视觉艺术专业范文

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传统的视觉艺术设计涉及的学科知识包含市场营销学、设计管理学、设计美学、媒体传播学等，其学科特点本身就具备交叉性，而且近年来不断发展的信息化技术，推动视觉符号形式从二维形态扩大到三维和四维空间，视觉信息的传达方式也由单向传播转变为交互式发展。反观我国多数高职院校视觉艺术设计专业的教学，其课程体系依然沿用“设计基础”+“专业课程”+“设计实践”三大模块构成，“专业课程”仍是以“标志设计”“广告设计”“包装设计”“CIS设计”“书籍设计”等为主干课程，未能真正将信息化技术融入专业建设中，对于专业形态的转变还未能有效地在专业建设中反馈。根据高职艺术人才培养目标，依据“宽基础、多元平台”的原则，笔者尝试在课程设置、教学内容、教学方法和教学手段等方面进行尝试，引入主题教学，通过信息化手段将设计基础课与专业课相融合，实现学科领域之间的交叉，增设前沿课程，使得专业人才培养体系能以培养创新型人才为目的的前提下向实践性教学模式靠拢。

1课程设置

基于信息化背景下的视觉艺术专业教学体系引入“主题教学”这一概念，在课程体系上以主题为单元，先将视觉艺术设计与不同学科之间进行交叉融合形成主题单元任务，然后在主题单元基础上依据岗位工作的任务关系将主题单元工作任务加以分层形成子主题任务，最后再依据职业发展规律，由易到难把各个子主题任务结构化，最终形成贯穿设计基础内容和专业课程与一体的实践性教学体系。

2教学内容

课程体系的搭建帮助教学内容指引了方向。信息化背景下的视觉艺术专业教学内容设计，以主题单元构成教学内容，依托信息化技术为手段，依据“宽基础、多元平台”的建设原则，在教学内容的选择上，第一，关注行业、企业的实际需求，在主题单元实践过程中，学生不仅能够了解到专业知识在实际工作岗位中的体现，又能够在行业领域里了解市场的各种需求；第二，主题单元的内容也可以结合各行业设计竞赛，通过以赛促教、以赛促学，锻炼学生的设计能力，借助设计大赛实现与时代、国际、大师接轨；第三，主题单元的选择充分体现“学科交叉、知识融合”，不仅可以提高学生运用理论知识的能力，又可以提高学生的设计创造力。如视觉艺术与商业主题单元，在完成本主题单元所需要的知识结构以外，还拓展了与视觉艺术设计交叉的数字媒体知识，开设“视听语言”“摄影艺术”“影视特效”“二维动画”选修课程，初步了解影视广告和网络广告的知识和技能，这样可以满足从事电视节目包装岗位的相关技能需要。在信息化背景下，教学内容得以实现交叉跨越，辐射相近或相关的专业方向的知识内容，帮助构建多层次的课程体系，培养创新型、可持续发展型人才。

3教学方法

现代的高职教育改革重在发掘学生全面发展的能力、解决问题的能力、创新能力以及信息素养等。那么如何能行之有效地开展教学，提高学生的各种能力，优化课堂教学效果？我们试着用主题教学的方法构建教学体系，充分发挥高校信息化教学资源的优势。在信息化背景下的视觉艺术专业教学中，以信息技术为手段，依托主题教学，通过主题原点出发，设计的主题单元从横向上与企业人才需求结合，纵向上将课程中的知识节点以主题单元形式呈现，把每一个具有开拓性、延展性、可探索性的知识点用主题单元串接，使学生在整个学习过程中不仅能够有效掌握设计程序及解决问题的方法，同时还引导学生在主题单元中能够结合自身的风格表现完成主题实践。另一方面，在主题实践的过程中，由学生对主题进行设计和管理，使学生不仅能更容易理解、掌握及应用所学理论知识，而且还能自主学习与视觉设计相关联的专业以外的知识，同时也注重培养学生团队合作意识和道德素养。

4教学手段

视觉艺术专业课堂教学中采用了信息化教学手段，构建了网络化学习环境以及多样化的学习资源，使学习与应用形成立体结构。我们在视觉艺术专业教学过程中，将课堂学习环境与虚拟学习环境相交融，采用信息化教学手段就是以学生学习为中心，教师以帮助者、指导者的身份出现在教育教学活动中，一同参与主题教学内容、学习目标的设定与讨论，这样可以清楚了解到每个学生的专业设计水平、学习特点等，从而制定合理的学习目标。学生在具体的主题实践过程中还可以根据学习背景，对原先制定的学习目标进行修改。其次，学生还可以根据主题内容提前预习，或者是接收课后作业，进行练习和巩固，并得到教师的评价和反馈，教师根据收集的反馈信息，及时为学生的学习作出评价与指导，以便于学生能及时了解自己的学习情况，并且通过反思等方法对自己的学习过程实施一定的监控，合理安排信息化的教学情境，提供各种资源。课堂学习环境和网络化学习环境是一体的，信息技术延伸了传统的学习环境，使专业教学变得生动有趣，学生能够获得更多、更全面的知识，同时提高学生的问题解决能力、创新能力以及信息素养。

5管理评价

专业体系的建构除了创新教学体系之外，还需要合理规范的管理体系以及教学评价体系。基于信息化背景下的专业教学，其管理内容不仅包含了课程编制和课程实施，还包括对课程资源的管理。视觉艺术专业采用的主题教学模式倡导采用学校、企业和课程教师共同管理的模式，在主题设置、专业标准和课程标准的管理上，详细了解行业企业规范以及人才需求，注重在职业岗位和工作任务的实践中企业专家们的课程管理职能；在课程实施和课程资源的管理上，以课程教师为主体、企业教师为辅，灵活控制课程的资源分享和实施共建。主题教学过程中学生作品的评价，由行业企业专家与课程教师以及学生主体共同承担，通过最终完成的设计作品、研究报告、解决方案、概念草图等进行考核，同时还要考核学生对其完成作品的展示说明以及创作成果的过程。评价的分项包含企业的评价、教师的评价、学生的自我评价、小组间或小组成员内的评价、其他学生的评价，最终的评价结果反馈给学生和教师，学生可以进一步对其作品进行修改，教师也可以根据反馈及时调整教学方式。信息技术的飞速发展促使当前教学革新速度不断加快，视觉艺术设计专业探索新的教学结构也越来越紧迫，由此我们基于创新理念，把握视觉传达专业实用性和交叉性的特点，与时俱进地采用新的教学方法和教学手段，研究视觉艺术教学体系，以期这种创新教学体系能够丰富专业教学，更能提高学生的综合能力、拓宽学生的就业面，培养出与新时展相适应的高素质人才。

参考文献：

［1］…陈志权.视觉传达设计专业课程体系创新思考［J］.大众文艺，2015（5）.

［2］…刘贲.视觉传达专业实践教学体系的构建［J］.教育评论，2014（9）.

［3］…施教芳，王建良.主题教学中的实践共同体的内涵、特性和行动策略［J］.教育与职业，2010（12）.

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早在史前时代，人类就用图像模拟和创造自然世界，今天视觉艺术已经成为人们传达文化信息的重要系统，是人文科学的新领域并占据着重要的地位，当代文化理论更称之为“图像的转换”。忽略了视觉艺术发展的有机整体必然造成文化的断层。到目前为止，对视觉艺术并没有一个完全合理的概念解释，一般是指人们将眼睛所看到的自然形象，进行有意识的描绘，完成某种功用，赋予艺术作品一种文化内涵，并通过不同的载体传播与交流思想。视觉艺术的形式有很多，主要有以下几大类：绘画、影视、雕塑、服装、广告、摄影、动漫、建筑、多媒体艺术等。视觉艺术教育已经成为重要的专业教育组成部分。视觉艺术研究方法直接决定着其教育的科学性。本文将分析我国视觉艺术研究存在的主要问题，并提出一些对策建议。

一、我国视觉艺术教育研究存在的主要问题

1.我国视觉艺术教育研究存在单一思维模式

我国早期的视觉艺术是在一个与外界相对隔离的半封闭环境中形成的，带有农耕经济特征和血缘宗法制度，是儒、释、道等不同文化形态相互融合的自发性独立文化体系。今天我国的视觉艺术产品随着经济形势的发展异常繁荣，视觉艺术研究却一直未受到应有的重视（其中还包括基础文化艺术设施的建设，如艺术博物馆、大学视觉艺术的学科建设），这既不符合社会发展规律，也难以推动文化艺术的整体健康发展。

例如，目前我国的绘画艺术研究就是一种典型的单一思维。由于我国的绘画艺术拥有传承数千载的历史背景并有人数众多的从业者，这造就了许多单一范围内（中国）根深蒂固的思维模式，违背了艺术的多样发展规律。学校的绘画教育甚至还停留在简单的基础训练和理论研究中，特别是我国油画的百年发展史，在缺乏对“真实”的学习和“文化断层”双重因素影响下，其功能性正逐渐丧失。

2.我国视觉艺术教育研究缺乏系统化

随着经济的快速发展，我国视觉艺术研究亟待与世界接轨。尽管有更多机会学习西方视觉艺术的先进经验，但目前有些人研究方法简单，不是拿来直接抄袭就是东拼西凑。主要原因是研究者在对视觉艺术学科间的比较研究中缺乏应有的联系，没有融会贯通，没有系统了解中西方视觉艺术及各种流派的变化，忽视系统的美学知识理论指导，而进行盲目的实践。长此以往，研究逐渐就会陷入尴尬的境地，没有自己的创新性和民族特点。

通过对我们本民族的视觉艺术与国外视觉艺术的研究可以发现，由于地域、民俗和宗教信仰的差别，在传统视觉艺术上存在明显的不同之处。缺乏系统化也表现在我国视觉艺术研究专著贫乏，难以在教育研究中起到指导借鉴作用。系统化研究就需要理顺视觉艺术发展的脉络，细致入微地从视觉艺术的绘画、图案、包装、招贴等方面比较研究中外在传统视觉艺术方面的不同之处，提高研究者的创作能力。

3.我国视觉艺术教育研究需要创新性的思维方法

视觉艺术的发展源自于人类无限的创造活力。长期的单一思维和缺乏系统化的研究方法从根本上阻碍了创造力的发挥，束缚了想象力的培养，其中包括创新性的思辩能力。因为创新性的观点来源于最少程度的思想限制和对课题的系统把握，有了丰富知识的指引，才能创新样式，保持视觉艺术发展的活力，并能指引健康的文化艺术发展方向。比如基础教育中强化构成艺术中的形式语言，而形式语言的图像符号就需要学生作为创新点展开无限想象的空间。视觉艺术的创新性思维方式的培养应当成为今后的首要教学目的。

二、我国视觉艺术研究误区及解决策略

视觉艺术的繁荣程度是一个国家经济繁荣的重要标志之一，而研究方法的科学程度从根本上又决定了视觉艺术的发展方向。我国薄弱的艺术教育力量和视觉艺术的历史经验无法适应视觉艺术研究发展的需求，一些行政干预也违背了市场规律。要解决思维单一化，前提是加强视觉艺术的基础教育，重视视觉艺术发展的文化地位，特别要排除行政思维等非专业性干预。

我国在视觉艺术研究中从根本上缺少跨学科、系统化的研究方向。目前在我国绘画艺术加速弥补文化断层的基础上，设计似乎也开始逐渐建立自身完整的研究体系，这主要得益于国际商业交流的频繁，促进了跨学科、系统化的进程。但视觉艺术设计较绘画似乎更加忽视自身艺术史的研究，对国外艺术史也存在断章取义，这必将使我国的视觉设计发展成为无源之水、无本之木。比如研究传统图案在包装上的应用，思维不能仅限于传统图案，若将当代文化内涵和中外传统图案设计元素联系起来，发现共同点，去掉不适合现代社会的因素，效果会更好。不同设计能够体现不同国度的风俗变化，扩展品牌的国际声誉，视觉设计更能达到出奇制胜的目的。系统化提示我们在设计中不仅要考虑功能性、装饰性，还可以从其他不同艺术形式中寻找装饰语言。要很好地运用形式美的要素，把不同的表现形式运用在同一平面上，使之协调整合成为一个完善的创意。因为形式要素中点、线、面的运用一定是相通的。当然，由于时代的不同，艺术风格也要相应变化，要考虑地域、风俗习惯、民族性、宗教信仰等各种条件，并且涉及到社会学、心理学、宗教学、民俗学等多学科的知识，使之融会贯通，更加系统化，成为雅俗共赏的设计样式。这样才能设计出有创新性、国际性的大品牌产品，为产品走向世界奠定基础。

创新性依赖于完善的创作思路，而提升创新性的关键在于解放思想、深入探索，挖掘创作者的潜力。这也迫使我们的视觉艺术教育研究进入这一良性循环轨道。

结语

本文主要是探究我国当下视觉艺术教育研究的一般思维方法误区，从视觉艺术的图案、包装等应用方面及绘画艺术实例，比较分析我国在视觉艺术研究方面的不足，从中找到今后需要改进、提高的地方。研究时避免单一化，追求多元化、跨学科的思维方式；将知识整合，汲取中国传统艺术的精华，创造出更接近自然、更人性化的视觉艺术作品；学习国外的视觉艺术创新性方法，在借鉴之后提倡更富新意的创作。因此，研究者要能跨学科，互相取长补短、融会贯通，推动我国视觉艺术走积极健康的发展之路。

参考文献：

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1 视觉素养概述

视觉能力指的是一个人通过眼睛在同一时间内对所看到的信息进行整合的能力，这一能力就是人们通常所说的视觉素养。一个视觉素养比较发达的人能够在同一时间内，对其所看到的信息进行最大限度的过滤有效信息，整合出对自己有利的信息；他可以根据所在的周围环境解释他所看到的符号或其他因素。国内的知名研究视觉文化的张舒予教授曾经说：“视觉素养就是利用视觉感官，对所接收到的信息进行分析、评价和交流的能力。”但是，天生就有的看的能力并不代表“看懂的能力、看好的能力”。张舒予教授认为，视觉素养能力的培养关键是在感官系统和心灵系统之间搭建一座沟通的桥梁，让看的信息更好、更快、更全面的传递到心灵中，做到对看到的信息心领神会，从而提高视觉素养。

2 高校数字媒体专业学生的视觉素养现状

（1）入学艺术素养和媒介基础薄弱。现在高等学校的数字媒体专业主要有两个方面：数字媒体技术和数字媒体艺术。数字媒体技术专业在生源的招收过程中，大多注重文理兼备，大部分学生在入学之前都没有对艺术专业的系统认识。由于同专业的生源文理都有，他们对于媒体教育的接受程度有很大的差异，这种现状非常严峻。数字媒体艺术专业的学生在入学前都经过了艺术方面的培训，对影视欣赏、色彩把握、图片管控等总体视觉的把握上优于数字媒体技术专业的学生，但是他们对文化知识的学习比较落后，总体的学习成绩不高，这不利于他们在以后的专业学习中对专业课的把握。（2）对视觉文化的总体理解偏弱，对视觉素养培养渴求高。在入学阶段的数字媒体专业的学生中，百分之八十以上的学生对视觉文化的认识仅限于大众化的理解，他们培养视觉能力的渠道主要是网上图片、文字，传统的电视、电影媒体等；数字媒体专业中百分之九十八的学生认为提高自身视觉素养有利于专业知识的学习，能够更好的提高自己的竞争力。（3）视觉信息解读和评价能力薄弱。百分之七十左右的专业学生对视觉信息的理解曾经出现过误解，他们甚至不能正确的认识生活中相关信息的艺术性和真实性，有意识的屏蔽一些和自己不相关的视觉信息。（4）高校视觉素养资源的建设不足。随着科学技术的快速发展，数字技术也在不断发展，但是现在很多高校在数字媒体专业各项资源略显不足：一是缺乏相应的专业师资；二是学院的硬件设施跟不上社会发展的步伐，不少设备过于陈旧；三是对于视觉素养培养的引导性不强，不少学生限于自娱自乐，系统性引导与培养力度欠缺。

3 培养高校数字媒体专业学生视觉素养的途径与策略

（1）确立高职数字媒体专业学生视觉素养培养目标。现在，学生们很容易产生对视觉形象的“图像依赖症”，很容易停留在低层次的消费阶段，容易产生视觉满足。以信息技术和数字媒体为支撑点，充分开发视觉素养的资源和平台，来培养学生的视觉理解能力、视觉穿凿能力、视觉阅读能力。所以，在此基础上要对学生的学习生活和思想习惯充分了解，研究探索适合学生特点的培养方式方法，来提高数字媒体专业的教学效率。（2）因材施教，选择合适的视觉素养培养模式。了解数字媒体专业学生的真实状况，利用好数字信息技术、视觉艺术和新的传播学方面的方法和理论，结合日常生活中的所见到的图像，利用情景教学法和比较教学法，通过虚拟教学、网络教学、摄像方式方法把传统的文化资源转化为让人们能够感知到的视觉文化的教学资源，把先进的文化和传统文化相结合，把“学习和生活贴近、和教育相溶、和社会联系”作为目标，把文化艺术修养和创新意识融合的教学模式。（3）课程开设提升学生综合视觉素养。对数字媒体专业的学生开设各种课程，引导学生积极的学习各种课程，比如：视觉文化与媒介素养、影视编导、非线性编辑、平面设计、电视摄像、动画设计、美育教程、数字摄影等等，激发学生对提高视觉素养的兴趣，系统的提高学生的视觉素养能力。（4）加强师资队伍建设是提升高职数字媒体专业学生视觉素。在培养学生的同时，提高教师的素质也是必不可少的，俗话说：给学生一杯水，教师要有一桶水。要做好对学生的教育，教师自身素质的提高对教育非常重要。同样，在培养学生视觉素养的同时，教师的视觉素养必须达到一个更高的水平，这样在教师本身经历之后对学生的教育才能够更加的有效。教师在教学实践过程中要广泛借助数字媒体设备来增加视觉化教学资源，因为加强高校的视觉文化硬件建设是创造视觉文化环境的保证。（5）结合高职特色，创新视觉素养培养途径。在培养学生视觉素养的过程中，学校可以充分发挥自身优势，选择符合本校特点的发展模式，加强校企合作，让学生在社会实践中提升自己的视觉素养。同时，定期开展视觉竞赛活动，提高学生们的积极性，让他们积极参与到竞争中来，这种方式的开展能够更好的、更快的提升学生的视觉素养。改革传统的教学课程，提高学生们的视觉创作和思维能力，引进众多影视公司的视觉材料，把视觉文化的实践融入到课堂教学中。通过种种方式，为学生们提高自身视觉素养搭建平台，让学生们时时刻刻的感受到视觉文化氛围，在生活中就能够在潜移默化中提升各方面的素质，最终达到提高学生视觉素养的目的。

4 高校艺术专业视觉艺术培养数据分析

现在，我们用调查问卷的方式方法来调查大学生中的个人基本情况和他们对视觉素养的认识情况，来更好的了解现代教育技术专业学生的视觉素养现状。此次问卷调查涉及河南省3所高校和湖南科技学院，共有400名教育技术学专业的研究生和大学生接受调查。比较清楚视觉素养内涵的学生只有17人，仅占了5.3%的比率，这说明当前教育技术学专业学生对视觉素养这个名词还比较陌生；在对学生的阅读报纸习惯进行调查时，有269人选择了“最先阅读图片信息”，占总人数的 83.9%，表明视觉信息在吸引学生的注意力方面有着绝对的优势；在对“了解《红楼梦》这一古典名著的途径”调查中，166人选择通过看电视剧，占总人数的 52.1%，主要认为电视剧直观形象、易于理解和节省时间，而另外154人选择通过看书，占总人数的48.1%，这部分被调查者主要认为通过文字阅读更能深入作者内心，贴近作者本意，并有自己的想象力，这表明视觉媒体和信息传播已经建立了牢固的地位和大批的受众，但是书籍依靠其独特的语言魅力，依然受到学生的欢迎。

5 总结

现代信息技术的高速发展，互联网更加剧了视觉资源的丰富，同时也使双向交流更加容易。但是对数字媒体专业学生视觉素养的培养不是那么容易，对学生视觉素养的培养在总体上需要确立对学生们视觉培养的目标、选择合适的视觉素养培养模式、加强对师资队伍的视觉培养、结合自身特点创造新的视觉培养途径。在教学的过程中，高校教师需要注意引导学生创建适合自己的视觉文化网站，同时向更优秀的高校视觉文化网站学习，丰富专业的视觉资源。

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1、“匠”与“师”的对比，后劲更足

针对视觉传达设计专业来说，专科院校注重实践型、应用型人才培养，这就是我们通常意义的“匠”。我们以“广告设计师”、“品牌设计师”作为本科生的培养目标，当然“师”的概念不是空谈，为此在培养方案的编写上，需要特别注重思维的训练。比如，在实践性教学环节中，结合市场在前期投标所要求的创意，在新的教学计划中，增开了专项创意训练模块，致力培养学生在方案前期的快速思维表达能力，着眼于视觉传达设计的创作思维和方法的基础研究。通过学习该模块，丰富学生的创造思维以及创新意识，同时培养学生如何将发散思维统一在系统化应用实际设计中，为后续课程及专业设计提供全方位的思维训练及设计方法。实际上，概念设计课题的研究最现实的意义是目前在设计界出现的“工匠型”设计人员的有效解决途径。盲目抄袭和模仿的形式化设计，是当今浮燥毕业生的一种普遍问题。

2、视觉传达专业课程优化提前导入

重视围绕专业发展的需要来设置专业基础课程。在专业课程初级和高级阶段都注重对课程与设计市场的连接，特色课程需要聘请业界资深人士为客座教授进行讲座形式的实践型教学，同时启发学生主导去进行社会实践，关注周边情感事件，树立起社会责任感和对行业的发展判断及批评能力，尽可能走向时代和行业发展的前沿。课程设置强调基础专业知识的牢和创新型专业知识的意，课程结构相互承接，呼应、影响，使每一门课程在学生的知识结构链中产生作用，并促进学生的自学能力，掌握学习方法，提升学习境界。在大学一年级分为两个专业设计方向（广告，品牌），专业方向与学生的兴趣点一致，从入学即决定其发展方向，使基础阶段的学习更好地与专业关联，有目的性的编排基础课程，否则课程的设置缺少特点，训练的指向性不明确，使基础课程变得空泛无力。

3、专业核心课程结构优化、与市场实际逐步接轨

将部分课程细化，在行业发展日趋成熟，设计市场竞争更加激烈的今天，粗线条的课程结构已不适应今天的设计教学，更专业成为当今设计教学特点。主要的做法是将原主干课的综合课程分解，增加教学深度，加强单元案例练习，同时配合学生不同的学习阶段，增加专业理论课程，使学生具有更好的专业后劲。在规范基本教学目标的前提下保证教师的个人教学特点，针对学生的学习状态及时调整课程，注重每个学生的不同素质与特点，注意保证学生的学习热情与自信心，老师之间应相互交流教学计划与并了解课程的具体内容，教案与课件互相交换传阅，必要时进行集体讨论，形成整体的基础构架。传统的各专业课程分开单独教学的教学方式，往往会造成教学资源的浪费，也不利于学生的培养，因此，在新的设计基础教学体系模式中，将相关课程进行整合，形成课程群，教师则相应的形成课程教学组，教学组为全院各专业相关的课程提供教学服务。

4、视觉传达设计实践教学的新思路

实践教学贯穿全课程教学。根据实践教学大纲和教学进程，确定在校外实训实习的为户外写生、艺术考察、项目实训毕业实习等，在校内艺术设计实验中心及设计工作训练的项目为项目实训、毕业设计与展览等，各种实践教学内容形成系列，全面培养学生设计实践能力。通过校内实训基地和校外实训基地的建设多元化地完善艺术设计专业的教学条件。造型艺术重在个性灵感，个人的天分尤其重要，设计艺术相对更具有可操作性的理性成分，注重设计教学的理性特征，在教学组织，课程要求，设置上采取先紧后松的模式，首先必须规范行为方式，养成严谨的学习态度，强调扎实功底上的自由个性发挥。

5、设计基础教学

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创新的核心关键就是问题，问题的提出代表着求知欲望，这就为科学研究提供了强劲的生命力，在设计方面同样如此，人性化设计、服务设计、体验设计、绿色设计等设计理念的提出都强调以人为本，在设计理念的不断变化过程中，问题意识起到了关键作用，问题意识指引设计研究，推动设计研究，完善设计研究，并最终解决设计中的实际问题，是整个科学研究活动的主线。设计的改良和发展是对传统理念的挑战，设计本身即是一种创造，发现问题、提出问题、解决问题是设计创造的过程，也是创造性思维的集中表现，因此重视问题意识，挖掘问题意识将成为设计研究活动中不可缺少的重要环节，从而使问题意识成为促进科学研究发展的常态形式，发挥问题意识在设计研究领域的推动作用。

一、视觉传达设计创新能力要素

（1）创新设计理念。视觉传达设计的主要目的是信息的交流与传播，随着时代的进步，其传播媒介、传播方式都有了巨大的改变，传播理念的不断改变其根本是人的延伸，视觉传达设计的科学研究是视觉符号的研究，所以基于不同时期的传播方式人的接受理念也在不断变化，在信息数字化发展的时代，新的信息传播理念的形成，已对固有的传播理念形成了巨大的冲击，而科学研究的创新方式是基于传统理念的提升，在科学研究的过程中，要能够把握视觉传达设计的发展方向，结合信息时代的特点，突破传统理念的束缚，以数字媒体时代为契机，使人们对于信息的接收方式从固定的以传统媒介为载体的模式转化为多元化、多维度的数字化载体模式。设计理念的创新要随着时代的发展而变化，绿色设计、服务设计，体验设计等理念的提出都是基于时代的发展需要而产生的。综合设计的不同需求，就要求更为广泛的学科内容，设计与艺术学、美学、传播学、材料学、营销学、心理学等学科内容的交互性越来越强，对于综合学科内容的把握有利于视觉传达设计更好的迎合市场的要求，使科学研究的跨学科性，跨专业性得到加强，科研创新是对旧理念的突破，是对新理念的实施，视觉传达设计的科研创新同样要符合时代的发展需求，理念的创新能够带来结果的创新，同样也能使设计发挥更大的作用。

（2）创新技术表达。良好的技术表现形式能够促进视觉传达设计的速度和效率，科学研究的过程和成果需要良好的平台，借助数字媒体技术在技术表现形式上的创新，能够使视觉传达设计的表现形式更丰富，媒介形式的多样化使信息在传播过程中交互性更强，覆盖面积更广，传播效率更高，数字传播媒介与传统媒介相比在传播环境上已经发生了质的改变，数字化技术的革新更好地表现了设计创意，同时使视觉传达设计的成果展示能够借助数字化技术呈现出虚拟现实的设计形象，数字化的形象展示融合了图形、色彩、音频等多种设计元素，使受众群体从视听觉等各个方面都得到了前所未有的体验感受，这是数字技术表现相较于传统技术表现形式的巨大优势。创新技术表达不仅使表现形式更加多样化，同时也使内容的复制、应用、修改、传播更加便捷，综合了技术与艺术的表现，促进了媒介与传播的融合。视觉传达设计本身就要求具有很强的时效性，借助信息技术平台的发展使视觉传达设计在各方面做到不断推陈出新，所以，视觉传达设计的创新研究需要技术的支撑，技术的创新也为设计提供了更为优质的平台，从而使设计不再受到技术的约束，做到相辅相成，相得益彰。

二、问题意识在视觉传达设计的创新研究的重要影响

（1）问题意识突破传统思维方式。问题意识是创新能力的重要组成部分，视觉传达设计需要更为突出的创造性思维能力，甚至批判性思维，打破传统思S的设计才能让人耳目一新，才能带来强烈的视觉冲击力和感染力，而实际中从事视觉传达设计的专业人员忽视了在数字媒体时代所反馈出的问题，比如信息载体的变化，数字时代的特征变化，而停留在传统的思维模式上一成不变，以传统的设计方式面对日新月异的市场环境终将被市场所淘汰。问题意识的提出基于现实设计中的真实问题，实际问题，是以合理的设计解决实际需求的过程，具有强烈的科学性和创新性，为设计创新提供不竭的思维动力。问题意识淡漠是制约创造性思维能力的关键，缺乏逆向思维、联想性思维、发散式思维、缺乏敢于怀疑能力是学习和科研创新的绊脚石。设计的本质即创造型思维的表现，优秀的设计则是建立在创新的思维能力之上，提出问题，带着问题去进行设计改良，才能更好地获得创新性的成果，西方的广告设计往往能够立意新颖，特点鲜明，其根本在于更重视创新性思维能力的培养。

（2）问题意识引导科研创新。在任何的科研活动中，问题贯穿整个科研整体，在视觉传达设计方面同样如此，视觉传达设计是通过视觉媒介表现并传达给受众的设计，无论包装设计、印刷设计、广告设计、品牌形象设计等，如何快速、准确、富有吸引力的表现是视觉传达设计的关键，确定了问题就确定了设计的目标和任务，就为解决问题提供了明确的方向，设计的创新来源于发现问题的能力，发现一个有价值的问题犹如开辟了一个新的研究领域，如仿生学设计的应用师承于自然，可充分应用于包装的外观设计和造型设计，无论是造型上的仿生亦或是功能上的仿生，创新性都是来源于细心的观察和发现，将有价值的设计元素提取并应用于实际的设计需求中，所以，问题意识的提出是关系到设计创新能力的关键因素，是引导科研创新的先决条件。

（3）问题意识促进创新成果。视觉传达设计问题意识的提出，恰当的设问，应围绕现实性、多元性、直接性来进行，解决方案的实施要具有科学性、可操作性、建设性。视觉传达设计要符合市场的需求，如广告设计注重创意内涵是为了满足人们的精神要求，包装设计注重视觉元素和造型是为了满足人们的审美要求，标志设计注重图形内涵是为了满足品牌形象的记忆与传播等，都从单一化的传播作用转化为满足人们精神文明需求多元化的视觉设计，从传统媒介到数字媒介的转变，传统视觉语言到数字化形式的转变，无不是由问题意识带来的设计创新成果，只有在设计中不断地提出问题并以创新的思路去解决问题，才能使视觉设计做到与时俱进，视觉设计是创造的过程，是将问题意识形态化的过程，问题意识的建设性越强，所呈现出的视觉设计成果也就越具有创新性，经济基础决定上层建筑，对于视觉设计而言，问题意识将决定设计成败。

三、视觉传达设计与问题意识培养

（1）保持对设计动态的敏感性。视觉传达设计的发展日新月异，从事视觉传达设计要具有高度的敏感性，在视觉传达设计方面，综合性、多元化的知识储备使设计理念、设计思维更具有深度，通过对生活中接触到的各种事物并学会以设计的眼光加以分析，要能够形成良好的艺术通感，感受与设计之间的某种内在联系以形成敏锐的设计嗅觉，设计来源于生活，视觉设计前沿动态的时刻变化要求我们要以独特的视角去看待问题，敏锐的嗅觉有助于我们快速的发现问题，并且不会对这些问题视而不见，如视觉元素（图形、图像、符号、文字、色彩）的变化，新材料、新技术、新能源的更新，当然，设计的敏感性同样离不开艺术与审美情趣的修养，艺术鉴赏能力的修养，也要求具有良好的职业道德和专业精神，视觉设计的敏感性是直觉与阅历的统一，是对视觉设计持之以恒的高度专注，是知识经验和工作能力的积累，所以，问题意识与培养视觉设计敏感性有着直接的关系。

（2）数字技术带来新问题。数字技术的发展使视觉传达设计研究面临着新的问题，同时也带来了新的机遇与挑战，技术的发展对设计的发展具有一定的强迫性，视觉传达设计要能够符合数字技术的需求，数字时代的变化使得视觉传达设计的表现手法变得多样化，抽象性、具象性、动态的、静态的、虚拟化等视觉符号形式，设计作品也因此具有信息量丰富、传达形式多样、注重时效性、交互性的特征，技术的更新使视觉传达设计的研究不仅要注重内容，而且也要注重其形式的变化，视觉媒介传播由单一性向多媒介组合方式过度，无论从事科研工作或是教学工作都应该将数字技术带来的变化紧密的与视觉传达按设计专业相结合，使视觉传达的O计观念、设计内容、表现手法，传播方式、反馈机制等方面都能够具有明确的时展技术的需求，适应数字时代带来的新变化，即是视觉传达设计的创新。

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关键词：艺术教育　人文素质　人文教育

随着新课程标准的出台，呈现出艺术教育的新思路，反映了课程标准的不断发展和创新。与之相对应，艺术课教学的改革也正进行得如火如茶。下面笔者结合自身的教学经验，谈一谈教改中如何将人文素质教育有机地地融入到艺术教学中去。

人文素质，是指社会中的人建立在人文科学知识之上，通过对人类优秀文化的吸纳、受人类优秀文化

熏陶所反映出来的精神风貌和内在气质的综合体现。人文教育的目标就是提高文化修养、理论修养、道德修养，就是要教学生学会怎样做人。人文素质是一个人的道德修养的基础，是学生学会做人的基础，人文教育应当作为提高学生思想道德素质的重要手段，也应当作为国家经济发展、社会进步的重要手段。重视和加强对学生人文素质的培养是时代的需求，也是当务之急。

一、人文索质教育在艺术教学中的体现

职专艺术教学的重要目的在于读书、欣赏、参与实践能力的提高。勃朗宁说：“艺术应当担负起哺育思想的责任。”罗曼·罗兰说:“艺术的伟大意义，基本上在于它能显示人的真正感情、内心生活的奥秘和热情的世界。”林语堂先生说：“在艺术作品中，最富有意义的部分即是技巧以外的个性。”

艺术教学的目的在于充实人、丰富人、提升人的精神境界，又是一种主体由内而外的自由“倾吐”，其目的亦在于创造、出新，解放人的思想、心灵，以便高扬人的创造力和生命力！所以，艺术课教学的目的即在于“人”，在于解放人、充实人和提升人。这门课从本质上看无疑是“立人”之课，它具有浓郁、强烈的人文精神。

在教学中应贯彻爱的教育、善的教育、美的教育等价值内涵，丰富学生的情感，让学生对人生有更丰富的体验。现今城市中大部分的中学生基本上都是独生子女，没有经历过苦难，生活阅历少，又局限于学校和家庭的小圈子，很难去理解、感受高雅艺术中人物的情感。所以，在教学中教师除了给同学们展示丰富的艺术作品的背景知识以及相关链接外，还应有意识地将同学们带出课堂，到社会中、生活中去寻找、体验，进而感悟。

要教会他们理解亲人之爱、故乡之爱，教给他们对自由的渴望、对道德生活的向往；教他们用勤劳的双手去获得自己更加幸福美好的生活信念；教会他们用同情、怜悯、爱的眼光看待世界。艺术课教师应该教学生以爱美的心，教他们对自由、对幸福、对人生现代化的理解，把艺术教育和文学教育打通。

因而，职专艺术教育首先是一种人文教育。我们要让学生通过人文素质教育，了解到自己的人生与社会需要的切合点;通过教育，让学生产生个性化的人生观念，最后形成自我决断、自我选择、自我造就的信念和勇气。教育的结果不是知识，不是道德，而是一种自我的能力，就是说，要让学生用自己的脑子去选择自己的生活方式、自己的艺术鉴别力甚至自己的职业，选择自己的人生道路。艺术教育应该在这个过程中发挥独特的作用。 二、以人文教育为核心，改革职专艺术课教学

1、对教师的要求

艺术课教师要重视提高自身的人文素养。“经师易做，人师难当。”要培养出具有较高人文素质的学生，需要有较高人文素养的老师。从这个意义上说，提高教师自身的人文素质显得尤为重要。艺术课教师要有良好的职业道德和心理品质，要有高度的社会责任感，敢于挑战，勇于走出“应试教育”的误区。不断学习充实自己，与时俱进，做一个文化底蕴丰厚的人、专业技能过关的人，才有资格在今天教书育人。

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一、文化产业经济学课程实践教学存在的问题分析

1.课程内容和教学方面存在的问题

文化产业经济学作为新兴的应用经济学，是介于宏观经济学与微观经济学之间的中观经济学，日渐成为我国高校文化产业管理专业必修的核心课程。文化产业经济学的研究对象主要为文化产业?M织、文化产业结构、文化产业发展及产业政策等，教学对象主要针对文化产业管理专业本科二年级以上学生开设。该课程因其具有较强的应用性，要求课堂教学必须立足于当前我国和新疆文化产业组织、文化产业结构、文化产业发展特点等实际情况，解决我国和新疆文化产业发展中出现的新情况、新问题。

1.1现有教材版本偏少，虽然理论体系较为完整，但是利用现有理论解决中国文化产业发展的问题章节内容安排不够，与新疆当地的文化产业发展的结合度低，理论与实践衔接性不强，学生接受比较困难。案例数量有限，内容较少，一些教学案例时效性较差，教学效果不理想。教学研结合不够紧密，缺乏在文化产业经济学科研团队在产业经济学领域代表性的研究成果，无法在教学过程中进行利用。教学课件制作不精细，内容不够丰富，有的仅是把教材内容简单地变成电子版课件。

1.2授课方法应用方面存在的挑战。一是案例教学应用不均衡。目前，新疆艺术学院文化产业经济学教学中缺乏实践性较强的案例，教学效果有待进一步提高。二是多媒体教学应用不够。尤其是新疆艺术学院文化产业经济学多媒体教学还未充分地发挥出应有的功能，课件与教材内容重复度很高，信息量不足。三是没有探索模拟实验教学。与内地发达省区相比，新疆艺术学院文化产业经济学实验教学发展比较滞后，模拟实验仍然是空白。四是互动交流式教学模式空白。新疆艺术学院文化产业经济学课程没有很好的利用互联网教育形态，尤其是文化产业经济学没有利用慕课平台，不能进行互动式的在线学习。在新疆与各高校在产业经济学领域缺乏交流，资源不能实现共享。五是实习实践基地涉及领域有限。文化产业经济学实习、实践基地建 设涉及的领域不够宽泛，不能有效地通过实践教学和实践基地建设对文化产业经济学课程建设起到重要补充。

2.学生基础素质方面层次不齐

文化产业经济学是一门应用性很强的学科，需要学生有一定的数学、宏微观经济学、金融知识的基础之后，对文化产业内企 业之间的关系以及产业之间关系进行全方位分析和探讨的一门学科。要对整个经济运行的态势以及经济发展过程中的各方面问题有一个全面的了解，这样才能为文化产业经济学的学习打下坚实的基础。目前，新疆艺术学院文化产业管理专业在这方面安排的课程较少，学生知识涉及面窄，学生在这方面的基础知识没有掌握更谈不上连贯性系统性用理论分析研究，解决现实经济问题的能力较弱，导致学生接受文化产业经济学课程内容存在一定困难。

3.实践教学效果不理想

（1）文化产业经济学课程开设36学时，其中课程的实践环节流于形式，管理不规范，资料保存不完整，未达到应有的效果。对实践教学缺乏完善的教学监督管理，无法起到实质性的作用。（2）校外实践环节管理不规范。校外实践可以帮助学生将理论知识与实践相结合，以达到实践教学的最佳效果。新疆艺术学院文化产业管理专业没有建立用于学生的调研实习固定的实践基地，现实情况是老师分配小组自行联系公司企业去实习调查实践，调查内容在各个单位差异较大，没有进行有效的指导和监督。（3）师资力量在实践方面较薄弱。培养学生的实践能力，不但要求任课教师具备深厚的产业经济学理论知识时还要求教师本身也具备丰富的实践经验。但是当前新疆艺术学院文化产业管理专业师资虽为高校硕士博士毕业，但均为“出校门、进校门”的形式，虽然能满足教学科研的需要，但没有从事过文化传媒类企业的运营管理工作，存在严重的理论脱离实际的问题。在教学中偏重理论讲解，进而忽视实践能力的培养[1]。同时，没有将具有文化企业管理工作经验的人员引进校园，新疆艺术学院也很少将教师送到企业进行挂职工作，导致文化产业管理专业学生实践能力较薄弱。

二、文化产业经济学课程实践教学问题的相应解决对策

1.健全实践教学内容体系，整合实践教学方法。文化产业经济学课程实践教学内容体系包括理论知识的应用和分析，用经济学的理论对对文化市场、文化商品、文化商品价格、文化资源、文化投资、文化发展战略和文化经济管理主要范畴进行具体分析，理论应用能力和理论分析两部分，能够有利于学生对文化产业领域经济关系分析和解决文化产业发展问题能力的培养。在《文化产业经济学课程》开设的学期中，将文化经济学课程教学分为三个阶段：课程实验阶段，校内的课程实践阶段和校外的课程实验阶段。具体课时数按照实际情况进行分配。课程实验仍然是采用的基本实践教学方式，将课程进行模块化教学，根据每模块的内容配备与时俱进的新颖案例，通过完整的案例能够使学生掌握文化产业运动的特殊规律。校内的课程实践阶段。校内的课程实践阶段要求综合运用文化产业经济学的知识解决我国或新疆地区文化产业发展的现实问题，是对课程实验的进一步和深化。引进目前经济类课程实训的沙盘模拟实训。将每个模块的课程知识进行文化产业经济学的模拟实训，提高学生整体运用课程知识的能力。

校外实践阶段。校外实践是理论与实践相结合的形式，有利于学生将课程知识落到实处，将所学的专业知识解决文化产业发展中的问题，提高学生的专业分析能力和解决实际问题的能力。

2.推进文化产业管理专业实验室软件和硬件建设。文化产业管理专业的大部分课程的实践教学需要在校内完成，例如文化产业财务管理，文化产业投资学等课程。建设ERP企业沙盘模拟实验室，学生通过角色扮演、模拟经营、决策和博弈等方式处理文化产业管理专业问题。同时加强实验室硬件设备电脑、投影仪等的更新换代，实验室的硬件条件为教学软件运行提供保障，直接影响实践教学的质量和效果。

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中图分类号：J60

文献标识码：A

爵士乐（Jazz），19世纪末20世纪初发展于美国新奥尔良的一种流行音乐现象，至今已有近百年的历史。中国大陆最早出现爵士乐是20世纪30年代的上海。由于历史原因，爵士乐曾一度消失在中国大陆的音乐生活之中，至20世纪80年代以后才重新受到部分学者、教育工作者和音乐爱好者的关注。然而高等艺术院校爵士乐专业的建设工作却一直时隐时现。欲言又止，诸多理论问题也是头绪难寻。呈现为一种自生自灭的自然状态。为此，笔者就我国艺术院校爵士乐专业建设若干理论问题作如下思考和解读。以求对该专业建设和发展带来一些有益参照。

一、拓展爵士乐专业的学术视野

拓展专业的学术视野，实现学术上的互补和相互渗透，其目的就是意识到学科之间的普遍性、特殊性、个别性的规律及相互关系，这对我国爵士乐专业的发展和深化，具有重要的战略性意义。音乐学学术视野是否狭窄，主要表现在其与其他相关人文学科之间、音乐学各子学科之间，甚至子学科的内部是否相互疏离甚至隔绝，此现象在当今音乐学学术研究中并不鲜见。为此。爵士乐专业的学术视野同样未能幸免。

1.拓宽学术视野的必要性

爵士乐是较早进入高等艺术教育的流行音乐现象，事实上已经成为流行音乐这一新兴学科的基础教学内容。经过几十年的发展它已经逐渐成为当代流行音乐教育的重要组成部分。作为新专业，爵士乐教育的定义与理念、内容与方法、发展方向等，简言之即专业的“定位”问题，一直是其办学理念、学科定位讨论的焦点。这种学术讨论是高等艺术院校爵士乐专业教育的基本要求。

探讨学科“定位”，首先要考虑的就是在音乐学学科内，爵士乐与其他子学科的关系，以及它在人文学科中的学术价值与人文意义。然而客观情况是，爵士乐专业目前还未能与其他学科实现学术上的良好互补和相互渗透，甚至有时未能取得其他学科的认同，孤立发展的尴尬局面依然存在。相伴而生的是，爵士乐自身也存在固步自封的局面。这种情况在我国高等艺术院校爵士乐教育发展中尤显突出。值得深思。

同样，考虑到学科发展的自身规律，也应该重视爵士乐专业学术视野的拓展问题。在当代学科发展趋势中，各种学科注重“跨学科”、“交叉学科”发展。爵士乐专业的孤立，势必成为不利发展的因素。所以尤其需要学术视野的拓宽，并且努力形成跨学科、交叉学科的新局面。

2.爵士乐专业的学术范畴

在高等艺术教育中，“专业”，是依据确定的培养目标设置于高等学校或相应的教育机构的教育基本规格和要求。从学科高度看，专业是学院办学理念、目标定位的具体体现。这一点在艺术人文类的专业中，则意味更深。因为考虑到艺术人文类高等教育的特殊性，专业，除了意味着的技术、职业，还意味着专门的学问。即其学术内涵。加深对“专业”的认识，首先应该为爵士乐勾勒其学术语境。把爵士乐专业的建设放在深层的学术研究视野当中，使它具有学术的高度、深度和广度。

爵士乐的学术研究有两个大的方向：一是爵士乐理论与技术；二是对爵士乐的解读与阐释。对于专业发展来说，两个方向应该齐头并进，相互联系，相互支撑；但叉各有目的与意义，它是涵盖社会、文化、哲学、美学、历史、创作、文本、技法等范畴的综合性的人文品质。

3.音乐本体研究

爵士乐本体研究应该包括几个不同的层面，即爵士乐理（J8.ZZ Theory）研究，爵士乐风格与表演研究。爵士乐发展历史研究，爵士乐与都市文化及方法论研究等。

英文通常把爵士和声、节奏、记谱法以及演奏技巧等理论统称为Jazz Theory。之所以统称，是因为这类理论主要面向爵士乐的教学和表演。但它们只是爵士乐本体研究的一个部分，而不是全部。

众所周知，爵士乐的教学与古典音乐有共同的基础.亦有其特殊的侧重和方法。如爵士和声、即兴演奏、独奏，爵士风格语汇、爵士编曲、作曲等。这一领域常见的一个问题是，人们常常会孤立地讲解爵士乐的理论，缺乏与其他音乐的充分参照。因此常常造成学生对爵士乐特性理解的偏误，由此引发的教学争论非常多见。

爵士乐的历史研究告诉我们，这种音乐体裁的根基深植于西方古典音乐，尤其是受到现代音乐、都市流行文化土壤的滋养，因此它与音乐学其他专业不仅不是隔绝的.还应该是贯通的，甚至可以作为现代音乐语汇的重要组成部分，在各传统音乐学分支学科中起到连接作用。换句话说，要让学生更好地理解爵士乐的独特性，需要有综合的音乐理论知识。

爵士乐风格与表演研究是内容更为丰富的一个领域，主要包括：爵士乐风格语汇与表演形态的研究，代表演奏家、作曲家的个案研究，爵士乐与其他音乐体裁、风格的融合研究，爵士乐组织形式与文化现象关系的研究；爵士乐风格与受众、交流及审美关系的研究等等。显然，上述研究是更加需要跨学科、交叉学科的研究视域和不同学科理论的积淀。

爵士乐作为都市文化和流行音乐现象，其研究方法和学习方法不仅仅局限于单一的技术操作层面，它往往涉及社会学、文化学、哲学、、心理学等学科，尤其与现代社会重大事件和变革息息相关。爵士乐涉及现代社会事件、重大变革、意识形态、审美趣味、精神信仰的现象并不鲜见。因而不能忽略爵士乐作为团队意志和精神力量载体的重要作用，其推动力和号召力不容小觑。

另外.还有一些“学习方式”问题也引发学术界的普遍关注。它涉及到实际教学不太关注，但又非常重要的课题.即流行音乐家是怎样学习的。学校流行音乐教育与流行音乐家的成长之间是什么关系等，这些问题仍然需要参考其他音乐学分支学科的研究成果和教学方法。

这些不同层面的本体研究有一个共同课题，即探寻爵士乐“本体”特殊性及相关理论问题的阐释与分析。这两个关联的课题构成爵士乐分析的方法论问题。此问题的出现，是因为爵士乐研究者们普遍发现，古典音乐成熟的音乐分析理论并不能完全适合于爵士乐分析，它需要跨学科、交叉学科的相关理论和方法来加以研究解决。

4.音乐历史与文化

爵士乐专业的学术视野不应仅限于单一技术层面的研究，爵士乐本身既是历史现象也是文化现象，并且与人类社会历史进程和文化发展同步，不能将其从人类社会进程和文化发展关系中加以割裂。因为，脱离具体社会和文化语境的爵士乐本体研究将是无源之水无本之木。脱离文化理解的爵士乐专业技能学习恐怕也难与时代特征相契合，更何况爵士乐本身即是现代社会发展的产物。把爵士乐专业契人大的音乐和人文学科背景中去，找到它的位置，找到它与其他专业学科关系的契合点，最大程度地使其在整体上构成完整性、系统性；并使其变异性、多样性能够成为人文学科交流与发展的有机组成部分。这一范畴的研究，需要社会学、人类学、文化学等学科方法和知识的介入。

美国爵士乐评论家、音乐学家马歇尔・斯特恩斯（Marshall Stearns）“爵士乐研究学会”（世界上最大的爵士乐综合研究机构）的创始人，曾在1953年说：“爵士乐研究学会的主要目标是在我们的社会中培养一种对爵士乐本质和意义的理解和鉴识。更具体地说，为了实现这个目的，协会要把研究者和音乐家们在爵士乐早期实践中获得的知识与技巧收集整理起来。与社会学者以及其他学者专家的研究结合起来。通过这种方式，爵士乐及其相关课题便可以获得学术研究的深度和广度，而这也是它完全应该得到的。这样，美国文明中一个至关重要而又受到忽略的领域，将得到阐释。”可见，多学科、多视角成为爵士乐研究主要目标，其中的本质、意义和价值判断业已成为爵士乐研究不容忽视的重要目的。

5.爵士乐研究在中国的文化意涵

中国的爵士乐肇始于20世纪二三十年代的上海。它在当时影响了中国流行音乐的发展，也曾经是近代中国大都市文化的重要组成部分，可以说爵士乐是“夜上海…‘不夜城”的音响记忆，当时舞厅、时装、唱片等时尚生活方式无不打上了爵士乐的印记。上海流行音乐留下的经典歌曲唱片中，处处留下了爵士乐队的风格印记。同时，中国的音乐作品也曾被美国爵士乐吸收。虽然时至今日爵士乐仍不是中国的“主流”流行音乐，但是爵士乐在中国当代大众文化生活中留下了深刻的印记，蕴含了丰富的时代特征、人文内涵和现实意义，值得关注、梳理和研究。

中国的研究者有一份特别的工作，或称扮演了一个特殊的角色，那就是大量翻译、转译、引进欧美学者的爵士乐研究成果，是名副其实的“二传手”。这项工作不仅为我们深入了解、学习爵士乐积累相关材料，而且为我们真正进入爵士乐的研究打下基础。

美国爵士乐教育的发展，正处于一个他们称之为“重塑爵士乐教育”的阶段，之所以提出这样的观点，是因为他们对发展了半世纪的爵士乐高等教育的反思所致。这一概念的提出，其实也正是对专业发展、学术语境的不断追问，以此获得更为宽广的学术语境和发展方向，使爵士乐专业得到更大的发展空间。所谓学术性质的背景，就是要让专业教学始终处在“问题意识”的不断追问之中，始终保持它的探索性、融合性和时代性特征。

二、加强理论与实践的相互作用

理论与实践的脱节在音乐学领域是一个不争的事实。多体现在形而上的理论研究与具体的音乐实践之间缺乏真正意义上的有效链接，各行其是。爵士乐在中国的发展也面临着此类问题。尤其是理论研究尚未达到一定的深度和高度，缺乏相应的理论思维支撑，与实践相比尚有较大的差距，无法形成对实践的有效引领，实践层面也尚未形成特有的风格与特征；反之，也影响到了爵士乐的理论建设和发展水平。

1.爵士乐理论与实践的关系特征

从爵士乐的发展历史来看，在最初是没有太多理论和观念的，而越来越丰富的实践积累最终导向了爵士乐的理论“自觉”。例如“二战”后“比波普”爵士乐出现以后，爵士乐手已经非常注重自身的音乐理论修养。另外如调式爵士（Modal Jazz）的出现则直接是来自爵士乐和声理论的创新。爵士乐作曲家乔治・鲁索的和声教材出版，启发了迈尔斯・戴维斯等音乐家的调式化音乐创作。欧洲古典音乐历史中。巴赫、拉莫、D.斯卡拉蒂、舒曼、瓦格纳等大音乐家既是创作者，也是理论探索者。可以说爵士乐同古典音乐一样，从无视规则的大胆游戏，逐步走向了越来越系统的理论积淀，甚至出现“理论先行”的情况。认识爵士乐的发展，值得强调的是，不可忽略爵士乐对理论重视的这个关键时期，正是在这一时期，爵士乐艺术价值和时代特征开始获得更多认可，出现了数量可观的理论性研究成果。

从教学来看，和欧洲古典音乐一样，爵士乐的学习同样是理论与实践并重并行的，同时它又有一些独特的手段与要求。从理论与实践的交互渗透过程来看，从某种意义上说，爵士乐的学习要求更高。

例如古典音乐演奏者的学习围绕“曲目”展开.因而曲谱是学习的“中心”，而在爵士乐手学习中（特别是独奏和小型乐队中），“听”是核心，然后重视即兴的“表达”，乐谱是参照而不是唯一，其目的是为了尽快把握一首“爵士标准曲”（jazz standard）。例如爵士乐手使用Fake Book，Real Book，只是辅助使用.甚至要随时辨别其记谱的错误。而唱片、录音、现场。对学习者来说，比谱子要重要得多。

再者，爵士乐专业的学习要进行大量音阶与和弦及和弦连接（chord changes）的训练，以及大量的乐句语汇积累，而这些内容不仅以“音色…‘速度…‘流畅性”等传统演奏的标准去衡量，更加重视和体现对这些材料掌握的灵活度及个性化的组织运用，具有强烈的即兴感受和领悟性质。可以说，爵士乐专业学习的“实践”理念，有相当独特的感性特征和内涵要求.要想在教学中达到这方面训练的目的，相应的理论指导和现场领悟是非常重要的。

当代爵士乐大师。如乔治-拉塞尔（George Rus―sell）、派特-马蒂诺（Pat Martino）、派特・迈锡尼（Pat Metheny）、乔・帕斯（Joe Pass）、Wynton Marsalls等，几乎个个都身兼演奏与教学的双重任务，那些称得上成熟的，但并非一流音乐家的爵士乐手也都从事教学工作。这从一定程度上反映了爵士乐教学的特殊性和社会需求度，也反映了它自身专业属性和社会属性并存的特殊存在方式。那么爵士乐在高等音乐教育中也就非常有必要找到自己的位置。

2.现状：理论与实践的脱节

从音乐学领域的现状来看，理论与实践的脱节是一个不争的事实。在近代学科追求独立和学科建设自律的趋势下，理论研究追逐形而上的探索，与音乐实践的有效连接被边缘化。各行其是的发展结果造成理论和实践的“两张皮”现象，不论是理论自身建设还是对实践的观照均显示出乏力的一面。这些问题同样存在于爵士乐教学之中，只是显现一些特殊性而已。

首先，当前爵士乐教学理论内容过于狭窄，还停留在基础层面。所谓基础层面指普及性知识介绍和讲解，爵士乐理论被爵士乐常识所取代。人们似乎更看重爵士乐的表演环节，随心所欲，无拘无束。表层现象遮蔽了作为理性存在观念意识和理论品格，仅从玩的心态将其理解为个性化欲望得以表达的自主行为。

爵士乐成为大学专业课程的重点、难点在于确立一定的教学标准，一定的理论体系。但该领域中争议颇多。较早建立普适性教学内容的雅梅・埃伯索尔德（Jamey Aebersold）就引来诸多批评，认为他的爵士教育内容狭窄。目前常见的爵士和声，爵士器乐演奏技巧出版物绝大多数属于爵士乐的“常识”知识，它们远不能完整地构成这门音乐艺术及其文化的架构。因此，“爵士乐理论”与爵士乐研究，还是一个亟待加强和需要大量学术投入的研究领域。

美国学者认为，现有的爵士乐常识教学还远远不够充分。常识部分的教学并不能给“风格…‘个性”“意义”“价值”这些对爵士乐极为重要的部分带来根本性的影响，更无法解决“创造力”的问题；而且即使“常识”部分，也还有大量值得商榷的东西。

爵士乐在中国的发展也面临着此类问题。尤其是理论研究尚未达到一定的深度、高度和广度，缺乏相应的思维观念和理论积淀，与实践相比尚有一定差距，无法形成对实践的有效掌控和引领。其次，我国爵士乐的实践层面也尚未形成独特的风格、个性与特征.反之，也影响到了其理论建设的水平。

综上所述，建构具备鲜明中国风格特征的爵士乐理论与实践体系是推动艺术院校爵士乐专业建设的基础，其有效互动的规律与发展还有待有识之士付出艰辛的劳动。

三、注重音乐本体研究

由于音乐语言缺乏语言艺术中相对明确的语义性和造型艺术中的具象性，因而在接触音乐作品的内涵问题时，是很难将内涵与声音形式这二者分割开来而完全采取二元化方式进行阐释的，这是由这门艺术自身的独特性质所决定的。…因此，对其本体研究的重要性再一次摆在我们面前。这就要求我们应对音乐本体，即它的符号意义、符号结构、构成方式、技法演进等有足够专业性的认识和把握能力。

1.本体研究的意义

相对于古典音乐，爵士乐的本体研究还处于起步阶段。，爵士乐本体研究的意义，一方面体现在爵士乐理论研究的充实与拓展。另一方面，它也是爵士乐专业教学的基石。过去学界对爵士乐的研究成果更多集中于历史、人文的阐释与梳理，对声音形态研究则相对仍处于不对等的发展现状中。如前所述，爵士乐的本体研究有一个基础性领域，即本体内容和它的方法论。

比如爵士乐重视即兴演奏，这就是一个比较特殊的研究领域。在古典音乐中，音乐作品分析的首要“文本”是曲谱。在理念上，我们认为曲谱是作曲家作品的具体体现，而在爵士乐中这个问题变得棘手。现实中很多爵士乐的作品没有固定的作曲家“手稿”，它的第一文本是“音响”（唱片），而同一个作品常常有很多不同版本的“音响”。由于即兴演奏的结果，这些录音每次都有或大或小的变化。另外，很多爵士音乐家的作品，是对传统“标准曲”的改编演绎，而不是原创。这些问题不仅给文本分析带来不确定的因素，也让我们发现爵士乐的作品观念与古典音乐的作品观念之间存在着较大的差异。因此，面对爵士乐本体分析的这个“对象”.首先给研究者在确定作品版本方面带来一定的难度。但这恰恰是爵士乐自身所独具的特征。

从更宽泛的角度看，爵士音乐的本体研究，包括演奏、创作、编配、风格化等诸多方面，可以说，本体研究是“专业化”教学的前提。爵士乐本体研究面临大量的工作，学术前景非常广阔，同时也非常具有挑战性。因为对爵士乐语言的研究不同于古典音乐的研究，它尚处在“分析工具”的探讨阶段，经典音乐学的作品分析手法面对爵士乐的表演和作品文本，尚存在许多不能被真正解决的问题。我国爵士乐本体研究则基本上处于吸收、消化的阶段。

2.爵士乐本体研究的两个主要方面

总体来说，针对艺术院校的专业建设，爵士乐本体研究有两个大的方面：一是爵士乐语言研究，如爵士乐和声、爵士乐编曲、爵士乐与其他音乐体裁的融合等；二是爵士乐风格语汇研究，如摇摆乐、比波普、调式爵士、融合爵士等等，其中还包括代表性音乐家的个人音乐语汇研究等。

爵士乐在音乐本体的丰富性方面已经获得了较为一致的认可。与摇滚乐、民谣等音乐体裁相比，爵士乐是流行音乐领域在音乐形式和语汇方面影响最大的类型。爵士乐的和声、节奏不仅辐射到流行音乐当中，也对欧洲古典音乐在近现代的发展产生了深远影响。但是坦率地说，仅就爵士乐目前的理论状况、“爵士乐”的观念和概念、笼统的爵士乐语汇提炼等，还远远达不到支撑一个专业领域所需要的知识体系。

爵士乐体裁内的风格流派细分令人惊讶。不同风格的爵士乐在形式与内涵方面可能有显著的差异。因此.很多研究者认为，至今没有哪种爵士乐的常见定义是可以全面概括“Jazz”一词的内涵的。风格，也是我们研究爵士乐本体及音乐内涵的重要方面。

在当下的爵士乐教学中，Jazz常常被简化为“即兴演奏”，缺少全面的风格分析和教学演示。学生因而把主要精力放在单纯的爵士音阶与和弦学习以及即兴演奏的实践方面。由于对风格概念的认识较为模糊，再加之聆听欣赏范围的有限性，为此学生很难真正进入爵士乐的世界。

以美国高校的爵士乐教育为例。回顾过去几十年的教学实践，笔者认为，爵士乐教学的一个突出问题是：学校课程中缺乏对爵士乐音乐语言、风格知识的传授，而更多的是进行乐队排演，强调音乐竞赛的成绩等。该状况在培养杰出爵士乐人才方面的局限性是显而易见的。

四、探索爵士乐民族化的有效路径

所有的外来艺术样式在本土的呈现过程中，除具备其原本的意象和形态之外，在与本土文化的融合过程中，尤其看重精神层面的解读与表达，这是其生长发育的要素。爵士乐这一西方大工业时代的产物如何实现与中国文化之间的对话呢？

1.爵士乐民族化发展的意义

爵士乐在过去一个世纪的音乐生命力和文化影响力，绝不只是体现在“流行”这一点上，在很大程度上还体现在它与其他音乐和文化交融时表达出的自由、包容和创造性方面。爵士乐是非裔美国人的创造，但更是各种音乐基因混合的后代。它的萌发地美国港口城市新奥尔良，本身即是一个欧洲、拉美、非洲文化的汇集地，正是这种特点给不同音乐文化的碰撞创造了历史机遇。

爵士乐几乎在刚刚形成体裁特征的时候，就已经吸引了德彪西、拉威尔、巴托克、斯特拉文斯基、米约、肖斯特科维奇等欧洲作曲家，他们均尝试借用爵士乐的节奏或音调特征来丰富自己的创作。在随后不久的“第三潮流”创作中，格什温、科普兰、伯恩斯坦等一批作曲家则证明了爵士乐在音乐融合方面的巨大潜力。

爵士乐蓬勃兴盛之后，在欧洲各国掀起了爵士乐热潮，更重要的是，爵士乐在欧洲产生了新的品种和更多的流派。随着爵士乐音乐手法及音乐理论的不断成熟，至20世纪50年代后创造力开始爆发，成为一种开放的音乐结构和游戏规则，它几乎可以吸收、消化所有音乐类型的元素，从各种民族民间音乐到古典音乐再到现代音乐，爵士乐已不再只是一种音乐体裁。20世纪60年代，爵士乐与拉美音乐结合时，产生了它受众面最广泛的新类型――拉丁爵士乐。这正是爵士乐在20世纪后半叶摇滚乐、电子音乐等新兴类型冲击下，还能长久立于不败的重要原因之一。

爵士乐于20世纪三四十年代在我国上海曾获得过短暂而惊人的发展。它并不比欧洲古典音乐的引入晚太多。但是由于特定的历史与政治、人文环境的影响，爵士乐没有取得像古典音乐那样在中国的成果。改革开放以来，流行音乐在内地重获生机。此时的爵士乐也并不像一般的流行歌曲、摇滚乐那样大范围流行。这种情况也引发了很多讨论。不少人认为爵士乐是“小众音乐”，甚至是曲高和寡的艺术形式。今天，诸如此类的讨论还在持续。

我们从爵士乐在中国简短的历史中可以获知，爵士乐这种音乐体裁的活力本质上源于它的多元文化背景，更依赖它体裁成熟后的融合力、兼容力和创造力。由此可以得到一种启示：爵士乐不仅可以同中国元素结合，而且这应该是它在中国获得良好发展的真正出路。只有充分与中国的民族音乐和文化交融，中国的爵士乐才可能更好地发展下去。

2.爵士乐的民族化与专业建设

爵士乐这一西方大工业时代的产物如何实现与中国文化之间的对话？我们不妨将问题分成两个具体的方面来考虑：

怎样的“民族化”爵士乐是有灵魂并能获得长久生命力？

整个20世纪，外来艺术形式的冲击和引发的争论“蔚为壮观”，其中如何将欧美艺术体裁“民族化”是一个核心命题。爵士乐同样面临这一命题。通过考察我国近现代音乐的发展历程，可以看到民族化的两种主要倾向：其一是中西结合，创作有中国民族特点的音乐作品；其二是直接以西方音乐语汇来表现中国文化意象和时代精神。如前所述，爵士乐在与本土音乐元素结合方面不是一个“难题”，而恰恰是爵士乐自身的“长处”，真正衡量其民族化成功与否的关键是作品的精神内涵。

现今国内舞台上，爵士乐常常以改编歌曲的方式出现。特别是在电视节目中，表演者以“爵士风格”对民歌、革命歌曲、影视歌曲和经典流行歌曲进行改编，包括对唱腔、乐队编曲风格的设定。这似乎成了爵士乐得以施展的唯一方法和机会。但是其中不难发现，这类改编虽获得了短暂性的“新鲜感”，却无法给人留下太多回味，甚至很快就被人遗忘，很少能留下一个经典的演绎版本。其中的原因还有待于我们不断去追问和深究。

20世纪三四十年代，爵士乐在我国有过一段“浅尝辄止”的发展历程。我们今天不难发现那个时代一些稍具爵士乐特点的流行歌曲作品，如《夜上海》《玫瑰玫瑰我爱你》等，仍然具有强大的生命力。成为了华语流行音乐的经典。甚至个别作品被美国爵士乐队翻奏，登上美国流行音乐排行榜。这其中的原因正是因为那些作品具有鲜明的时代旨趣，使它们成为那个时代的印记。这些作品给今天音乐人的启示是.具有本土意识和时代精神的创作才能深入人心。历久弥新。

不论改编还是创作，人们都似乎更关注音乐手法、不同音乐风格样式间的融合，因为这些东西更关乎我们这个时代对“创新”的渴望和诉求。但是，如果两种音乐体裁的结合缺乏“道理”，缺乏充分的考量和精心设计，匆忙地“混搭”，恐怕就只能是短暂的新鲜感而难以长久，更谈不上去感染、感动听众了。

同时，从专业教学的角度看，爵士乐的民族化发展。只靠单纯具备爵士乐背景的音乐人才是很难实现的。只有掌握了爵士乐手法，同时有着良好的民族音乐意识和文化认知的人，才有可能在这个领域有所作为。

这其实是一个爵士乐专业人才“培养目标”的具体要求，值得展开认真讨论。概括地看，教学单位要充分考虑到专业的灵活性、人才的适应性以及“民族化”表达的艺术诉求。因此，爵士乐专业的人才培养类型或许应该分为“爵士乐人才”与“接受过爵士乐系统训练的音乐人才”两大类型。

这就要求我们在培养爵士乐人才的时候，注重学生的综合音乐素养培养，特别是对本土音乐及文化的认知。教学中，综合的音乐文化熏陶不只是一个知识层面问题，而且应该有非常具体的训练内容和方法，以具体的学习实践引导学生以富有创见的形式把握中国音乐文化的语境，以有效的方式进行音乐形式与内涵方面的“融合”。要求学生必须具备中国音乐和中国文化的修养，应该在专业课程中加以体现。比如辅修中国传统音乐课程，对民歌、民乐的学习，同时契合爵士乐的学习方法和内容，将民乐学习与创作、改编及表演实践结合起来，而不仅仅是知识了解。

何种舞台空间是爵士乐在中国发展的最佳环境？

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中图分类号：G64　文献标识码：A　文章编号：1007-3973(2011)007-170-02

当前，我们已经进入了一个视觉艺术时代。当今的社会是一个消费为主的社会形态，消费时代不仅意味着物的空前聚集，而且意味着一种前所未有的消费文化的形成。在消费文化时代，图像、影像等视觉内容与形式正在成为当今社会大众文化的主要形式，而这种文化方式的转变势必会影响到人们的日常生活方式和文化认同认知过程。视觉艺术的消费性意味着社会必须大量生产承载视觉艺术的消费产品，为消费者提供视觉的愉悦和的体验，因此，艺术设汁成为了当前社会热门的实用技术和研究领域，艺术设计理论在社会范围内的应用领域也愈加宽广。

平面设计技术作为艺术设计诸多技术中实用性最强、审美功效最为突出的技术形式，不但被广泛地应用于报刊、书籍等印刷媒体之中，还得到了高校专业教育的高度重视。许多高校开设了平面设计专业，培养实用性和技术性专业人才。应当说，平面设计技术脱胎于视觉艺术理论，是视觉艺术是将视觉文化原理转化为为观赏者提供实物化艺术作品的技术，因此我们研究平面设计技术的应用问题，必须从视觉艺术理论的基本特点入手。

1　视觉艺术理论的内涵和基本特征

1.1　视觉艺术的定义

视觉艺术的定义是一个有较强争议的话题，由于对视觉艺术的认知角度不同，国内外学术界对视觉艺术的基本定义并不相同，而且由于视觉艺术的自身特点，这些定义只能是描述性和概括性的，无法做出精确的廓清。总结起来，国外专家对是视觉艺术的定义多从“后现代主义”理论的角度加以研究，认为视觉艺术是“超现实的”、“精英化的”艺术形式，这种说法肯定了视觉艺术的理论性，但是未免脱离了视觉艺术本身的发展规律。

国内专家多从视觉艺术的应用性和社会属性的角度定义和研究，例如陈龙认为视觉艺术的定义应从“文化学层面定义”、“传播学层面定义”及“哲学层面定义”三个方面着手，这种说法较有代表性。笔者认为，国内学者对于视觉艺术的定义比较符合其本质属性和规律。

1.2　视觉艺术的基本特征

视觉艺术与其他艺术门类相比，具有自身鲜明而独特的特征，这种特征主要体现在以下几方面。

(1)视觉艺术具有极强的真实性。视觉艺术中的图像信息实现了视觉的真实延伸，具有强大的真实感，特别是摄影摄像技术的诞生，完全超越了以往艺术形式对于人类感官的局限性。

(2)视觉艺术具有丰富的感染力。视觉艺术的感染力集中的体现于视觉技术对场景的还原和再现。例如电影技术可以使受众迅速进入艺术f青景和氛围之内，实现了以往传统的艺术形式所无法达到的艺术感染力。

(3)视觉艺术具有丰富的信息量。人类的视觉所接受的信息数量要远远大于其他感官的接受信息量，与其他艺术形式相比，视觉艺术承载的信息数量十分庞大，特别是在媒体的新闻报道中，往往一张图片所承载的信息量要远远大于文字，而且传播效果也十分良好。最后，视觉艺术突破了语言文字的沟通障碍，实现了艺术审美的全球化和有机融合。艺术是全球化的语言。视觉艺术突破了不同语言、文字间的沟通和理解障碍，实现了真正意义上的艺术审美的全球化和有机融合。

2　平面设计技术在高校实训教学中应用的基本情况及面临的主要问题

2.1　平面设计技术在高校平面设计实训教学过程中的应用基本情况

在我国，平面设计技术经过了一个较为漫长的发展阶段，从起初的美术、绘画为基础到当前的视觉艺术与科技相结合，应当说如何将科技手段与设计理论完美地结合在一起，是现阶段高校平面设计专业实训教学的主要内容。

(1)文字设计和运用技术。文字是平面设计中最为重要的内容之一。在平面设计作品的创作过程中，创作者必须要根据作品的内容和要求，运用文字进行信息传播和内容填充。以平面广告为例，字体的类型包括楷书、隶书、行书、草书等。隶书、草书、行书等属于古体字，能够为作品衬托出古朴典雅的意境，而楷书字体端正，能够为作品增添大气端庄的特质。还有一些设计作品，字体的设计要服务于内容的需要，因此产生了一些变体字、艺术字、旋转字等，突出作品灵动鲜活的特点。。

此外，字体的编排位置也是平面设计技术的重要内容，字号的大小、标题的位置、字体的编排等都是决定平面设计作品设计水平的关键因素。

(2)图片处理及运用技术。图片处理及运用技术是平面设计技术中另一项重要的研究内容。视觉艺术理论认为，图片是视觉技术中最有代表性的形式，也是突破平面设汁技术局限性、拓展艺术空间的最有效方式，平面设计理论中“突破维度理论”即是以图片处理和运用技术为基础。在平面设计作品中，图片往往要和文字共同出现，互为配合，共同产生艺术效果。因此图片的剪切、修订、放置层次、放置位置都是决定设计效果的因素。

(3)版式设计技术。版式设计是将文字、图片等设计元素加以有机整合，从而达到视觉艺术效果的平面设计技术，也是平面设计领域的核心技术。一股来说，平面版式设计讲究稳重，力求展现一维化平面的广阔和稳定，而近年来国内外也出现了一批以跳跃式和混合式为理念的平面设计作品，力求通过打乱维度体现平面设计的立体感和生命力。版式设计除了要有机整合图片、文字等内容外，还要对颜色、面积、版面结构等进行统筹安排。版式设计服从作品需要，这是平面设计理论中颠扑不破的真理。

2.2　高校平面设计实训教学中的突出问题

作为一名高校平面设计专业教师，笔者从实训教学工作中总结出了一些主要问题。

(1)文字设计技术中对于文字的可读性关注程度不高，许多学生在平面设计作品中单纯强调版式的创新，对于文字的可读性关注不够。例如笔者在指导学生为某电子产品设计平面广告时，学生在实训教学过程中采用了翻转、套色等大量的文字设计技巧、图片的叠放顺序也经过了缜密的思索，版式上更是采取了较为先进的矩阵式设计。作品完成后笔者发现，如果从消费者的视角观察，这个作品无疑很好地体现了该电子产品的主要特征，但是最为重要的是作品功能介绍的文字信息却被学生刻意进行了压缩和调整。文字信息介绍是消费者了解产品功能最为直观的形式，也是消费者决定是否采取购买行为的直接参照，学生的设计作品恰恰忽略了这个最为重要的问题，因此这个作品是失败的，没有达到设计的根本目

的和要求。

(2)在设汁作品中存在滥用图片的趋势。虽然平面设计强调图片的重要作用，但这并不意味着图片可以完全代替其他设计要素。在指导学生实训过程中笔者发现，许多学生倾向于在设计框架内大量叠放和堆放图片，试图以此获取视觉冲击力，达到视觉审美效果，这种设计理念有简单化的嫌疑。在平面设计理论中，视觉艺术不等于图片艺术，图片和其他设计元素是不能互相替代的，单纯强调图片的视觉冲击力会导致审美效果脱离设计初衷，而且图片叠放的逻辑如果没有经过周密思考，很容易使消费者产生错觉，进而影响到视觉艺术效果。

(3)高科技技术与现有设计技术的结合力度不足。笔者在指导学生进行实训的过程中主要运用了一些电脑软件技术，包括Dbotoshop、autoCAD、CorelDRAW、IIIustator、Freehand、Pag―eMaker等等，但是对于如何运用更多的高科技成果却缺少相应的手段。

3　解决高校平面设计实训教学工作主要问题的对策和措施

上文笔者所列举的当前高校平面设计专业实训教学工作中面临的主要问题具有一定的代表性，可以在很大程度上体现出当前困扰我国高校平面设计专业教学工作发展的主要困难，笔者认为解决这些困难主要应当从以下几方面着手。

3.1　加强对学生视觉艺术理论知识和审美能力的培养

在我国，平面设计专业经历了一个脱胎换骨的发展历程，从最初的植根于美术绘画专业到发展为独立的教学科目，视觉艺术的理论支撑作用十分明显，也就是说，平面设计专业的学科理论体系有着不同于其他专业的鲜明的特点。因此笔者建议高校平面设计专业要加强对学生视觉艺术理论知识和审美能力的培养，以此作为实训课教学的理论基础。例如学生学习视觉传播理论，就可以明确掌握平面广告作品中文字、图片等构成要素各自不同的功能和作用，学生通过学习视觉艺术的社会消费理论，就能够进一步明确平面作品的设计理念，这对于更好地提高实训教学水平无疑是十分重要的。

3.2　进一步在实训课教学过程中提高学生的综合素质和艺术修养

当代平面设计工作不但要求学生具有良好的专业技能，而且对学生的综合素质和艺术修养提出了更高的要求。例如需要学生具有良好的审美能力、文字能力、观察判断能力等，学生的这些能力素质对于完成一部优秀的平面设计作品是十分有用的。实训课教学强调培养学生的实践能力，同样也是培养学生良好的综合素质和艺术修养的途径。教师可以在实训课教学过程中通过案例分析等教学方式，帮助学习深刻剖析作品本身蕴含的设计理念及设计技巧，尤其是平面设计作品中的“节奏”，更需要教师通过实训教学训练及反复讲解进行培养。

3.3　引进系统化的实训教学平台

笔者认为，教师在指导学生进行实训过程中，除了要继续使用已有的软件技术以外，还要学习使用高端的平面设计系统，例如Solidworks设计系统，就是平面设计高科技化和系统化的综合性平台。因此笔者建议未来在高校平面设计专业教学实训过程中更多地引进和利用综合性设计系统，满足专业教学需求。

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当前，我们已经进入了一个视觉艺术时代。当今的社会是一个消费为主的社会形态，消费时代不仅意味着物的空前聚集，而且意味着一种前所未有的消费文化的形成。在消费文化时代，图像、影像等视觉内容与形式正在成为当今社会大众文化的主要形式，而这种文化方式的转变势必会影响到人们的日常生活方式和文化认同认知过程。视觉艺术的消费性意味着社会必须大量生产承载视觉艺术的消费产品，为消费者提供视觉的愉悦和的体验，因此，艺术设汁成为了当前社会热门的实用技术和研究领域，艺术设计理论在社会范围内的应用领域也愈加宽广。

平面设计技术作为艺术设计诸多技术中实用性最强、审美功效最为突出的技术形式，不但被广泛地应用于报刊、书籍等印刷媒体之中，还得到了高校专业教育的高度重视。许多高校开设了平面设计专业，培养实用性和技术性专业人才。应当说，平面设计技术脱胎于视觉艺术理论，是视觉艺术是将视觉文化原理转化为为观赏者提供实物化艺术作品的技术，因此我们研究平面设计技术的应用问题，必须从视觉艺术理论的基本特点入手。

1　视觉艺术理论的内涵和基本特征

1.1　视觉艺术的定义

视觉艺术的定义是一个有较强争议的话题，由于对视觉艺术的认知角度不同，国内外学术界对视觉艺术的基本定义并不相同，而且由于视觉艺术的自身特点，这些定义只能是描述性和概括性的，无法做出精确的廓清。总结起来，国外专家对是视觉艺术的定义多从“后现代主义”理论的角度加以研究，认为视觉艺术是“超现实的”、“精英化的”艺术形式，这种说法肯定了视觉艺术的理论性，但是未免脱离了视觉艺术本身的发展规律。

国内专家多从视觉艺术的应用性和社会属性的角度定义和研究，例如陈龙认为视觉艺术的定义应从“文化学层面定义”、“传播学层面定义”及“哲学层面定义”三个方面着手，这种说法较有代表性。笔者认为，国内学者对于视觉艺术的定义比较符合其本质属性和规律。

1.2　视觉艺术的基本特征

视觉艺术与其他艺术门类相比，具有自身鲜明而独特的特征，这种特征主要体现在以下几方面。

(1)视觉艺术具有极强的真实性。视觉艺术中的图像信息实现了视觉的真实延伸，具有强大的真实感，特别是摄影摄像技术的诞生，完全超越了以往艺术形式对于人类感官的局限性。

(2)视觉艺术具有丰富的感染力。视觉艺术的感染力集中的体现于视觉技术对场景的还原和再现。例如电影技术可以使受众迅速进入艺术f青景和氛围之内，实现了以往传统的艺术形式所无法达到的艺术感染力。

(3)视觉艺术具有丰富的信息量。人类的视觉所接受的信息数量要远远大于其他感官的接受信息量，与其他艺术形式相比，视觉艺术承载的信息数量十分庞大，特别是在媒体的新闻报道中，往往一张图片所承载的信息量要远远大于文字，而且传播效果也十分良好。最后，视觉艺术突破了语言文字的沟通障碍，实现了艺术审美的全球化和有机融合。艺术是全球化的语言。视觉艺术突破了不同语言、文字间的沟通和理解障碍，实现了真正意义上的艺术审美的全球化和有机融合。

2　平面设计技术在高校实训教学中应用的基本情况及面临的主要问题

2.1　平面设计技术在高校平面设计实训教学过程中的应用基本情况

在我国，平面设计技术经过了一个较为漫长的发展阶段，从起初的美术、绘画为基础到当前的视觉艺术与科技相结合，应当说如何将科技手段与设计理论完美地结合在一起，是现阶段高校平面设计专业实训教学的主要内容。

(1)文字设计和运用技术。文字是平面设计中最为重要的内容之一。在平面设计作品的创作过程中，创作者必须要根据作品的内容和要求，运用文字进行信息传播和内容填充。以平面广告为例，字体的类型包括楷书、隶书、行书、草书等。隶书、草书、行书等属于古体字，能够为作品衬托出古朴典雅的意境，而楷书字体端正，能够为作品增添大气端庄的特质。还有一些设计作品，字体的设计要服务于内容的需要，因此产生了一些变体字、艺术字、旋转字等，突出作品灵动鲜活的特点。。

此外，字体的编排位置也是平面设计技术的重要内容，字号的大小、标题的位置、字体的编排等都是决定平面设计作品设计水平的关键因素。

(2)图片处理及运用技术。图片处理及运用技术是平面设计技术中另一项重要的研究内容。视觉艺术理论认为，图片是视觉技术中最有代表性的形式，也是突破平面设汁技术局限性、拓展艺术空间的最有效方式，平面设计理论中“突破维度理论”即是以图片处理和运用技术为基础。在平面设计作品中，图片往往要和文字共同出现，互为配合，共同产生艺术效果。因此图片的剪切、修订、放置层次、放置位置都是决定设计效果的因素。

(3)版式设计技术。版式设计是将文字、图片等设计元素加以有机整合，从而达到视觉艺术效果的平面设计技术，也是平面设计领域的核心技术。一股来说，平面版式设计讲究稳重，力求展现一维化平面的广阔和稳定，而近年来国内外也出现了一批以跳跃式和混合式为理念的平面设计作品，力求通过打乱维度体现平面设计的立体感和生命力。版式设计除了要有机整合图片、文字等内容外，还要对颜色、面积、版面结构等进行统筹安排。版式设计服从作品需要，这是平面设计理论中颠扑不破的真理。

2.2　高校平面设计实训教学中的突出问题

作为一名高校平面设计专业教师，笔者从实训教学工作中总结出了一些主要问题。

(1)文字设计技术中对于文字的可读性关注程度不高，许多学生在平面设计作品中单纯强调版式的创新，对于文字的可读性关注不够。例如笔者在指导学生为某电子产品设计平面广告时，学生在实训教学过程中采用了翻转、套色等大量的文字设计技巧、图片的叠放顺序也经过了缜密的思索，版式上更是采取了较为先进的矩阵式设计。作品完成后笔者发现，如果从消费者的视角观察，这个作品无疑很好地体现了该电子产品的主要特征，但是最为重要的是作品功能介绍的文字信息却被学生刻意进行了压缩和调整。文字信息介绍是消费者了解产品功能最为直观的形式，也是消费者决定是否采取购买行为的直接参照，学生的设计作品恰恰忽略了这个最为重要的问题，因此这个作品是失败的，没有达到设计的根本目的和要求。

(2)在设汁作品中存在滥用图片的趋势。虽然平面设计强调图片的重要作用，但这并不意味着图片可以完全代替其他设计要素。在指导学生实训过程中笔者发现，许多学生倾向于在设计框架内大量叠放和堆放图片，试图以此获取视觉冲击力，达到视觉审美效果，这种设计理念有简单化的嫌疑。在平面设计理论中，视觉艺术不等于图片艺术，图片和其他设计元素是不能互相替代的，单纯强调图片的视觉冲击力会导致审美效果脱离设计初衷，而且图片叠放的逻辑如果没有经过周密思考，很容易使消费者产生错觉，进而影响到视觉艺术效果。

(3)高科技技术与现有设计技术的结合力度不足。笔者在指导学生进行实训的过程中主要运用了一些电脑软件技术，包括Dbotoshop、autoCAD、CorelDRAW、IIIustator、Freehand、Pag—eMaker等等，但是对于如何运用更多的高科技成果却缺少相应的手段。

3　解决高校平面设计实训教学工作主要问题的对策和措施

上文笔者所列举的当前高校平面设计专业实训教学工作中面临的主要问题具有一定的代表性，可以在很大程度上体现出当前困扰我国高校平面设计专业教学工作发展的主要困难，笔者认为解决这些困难主要应当从以下几方面着手。

3.1　加强对学生视觉艺术理论知识和审美能力的培养

在我国，平面设计专业经历了一个脱胎换骨的发展历程，从最初的植根于美术绘画专业到发展为独立的教学科目，视觉艺术的理论支撑作用十分明显，也就是说，平面设计专业的学科理论体系有着不同于其他专业的鲜明的特点。因此笔者建议高校平面设计专业要加强对学生视觉艺术理论知识和审美能力的培养，以此作为实训课教学的理论基础。例如学生学习视觉传播理论，就可以明确掌握平面广告作品中文字、图片等构成要素各自不同的功能和作用，学生通过学习视觉艺术的社会消费理论，就能够进一步明确平面作品的设计理念，这对于更好地提高实训教学水平无疑是十分重要的。

3.2　进一步在实训课教学过程中提高学生的综合素质和艺术修养

当代平面设计工作不但要求学生具有良好的专业技能，而且对学生的综合素质和艺术修养提出了更高的要求。例如需要学生具有良好的审美能力、文字能力、观察判断能力等，学生的这些能力素质对于完成一部优秀的平面设计作品是十分有用的。实训课教学强调培养学生的实践能力，同样也是培养学生良好的综合素质和艺术修养的途径。教师可以在实训课教学过程中通过案例分析等教学方式，帮助学习深刻剖析作品本身蕴含的设计理念及设计技巧，尤其是平面设计作品中的“节奏”，更需要教师通过实训教学训练及反复讲解进行培养。

3.3　引进系统化的实训教学平台

笔者认为，教师在指导学生进行实训过程中，除了要继续使用已有的软件技术以外，还要学习使用高端的平面设计系统，例如Solidworks设计系统，就是平面设计高科技化和系统化的综合性平台。因此笔者建议未来在高校平面设计专业教学实训过程中更多地引进和利用综合性设计系统，满足专业教学需求。

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一、视觉艺术概述及文化产业的前景

视觉艺术(Visual Art)是用一定的物质材料，塑造可为人观看的直观艺术形象的造型艺术，传统的视觉艺术包括绘画、雕塑、建筑与产品、织物等设计。视觉造型采用手工或以手工为主、机器设备为辅的工艺手段。

20世纪初电影技术的诞生与20世纪中期电视媒体的出现，拓宽了视觉艺术的表现领域，视觉艺术从单一媒体跨越到多媒体;从二维(平面)延伸到三维(立体空间)和四维(时间、空间)。20世纪下半叶，数字软硬件不断发展更新，网络技术与设备应用得到普及，数码艺术与设计的飞速发展极大丰富视觉艺术的语汇，新的视觉艺术形态层出不穷：数字二维动画与三维动画、数字游戏、数字影视、虚拟现实、数字出版物、网页程序界面、数字形象系统、数字广告、数字效果图、数码画、彩信……视觉艺术由传统形态上的实体化、静态化、单向化，开始逐渐向虚拟化、动态化、交互化方向转变。

目前，我国文化产业发展呈现良好势头，文化产业成为全国乃至全球最有前景的产业之一。联合国教科文组织关于文化产业(Culture Industry)的定义如下：文化产业就是按照工业标准，生产、再生产、储存以及分配文化产品和服务的一系列活动。尽管各国依据不同的视角对于文化产业的定义和文化产业政策不尽相同，但是，其作用得到国际间的普遍重视和认可。近年来，在新的国际、国内形势下，文化由传统的意识形态领域扩大为经济生活的重要组成部分，在推动经济发展的同时，还对一国在国际间的竞争力产生重大影响，文化软实力的重要性日益彰显。在此背景下，我国陆续出台《文化产业振兴规划》、《国家“十二五”时期文化改革发展规划纲要》等一系列支持文化产业发展的政策性文件，旨在将文化产业提升为国民经济的重要组成部分，推动文化和经济的全面振兴。这些政策的出台标志着文化产业已经上升为我国战略性产业，在未来经济社会生活中担任重要角色。由国务院常务会议审议通过的我国第一部文化产业专项规划——《文化产业振兴规划》中将“文化创意、影视制作、出版发行、印刷复制、广告、演艺娱乐、文化会展、数字内容和动漫等” 列为重点推进的文化产业，从政策上界定了发展重心。视觉艺术的触角涉及到文化产业的各个方面，作为文化产业的重要内容参与到产品的设计、生产、销售等等环节，视觉艺术产业已经成为文化产业的重要组成要素。“十二五”规划将文化产业确定为战略先导型国家支柱产业后，全国各地都加大了对文化产业的资金投入和政策扶持力度：建设产业基地、创意产业园等项目，培养文化产业上市企业，培育骨干文化企业，扶持中小文化创意企业，打造具有核心竞争力的知名文化品牌。文化消费市场空间巨大，视觉艺术产业发展前景广阔。

二、视觉艺术产业的定义及其发展

视觉艺术产业是以视知觉为主要满足对象，在唯美主义的意识支配下，使作品呈现表层上的、完全以娱乐视觉为目的继而产生心理和生理上满足以致产生商业行为的一切精神和物质的产业。视觉艺术产业是文化产业中演艺、娱乐、动漫、游戏、文化旅游、艺术品、工艺美术、文化会展、创意设计、网络文化、数字文化服务业等行业的主要组成部分。

视觉艺术产业是融合了视觉艺术、数字技术、创意设计、工业生产和商品营销等的新型文化产业;也是信息化社会新型产业化道路的典型代表。视觉艺术产业是市场经济运行的结果，其市场运作必须符合市场经济发展规律，生产、销售等环节必须有可操作性。

视觉艺术产品在市场经济体制下，成为特殊的商品，具有三重属性：一方面视觉艺术产品是以艺术手段创作出的视觉形式，无论视觉艺术产品是静态的还是动态的、交互的，都具有视觉美学价值，能够带给人们审美体验;另一方面，它必须遵循商品经济规则，以市场动态为导向，按照现代市场经济规律进行生产和销售;再一方面，视觉艺术产品是社会主义精神文明的重要组成部分，它以形象、生动的形式，承担着“提供优质丰富的文化产品，不断满足人民群众的精神文化需求。深入推进社会主义核心价值体系建设。加强社会公德、职业道德、家庭美德和个人品德教育，做好青少年思想道德教育工作，努力形成知荣辱、讲正气、守诚信、作奉献、促和谐的良好风尚”的重要任务。视觉艺术产品的设计生产需要社会主义价值观的导向指导。

随着高新技术的发展，视觉艺术产品得以大批量生产和复制，并通过现代传播技术在全世界迅速传播。个人手持移动终端的普及与4G网络覆盖，中国手机用户与网民人数跃居世界首位;3D电视频道开通与3D电视机、3D摄像机等硬件设备投入市场，使人们选择更多地在家中欣赏影视节目;数字办公、电子商务、虚拟社交、沉浸式娱乐、碎片化阅读等体现了数字化工作、生活、学习、娱乐方式，视觉艺术产品的存在越来越具有广泛性，消费成本越来越低廉、消费方式越来越便捷，视觉艺术产业消费主体呈全民性、大众化趋势，设计范畴涉及数字时代的每一个比特。视觉艺术的影响和作用无处不在。

与发展速度和广度不相吻合的是视觉艺术产业化整体停留在摸索阶段，配套管理滞后，视觉艺术产业企业起步较晚，基础较差，普遍存在总量偏少、规模偏小、结构不合理、资金匮乏等问题;视觉艺术产业缺乏管理运营经验，项目往往缺乏前瞻性的策划与有效的营销，以及贯穿始终的良好管理与资本运作。造成一些项目因资金断链而夭折或销路不畅，造成“有行业无产业”的情况;视觉艺术产品的知识产权保障制度不健全不完善，产权交易信息不对称，造成资源浪费。视觉艺术产业在数字技术与手绘能力上已经处于国际领先水平，但在脚本、情节设计与视觉形象等内容上缺乏原创，一些中小企业沦为为国外公司做“代工”，靠密集劳动赚取低廉的报酬。视觉艺术产业各行业专业人员匮乏成为制约行业发展的瓶颈，特别是缺少管理、策划、创意、营销的高端专业人才。而每年艺术设计类高校的大量毕业生面临就业压力，供与求发展不平衡。

三、视觉艺术发展中存在问题之解决路径

视觉艺术的发展不仅仅事关经济生活，还需要从国家文化安全与文化发展的战略高度来予以重视。在现代社会中，满足人民群众的文化需求、完善文化产业发展、推动我国经济持续高速发展、加速产业结构调整都离不开视觉艺术产业。健康良性的视觉艺术产业具有经济和文化的双重影响力，其文化力甚至超过经济效益，对提升国民素质、增强国家影响力均具有不可低估的作用。在文化产业的视域下，思考当前视觉艺术发展中存在问题，主要解决路径包括：

第一、建立产业集群，形成产业规模，完善产业运营的各个环节。提升视觉艺术产业的市场化程度，采取合理的市场化战略，引进竞争机制，适应市场化发展的需要。建设产业基地、产业园，在修造建筑与设施的同时，更重要的是构建公共服务平台，为企业融资贷款、产权交易、创业孵化等提供大力支持与有效指导，为优秀视觉艺术产品提供畅通的销售、传播渠道。统筹政府资金支持文化创新和重大文化项目，支持社会资本进入文化创意产业，帮助视觉艺术产业发展走出困境。

第二、培养行业人才。培训经营管理人才的综合素质，改变依靠经验、盲目摸索的现象，提升视觉艺术产业化各个领域的管理水平。培养文化素养、专业业务和市场实践相结合的复合型人才。引入艺术经纪人机制，以经纪人为中间机构构建文化市场和视觉艺术创作、生产的桥梁，整合设计、创意、生产、销售、推广等各个要素，实现视觉艺术产品的经济价值并提升视觉艺术的文化价值和其它附加价值。

第三、进一步完善文化产业的政策法规，创造适应社会主义市场经济需求的文化产业的经营体制和经营组织。提高对知识产权的保护力度，提升文化创意和商业模式创新的积极性。鼓励民间资本投资产业发展，发展具有民族区域特色的产业和品牌，鼓励视觉文化产品和服务体现社会主义精神文明的精髓和优越性。加大文化执法力度，取缔网络和手机等传播渠道上的文化垃圾，创建绿色清新的行业环境。

第四、以文化为本，创造高品质视觉艺术产品和品牌。中国有着历史悠久而丰富绚烂的文化与艺术，为视觉艺术产品内容设计提供取之不尽的宝贵资源，视觉艺术产业的策划、设计人员应立足本土，弘扬中国传统文化的精髓，发挥中国传统视觉艺术的表现优势，以中国传统艺术元素为基础突破创新，创造出具有中国艺术特色与文化意蕴、具有时代精神与新鲜面貌的视觉艺术产品。

第五、产学研结合，将艺术设计类高校学生的暑期实践、毕业实习与视觉艺术企业的项目相结合， 教师与企业策划师、设计师、技术人员、营销人员共同指导学生完成项目设计，使学生在实践中掌握知识，实现学校教育与社会需求的无缝接轨，培养建设视觉艺术产业的创新人才，实现中国视觉艺术产业的腾飞。

篇12

创新是艺术发展的源动力，也是视觉艺术创新所依据的最重要的数字媒体手段。数字技术的发展，对现代艺术尤其是视觉艺术带来了深远影响，创新成为现代视觉艺术最显著的特点。借助数字媒体，视觉艺术工作者可以借鉴其他地区、行业成熟的创作手法，运用先进的创作工具、媒体和材料进行视觉艺术设计与创造。在现代数字技术与艺术设计相结合的基础上，新媒体艺术产生了。视觉艺术的创新也以“观看”之道的创新为主要形式，加大了新视觉词汇、表现手法的应用，从视觉传播和视觉艺术消费的角度，赋予了视觉艺术更多的内涵，拓展了视觉艺术理论创新的视角，如在电影视觉艺术设计中，人们利用光效媒介对事物进行抽象、形式化的视觉展现，导致人们对视觉艺术的距离、角度、状态习性有了更深的认识。但是，不管视觉艺术如何创新，技术永远是艺术的手段而非其本质，如何寻找并合理利用视觉艺术手法进行艺术创新，始终是艺术创新的关键。这就要求视觉艺术工作者从视角对事物本质进行思考，用独特的方式联系艺术，推动艺术发展，赋予视觉艺术更多的功能性、艺术性、娱乐性。

（二）数字媒体语境下的视觉艺术传播

数字媒体语境下的视觉艺术传播以视觉传播为主要形式。与其他传播方式相比，这一全新的信息传播手段更具表现力，其传播的内容更加丰富、形象。视觉传播的形式与内容是视觉艺术传播的两大要素。与传统的视觉艺术传播相比，数字媒体语境下的视觉艺术传播带有鲜明的传播学专业属性，其传播内容和传播效能也更加丰富。具体来说，数字环境下的视觉传播以数字技术、数字设备等视觉新媒体为媒介，这是数字化作用的直接后果。视觉艺术传播必须以具备新媒体“新”和“媒介”两方面的特性，其承载和传播媒介也必须更具动态性、开放性。与传统的以静态的视觉表现形式相比，动态的影像和装置形式更新更快更强，以网络计算机这一典型的数字媒体为例，视觉艺术工作者可以利用其进行综合材料搜集、整合和处理，也可以利用专业的艺术设计软件进行艺术创作，使得视觉艺术设计形式和手段更加多样化。同样，在数字媒体语境下，数字媒体也被人为地带有更多的理性和艺术色彩，以数字科技、现代传媒为表现形式，新媒体艺术创作手法、传播方式也更加多样，更多的视觉艺术作品也因此被创造出来。

二、数字媒体语境下的视觉艺术创新方法

（一）加大视觉艺术与科学的结合力度

人们对视觉艺术的本能需求和文化生活需求，是促使视觉艺术创新的源动力。以前，人们在进行视觉艺术设计时，更多考虑的是图像、文字等元素在艺术设计中的作用，并以此为审美理念和文化形成的主要形式，进行视觉艺术设计和展现。这就使得视觉艺术设计对图象和文字产生严重的依赖，导致其出现表现手法僵硬、思路狭窄等短板。在数字媒体语境下，视觉艺术可以通过与科技的完美结合，实现互动式样的远程传播、面对面的双向传播和直接交流，受众的参与性和美感度都有所提升。同样，以网络媒介为支持，新媒体艺术可以为设计者和受众交流、沟通搭建乔辽，使艺术设计更加贴近实际、回归人性，也使得艺术设计可以在传统与自然、时尚与流行之间更加灵活的转变。此外，借助于数字媒体，视觉艺术的发展和消费速度都得以提高，这已经成为信息时代文化艺术形式最显著的特点。如借助于网络媒介，更多的受众可以接触到形式多样的视频广告，广告内容既为更多的人所熟知，受众的参与也会产生一定的经济效益，使视觉艺术更受关注。

（二）用虚拟艺术促进图象世界向视觉世界的转变