指作者在进行声乐创作时将内心情感和心理感受借助能够抒发内心情感的词曲进行转化，因此不同的情感便通过不同的声调表达。

曲情是指作者在进行音乐创作时运用特定的调式与和声等艺术形式将音乐所包含的内心情感表达出来。声情是指以词情和曲情为核心，借助歌唱的方式将音乐中的情感幻化成非固定的音符，表面来看向听众传递的只是一种声音，但其中更多的则是对情的传递。必须对声乐具有一定程度的感知并能够较好地把握其中的情感才能将音乐中的声情表现的完美无瑕。

三  中国民族声乐艺术的创造美学特征

我国民族声乐艺术兼容了古今中西的音乐美学思想，是一门具有创造性的综合艺术，在不断发展的过程中日渐形成了其特有的存在方式。中国民族声乐艺术的创造性美学特征简单的可以归纳为“古为今用、洋为中用”，在继承传统艺术精华的同时积极借鉴西方美学思想中的优势，在具有民族特色的同时也为其增添了时代性。

“古为今用”主要是指中国民族声乐艺术在创作、歌唱、审美等诸多方面都具有传统与当代的差别。当代中国民族声乐艺术是在传统声乐美学思想的基础上形成的，其中的诸多优秀艺术思想和美学理念都是对传统声乐艺术的精华部分的传承与创新。“洋为中用”指的是在音乐表达形式方面，要学会借鉴西方国家美学思想中科学的、合理的、进步的歌唱技巧和审美观念，学会有选择性、有针对性地吸收其所包含的积极性因素。“洋为中用”于声乐艺术方面，表现为中西方的完美结合，一方面科学合理地吸收西方国家声乐艺术中的呼吸、共鸣、声音位置等表演和歌唱方法，赋予了中国民族声乐艺术在表演形式和歌唱方面西方声乐艺术美学独特的审美感受和听觉体验。“古为今用、洋为中用”的创造性美学特征在中国民族声乐的艺术创作中也有着完美的呈现。不难发现，当前的中国民族声乐艺术在创作的旋律、节奏、和声、配乐等方面都有着明显的现代气息。

我国的声乐艺术是集中国民族声乐艺术与西方声乐艺术思想、中国传统声乐艺术和现代民族声乐艺术、西方没声艺术与戏曲艺术一体的艺术表现形式，各种声乐艺术的表现形式在中国民族声乐艺术的舞台上百家争鸣、百花齐放，是中华民族劳动人民智慧与创造性的象征。

四  中国民族声乐艺术的现代美学特征

随着社会的快速发展和时代的不断进步，世界各国文化频繁交流往来，人民的文化视域不断扩大，审美需求和欣赏水准也日渐提高。中国民族声乐艺术在这种新时代的背景下，在演唱、创作、审美等方面都紧跟时代潮流，呈现出时尚现代的美学形象，符合新时代的审美趋势，贴近现代人的审美观念。

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“欧洲歌剧”一词如今已是众所周知的语汇。特别是近十几年来，欧洲歌剧经典接二连三地登台，人们大开眼界，歌剧以自身神奇的魅力传达给人们美的享受，是其他任何艺术形式都无法与之相媲美的。那么。欧洲歌剧究竟是什么?我们该如何欣赏歌剧呢?下面我就从欧洲歌剧的起源、歌剧艺术的美学特征、歌剧的审美欣赏等几方面来分析。

一、欧洲歌剧的起源

欧洲歌剧，最早产生于十六世纪末“文艺复兴”时期的意大利。1597年由罗马作曲家佩里和佛罗伦萨诗人里努奇尼创作的抒情音乐戏剧《达芙妮》，常被认为是第一部歌剧，描写了太阳神阿波罗初恋的故事，但现已失传。现存最早的歌剧是1600年上演的由佩里和里努奇尼为庆祝法王亨利五世与美第奇家族的玛丽的婚礼而创作的《尤丽狄茜》。此后几百年间，歌剧在整个欧洲迅速发展，逐渐完善，并形成多种风格和流派，于十八、十九世纪达到黄金时期。

二、欧洲歌剧的美学特征

欧洲歌剧是以音乐为中心要素的综合性高雅艺术，也是诗、乐、剧、画、舞交融的戏剧舞台表演艺术结合体，具有鲜明的艺术美学特征：

1、“写实”求真的美

古希腊哲学家亚里士多德曾给戏剧下过定义：“以行动中的人为模仿对象，以动作为模仿方式，即为戏剧。”因而，欧洲歌剧作为戏剧体系的突出代表，“再现”、“模仿”奠定了其“写实”求真的传统。它承续了古希腊艺术，偏重再现生活，注重酷肖原物，强调真与美的统一，强调模仿与写实，形成了色彩浓重、热情洋溢的“写实”求真的美学表演体系。

2、“复调”立体的美

欧洲歌剧是一门充满活力、极富动感的立体舞台艺术。从歌剧序曲奏出第一个音符直到剧终幕落时。回响在人们耳边的最后一首合唱、重唱或咏叹调，歌剧艺术就一直处于运动状态中。歌剧中的音乐、剧情、人物的性格与命运、舞蹈场面的表演，都在时间流程中逐步展现：歌剧中人物的动作与交流，都有空间的移位与舞台上的调度。随着歌剧各种艺术因素的不断发展、演变，多声部的交织、对比。节奏间的疏密、错落，旋律走向中的起伏、变化。舞台布景、道具、不同服饰造型的变幻，以及穿插于各场景中的风俗性舞蹈。使歌剧的主题鲜明，人物刻画生动。戏剧冲突尖锐。情节推进更为扣人心弦。歌剧中诗、乐、剧、画、舞这些艺术因素在持续运动中，时而融合。时而对照，歌剧多侧面、多变幻的“复调”立体建构美由此呼之欲出。

3、戏剧音乐化的美

歌剧之所以有别于舞剧、电影等动态综合艺术，就在于戏剧的音乐化。欧洲歌剧是以剧本歌词为基础，以作曲家的音乐为主线，戏剧随着音乐歌唱展开。因此，德国人通常把歌剧称为“Singspiel”，即是“带音乐歌唱的戏剧”，并通过音乐(声乐与器乐)来揭示剧情的发展和进行人物的塑造。歌剧中的音乐表现是以戏剧框架为基础。情节发展为线索，戏剧人物为手段，并将富于色彩性的管弦乐与旋律性的声乐有机地结合起来，相互衬托。互为生辉。

三、欧洲歌剧的审美欣赏

在各类音乐艺术中，歌剧属于较易欣赏的。因为它有三条阐释的途径：台词、音乐和视觉画面，彼此有助于相互理解。

1、从剧情概要中感知歌剧

歌剧是“剧”，所以它具有“剧”的特点。如情节、人物、特定的环境，以及在情节发展过程中的悬念、矛盾冲突、、最后的结局等。

在欣赏歌剧时，我们试先阅读该剧的剧情概要或者该剧的剧本台词能帮助自己更好的感知歌剧。若歌剧采自于著名的故事。我们可以尽量去读读原著。譬如：意大利作曲家威尔第的歌剧《茶花女》。通过阅读该剧剧本，由此了解到该剧讲述了一个沦落风尘但仍然憧憬幸福生活的曲折而不幸的经历，然后再去听剧中的那首耳熟能详的《饮酒歌》，你将不仅能感受到音乐所传达出来的欢乐，还会对这欢乐背后流露出的辛酸为之动容。

2、从音乐构成中体验歌剧

法国剧作家博马舍曾经说过：“音乐在歌剧中就如同诗句在话剧中一样。是更加宏伟的措辞，表达思想和感情更加有力的方式。”为了更好地对一部歌剧进行审美欣赏。了解歌剧的音乐构成十分必要。

歌剧的音乐构成分为声乐演唱和器乐伴奏两大部分。

(1)旋律性的声乐演唱

声音是传情的主要因素。欧洲歌剧在19世纪40年代，随着威尔第爱国主义歌剧的兴起。加之乐队扩大，配器加浓，要求声乐侧重于表现激昂慷慨的情绪，即用浓重的胸声、宏大的音量和圆润的音色。即通常人们所说的美声唱法，以及旋律性的声乐演唱，以达到刚劲奔放的戏剧效果。一般来说，歌剧声乐是以咏叹调为主。并辅之以宣叙调、重唱、合唱和朗诵、对白、道白。

咏叹调是歌剧的主要组成部分。以独唱形式出现，具有高超的技巧性和丰富的表现力，多是对角色内心繁复的心理刻画。宣叙调亦称朗诵调，是一种以语言音调为基础、吟唱性质的曲调，以独唱形式出现，用以代替对白的歌唱，节奏自由，伴奏简单，通常是用来交待与展开剧情。重唱是指几个演员按各自的声部同时演唱。表现各自相同或不同的情感、意念，常出现在叙事或强烈矛盾的情景中。合唱是歌剧中多声部的声乐曲，表现众多人的情感、行动与意志，是塑造群体音乐形象的手段之一。朗诵、道白、对白则指的是有器乐部分衬托的与无器乐部分衬托的“说话”。

(2)交响化的器乐伴奏

欧洲歌剧中的音乐除了旋律性的声乐演唱以外，还有交响化的器乐伴奏。两者相辅相成，共同担负着塑造人物、表达剧情、渲染气氛的职责。歌剧中的器乐部分主要包括：序曲及间奏曲。

序曲，是指在歌剧揭幕前，由乐队合奏的管弦乐曲。作曲家常在这采用歌剧中重要咏叹调的旋律素材。给以观众剧情暗示(如喜剧或悲剧性质、情节发展脉络等)。间奏曲是歌剧场与场之间、幕与幕之间演奏的器乐合奏。它对剧情的发展起到衔接、过渡或缓冲、加剧等作用。

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丰厚灿烂的河南中原戏曲文化独具魅力、历史悠久、剧种众多，被称作“戏曲之乡”。豫剧得天独厚，在中原文化的渗沃土中生存繁衍，融合多种艺术形成、锻铸了茁壮的身躯，从而形成了特有的艺术特性，及不同一般的影响力、辐射力。

最早的豫剧热闹红火、激昂慷慨，是以演出正剧、喜剧为优势的。但自从有了崔派艺术，使豫剧在演出悲剧方面亦有了自己的独到之处。那种愁肠百结、悲悯情深的曲调，寄托了无数人的爱恨情仇。崔派艺术独树一帜，丰富了豫剧的唱腔艺术，为豫剧的发展做出了杰出的贡献。

豫剧崔派艺术的创始者崔兰田，在豫剧观众中享有很高的荣誉，有“豫剧兰花”、“豫剧程派”之称。崔派唱腔宗豫西调，是豫剧唱腔艺术中委婉、含蓄、悲情、凄美风格的典型代表。崔派的唱腔低沉委婉，细腻抒情，具有很强的感染力。崔派艺术的突出特点是擅长于塑造悲剧人物形象。

崔派表演艺术的美学特征体现在自然美、悲情美、精致细腻美、真实美四个方面。

一、自然美

自然美是自然事物、自然现象自身的美；是美好的人造环境所呈现的美；是一种聚集、显现和不断生成。崔派表演艺术具有超凡脱俗的艺术自然美，这来自于长期的、丰厚的生活积累，对所扮演角色的内在情感准确的体验，对所演剧本的全局深入的分析研究，以及对舞台表演艺术的完美追求。崔派表演艺术能够以外形的“静”表现人物内心激烈的“动”，自然刻化出极有深度和细腻入微的人物心理，出神入化，进入艺术创作的高境界。

比如，崔派名剧《桃花庵》中，在桃花庵中苦等丈夫归来的窦氏与尼姑陈妙善的第一次接触，对于窦氏来讲，这次试探性的接触，充满了一个女人内心无限的希望与不安。略显紧致的锣鼓过后，内心有些焦急的窦氏出场了，虽然焦急，但又需极力掩藏。在这折戏中，窦氏的出场显然很有大青衣的范儿，外在和内在的把握恰到好处，似不露声色，却又能让看客“以我心读她心”。以至于稍后时与陈妙善第一次照面，两人目光相对的瞬间，那情绪的捕捉、情感的体验已经没有表演的痕迹，一切都是那么顺其自然、水到渠成。如同作画，寥寥几笔，给观赏者无限的想象空间，此刻，戏曲的“自然美”得到了很好的诠释。

“搜庵”一折，由“进庵”到“照面”，再由“递茶”到“接杯”，层层递进、渐入，几个层次逐步展开并自然衔接。崔派表演的眼神变化、动作频率、唱腔速率都很自然，没有很直白的眼神刻画窦氏内心的猜测，或在“递茶、接杯”中把动作“放大”一些、甚至增加看似合理的手势。而是当窦氏手中的茶杯端在手中，一切所谓的表演都是多余，她只是把茶杯轻轻落下，落在茶盘之上，随着“噔”的一声脆响，那妙善立刻惊慌失措。这样源于生活和情感的艺术自然表现，在那一刻，全场鸦雀无声，但每个观众心底又无不泛起波澜。这种情感表达的方式，内心体验极其丰富，真切自然，入情入理，展现出一种内在的自然美。

二、悲情美

艺术来源于生活，又高于生活，从生活中不断吸取营养。崔派表演艺术就是从生活启发中不断形成、发展、成熟起来的。崔派表演艺术的悲情美主要体现在注重表演悲剧的技巧性――“假戏真做”，以及独具特色的哭腔艺术两个方面。

1.注重表演悲剧的技巧性――“假戏真做”

崔派表演艺术非常注重演悲剧的技巧性，认为不能“假戏假做”，装腔作势：也不能“真戏真做”，演员忘“我”表演常常控制不住感情：而“假戏真做”才是真正的艺术。演员既要准确深沉地表达感情，又要游刃有余控制好内心地情绪和表演的火候。要求在表演悲剧时要于“悲伤中”，透出一种‘优美’”，对眼中泪水的控制有一种特殊的能力，让它什么时候淌出，它就什么时候淌出。‘不需眼泪流出时，它就只会在眼眶里打转转，含而不落。比如，在唱《盘姑》一折中那段著名的“滚白”“窦氏一阵泪双倾”时，泪水总是随声俱下，非常动人。再比如在悲剧中对“仿哑嗓”、鼻音和抽泣技巧的混合运用，都能大大加强悲剧气氛，哭出来的腔调非常内在、自然、动人，感情表达很充分。观众喜欢听崔派唱腔演绎的“哭”，听崔派的“哭”是一种艺术享受，这是崔派表演艺术独具的魅力。

2.独具特色的哭腔艺术

崔派表演艺术把悲剧人物的“哭”上升到一种很高的艺术标准和理性层次，

成为崔派塑造人物、挖掘人物悲剧内涵的独特的艺术手段。《桃花庵・盘姑》一折戏，“哭夫”一段唱是崔派“悲腔”的华彩乐章。窦氏悲痛欲绝，哭得神魂颠倒，哭得死去活来。崔派唱腔用上胸音和鼻音相混合的唱法，使甩腔饱满深沉，尽情抒发了窦氏的愤激之情。后当唱到“我的张才夫，你的鬼魂听”时，使用了一种糅合着鼻咽音、牙音的长哭腔，其哭声由弱到强，由强翻上再转次弱、次强，最后弱收。整句哭腔时续时断、幽咽深沉，既倾泄了寻常女子悲哀，又露出了这位贵妇人对悲恸之情的控制和压抑，将女性的悲怨之情表现得更丰富饱满，抒发得更淋漓尽致。

崔派唱腔在塑造悲剧人物对不同的角色赋予不同的悲情并创造出不同的哭腔艺术，

体现出各具特色的艺术感染力。因为人们在生活中的种种哭泣往往是有感而发的，哭声的腔调就会十分内在、自然、感人。所以，用不同的哭腔声韵栩栩如生地塑造了许多不同身份、不同年龄、不同性格、不同悲情的苦命女性形象。一句“哎呀!我的娘啊!可难死我了呀!”，就能讲出唱出几种不同的“哭法儿”――或极度悲哀下的低声哽咽、抽泣：或万般无助时撕心裂肺般的高声嚎啕、呼喊：或断断续续如诉如泣：或无力无气无声无息。哭似唱，唱似哭，凄切悲哀，真挚感人，催人泪下。那哭出的音律由高到低，由低到高，迂回跌宕，一波三折，禁不住唤起人从内心深处动情动容。由于这些哭声酷似豫剧板式中的“哭滚白”，崔派便在唱腔中摘取这些哭声里具有音乐成分的音调进行二度创作，加进“闲弯儿”，糅进唱腔，使哭腔透出一种韵律美，

更加衬托出唱段的悲情美。

三、细腻美

崔派表演艺术在唱功上，讲究以精彩而吃重的唱腔压住台；做派上，重视人物的内在气质，动作要规矩，表演要稳重，以“笑不启齿、行不露裙”的古典细腻之美征服观众。尤其崔派表演艺术中女性角色的塑造，更是把这种美提升到完美的境界，使崔派唱腔成为最具女性魅力的豫剧唱腔流派。

例如，《三上轿》中，崔金定三次上轿，三种生离死别的情感情绪，没有大幅度的身段动作，也没有颠狂状态的哭天抢地，给人的震撼却是那般强烈。这种动而不失其稳，静而内蕴激情的表现手段，展现出的是一种深沉、内蕴的细腻风格美。

再如，《桃花庵》一剧的主人公窦氏，崔派唱腔细腻地抒发了悲苦的盼夫情怀。运用纯正的豫西调和纯静的嗓音，唱得深沉、舒展，声声入耳，句句入心，让听众深深感受了女主人公内在的、尘封已久的酸楚与悲哀，实实领略了崔腔缠绵悱恻的细腻美魅力所在。

四、真实美

崔派艺术产生于19世纪40年代苦难深重的中国，几乎每个家庭都有痛苦而心酸的经历，满腔苦水无处诉说。而崔派艺术以“哭”见长，塑造了一大批命运凄苦的妇女形象，真实的表现了当时的社会现象。崔派表演艺术的崔兰田大师饱尝过旧社会沿街乞讨挨冻受饿的苦难生活，听到过旧社会贫民区受难妇女的各种哭诉，她对各式各样命运悲惨的妇女有着细微的观察体验和深刻的理解。这一切，都使她在感情上对于挣扎在水深火热中的苦难妇女寄予极大的同情，从而激发起她为这些妇女申诉不平等的热忱。崔派剧目唱段选材真实，很好地反应当时人们的心情，说出人们的心里话，使人们产生共鸣，被广大人民群众所喜爱。

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【文章摘要】

近年来，我国的数字媒体艺术得到了较大程度的发展，并逐渐被很多领域所应用。数字媒体艺术是建立在传统艺术基础之上并在数字科技的支持之形成的一种艺术形式。它是当今信息时代科技高度发达的产物。数字媒体艺术具有自身独特的美学特征。在本文中，将就数字媒体艺术的新美学特征构架进行一定的研究。

【关键词】

数字媒体艺术；新美学特征；构架

0 引言

数字媒体艺术是一种相对传统手工艺术来说，在借助现今计算机数字技术的基础上对艺术的一种展示方式，并通过计算机的操作在音频、传播以及图像等多个领域进行应用。目前，其在我国的很多行业中都得到了广泛应用，而这种良好的传播度以及使用情况，则同其所具有的美学特征具有着非常密切的联系。

1 数字媒体艺术的新美学特征

1.1 多媒体性

数字媒体艺术的发展使人们有机会将艺术的美学概念更加深刻化，它使艺术语言的内涵得到了极大的丰富。数字媒体艺术具有着广博的多媒体性，它在构架自身新美学的过程中必然会和众多的领域（如自然科学领域和人文科学领域）有所涉及。数字媒体艺术在此过程中具有着较为丰富的文化理念。首先，该种技术在数字技术和网络技术基础之上应用了大量的多媒体技术，在大量的高新技术的支持下最终形成了动画、图像等各种艺术形式。其次，这种不同领域方式的结合应用， 则能够在传统艺术表现形式的基础上对于作品的创作空间以及表现形式进行了更好的丰富与扩展。同以往单纯艺术形式运用相比，数字媒体艺术完全可以说是一场多个学科、多领域相互协作共同构建一个新的艺术形式的大会战，其艺术形式的新美学特征无论在造型方面还是在对其艺术本质的认知方面，都具有着一种全新角度的理解。而从艺术的形象方面而言， 其也不再仅仅局限在艺术作品视觉以及美感的享受，更是一种多种艺术、多种美感的结合，具有着更为丰富的艺术表现力。

1.2 大众性

当艺术遇到科技时，对于人们更多的是一种吸引，能够使更多的人们吸引到艺术道路之中。在其发挥自身功能时，在数字媒体艺术中所能够表现出的大众艺术氛围也将其良好的成为了一种更为平民化的艺术特征。对于每一类艺术作品来说，都需要较长时间的训练才能够形成， 而正是这种特点的存在则会使艺术在很多人眼中具有着一种高高在上的形象，而随着艺术作品依靠科技所带来的普及化发展，就使得人们在重复性操作的过程中也能够产生具有一定水平的作品。对此， 我们可以说在这种互动交流以及数字媒体作用下，能够更好的体现出数字媒体所具有的大众化特点。

1.3 虚拟时空性

在数字媒体艺术实际创作、传播的过程中，数字技术是非常重要的，且其同传统学科如理学、人体工程学等也存在着较为密切的联系，只有将传统知识同数字技术进行良好的搭配，才能够创作出更容易被人接受、具有更好视觉效果的艺术作品，并以此在现实生活中为艺术家提供了一个良好的虚拟时空创作途径，即将现实的情景放在各种不同的时间和空间的范围采用虚拟的方式加以链接，并且进行艺术整合，使得人们进入一个虚拟的世界。在这个虚拟的世界之中，人们实现了自己梦寐以求的理想。在现实生活中，处于各个地区的人们很难对不同地区的角落以及特征进行观察，但通过数字化虚拟技术的应用，则能够帮助人们实现超越时空的愿望。

1.4 互动性

互动性，就是指数字媒体艺术可以在受众与创作家之间造成某种场景艺术氛围，使受众与场景之中的典型形象进行情感互动，从而在沟通的过程中实现情感的自然流动。互动性并不意味着是双方的情感互动，它是通过多方面、多层次、多时间和多空间进行情感沟通的一个艺术过程， 在这个过程中完美地体现出了数字媒体艺术的美学特征。值得一提的是无论在何种情况下，网络存在是实现数字媒体艺术互动的重要平台。无论何时何地，人们只要接通网络，就可以与数字媒体艺术进行互动，且艺术家也能够再此过程中根据自身的认知情况对作品进行修改与加工，并在读者同作者之间建设成一道桥梁，对艺术作品所具有的含义进行充分的体现和展示，并将作品在原有基础上进行更多的拓展。同时，通过网络这种途径，也能够帮助作品的观赏者能够充分的对艺术品的独特意味进行感受，并在这个艺术作品的参与过程中同作者以及作品形成了一种良好的互动。对于这种互动方式而言，可以称之为艺术同非艺术间的一种互动，并以此获得人们艺术水平的共同进步。

1.5 非物质性

在传统的艺术中，往往都会认为在艺术作品中都会存在着一定的共同性，即形象存在这一定的可感性。而这种特征之所以存在，物质特征是非常重要的一个前提，也正是在这种情况下，艺术作品才能够较好的呈现在人的视听体验中，并获得更好的的感官效应。而在数字化艺术中， 其通过编码与数字的方式作为物化语言， 能够有效的对以往艺术作品过分依赖物材介质的情况进行了转变。而在数字媒体艺术中，电脑作为艺术创造的工具，能够将虚拟的数字化创作良好的实现为另一类艺术形态，即我们所说的非物质艺术， 其将艺术家们引领到了一个具有自动化、数字化的领域，在对传统量子化艺术创作模式进行改变的基础上使其获得了更好的发展与传播。

2 结束语

在上文中，我们对数字媒体艺术的新美学特征构架进行了一定研究，需要我们能够在对其特征进行良好把握的基础上创作出更多、更好的艺术作品。

【参考文献】

[1] 朱建春, 陆志国. 国内高校数字媒体艺术教育思考[J]. 美术教育研究.2012(17) ：55-56.

[2] 任怀琎. 工科背景高校的数字媒体艺术人才培养[J]. 中外企业家.2013(17) ：77-78.

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美学是人们独特的感官感受，主要是以艺术为研究对象，从个人的现实审美角度出发判断事物美丑的审美意识以及审美范畴。而美学价值就是通过这种意识对事物价值的一种衡量。因此理解艺术特性的话可以从以下3个方面出发：①精神层次。艺术从精神角度分析可以看成一种文化价值的表现形态，基本上就和哲学、伦理、宗教以及习俗等性质差不多。②最后结果。艺术的最终成果展现是艺术品，主要是供人们欣赏的。③艺术的整个活动过程实际上也就是艺术家在自我创造一种活动，在表现自我。通过分析美学价值以及艺术特性的基本含义，不难发现从两者的含义可知，美学价值是艺术特性的基础，在美学价值追求的过程中，艺术特性是一种形态表现，两者应该是相互依存的关系。翻译英语文学的过程中应该同时注意美学价值以及艺术特征两者，一部好的翻译作品，不仅具有很高的美学价值，也有极好的艺术特性。

二、美学价值以及艺术特性对于英语文学翻译的重要意义

近年来全球经济一体化趋势越来越明显，各国之间的贸易往来越来越多，人们日常生活交流也越来越多，尤其是精神交流显著增加。其中文学和电影是交流最多的两个部分，对于我国来说，英语系文化交流还是最多的。想要深入地了解、掌握英语系文化，良好地借鉴、吸收英语系文化的精华，英语文学作品是一种很好的途径，但是因为汉语言和英语之间的差异，想要将英语文学作品转化为中国人可以阅读的文本，就必须依赖翻译。英语文学作品是英语国家文化的承载和浓缩，具有自身独特的艺术魅力以及韵味，因此在翻译的过程中，翻译者必须深入了解、分析东西方文化之间的差异，尽可能了解英语文学作品原著想要表达的含义，同时还应该善于利用各种表现手法，使得翻译的作品更加生动、传神。这实际上也是对于英语文学作品中美学价值的追求。追求英语文学翻译中的美学价值以及艺术特征的主要意义是为了促进国家之间更好的交流，为我国文学研究和发展提供一种全新的方向。

三、英语文学翻译中的美学价值

和我国文学作品一样，英语文学也有诗歌、小说、散文等多种形式，具有非常独特的美学价值。不同的国家，文学思想以及文化价值都会有所差异，文学形式诠释的情感也会有所差异，不管是诗歌、小说，还是散文都有自己独特的风格以及情感，因此在翻译英语文学作品的过程中首先最应该将其风格美体现出来，在体现其风格的基础上再重点突出创作者想要表达的情感，这也就是感情的形式美。众所周知，一部译作的美学价值有多方面的表现，首先是分析作品翻译的准确性，如果翻译的内容和原著有很大出入的话，根本就不能算是翻译，更不用说美学价值了。同时，还应该注意在翻译过程中有没有运用到各种修辞手法对翻译文字进行美化装饰，是不是可以给人们一种联想的空间。因为如果修辞手法运用恰当的话，可以为人们营造一种非常美好的情境，带领人们进入想象，这是一种美的享受。比如，《布哈拉历险记》是一部非常优秀的英语文学作品，下面我们主要对这部作品翻译的美学价值进行分析。《布哈拉历险》这部小说中，有这样一句话“ThefullmoonstoodhighabovethecityofBukhara.”如果不加修辞手法直译的话，意思就是说“布哈拉城的上面站着一轮满月。”如果是这样翻译的话，会让读者觉得枯燥、单调、乏味，无法产生美的感受，而且相信很多人都不能理解为什么月亮会站着？这样并不能将原著作者想要表达的意思完全表达出来。但是如果运用恰当的修辞手法进行翻译的话，其意思就是“一轮满月高挂在布哈拉城市的上空。”这种翻译方式可以让人马上联想到一幅城市夜景，夜晚月光的照射下整个城市的静谧美，可以给读者创造一个联想的空间，让读者体验一种画境美。其次，翻译的美学价值还需要注意观察在翻译的过程中是否准确的抓住了东西方文化之间的差异。不同的国家都有自身独特的文化，在英语文学作品翻译的过程中，如果直接进行翻译，并不进行其他的解释的情况下，或者也没有采用其他的表达方式的话，中国读者可能很难真正的理解、把握英语文学作品的内在含义，这样我们也不能通过英语文学作品了解外国文化。比如，“Hewasintheseventhheavenlastnight。”这句话在翻译的过程中，如果不理解东西方文化差异的话，可能就会翻译为“他昨晚去极乐世界了。”显然这种翻译方式显得尤为荒谬。因此，在英语文学作品翻译的过程中一定要联系历史、环境、文化、语言等各方面，如果在翻译过程中分立它们的话，没有真正把握东西方文化差异，是根本不可能翻译出好的作品的，自然也就无法使读者体现到英语文学作品原著的美学价值，更加无法体验到语言的独特魅力以及博大精深。

四、英语文学翻译的艺术特性

艺术特性实际上也就是表现手法，比如比喻、讽刺、渲染、拟人、抒情、夸张、描写、议论、双关、对比等。但是在英语文学翻译中不管运用哪一种表现手法，都必须是建立在充分理解原文内容的基础上，对于文字的处理并不是局限于文，更是应该执着于文字，整个文字处理过程可以视为一种创造性思维活动，因此英语文学翻译也可以视为一种艺术，应该具有其自身独特的艺术特性。英语语言自身就有一词多义的特性，因此英语表达方式中常常会采用双关的表现手法，很多翻译者也会为了追求英语文学翻译中的美学价值而采用多种多样的表现手法。但是，在翻译中并不是采用了表现手法就会突出翻译的美学价值，而且也不是表现手法应用得越多就越好。只有在尊重原著的基础上运用恰当的表现手法才可以将英语文学翻译的美学价值真正的体现出来，不然的话应用表现手法只会是雪上加霜。对于翻译者而言，不仅要熟练掌握我国文学作品中的各种表现手法，同时应该了解英语文学作品表现手法的特点以及表达方式，找出两国之间的差异，这样才可以在英语文学翻译的过程中灵活应用。为了突出英语文学价值的艺术特性，翻译者在翻译时首先应该满足中国读者的自身的审美习惯以及审美需要，一定要突出传达其形象。而且由于不同民族的人们，由于生活方式的不同，人的思维方式也有很大不同，因此翻译者一定要抓住思维定势，在翻译英语文学作品的过程中，不能孤立任何一个词，同时应该结合具体的语境，联系上下文，选择最佳的改词含义，尽可能确保翻译出来的文字和原文文字最为贴近。另外，传达原文风格是英语文学翻译中最大的艺术特性。不同的地域、不同的工作身份、不同的作家、不同的性格，创造的文学作品都会有不同的情感，英语文学翻译者在翻译原文的过程中应该将译语的优势充分发挥出来，在充分把握英语文学原著的基础上结合自身民族的美学规律以及文学规范选择合适的文学词汇以及文学格式进行翻译，尽可能使译文富含感情，语言流畅且优美，将英语文学的艺术特性充分展示出来。