传统艺术的特征范文

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传统青花主要是通过线条的粗细、疏密、点线等笔法来表现各种艺术意境，一笔之下有刚柔、虚实、浓淡、轻重的变化，运笔之中有中锋、侧锋、逆锋、拖等。传统青花勾线、分水、布局特点：遒劲的线条，湿润的分水，疏密有致的布局在作品中得到运用，我们知道，青花勾线也就是中国画里的白描，比较工整细；它的分水，就是泼墨大写意风格。

传统青花艺术在不同的时代呈现了不同的面貌。元代青花不但料色丰富，而且在器型及花纹装饰上也相当工整细致，有其一定的特色。到明代，青花讲究表现工艺，所绘花鸟草虫、山水人物小品，构图简洁清丽，寥寥数笔，生趣盎然。青花色调也很净丽青翠，另有一番民间简朴清新的情趣，清代的青花瓷在明代青花卓越成就的基础上，继续有所发展和提高。特别是康、雍、乾三朝，在瓷器造型、釉彩、花绘等方面，都获得了新的成就。在装饰风格上，更多地吸取了民间木刻版画的表现手法，对所表现的形象作概括、夸张的加工，用刚劲、细致的笔法勾线，再以多种深浅色渲染，看上去爽朗明快，青花经历了元、明、清六百多年发展的历史，从而形成了独特的艺术面貌，无论是官窑青花瓷，还是民用青花瓷，都有自己的艺术特色，有着无与伦比的艺术成就，也确立了传统青花的清新、典雅朴素的文化品格。

现代陶瓷艺术向着随意自由、富有想象力、具有人文精神的方向发展。现代陶艺纯属艺术家个体面对心灵的艺术创造，有其个人情感在里面。现代陶瓷艺术往往追求的是“创新”。它具有从古老的陶瓷母体中脱离而形成独立的纯艺术特征。而传统青花艺术作为一种文化形态已经成为我们历史的一部分，它在今天和未来都将以各种形式介入我们的艺术活动。

二、传统青花与现代陶瓷艺术如何结合

1、民间青花与现代陶瓷造型结合

民间青花与现代陶瓷造型结合强调了把传统带入到现代语境中，在青花瓷中将水墨画和民间的姊妹艺术的一些表现手法移植，将水墨中极具抽象意味的墨趣，将其他一些手法的部分作为装饰语言的主体，在青花瓷中得到充分的展现。正是这种互补的结合，使瓷作更富有一种文化感，更具有一种文化品位和东方情调。也就是说在传统青花原有的基础上不断地创新发展，使青花更具有创作者的个性。

景德镇陶瓷学院秦锡磷教授，其作品造型新颖大方，画面生动自然，色彩清新明快，手法挥洒自如，格调秀雅脱俗，兼有民间艺术的意趣和文人艺术的高雅，具有浓郁的时代气息和东方艺术特色。他的作品是传统青花艺术和现代陶瓷造型完美结合的典范。

2、传统青花作为符号化语言在现代陶艺中的作用

在现代艺术表现中，传统语言和图式往往作为一种特定意义的符号被运用到作品中，产生强烈的艺术效果，景德镇陶瓷学院黄焕义教授许多陶艺作品中的局部青花装饰纹饰有来自官窑的，有民窑、各朝各代都有，作者根据个人的审美需要与陶艺造型上的需要，对传统青花瓷纹饰采用撷取方法，有时在原形上加工处理，有时在传统青花瓷纹式中加入新的元素符号，为他所有，但又不失传统青花的韵味，他的大部分作品中青花装饰的典雅、晶莹与造型的纯朴、粗犷构成粗与细、亮与涩、动与静、古与今的审美特征。

3、青花与其它手法综合装饰的形式

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在色彩纷呈的民族传统艺术盛宴中，你会为眼前的古彩作品驻足品赏吗？即或是远处的一敝，也会唤起你的一些联想，细细品味有种似曾相识的感觉，周身透着文化的韵味，脑海中闪现着中国京剧脸谱、民间版画、或者想到中国传统的大红棉袄绿棉裤着装，传统建筑故宫……。沉浸在这让人感悟迷恋的色彩中，尽情地体味畅想。此刻的你早已被古彩浓郁的民族气息传统，质朴的色彩魅力所感染。

追根溯源，古彩以其特有的姿态，呈现出一种浓郁的传统民族气质和审美取向。古彩在陶瓷装饰中，属于釉上彩。古彩又名康熙五彩，起源于明代，成熟于康熙时期，其多样的纹样形式，丰富的创作题材，成熟的五彩装饰工艺，成就了五彩最辉煌灿烂的发展，同样康熙五彩装饰风格也成为中华民族近代陶瓷色彩装饰的一个典范。

康熙五彩是在大明五彩的基础上继承和发展而来的，我们知道大明五彩的彩料有红、绿、黄、紫，加上青花烧成后的蓝色，称为五彩。康熙五彩在大明五彩的基础上逐步走向成熟，发明了釉上蓝彩和黑彩。这两种彩的发b和使用，不仅工艺上更加方便，且使得整个画面中有了深色调的蓝彩和黑彩，使色彩对比更显得和谐、沉稳。康熙五彩，实际上不只是五色，有红、绿、紫、蓝、黄、白、黑、金。大明五彩青花的沉静幽妍与矾红的艳丽明快相得益彰，构成一种大富大贵、春满人间的艺术意境。而这种审美特征在康熙五彩上也得到了一定的延续。同时康熙五彩色彩品种也得到逐步的完善，第一是釉上的蓝彩代替了釉下的青花，明代使用青花，而康熙却用了蓝彩。第二是五彩上出现了墨彩，比较精细的五彩上出现了金彩，这两种彩在明代时是没有的，墨彩在绘画中多用于树干、鞋、帽、胡须等。这些在明代中都使用红彩、紫彩。第三个方面康熙比较盛行无蓝色的五彩，用红黄绿紫黑也叫五彩。第四个方面是康熙五彩品种复杂多样，部分保留青花五彩，一般作为仿明五彩使用。康熙五彩色彩的丰富和完善，为古彩色彩装饰风格的形成提供了一个更为丰富的创作空间。成为古彩装饰走向成熟的一个必不可少的因数之一。

古彩的色彩运用是中国民族色彩审美观的一个写照。我们可以从中国民族色彩的特点来认识了解古彩中的色彩。人类对色彩的认知是从原始蒙昧阶段开始，不同民族和国家经过漫长历史发展过程的积淀和凝聚，形成自己的一种传统的审美习惯。中华民族在色彩审美上最显著的特点之一就是受阴阳五行学说的影响极大。中国的五色观念深入人心，以至于我国人民世世代代都对这几个颜色十分推崇，经过研究调查表明，中华民族色彩爱好的顺序为：赤、黄、青、白。如果再加上一个黑，则正是五行学说的“五色”体系。在我国黑色自古以来因其表面朴素优雅的意境而受到青睐，红色，作为喜庆、幸福的象征，黄色从唐以后便成为最高贵色――皇室专用色；青色，是人们普遍运用的一种颜色。五色审美观到了唐宋时期就已经发展成熟，各种艺术形式中无不可见五色审美观的运用。古彩基本上也是利用五色来创作的，它的色彩的运用符合中国的五色审美观，这也是古彩在当时如此受欢迎的原因之一。

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中图分类号：J5281文献标识码：A文章编号：1006-723X（2012）09-0160-03

中国传统民间剪纸是上千年来广大先民智慧积淀，是推进和强化中国现代设计的民族化的基石。由于这种剪纸艺术承载的是民族文化和民族精神，通过民族历史流传下来的具有历史性、民俗性和文化性的延续。民族文化在漫长的历史发展过程中形成了特有的独特性，不论在形式上还是内容上都表现着很强的民族特点，是广大设计者学习和研究具有民族特征的现代艺术设计进行艺术创作的重要艺术文化源泉。因此，民间剪纸为现代艺术设计提供了具有民族特征和特色作品的创作与研究和更灵活的创作途径。

一、民间剪纸为具有民族特征现代艺术

设计提供了丰富的文化底蕴中国传统民间剪纸是具有独特审美情趣和深厚的文化底蕴的民族艺术特色的民间艺术，有着上千年来受政治、宗教、历史等各方面的影响的民间艺术形式之一，形成了自己独特的艺术发展空间，传承了中华民族的艺术特色和民族精神，体现了艺术最本质的审美特征和精神境界。在其他如刺绣、皮影、印染、木雕、陶瓷等传统的民间艺术形式中都有剪纸的踪影，所以传统民间剪纸是中国民间艺术中最具代表性的艺术样式，是其他民间艺术的基础。因此在现代艺术设计中通过结合传统剪纸艺术表现手法结合现代的设计理念出现在标志设计、平面广告设计、包装设计、书籍装帧设计、动漫设计、室内外装饰设计、服饰设计等各个设计领域中。

中国民间传统剪纸元素种类丰富、形态多样、蕴涵深厚的民俗文化、因此它的广泛应用体现了本民族的文化特色，对各类现代设计形成具有民族特征的发展起了积极的推动作用。同时中国传统的剪纸艺术在创作中充分展示传统的虚实辩证关系，并用简洁、单纯的色调将艺术创作展示于观众。

传统的剪纸艺术造型中的虚实结合体现的特别突出，利用虚实辩证关系的互动性提高视觉传递信息的能力。由于在设计中强调阴阳互补、阴阳相依的表现手法，这种造型基础给设计带来了新的思路，由于在现代设计中尤其在平面设计中许多作品是具有商业性，目的是为企业推销产品和某种服务，用最简洁的表现手法将信息传递给消费者，传统的剪纸艺术的那种图与地的虚实关系及简洁的单色及具有视觉的注意力和冲击力为现代设计提供了更好的有效途径。

中国传统的剪纸艺术由于源于民间遍布全国东南西北各个地区，因此，无论从体裁上，还是在表现内容、审美观念、民俗民风及创作群体等各个方面，都有广泛的普遍性和个性，这个特征是其他艺术难以达到，同时中国传统民间剪纸艺术主要依附于民俗活动，并应用于各类艺术活动中，它的表现题材丰富，源于最底层的民众，它凝聚着集体的智慧，有着悠远的历史积淀性，具有强烈的民族特征和地域特征。因这些特点，中国传统剪纸艺术是一座丰富的民族民俗艺术博物馆，有许多东西值得现代艺术设计借鉴和吸收，这样才能更好地为设计出具有民族特色的作品提供了充分的设计基础和资源。

二、民间剪纸为具有民族特征现代

艺术设计激发无穷的设计灵感艺术设计是一种创造性的设计，其本质决定了在艺术设计中灵感思维占重要的地位，同时灵感思维也是提高设计师创新能力的关键，也是提高设计作品质量的关键手段之一，因此在艺术设计中获取灵感思维，全面提高设计师的创新素质，推动艺术设计发展就是寻求好的灵感，灵感是在技术、科学、文学、艺术等活动中由于艰苦学习与探索、长期实践、不断累积经验和知识而突然出现的富有创造力的一种思路，灵感是人脑直觉思维活动和理性思维活动共同的结果，同时灵感是艺术设计者在艺术构思探索过程中由于受某种机缘的启发，而突然出现的精神亢奋、豁然开朗取得一种突破性的特殊的心理现象。在艺术设计中灵感给人们带来意想不到的创造，但它的产生却是突然而来、倏然而去，并不为人们的理智所控制，具有突然性、短暂性、亢奋性和突破性等特征的同时。它是一个人在对某一问题长期思考、冥思苦想之后，通过某一事物、现象的诱导的启发，触发某一种新的思路使其突然接通。灵感的出现正常人都有可能，只是水平高低不同而已，并无性质的差别，只不过有的人灵感少一些，有的人多一些，那只是设计者各自的思维过程不同，专注程度、思考广度及深度不同，对信息的分支界定方法不一样，艺术实践的多少不同而已。因此在传统的民间剪纸艺术的艺术宝藏中蕴涵诸多的触发灵感的因素，这就要求艺术设计者进一步探究传统的民间剪纸艺术创造中思维方式的必要性。

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陶瓷是一种比较特殊的的文化形态，具有物质和精神的双重特征。瓷器首先是为实际生活需要而"造物"的产品，同时又是按着审美规律寻求"造型"的艺术创造。中国的陶瓷在历史上曾经取得辉煌的成就，勤劳智慧的先民们创造了大量优秀的陶瓷作品。造型特征和工艺特点著称于世界，在世界陶瓷艺术发展的历史上，获得一致的赞誉和高度的评价。其造型简约淡雅、一色纯净，形成了独特的艺术风格。但这种简单往往与当代人的审美观念相差甚远。在鲁山花瓷造型的研发实践中，我们大胆创新，不断设计开发新的器型，强调表现自然韵味，追求传统与时代的结合之美，不惯于纯理性的几何形式和简约造型，酿造出深沉高雅的意蕴和富于变化的形态。使其具有深刻的生活意义和社会意义．从而提高了瓷器的美学价值。如：在传统器上粘附双龙、双凤，赋予其高贵、吉祥、美好的深刻寓意，造型形态曲直变化，更具美感；根据中华民族的传统文化创作出了十二生肖造型，栩栩如生，寓意深厚；以古树根雕为造型，以当地的风景名胜“尧山”山峰为造型，设计独特，大自然的美好风光跃然器上。这些新的创意器型打破了古老传统的构思，与现代审美艺术紧密结合，使瓷器换发了生机，深受社会各界青睐。

二、打破传统花瓷黑蓝白的单一格局，与现代绘画、雕镂艺术相结合

陶瓷美术的魅力离不开社会经济发展水平和科技发展水平。随着科学技术的不断进步和人们生活水平的不断提高，人们对美的认识也在发生着不断的变化，欣赏水平也在不断的提高，如果鲁山花瓷仍然囿拘于黑地、蓝白斑的单一格调，已远远不能满足人们的审美需求，这就要求一个花瓷工作者，从其釉色和器面上去做文章，使其色彩多样，花样众多，形态各异，以符合现代人的审美观念，满足各类群体的审美需求。在生产过程中，我们从油料入手，研发出了红黄蓝白各种矿物质釉料，除在黑地之上精心科学的着斑外，又在器形上绘制各种花鸟虫鱼、山水草木、人物故事等图画，既是瓷作，又是画作，妙不可言；运用特殊工艺把千年银杏叶和鲁山桑蚕叶烧制在瓷器之上，制作成“唐钧木叶器”，叶脉清晰，纹路分明，惟妙惟肖，美妙绝伦，见者称奇；或把图案进行雕琢：或龙凤呈祥，或牡丹，或美人诗词，是瓷器，也是雕塑；或雕成镂空图案等。雍容华贵，美妙典雅。既具鲁山花瓷的基本风格，又巧妙的与现代艺术完美地结合在一起，成为传承古老开启今天的完美之作。使鲁山花瓷呈现出了崭新的面貌。

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随着时代的发展，艺术也在不断地前进，新媒体的出现也在推动者艺术的创新，数字绘画属于数字图像艺术的一种，也是新媒体艺术的创新产物，新媒体的技术发展引领数字绘画的到来，呈现出不一样的艺术价值，逐渐成熟的数字绘画艺术开辟出了人类艺术的新领域，实现了艺术的大变革。

1 新媒体技术下数字绘画的特征

1.1 新媒体技术

新媒体技术指的是具有互动性和数字化的电子传媒，其主要存在于网络之中，是伴随着科技的力量而发展的一系列的媒体的总称，依托于互联网技术、数字技术、移动通信技术等。新媒体技术的发展推动着新媒体艺术的发展，艺术的发展离不开科技的进步，信息的交流和技术的创新能推动艺术的前进，随着商业不断地发展，新媒体技术创新所产生的艺术形式逐渐融入人们的生活中，使得艺术的创新和发展产生了无限的可能。作为一种客体的存在，新媒体技术产生的新的艺术形式具有互动性，技术的保证让新媒体艺术更好地发展，使得艺术的形式更加丰富，让数字绘画艺术也在发展中颠覆了传统。

1.2 数字绘画艺术

数字绘画艺术作为数字图像艺术的一种形式，企业氛围静态数字图形和动态数字图形，数字绘画艺术属于静态数字图形。数字绘画艺术指的是电脑绘画，通过电脑技术的特点结合艺术的创新，利用电脑软件创作出新颖的作品。数字绘画艺术随着全世界第一台电脑的产生而不断地发展，操作电脑也成为新一代艺术家不可缺少的部分，将传统的创作理念结合科技的力量和工具创造出内容独特、形式新颖的作品，展现出作品的价值，是目前数字绘画艺术创新的方式。艺术家将互联网作为美术馆向人们展示自己的作品，利用电脑向公众展示作品，新的技术促进了新的媒介，数字绘画得到了迅猛的发展，改变了传统的创作方式，也改变了欣赏艺术的形式。

2 新媒体技术下数字绘画的创新

2.1 数字绘画的题材的创新

“题材”是艺术创作不可缺少的灵魂，题材也是艺术展现的重要组成部分，是绘画艺术作品直接描述的对象，是向人们展现出真实生活和情感的因素。在传统的数字绘画的题材都是来源于生活，展现出绘画家的生活和情感，随着科技的发展，人们的视野逐渐开阔，能随时随地了解全世界各地的风俗民情等等，人们的创作思想也随之改变，数字绘画艺术家往往是通过对现实生活的提炼、感悟，从而加工成为艺术作品，结合媒体的虚拟化特征，艺术创作题材降低成为媒介素材。

大量的网络游戏、漫画、影视的出现，也让数字绘画的题材不断地改变，要从视觉上给人们带来新奇的感受，特别是在虚拟游戏中，数字绘画的创造主要以人物为主，将现实生活中的人物虚拟成电子图像的形式，将现实生活搬到互联网中，利用数字复制的形式创作题材，也使得数字绘画艺术的题材进一步改变，形成视觉上的冲击，展现出画面的视觉化、娱乐化和游戏化，满足大众的审美标准。

2.2 数字绘画的创作方式的创新

传统的绘画都是利用画笔在纸上创作，而数字绘画则是采用电脑里的绘画工具的硬件和软件，硬件指的是电脑本身，软件则是图形图像绘制软件，风格迥异的绘画工具也使得传统绘画与新媒体技术下的绘画创作方式有着极大的不同。传统的绘画主要是受到材料的限制，数字绘画则统一了绘画与艺术的表现形式，在复杂的电脑硬件和绘图软件之下模拟实现造出不同的绘画效果，产生不同于传统的新颖绘画作品。

利用电脑等绘画工具摆脱了传统绘画中物质条件的束缚和限制，数字绘画只要掌握软件的操作就能创作出创新的绘画艺术作品，利用绘画板还不受到绘画错误的影响，在数字板上的绘画一旦画错还能退回重画，这对于传统的绘画大大地节约了绘画的时间，摆脱了绘画步骤的限制。数字绘画能依靠绘画软件中的多样化的效果呈现描绘出物体不一样的特征。例如，绘画软件中的羽化、模糊、复制、滤镜等等，都能产生不同的绘画效果，使得创作的方式更加简易和丰富。

2.3 数字绘画的传播形式的创新

传统绘画作品的载体都是纸张，而且不易复制，随着科技的发展，新媒体技术下的数字绘画则出现了不一样的变革。绘画的载体变成了数据，通过数据可以记录数字绘画中的色彩、图形、线条等一切视觉信息。数字绘画可以保存于电脑，具有数字化、虚拟化的特征。由于数字绘画的特征，数字绘画不会受到任何影响，可以保持百年颜色、效果不变，不存在任何会消失的问题。因而，数字绘画的传播途径也发生了相应的改变，传统的绘画需要以纸张的形式传递，而且易损坏，数字绘画则不同，只要通过运行的电脑、显示器、主板、网络等就能在短时间内传播至全世界各地，数字绘画的形式不仅大大解决了传播的时间和成本，而且也保障了作品的原汁原味，向人们呈现出独一无二的绘画作品。

数字绘画的储存不依靠任何具体的载体，只要将绘画艺术作品传播至网络，也能形成网络美术馆，人们不再需要到实地的美术馆进行参观，在网络上就能轻松地浏览全世界画家的作品，形成了更加强大的传播形式。

3 数字绘画的未来展望

相比较于传统绘画，数字绘画是时展的必经之路，是传承了传统绘画的文化和艺术不断发展而来，是结合了时代的特征而产生的艺术形式，在这个互联网发展的时代，数字绘画的独特传播形式和互动形式，让人们能欣赏到更多的优秀的作品，随着网络媒介的传播，也给作品的创作和欣赏带来了革命性的契机，数字绘画不受到材料的限制，其强大的虚拟模拟的传播形式为绘画艺术的穿凿提供了更加广阔的空间，画家能通过多媒体艺术的构建，想象出更多的艺术形式和内容，数字绘画有着更强的适应性，能够在最短的时间融入公众的生活，对公众产生更加深远的影响，体现出数字绘画的价值。

面对具有优势的数字绘画艺术，我们不仅要结合传统的绘画艺术的特征，也要抓住数字绘画艺术的优点，两者相结合，创作出更多优秀的作品，让人们的精神生活更加丰富多彩。

4 结语

伴随着科技的发展，时代在进步，艺术也在不断的创新，产生了更多的新的艺术创新方式，数字绘画艺术在创作形式上的创新能带来更多艺术内容的创新，利用强大的媒介的传播性质能让数字艺术产生更多的可能，不断创新和发展数字艺术的内容也是画家需要不断努力的方面，结合传统的绘画艺术的文化特征，使用数字艺术的多样化的创作形式，才能创造出更多精彩、优秀的作品。

参考文献：

[1] 邓金玉.当代技术变革中的艺术生产力研究[D].广西师范大学，2010：54-55.

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中图分类号： J0 文献标识码： A

现代艺术发源自西方，主张艺术的多元性与多样性，具有强烈的反传统的特性，现代艺术体现出强烈的“现代精神”，一种敢于反对传统、对抗权威的艺术精神，在时间上现代艺术指的是今天的艺术，在内涵上是指具有现代精神并兼备现代语言的艺术。在全球化的今天现代艺术并非西方的专利，在东方现代艺术也有着极其强大的生命力，尽管东西方文化内涵、文化背景不同，而现代艺术却有着类似或相通的艺术特征。 西方现代艺术崇尚个性，打破了民族、地区、国家、时间等障碍，“反传统”打破传统观念,各种艺术之间相互影响、相互借鉴、相互融合。具有强烈的世界性、多元化、个性化、多变性和主观随意性，象征性、表现性和抽象性的特点。东方现代艺术重视个性，往往更加强调民族性，提倡个性与民族性的统一。这大概是因为东方比西方拥有更古老而深厚的文化传统。现代艺术是一种跨文化的艺术现象，是东西方共享的精神文化。虽然东西方具有不同的文化背景，但还是具备着类似或相通的艺术特征。笔者通过对东西方各国现代艺术比较研究，体会到：现代艺术最有两大显著特征即：强化个性和简化形式，而且这两大特征也是东西方现代艺术的共有特征。强化个性的核心，是表现自己的个性情感，摒弃自然的模仿，揭示心理的真实；简化形式的重点，是凸显作品的内在结构，删除繁琐的细节，追求丰富的单纯。强化个性与简化形式，也是衡量艺术的现代性或现代感的可操作的重要标准。强化个性与简化形式有时矛盾，有时互补。一般说来，形式越简洁，个性越鲜明；形式越繁琐，个性越模糊。

一、东西方现代艺术共同特征之一: 强化个性

个性通常是指决定人的独特行为和思想的个人内在的身心系统的动态结构。纵观东西方各国的优秀的艺术作品几乎都表现出了一定的个性，但个性的表达有强有弱，比如宗教和古典艺术更强调规范。西方艺术自文艺复兴以来，个性解放成为标志性的追求，崇尚个性，尊重自由和人权，反抗权威，追求独立的人格，体现在艺术领域就是反叛传统，标新立异，追求自我表现，强化艺术个性。西方艺术从传统艺术向现代艺术过渡不得不提到法国后印象派画家塞尚，“现代艺术之父”——塞尚，传统艺术向现代艺术过的关键人物，他以富有个性的表现性色彩给现代艺术的两大特征“强化个性’与”简化形式”提供的深刻启示，而且对后来的法国野兽派画家马蒂斯、弗拉芒克等表现主义画家产生了巨大的影响。在东方中国以齐白石、韩美林为代表的艺术家对中国现代艺术的发展起到了推进作用。齐白石可以名副其实地称之为“中国现代艺术之父”。郎绍君说：“齐白石的艺术没有超越传统绘画模式，但和他的许多同代乃至后代人比，他的作品更富于现代性。……他对艺术个性的追求也透露着现代意识的影响。他继承了青藤、等个性画家的传统，也接受了一定启蒙艺术思想的影响。”我们用强化个性与简化形式的标准来衡量，就会发现齐白石的艺术完全符合这两条标准：个性异常鲜明，形式高度简化，现代感极强。中国当代天才造型艺术家韩美林的艺术个性非常鲜明，鲜明到不看署名就知道是他的作品。他的艺术个性最显著的特征是天真无邪、富于幻想的童心。所谓“童心”即人的自然本性和率真性情，不受伪善的封建礼教束缚的自由的个性。现实生活中不乏苦难经历和丑恶现象，而韩美林所表现艺术都是出于天真无邪、向善爱美的童心，他从来不表现生活中的苦难和丑恶，只表现人性的善良和人生的美好，希望自己的艺术给人以精神的抚慰和审美的愉悦。他以独特的灵动、流畅而稚拙的线条作为造型语言，这种韩美林式的线条是他的绘画、书法、雕塑、设计等艺术的通用元素，也是识别他的艺术作品的个性特征的突出标识。韩美林说：“要有个性，这才叫艺术。”又说：“民族性是我艺术的根。”在他的艺术中，他的个性已经融入民族性，民族性已经内化为他的个性；他的个性丰富了民族性，民族性也强化了他的个性。

二、东西方现代艺术共同特征之二: 简化形式

英国艺术批评家克莱夫·贝尔在《艺术》中推崇说：“塞尚是发现了形式的新大陆的哥伦布。” 他认为艺术的本质属性是能够唤起审美情感的“有意味的形式”，认为塞尚作品最鲜明的特色是坚持追求“有意味的形式”这个目标，因此追求形式的简化。“简化就是将无关紧要的细节转变成‘有意味的形式’。”“只有简化才能把‘有意味的形式’从无意味的形式之中解放出来。”塞尚晚年提出“以圆柱体、球体和锥体处理自然”，是要探索和寻找自然背后的结构或潜在的结构，把自然呈现的实际形式简化为几何形式，简化为纯粹的空间和体积元素。这种简化的形式是西方古典主义的理性秩序演变的结果。塞尚的绘画作品既受到印象派画家毕沙罗忠实于自然光色的影响同时又追循着古典主义画家普桑的理性秩序，他希望把古典主义的秩序感、永恒性与印象主义的自然性、瞬间性综合起来，“根据自然，再做普桑”。塞尚的简化形式是一种简化的自然主义。我们把同样简化形式的塞尚的《大浴女》与毕加索的《亚威农少女》相比较，毕加索的人体是纯粹机械、冷漠的几何形式，塞尚描绘人体的技法更为微妙，在简化的形式中保存着自然生命的感觉。在这里我还需要说明，如果说强化个性与简化形式是东西方现代艺术普遍的特征，那么强调民族性则是东方现代艺术独具的特征。根据中国上下五千年的文化传承，中庸之道成为传统的审美习惯，极端的个性自我表现、极端的变态心理宣泄和极端的几何抽象构成，都很难被中国公众理解和接受。齐白石主张的“妙在似与不似之间”，似乎更符合中国现代艺术的特点。此外，简化的形式不是单调的形式，而是浸透了艺术家的个性情感的“有意味的形式”，是一种丰富的单纯。韩美林从中国原始文化和民间艺术中受到了启迪，把中国文化传统转换为新的现代视觉语言，即形式简化的语言。他的作品的形式都相当简化、单纯而稚拙。这种些形式，特别是线条，主要是从中国原始文化和民间艺术的剪纸、染织等提炼转化而成。古汉字和岩画对他的艺术转型影响最大。他的创作灵感源自古汉字那种古朴、概括、抽象的形式美和“现代感”。如果说古汉字的影响使他的线条更趋于简化，那么岩画的影响则使他的造型更趋于简化。他把古汉字式的简化线条与岩画式的简化造型结合起来，运用于刻画或塑造牛、马、骆驼等充满生命活力的动物形象，甚至运用于描绘千姿百态、优美活泼的女性人体。

三、结语

强化个性与简化形式是现代艺术的两大特征。这两大特征是文化从传统转向现代的产物。强化个性与简化形式作为现代艺术的两大特征，应该是矛盾互补，却难以保持平衡。强化个性可能形式复杂，晦涩费解；简化形式可能削弱个性，情感落空。这是令塞尚困惑的两难问题，也是现代艺术的内在矛盾。简化形式的结果必然走向抽象，而抽象发展到极端—极少主义，形式倒是极端简化了，却完全失去了个性，也就失去了现代艺术的特征。

[参考文献]

[1]王镛 《强化个性与简化形式——东西方现代艺术的普适特征》，中国国家画院博文

[2]王镛 《个性强化 形式简化》艺术评论 2012年第3期

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0 引言

随着科技的飞速发展，国内外文化艺术交流日益频繁，源于西方的新媒体艺术在视觉表现方式上对中国文化艺术的发展提供新的思路，突破了传统艺术形态，改变着人们的艺术观念和艺术传播方式。

近年来，新媒体在中国可谓是最时尚的境域了，随着数字技术的空前发展，新媒体的概念也逐渐渗透到了人们的生活中，从而影响着人们的思想和文化观念。与此同时，它对艺术的影响力也是较为深远的，随着当代艺术表现手段的多样化与多元化，新媒体以其独特的艺术语言与表达方式打破了人们传统的审美观念，带来了艺术史上前所未有的全新体验与尝试，在艺术领域形成了一种新的艺术思潮——新媒体艺术。

1 新媒体艺术发展的背景和现状

新媒体最早兴起于20世纪60年代初的欧美，随着电视机在美国的普及，美国也是最先使用便携式摄像机拍摄的国家，因此，录像也就成为新媒体形成的重要标志。到60年代末，便携式录像设备逐渐开始被艺术家用于艺术表现之中，出现了最早的新媒体艺术形态，随后，实验电视节目的出现也为新技术与艺术的结合提供了成长的土壤。进入90年代，互联网的普及更加为新媒体艺术提供了广阔的发展空间与传播形式。如：继2001年首届“艺术与科学国际作品展暨学术研讨会”之后，2006年在清华大学举办的第二届“艺术与科学国际作品展暨学术研讨会”上，以“当代文化中的艺术与科学”为主题，提出“艺术与科学的融合与创新，是当代文化建构的重要体现，直接关系 21 世纪人类社会和文化建设的发展”。由此可见，新媒体艺术形态已经引起当代艺术家与学者们的广泛关注。

在我国，新媒体艺术最早始于上世纪八十年代，但直到九十年代中期，才出现了一批较成熟的作品和新媒体艺术家。1996年9月，在杭州中国美术学院画廊举办了名为《现象与影像》的展览，这是中国第一次录像艺术展，这个展览集中了张培力、王功新和陈绍雄等中国第一代数字艺术开拓者的新媒体艺术作品。后来，该展览被定位为中国当代新艺术中的重要里程碑。

1.1 新媒体和新媒体艺术的界定

何为新媒体？新媒体是指新技术支撑体系下出现的媒体形态，随着新技术的不断发展进步，新媒体的外延也不断扩大。全球最具规模的艺术网站——根茎网（http：∥）的创办人马克·崔波（Mark Tribe）在1996年对新媒体（New Media）进行了界定，把光盘（CDROM）、网络艺术（Net Art）、数字录像艺术（Digital Video）、网络广播（Net Radio）等作品作为了新媒体的统称。而新媒体艺术是伴随着数字技术的发展和成熟从传统艺术中派生和发展出来的，它不同于绘画艺术、装置艺术、人体艺术、环境艺术等艺术形态，它是运用最新的科学技术手段进行艺术创作、呈现、传播、鉴赏和评价的艺术形态。

新媒体艺术具有新时代的特征，它融合了“艺术学”和“计算机科学与数字技术”两个性质完全不同的学科，并且随着数字技术的空前发展与日渐成熟，新媒体艺术的范畴也在不断的发展和变化。因此，很难为新媒体艺术做一个准确的界定，新媒体中的“新”本身就是一个比较性的形容词，更新的东西出现后，新就变成了旧，所以，新媒体中的“新”应该是泛指当前时代较前沿的技术手段。目前，我们正处在数字技术的不断增长与创新的时代，而艺术作为上层建筑的重要组成部分，一定会敏锐的感觉到新技术带来的影响，随着时代的不断进步，新媒体艺术的外延不断扩大，数字技术的创新成果对艺术的影响也日益加深，将会吸引越来越多的艺术创作者和研究者对这一新媒体艺术形式的重视。

1.2 数字技术的语言形态

艺术的内容是通过艺术语言而表现出来的，随着科技的发展和社会的进步，艺术语言也在不断的发展与更新。数字技术以自身的强大功能，成为了重要表现手段，无论是视频艺术、数码艺术还是交互艺术等新艺术语言形态，都与数字技术有着密切的联系。而作为来自于历史的延续和丰厚文化积淀的传统艺术，是文化艺术的主要组成部分，它不仅是人类价值观的体现，也是一个民族精神文明的象征，它通过自身的文化内涵塑造着国家的形象，树立着民族的自尊，也展现着一个国家的风采，是重要的传播方式之一。数字技术的不断发展与探究为传统艺术语言形态的表现与扩充注入了新鲜血液，如：数字视音频影像技术，数码二维技术、数字三维技术、虚拟现实技术、感应技术等，它们使传统艺术的表现与欣赏更为立体、效果更为真实、互动方式更为新奇，成为传统艺术创作过程中的新艺术语言形态。同时，传统艺术的发展与传承也需要多种形式的技术手段，数字技术为传统艺术的表现呈现出多种多样的风貌，展现出传统艺术在发展与传承中独特的艺术语言特色。

2 数字技术在传统艺术中的应用研究

随着经济的发展和科技的进步，人们的价值观也在日益转变，数字技术的广泛应用也已渗透到人类工作与生活的各个领域，因此，传统艺术的传承与创新也要充分发挥数字技术的优势，将数字技术全面应用到传统艺术的创作之中，充分利用新媒介重新建立符合时代精神的民族艺术文化品牌，保存传统艺术的精髓。

2.1 新媒体语境下传统艺术的特征

新媒体艺术是主要以数字手段为媒介的新兴艺术，它生长的土壤和存在的环境完全依赖于科技社会。传统艺术是历经千年的发展和演变而来的，它经久不衰、博大精深、意蕴丰富，有着强大的生命力，至今仍在深深地影响着人类的文明和发展。新媒体语境下的传统艺术是指随着时代不断演进、材料不断更新、技术不断提高，运用新技术手段创作的具有时代特征、文化传承和民族精神的艺术作品，它最重要的特征就是新技术和跨媒体的表现手段。新媒体艺术在表现形式和构建形态上与传统艺术有着必然的内在联系，新媒体艺术中的数字技术为传统艺术创作注入了全新的艺术观和思维方式，呈现出新特征、新面貌，也为传统艺术提供了更方便的绘画手段，打破了媒介材料的制约，它可以灵活的表现已有的现实世界，也可以表现虚幻的、尚不存在的虚拟世界，最大限度的满足了艺术自由追求与探索的愿望。新媒体语境下的传统艺术作品不仅具有更真实、更立体、更虚幻、互动、新奇等特征，并且能产生多维度的观赏角度，使传统艺术的呈现方式向着动态、互动等方向发展，体现新媒体语境下传统艺术的崭新风貌。

2.2 数字技术在传统艺术中的应用

当今，随着数字技术的飞速发展使传统艺术的表现题材更为丰富，数字技术充分应用于传统艺术的创作与表现之中，呈现出了全新的数字艺术作品。自上个世纪九十年代以来，电脑的普及和易操作使广大的艺术家对电脑的操作并不陌生，并逐渐成为了他们进行艺术创作所依赖的重要工具和媒介。而新媒体艺术也逐渐从原来的利用数字技术单纯模仿传统艺术走向了利用电脑程序语言等编程手段自动生成的全新艺术效果。同时，数字技术在传统艺术中的广泛应用也改变了人们艺术欣赏的习惯。如：上海世博会期间，数字动态版的《清明上河图》可谓是最具人气的展品，在画面的日夜交替中，古代人物形象举止各异、栩栩如生，呈现出宋代古画变成高科技动画的壮观图景。以往的传统艺术创作大多以手工形式为技术手段，因此，传统艺术作品也与比较贴近于自然，但随着时代的发展，数字技术作为一种创作的新媒介已经成为传统艺术创作中的重要技术手段，它不仅仅是传统艺术创作中绘画材料与工具的拓展，而且是当今时代科学技术与文化相结合的重要体现。如：2008年北京奥运会的开幕式上，通过高科技和数字化的技术手段全面、充分的展现了中国传统文化精髓与和谐的意境，画卷、长城、太极、竹简、瓷器、四大发明等中国传统文化内容自然、巧妙的以现代数字技术表现出来，形成新媒体艺术形式，带给人们全新的情感与审美观念。

传统艺术是新媒体艺术的重要理论支撑，数字技术手段应用于传统艺术的创作之中，打造了全新的艺术形态，成为当下新媒体艺术中传统艺术的重要特征之一，在其新媒体艺术作品炫目的背后是传统艺术与数字技术高度融合的结果，它以传播迅速、交互新奇、视觉震撼出现在银幕上，给人们带来了一场视觉上的盛宴。

2.3 新媒体艺术审美形式与价值

时代的发展与技术的变革决定了艺术的追求与探索方向。19世纪的工业革命和影像技术对传统艺术的发展与表现产生了巨大的影响，艺术家们不得不面对技术上的变革，重塑新的艺术审美与价值，寻找艺术与技术融合的新定位。当今是数字化的新媒体时代，计算机手段和数字技术的表现力早已超出了以往任何时代的艺术表现水平，数字技术在艺术创作中作为全新的材料语言极大的丰富了艺术的表现空间，使表现时间、幻觉梦境和表演三度空间成为可能，逐渐形成一种独立的艺术语言，数字技术作为一种新材料与传统艺术所融合提供了全新的思维方式，具有新的审美形式和审美价值。

新媒体艺术的艺术内涵是仍然是传统艺术，传统艺术才是新媒体艺术的源。新技术虽然改变了社会文化观念，也对人们的思想、审美产生了巨大的冲击，但传统艺术本身丰厚的文化积淀是不可替代的。在艺术创作中，艺术的内容和意蕴一定要通过形式才能够得到表现，数字技术的发展极大的丰富了传统艺术的表现形式，为艺术家表传达美学思想、交流情感提供了新的物化载体， 新媒体艺术为传统艺术在表现形式上拓展了新的道路，丰富了艺术表达语言，满足了现代人对审美新的需求。

3 新媒体艺术的未来发展趋势

在这“全球化”的信息时代，地域和民族之间的文化差异在不断缩小，艺术的多样化与传播为人们构建了新的文化观与艺术观，新媒体艺术的传播不仅意味着将自己的民族文化传递给世界，同时也体现着世界对民族文化的热爱。新媒体艺术的未来发展是要将传统艺术元素以崭新的形态应用于艺术中，使其呈现新的视觉美感，使人们进一步感受到新媒体艺术的魅力。

数字技术手段与传统艺术精神在艺术家的创作中已经实现融合，展现出了具有时代风貌的新媒体艺术形式，新媒体艺术的蓬勃发展，是数字技术与传统艺术的完美融合的体现，同时，传统艺术的历史责任也为数字技术发展与应用提出了更高的要求。新媒体艺术和信息艺术范畴的迅速扩大，使数字技术与传统艺术的融合不仅能够更好的提炼传统文化的精髓，而且对文化传承与民族艺术的发展与创新也起到了重要的作用。我们要在传统文化中进一步探究数字技术的延展，让尖端的数字技术去承载传统艺术所涵盖的深厚文化内涵，展现具有时代特征的新艺术风貌，为新媒体艺术开辟更广阔的空间。

参考文献：

[1] 朱其.数字时代对现代中国艺术设计的影响[J].大舞台，2012（01）.

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一、传统民间艺术形式和布艺

民间艺术是劳动者为满足自己的生活和审美需求而创造的艺术，“民间艺术”的领域很宽广，而且也不乏很多“绝活”，象皮影、剪纸、编织、刺绣等，都是很著名的民间艺术形式。民间艺术的造型、色彩和结构随意、主观，具有原始文化和乡土艺术的特点，反映了中国的传统审美观念。是我们传统文化的忠实记录者，值得我们仔细深入的研究和探讨。布艺是现代装饰画的一种重要表现形式，传统意义上的布艺，即指布上的艺术，是中国民间工艺中一朵瑰丽的奇葩，在我国工艺史上占有重要的位置。主要是以布为原料，集民间剪纸、刺绣、制作工艺为一体的综合艺术。到了现在，布艺有了另一种含义，指以布为主料，经过艺术加工，达到一定的艺术效果，满足人们的生活需求的制品。将布艺装饰画与传统民间艺术形式相结合，使得布艺装饰画获得了取之不尽的宝贵创意资源；同时将传统的民间艺术形式在现代装饰画的范畴内进行重新的解读，赋予传统民间艺术以新的生机和活力。将传统民间艺术形式与布艺相结合，也是我们从实际出发的结果，传统民间艺术的资料较为丰富，并且有许多已有的研究成果可以借鉴，我们在此基础上，主要对表现方式和材料进行研究和尝试，另外我们选取的加工材料“布”，较为方便易得，加工条件要求不高。

二、研究现状和我们的研究目标

1、研究现状

现在国内的民间艺术与布艺装饰画结合的研究没有形成完整的体系，布艺只是作为装饰画的一个加工手段被介绍，对于它的表现特征和加工手段研究的较为表面，另外现有的源于民间艺术的布艺装饰画大部分停留在一个较低的审美层次，基本是传统民间布艺的原封不动的模仿。国外一些国家对于自己民族的民间艺术继承较好，并尝试了极为丰富的媒介和载体，结合现代艺术的表现方式进行了大胆的尝试和创新值得我们学习和借鉴。

2、研究目标

首先，将传统民间艺术形式的，剪纸、皮影、脸谱、刺绣等进行深入的挖掘和整理，以点带面的对于传统民间艺术形式的发展、表现特征、形成一个较为系统的认知；其次，通过对于现代国内外装饰艺术形式的材料收集和整理，形成对于当下装饰表现的系统认知；最后，将以上两点进行结合，借鉴优秀的对于传统继承和应用的案例，将传统的民间艺术作为现代布艺装饰画的创意源泉，现代布艺装饰画作为传统民间艺术的发展和应用的途径。

三、创新点及解决的关键问题

（1）创新点，对于传统民间艺术的继承和应用，将在分析出其各自的创意方式、表现语言、材料特征的基础上，借鉴现代视觉元素“解构”的方式，保留一个特征性元素，对其他的元素进行大胆的主观处理，以期望获得更大的创作空间，赋予传统民间艺术新的生命力。

（2）解决的关键问题，将传统民间艺术的表现特征在现代装饰艺术的语序下进行从新的解读，使得传统的民间艺术成为现代布艺装饰画的创意源泉，现代布艺装饰画作为传统民间艺术的发展和应用的途径，两者形成共赢的局面。

四、具体的实施步骤和研究方法

1、具体的步骤

对于代表性传统民间艺术形式，剪纸、皮影、脸谱、刺绣等进行深入挖掘与整理，尽量去体会和掌握它们创意方式、表现语言、表现材料、加工工艺；对于我国传统布艺的表现语言、材料、加工方式进行了解；并对现代的国外及国内的布艺的表现语言、材料、加工手段进行了解，进而进行纵向和横向的比对，掌握发展脉络；收集国内外对于传统继承和应用的优秀案例作为借鉴，将我们对于民间艺术形式的认知与其结合，根据我们的实际情况，总结我们对于民间艺术的传承和应用路径；收集现代国内外的装饰艺术资料，分析现在语境下的装饰语言的特征。

2、研究方法

在具体研究过程中，主要采用综合研究法、个案分析法、并结合设计实践：综合研究法：首先，对我国代表性传统民间艺术做深入的了解，梳理、概括代表性民间艺术形式的发展脉络和表现特征。其次，对我国传统及现代的布艺装饰作品进行比对研究，总结出在表现方式及材料加工等方面的变化；个案分析法：针对国内外对于民间艺术继承和应用的具体优秀个案，对民间艺术与现代装饰画的结合，提出具有一定创新性和实际应用价值的设想。从一般到特殊，先归纳再演绎，实现理论到实践的转化；设计实践：根据收集的资料在自己对选择民间艺术形式的认识下，结合现代的装饰语言特征，进行装饰画的制作。

五、结语

综上所述，将传统的民间艺术的典型代表，脸谱、皮影、剪纸、刺绣作为研究对象，广泛的收集资料，并分析他产生的必然性，以及在表现形式、表现方法和材料运用上的特点，然后将它放在现代视觉语言的语境下进行重新的解读，借鉴图形设计中的解构方式，对传统形象的特征进行分析后，进行全方位大胆的解构尝试，以期待出现传统与时尚的碰撞，产生即源于传统有符合现代人审美的新形象。

参考文献

[1]戴瑞．装饰画(高等艺术院校系列教材)[M]．长沙:湖南美术出版社，2003年版.

[2]傅太华，温学拼布DIy.纺织期刊第十五卷第三期.

[3]黃莉缉，当代纤维塾术探索，台北市，整术家出版社，台湾，55–65.

[4]邓福星，唐家路，潘鲁生.中国民间美术学导论.哈尔滨：黑龙江美术出版社，2000年.

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敦煌壁画数量庞大，仅莫高窟就有4.5万平方米的壁画遗存。而各时代的壁画中也是精粗杂糅，如何在大量的壁画中发现其中最有代表性的作品，并以之为基础来分析各个时代的艺术特色，这是作为艺术研究的首要工作。段先生在长期的现场临摹工作中，注意各个时期壁画艺术的特征，并对一些代表性作品作过专门的分析，从而总结出了各时期的艺术风格特征。如对早期艺术风格由外来样式到中原风格的变迁，他着重分析了第249窟、第285窟的表现形式，并对照中原出土的画像砖及龙门石窟的人物形象进行对比分析，从而解析了这个时期中原风格与西域风格交织的状况，为我们揭示出这个时代的艺术发展趋向。而对于唐代以来的艺术，他以第220窟壁画来分析唐前期经变画的宏伟构图，以第130窟《都督夫人礼佛图》等作品来分析初唐和盛唐的人物画特征。从这些具体分析中，我们可以感受到作者对绘画形象的深刻认识，来自于长期绘画的功夫。在他的文章中基本上是通过绘画形象本身来说明问题，没有半点空谈。因此，可以说段先生长期临摹的经验，使他在美术研究中能够发现各时期最具代表性的典型形象，同时也形成了他对壁画时代风格的领悟。他在《试论敦煌壁画的传神艺术》一文中对一些代表作品的精彩分析，使我们得以知道敦煌艺术在美术史上的重要成就。

当然，并不是说研究美术必须要有临摹的基础，但是这里想说明的是，段文杰先生的研究给我们的启示就是要对艺术作品本身作深入的调查和认识，从而把握并领悟作品的特征，从这一点出发来认识每个时代艺术的特征，并联系历史文化的背景来了解一个时代的美术风格。

二、历史的眼光

如何从美术史的角度对敦煌艺术进行综合研究，则是前人没有做过的工作，段文杰先生对敦煌石窟艺术的研究是具有开拓性的。

敦煌石窟最大的特点就是在时代上的连续性，从十六国、北朝，经隋、唐、五代，直到宋元，延续1000多年，石窟的开凿没有断绝，而各时代又形成了不同的时代风格。段文杰先生从历史发展的宏观上把握敦煌艺术发展的脉络，把敦煌艺术放在特定的社会历史环境中，深入透彻地研究了当时的佛教思想、社会环境对石窟艺术发展的影响，并详实地分析了各时代敦煌石窟艺术的发展、演变，揭示其艺术发展的内在规律，写出了《早期的莫高窟艺术》、《唐代前期的莫高窟艺术》、《唐代后期的莫高窟艺术》、《晚期的莫高窟艺术》一组论文。其后又对隋代、初唐时期的敦煌艺术作了探讨，发表了《创新以代雄——敦煌石窟初唐壁画概观》、《融合中西成一家——莫高窟隋代壁画研究》。在《榆林窟的壁画艺术》一文中，又对一般人了解甚少的榆林窟艺术作了概述。这些论文可以说概括出了一部相对完整的敦煌石窟艺术发展史。中国在上世纪30～70年代，逐渐出现了一些《中国美术史》的著作，这一阶段，由于资料所限，往往借助于古代的画论画史，很难接触到实际作品，又由于传统画论中对文人绘画记述得多，对民间绘画几乎没有记载。在这样的基础上作出的美术史，往往也是缺乏具体作品的概念性的记录。到了80年代以后，不少治美术史的专家意识到全国各地出土的大量文物以及各地所存的寺院、石窟中的壁画、雕塑也是美术史上的重要内容，于是一些新的美术史著作开始增加了对这一类美术作品的述评和介绍，而这一庞大的内容仅仅是添加到了美术史中，如何使之成为中国美术史长河中的有机组成部分，则有待于各地各种艺术研究的成熟。敦煌石窟艺术的研究正适应了这一需要，对中国美术史的研究来说具有深远的影响，段文杰先生对敦煌石窟各时期艺术的总结与综合研究成果已被不少大型的美术史著作所借鉴和采用。尽管很多美术史研究者还没有在著作中对引用别人成果作注释的习惯，但是只要看他谈到敦煌艺术这些章节的观点，以及用来说明这些观点的代表作品图片，就可以从段先生的论著中找到出处。显然，以《敦煌莫高窟》（五卷本）为代表的那一组论文对各时期莫高窟艺术的总结是经典性的。

三、中国传统艺术思想的观念

过去，中国美术研究往往依赖于传世的绘画品，而对像敦煌艺术这样的古代艺术遗迹接触甚少，往往给人一个错觉，认识传世绘画（卷轴画）就是中国传统美术的全部。因此，面对敦煌石窟艺术，如何用中国传统艺术理论来进行分析和研究，则是前人很少做过的事。段文杰先生以他对中国美术理论的深刻把握和对敦煌壁画的切身体会，剖析了敦煌艺术的本质，他认为敦煌艺术1000年的发展，体现着中国艺术在吸取并融化了外来艺术风格，逐步形成中国式的佛教艺术。外来艺术的吸收和交融，丰富了中国传统艺术，并使传统艺术充满生机。从十六国北朝到唐宋时期，正是中国美术发展的兴盛阶段，敦煌艺术的大量遗存，为中国美术史的研究提供了大量珍贵的资料。

中国传统绘画讲究“六法”，包括气韵生动、骨法用笔、应物象形、传移模写、随类敷彩、经营位置，其中气韵生动是中国传统绘画要表达的最高境界，要达到气韵生动，要通过以形写神，以具体的形象表现来体现人物的精神风貌。段文杰先生详细分析了敦煌壁画中不同时代对不同人物的表现，揭示了敦煌壁画在创作方面体现出的中国传统审美意识。段文杰先生充分地掌握了中国传统美学的精神所在，通过研究敦煌艺术之美，认为敦煌艺术是华夏各民族共同创造的，是在具有深厚汉晋文化传统，又大量吸收外来艺术营养的沃土中成长起来的中国式佛教艺术。

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2当代中国油画艺术的文化自觉性

当代中国油画，即近二三十年的油画作品，这一阶段的油画作品关注的重点主要为世俗精神面貌与社会生活形态，同时，艺术家们也十分注意当代人生存状态的呈现，重视油画的符号性与个性化表达，追求创新。可以说，当代中国油画艺术是当代社会的一个缩影，油画艺术与当代的生活状态有着密不可分的关系，油画艺术要想取得进步，必须要紧跟时代的发展，体现出深刻的时代感。当代中国油画艺术的特征主要表现在以下几个方面:第一，艺术特征的当代性。中国油画艺术特征有着当代性的特征，艺术家的创作也主要是反映当代人们的生活气息与精神状态，而这种当代性也是中国文化的深刻表现，这种当代性超越了后现代性与现代性，是对中国社会道德、制度与文化的思考。第二，艺术特征的情感性。艺术强调真情实感，油画艺术作品也不例外，油画艺术的创作包含着艺术家对事物分析与判断的过程，是其对生活态度的一种表现，具有丰富的情感性。虽然当代中华油画艺术有各种各样的学派，但是从整体的脉络来分析，当代中国油画艺术特征并无显著的差异。

3当代中国油画中文化自觉性的表达

艺术秉承文化内涵的核心就是其品格，艺术家需要自觉地将文化精神与文化体系作为艺术实践动力，并深刻地审视现代社会的问题，用活跃的思维模式来拓展中国优化艺术作品的内涵与主题内容。同时，当代中国油画艺术还需要对文化自觉性进行反思与回归，在融合传统文化的基础之上丰富中国油画艺术的实践性，关注当代人们的生活，利用油画创作来表现现代人的生活姿态，寻求到文化价值与民族精神的趋同性，这可以从以下几个方面做起。

3．1追溯传统文化的来源

中华民族有着悠久的历史，在漫漫的历史长河中积累了灿烂的文化，这些文化都是民族发展的代表，当代中国油画艺术的发展与中华民族的传统文化有着密切的关系。因此，艺术家需要对中国传统文化进行深入地分析和研究，把握好民族文化的整体性，取其精华，去其糟粕，继承中华民族传统文化中优秀的部分，建立起中华民族油画艺术的文化自觉性。油画艺术有着时代性与当代性的特征，世界各个国家的油画都强调自身文化的继承，如果油画艺术与自身文化相脱离，那么就会变成无本之木、无水之源;如果油画艺术不注重人性与文化的表现，那么油画艺术就成了一具失去了灵魂的行尸走肉;如果油画艺术为了追求一时的经济利益取决人类的低级需求，那么油画艺术必然是难以实现长期发展的，也难以满足人类的审美需求。考虑到以上的因素，艺术家必须要重视对人行的表达，建立起正确的艺术观与文化观，自觉地将油画艺术与中国传统民族艺术相融合，自觉地弘扬中华民族的传统文化。此外，中国当代艺术是传统文化艺术的一种延伸与表达。因此，中国当代艺术有着深刻的民族文化基础，近年来，对我国传统民族文化自觉性的传承已经到了一个关键阶段，艺术家应该深入地分析民族文化的内涵与特征，深入地挖掘出其中蕴含的思想，把握好民族文化的变动，自觉地将民族文化与人们的生活融入油画作品的创作过程中，深入地反映出社会的变革情况，突出文化人物的内涵与精神，这是每一个油画艺术家都应该具备的基本素质。

3．2遵循油画艺术的本质规律

当代中国油画的创作十分重视技巧的表达、表现形式以及题材的呈现，部分艺术家的专业技能不扎实，往往急于模仿他人的风格，这就会导致油画艺术的创作沦为一种外在形式，变得低级趣味。要注意到，艺术的发展是需要多元化表达方式的，当代中国油画艺术也不例外。因此，艺术家就需要积极主动的革新自身的艺术思维观念，突出油画艺术创作的实践性与可能性，在油画艺术作品生发、思辨、酝酿与创作的过程中，艺术家需要将中国传统文化融入其中，将艺术上升到精神层面，对油画艺术的艺术价值与审美价值做出正确、科学、合理的判断，拓展其艺术本质规律，同时，积极地汲取生活中的艺术，将其融入油画创作过程中，遵循油画艺术贴近生活的本质规律，这样才能够真正地实现优化艺术文化的传承。

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中华民族从远古时代就已经对声乐艺术的审美问题开始关注了，传统的中国声乐艺术在几千年古典美学的熏陶下形成了独具民族审美韵味的“声、腔、气、韵”等特征。进入现代社会以来，中国声乐艺术在传统和西方的审美意蕴共同影响之下，形成了以“情感”为内涵，以借鉴西方“明亮和高亢”的音色为声音色彩的创造性的美学特征，以及在传统中汲取艺术精华为当代所吸收的现代性的美学特征。在中国声乐艺术的表演和教学实践中，无论表演者还是教育工作者，抑或是聆听的受众，这一审美理念已经在人们的审美习惯中根深蒂固。中国当代声乐艺术的审美范畴要比以往任何一个时代都丰富而深刻，当代中国声乐艺术是集传统母语、民族风格和多样审美为一体的艺术形态。

一、中国声乐艺术的音乐美学思想渊源

从1750年德国学者鲍姆嘉对美学的概念阐述开始，人们对美学的研究就方兴未艾。中国美学在传统的社会文化浸染下形成，中国传统美学研究结合艺术创作、艺术审美现象来考察审美规律，以客观社会生活中美的事物作为审美对象。中国美学内容浩瀚、观点精到，已经形成了自身特有的艺术风格形式和思想深邃的古代美学体系，而音乐美学正是这种宏大体系中的一个分支。任何一种形式的音乐艺术类别的美学诠释都是以音乐美学思想为研究背景的，声乐艺术美学是音乐美学的一个旁支，中国声乐艺术深受传统音乐美学观念的熏陶，在学术研究方法和研究内容上都受到音乐美学的浸透，基本上恪守着音乐美学的研究路径。因此，分析整理当下中国声乐艺术的审美特征是以中国传统音乐美学思想体系为其语境和根基的。《音乐美学通论》中提出“中国音乐美学思想最早出现于西周末年，中国古代音乐美学思想的发展经历了五个历史时期:西周末年至春秋末年时期(萌芽时期)、春秋末年至战国末年时期(百家争鸣时期)、两汉时期、魏晋至隋唐时期、宋元明清时期五个历史时期”。西周末年至春秋时期的音乐美学思想虽然记载并不详实，却明确指出了“和”这个至关重要的美学范畴，并对音乐美形式的构成、音乐与世界自然的关系、音乐的审美标准等方面提出了精辟的见解。春秋末年到战国末年是中国传统音乐美学思想激情迸发和光芒四射的时期。儒家音乐美学思想提出了以“中和”为审美原则的“礼乐思想”；道家的音乐美学思想是笃定“天”为万物的根本，以自然为尺度，以平和淡雅为标准的音乐美学思想；墨家的音乐美学思想主要集中在墨子的著作《非乐》中，主张音乐是瓦解人们心智的无用之物，应该摒弃音乐功利的方面。另外法家和其他学派都提出了自己的美学观点，并对后世产生了不小的影响。两汉时期的音乐典籍《乐记》阐述了“天人合一”音乐美学观念，认为音乐的特殊之处在于能够使天、地、人互相融通和感应，进而对社会生活产生直接的影响。魏晋到隋唐时期嵇康的著作《声无哀乐论》在中国音乐美学的研究进程中可堪是浓墨重彩的一笔，对后世产生了深远的影响和意义。《声无哀乐论》主要强调音乐并不能带给人们喜怒哀乐的情绪变化，人们在乐音中感受到的只是躁动或是安静。“音声有自然之和，而无系于人情”，音乐的独特之处来源于天地自然，与人们的感情没有什么关联。宋元明清时期的音乐美学思想以徐上瀛等人提出的“淡和”审美观和主情思潮为代表。

二、中国声乐艺术的情感美学艺术特征

众所周知，声乐艺术是曲调与诗词的完美结合，同时具有音乐的优美韵律和诗词的婉转意蕴，音乐和诗词的巧妙融合使声乐艺术彰显出人类社会的一种更为高级的情感——艺术情感。声乐艺术之所以能够激起人们情感的共鸣并打动人心，最主要取决于声音和情感这两个艺术因素。声音是演唱者在歌唱中所具备的专业演唱技巧；情感是演唱者通过声音来传达作品的情感内涵，需要表演者准确驾驭作品所揭示的情感内容。对于声乐艺术的这种表情功能，早在中国传统文献中就有专门的记载，中国传统唱论认为“声情并茂”是声乐艺术最为基本的审美准则之一。清代李渔在其著作《闲情偶寄•演习部•解明曲意》中也明确提出，在演唱中应把技巧与歌唱内容、表情、情感体验融为一体的艺术观点。20世纪80年代在中国声乐艺术领域出现了“词情、声情、曲情相融合”相结合的艺术美学表现特征。中国声乐艺术出现这样的美学表征，并非偶然现象。19世纪的西方社会是以浪漫主义思潮为主流艺术创作理念的时代，浪漫主义认为情感是一切艺术表现和创作的核心思想，当然也涵盖了音乐艺术。这种美学观点直接影响了中国当代声乐艺术的创作和表现。所谓“词情”是指声乐艺术在作者的一度创作中所传达出的情感状态，是词作者把对客观现实世界的认识和理解转化为一种有表征意味的词语，从而加以刻画的情感情绪。歌词创作中语言韵律的错落有致、铿锵有力会对情感的表达起到相应的协助功能。所谓“曲情”是在声乐艺术创作中通过对音乐基本语汇的运用，如和声调式、旋律节奏、配器曲式等有规律的组合、搭配中融入曲作者的主观情感和审美趣味。美国符号论美学家苏珊•朗格认为，音乐中乐音的抑扬顿挫和人的生命运动形式有着异曲同工之妙。因此人们能够在音乐中体会到喜悦、悲伤、恐惧和敬畏等多种情感表现逻辑形式。“音乐是情感生活的音调摹写，情感、生命、运动和情绪，组成了音乐的意义。”所谓“声情”是在“词情”和“曲情”取得高度一致的情况下，作品所体现的一种超越的情感体验状态。声乐作品如同纯音乐形式一样，要通过演唱者和演奏者的二度创作才能把表情符号的音乐转化成鲜活跃动的音响形式。

三、中国声乐艺术的创造性美学艺术特征

中国声乐艺术当下的创造性美学特征，主要表现在传统声乐表演方式与当代声乐艺术的彼此相融，以及西方声乐艺术和中国民族声乐艺术在演唱技巧和审美内涵上的借鉴之后形成的独特性。在此基础上，中国声乐艺术正逐步建构自己本民族的声乐表演体系和理论分析方法。传统声乐表演方式与当代声乐艺术的融合，是指从古老的文化养分中汲取对当下社会现状有引领和指导作用的先进因素，以便服务于当下的社会主义文艺。当然也包括从传统的声乐艺术中采用仍适用于当下的创作方法、经验、技巧和形式，因为当下的声乐艺术与传统声乐形式在审美韵味、演唱和表演程式上有着割舍不断的渊源关系，传统的艺术形式能为创造具有中国特色社会主义艺术提供形式和艺术风格方面的借鉴。中国声乐艺术对于西方声乐艺术的吸收，主要指有取舍地学习西方声乐艺术演唱方面先进和科学的成分，为我所用，积极与中国本土的声乐艺术相结合。20世纪初，当西方正统的美学和歌剧唱腔进入中国内地时，人们对于这一外来的表演艺术形式产生过质疑和疏离，争论的根本原因是由于长时期的闭关锁国造成的观念陈旧。随着改革开放和社会文化的不断丰富，人们的思维方式发生变化，世界各民族间文化交往日益紧密，国内受众对于浑厚高亢的西方演唱方法开始接受并效仿。中国声乐艺术对于西方演唱形式的吸收主要是喉头打开、头腔高位置声音的运用、注重声音的共鸣和呼吸支撑，使中国声乐艺术在高音的音色上有着与西方声乐艺术不分伯仲的艺术听觉效果。当下的中国声乐艺术形式是与传统相融合，同时对西方声乐艺术大胆吸收所创造的别具中国特色的声乐演唱形式，展现出令人耳目一新的姿态，是中华民族博襟和睿智包容的体现。

四、中国声乐艺术的现代性艺术美学特征

“现代性”是一个内涵非常广泛的学术概念，“现代性”有历时性和共时性的文化特征。尽管概念繁杂，但有一点是毋庸置疑的，在全球化渗透到地球每一个角落的时代，任何一种文化现象都不可避免地带有“现代性”的痕迹，只是表现的形态各不相同而已。德国音乐理论家西奥多•阿多诺指出，“艺术品，尤其是远离概念的音乐，却象征着社会。可以认为，音乐表现社会越深刻，就越不回避社会的指向。”中国声乐艺术在社会动荡激变中，始终与人民群众保持着意识观念和生活态度的大体一致。声乐艺术与社会发展的脉搏相关联，既时刻想挣脱传统的羁绊，但又无法脱离传统对其的文化浸润。艺术现象只有在与社会的互动中，才能显露其自身的时代特征。中国声乐艺术的现代美学特征是指与传统保持必要的关联，当下的声乐演唱依然沿袭着传统的审美标准和艺术风格，如“字正腔圆”的演唱形式和“声情并茂的表演”风格等。所谓时代特征是与整个社会和时代的总体风貌大体相同，任何一种艺术形式都是承上启下的，继承上一个时代的传统文化，开启即将到来时代的艺术先河。中国声乐艺术的时代气息与社会时代的关系是变化和流动的，它会随着时代的更迭交替而改变自身的某些特质，但其中的某些成分能够经得住大浪淘沙，必然成为新时代的经典形式。

五、结语

在中国目前的声乐艺术领域中，有许多具有前瞻性和洞见性的演唱家和教育家，他们以自己渊博的知识底蕴和开阔的眼界关注和分析当下中国声乐艺术。他们认为，明晰中国声乐艺术的审美特征是其当下发展的必然选择。20世纪中国声乐艺术的发展经历了从传统到现代、从闭塞到开放的过程。历经百年浮沉的中国声乐艺术又以超乎寻常的节奏迈入21世纪，在这个寻求突破和多变的时代中，中国声乐艺术将实现自身的转型和嬗变，以深厚的民族审美文化为基石，以更加包容和睿智的形象屹立于世界文化之林。

参考文献：

[1]修海林，罗小平.音乐美学通论[M].上海：上海音乐出版社,2002.

篇12

1 新时期数字媒体艺术界定

数字媒体艺术是在计算机技术与网络媒体发展的大环境下产生的新艺术形式，信息技术是数字媒体艺术产生的先决条件，同时也为数字新媒体艺术的进一步发展提供了广阔的空间与技术支持。目前学术界对数字媒体艺术的范围界定基本可以概括为：以计算机数字化技术为支撑，革新艺术方式，打破传统艺术创作手段、传播途径与承载媒介，由功利到审美，继而在伦理界发生深刻变革的一种新型艺术形态。

数字媒体艺术的产生，是人们对更高层次的审美追求的结果，传统的艺术形式如版画。雕塑等只能满足人们的视觉需要，但是视觉只是人们多种感知方式之一，还有味觉、触觉、嗅觉等。对于传统艺术形式的作品而言，永恒性与静态性是其明显特征，人们对于作品中所包含的信息只能被动接受，正是在这样的原有资源不能满足审美需求的情况下，数字媒体艺术应运而生，它不但能够运用丰富多样的艺术形式更高更快的传达信息，同时人们可以加入到其中进行艺术的创作，并且他们的参与体验作为作品的一部分被记录下来。

2 新时期媒体艺术的特点

数字媒体艺术包含了多种学科的元素，导致科学技术和艺术的区别越来越不清晰。新时期的媒体艺术特点表现在：

2.1 技术特征明显

所谓技艺，传达的信息是技术与艺术是分不开的，艺术的发展需要技术来做支撑，传统艺术由于其强大的感染力，技术的作用并没有得到重视与发挥，随着经济技术的发展与数字媒体艺术的兴起，科学技术与艺术的关系日益密切，技术的重要性日渐凸显，更多的人开始关注技术，甚至发展到关注技术本身，因为这是实现艺术创作的必经途径。随之而来的是现代艺术对科学技术的依赖性越来越高，技术成为艺术创作的重要组成部分。

2.2 数字化创作与表达方式

数字媒体艺术作品的创作与展示都离不开技术，计算机的软件是实现艺术创造的工具，计算机硬件与投影设备是展示艺术作品的手段，与传统艺术作品不同，数字媒体艺术是以0和1构成的虚拟数据为承载媒介，而非实际存在的自然界物质元素。因此，数字媒体艺术与传统艺术相比在作品的创作与展示上都有很大区别。

2.3 信息传播途径多感官化

目前在电影院看故事片的人越来越少，视听感受强烈的动作、科幻电影受到了人们的青睐，追求多感官享受与真实空间感的数字化立体电影是影响未来的发展方向。数字媒体艺术作品的多感官信息传播途径不是将人体感受机械撮合，而是在融合之中保留各个器官的不同。数字媒体艺术的多感官信息传播途径融合了计算机技术、网络与通讯技术、音乐学、影视学、艺术美学等多种学科的艺术创作形态，最终协同为一体。

2.4 数字媒体艺术的偶发性与交互性

数字媒体艺术作品的创作有时是由计算机操作程序进行控制，在此可以将计算机理解为创作者与观者的对话媒介，二者通过计算机实现信息的传递与反馈，在数字媒体艺术中，观者同时也是参与者和创作者，参与方式不同，感受到的艺术表现形式也不同。数字媒体艺术作品由于其交互性有偶发性的特征，这种偶发性的特点改变了传统艺术作品一成不变的形式，实现了艺术创造的多样性。

2.5 数字媒体艺术的超越时空性与沉浸特征

沉浸感是和交互性处于同等地位的一个数字媒体艺术特征，人们在观看数字媒体艺术作品时不受时间与空间的限制，在数字媒体艺术作品中使用虚拟内容代替实像，依然可以使人获得真实的感受。同时数字化技术大大拓宽了艺术家的创作视野，使艺术创作范围得到极大拓展，甚至超越时间与空间的界限进行艺术创作。

2.6 数字媒体艺术的创作走向平民化

传统的艺术形式需要创造者具备一定的艺术修养与特别的创作风格，而数字媒体艺术的诞生使创作大大改变了以往人们对于艺术创作的群体认知，出现了平民化的现象，越来越多的人成为了艺术作品的创作者，艺术创作不再是少数人的事情。

3 数字媒体艺术出现偏离艺术本体的现象

3.1 数字媒体艺术的风格趋向标准化和同质化

处于数字时代的当今社会用写作管理模式思维，将包含人在内的客观世界作为征服与控制对象，为实现管理的方便，导致世界日益趋同，丰富性与多样性减少。数字时代用封闭性网络进行构架，统领对人类发展有益的资源，在这个构架内，有已定标准引导人们进行艺术创作，所有的创作必须在规定的范围内进行，而任何与协议标准不符的内容都会被过滤掉，数字时代的这种限制大大的禁锢了人们的思想，压制了人们的创作渴望，减少了艺术创作的独创性与多样性，艺术创作风格趋向标准化和同质化。

3.2 过度信仰技术，偏离了艺术本体

计算机的操作使用并不是艺术家的强项，因此他们在技术面前可能会不知所措，导致过分追求技术制作的完美而忽视了对艺术本身的关注度。尽管对于很多人来说，他们并不清楚信息对他们自身有什么价值以及获得这么多信息做什么，但已经相信整个社会已经处于信息时代，我们身边的每台计算机都是信息的传播者，在纷繁复杂的信息冲击下，人们开始怀疑自我独立存在的价值，甚至开始相信随着科学技术的高速发展，人工智能系统将主宰未来世界，人们再难将虚拟世界与现实世界分辨开来。

3.3 艺术创作出现模块化问题

科技的发展对艺术创作有利有弊，计算机操作的便捷性与模块化改变了传统的艺术创作形式，很多人认为创作是一件简单的事情，只要有想法与创意就能够就行创作，在这种观念的指导下，很多人在艺术创作之前不再进行积累与思考，而是希望利用计算机获得意外的创作效果。人类在人工智能中逐渐失去了独立的存在价值，思想越来越多的受到技术的制约，随着计算机实现合成功能越来越强大，创造性在艺术中也越来越少 ，艺术创作过分依赖技术会使其变成机械生产，有人预测，按照这样的形式继续发展下去，终有一天艺术作品也会像普通商品一样可以进行批量生产。

4 总结

数字技术改变了传统的艺术创作方式，技术的作用得到了充分的发挥，并成为进行艺术创作的一个关键部分，但是数字技术有机械性的特征，如果将其作为进行艺术创作的主要实现形式，会导致艺术创作的多样表现形式和独特的艺术观念受到影响，艺术创作应回归到艺术创作的人类本体，打破观念束缚，实现思想的解放，使艺术创作不再受技术的束缚。

参考文献：

[1]朱润.数字媒体艺术的表现特性研究[C].山东师范大学，200904.