提问艺术论文范文

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（一）有明确的指向性也就是说问题要具有一定的针对性与目标性，我们在设计问题之初就要明确学生通过这个问题的探究要达到一个什么样的结果，这样才能提高问题的价值性。为此在设计问题时我们既要了解学生的基本学情，又要对教学内容深入了解，设计有明确指向性的问题，以引导学生朝着特定的教学目标来展开探究。

（二）问题要难易适中问题过于复杂，超出小学生的知识视野与思维范畴，学生通过探究无法解决，这样就会打击学生的学习热情与信心，甚至会让学生丧失数学学习兴趣。相反问题过于简单，又不会引起学生的重视，这样的探究都是徒劳的。问题要难易适中，要基于学生的现实水平，同时还要具有一定的挑战性，要让学生能够运用所学通过独立思考与思维来解决。这样既可以让学生掌握基本的知识与技能，同时也可以让学生享受探究的乐趣、成功的喜悦，增强学生学好数学的信心，让学生爱上数学探究。

（三）问题要具开放性新课改倡导开放式教学。在设计数学问题时我们也要充分考虑到这一点，要为学生设计更多富有开放性的问题。开放性问题与条件完善、答案唯一的封闭式问题相对，具有条件不完善或条件的不唯一。这样的问题更能开阔学生的视野，丰富学生的思维，让学生充分调用已有的知识储备来展开富有个性与创造的探究性活动，从而引导学生展开富有创造性的学习。这样既利于学生对知识的真正理解与掌握，同时也可以增强学生的问题意识，培养学生创新能力与创造性思维。

二、把握好提问的时机

提问并不是无目的地无序提问，而是要讲究提问的时机，只有在最恰当的时机提出才能取得事半功倍的效果。相反如果不分时机，随意发问，那么就容易让学生疲于解决，而使学生陷入机械解决之中，不利于学生兴趣的激发与教学效果的提高。

（一）学生注意力分散时小学生年龄小，以无意注意为主，很难长时间将注意力集中于某一事物上。时间一长，学生就会出现精力不集中，注意涣散的现象，做小动作、小声说话等，做一些与教学无关的举动。在这种时候如果由教师指出不仅不会起到集中学生注意力的效果，相反还会打断正常的教学思路与进程。而此时提出一个富有趣味性与挑战性的问题，更能引起学生的关注，激起小学生强烈的好奇心，从而使学生的注意力集中起来。因此，在教学中当学生出现注意力不集中时，我们要学会运用问题的悬念性来激发学生的好奇心，不断激起学生参与的热情与动力。

（二）在知识的重难点处数学具有很强的系统性，在某一节、某一模块中有着知识点处于最核心的地位，是学习某块内容的关键，这就是我们所说的重点。而难点则是学生理解起来具有一定难度的知识点。不管是重点还是难点这是我们教学的重点。只有突出重点突破难点，才能达成良好的教学效果。为了引发学生的关注，诱发学生的探究，我们可以在这些知识的重难点处设问，以此来让学生通过自我探究而达到透彻理解与牢固掌握的效果。

（三）学生思维受阻时学生的认知活动本身就是一个由浅到深、由易到难的循序渐进的过程。尤其是小学生正处于认知的初级阶段，数学基础知识薄弱、生活阅历有限，他们在学习这些抽象而深奥的数学时难免会遇到这样或那样的困难，阻碍思维活动。此时我们可以富有启发性的问题来启迪学生，让学生寻找到解决问题的新切入点，从而使学生的探究活动得以正常开展。

三、提出形式的丰富性

长期单一地呈现问题，这不符合小学生的心理特点，会让学生感受到教学的枯燥无味，而会直接影响到学生的学习热情与探究动力。在提出问题时我们要充分考虑到小学生的特点，通过丰富的形式来展现问题，这样更能增强教学的趣味性与艺术性，更能起到激发学生兴趣、诱发学生探究的效果。

（一）用故事呈现故事是小学生所普遍喜爱的，将问题寓于幽默而生动的故事中，更能引发学生的关注。因此，在教学中我们要善于利用学生爱听故事、讲故事的天性来收集与创编更多学生所喜爱的故事，寓枯燥的问题于生动故事中，让学生在听故事的愉悦氛围与轻松状态下顺势进入问题的探究。

篇2

谈到艺术，我们毫不犹豫地可以说出一系列艺术作品，同时我们可以举出无数的艺术家。但是，当我们真正追问是什么使他们（它们）成为艺术家和艺术作品的问题，艺术的内在本质究竟是什么时，我们又变得茫然起来。艺术是什么？对于此，前人已经提出了各种各样的回答，而且接着他们的思考，我们仍可以继续回答下去。在前人已经提出的所有解释中，任何一种解释都不是没有道理，但是任何一种解释也并不是有道理，我们即使将所有的解释加在一起也还无法说明什么是艺术。

“艺术是什么？”这一艺术定义问题本身作为一个传统的形而上学的命题，与“美”的定义等问题一道，在西方现当代美学尤其是英美分析哲学美学中成为一个主要的问题，并且已被认为是一个没有实体的自我循环的假命题而多被诟病。此前从狄尔泰已经开始对艺术的本体问题不作追寻，他的探讨退出了本体问题而讨论艺术的意义。他认为艺术在上下文中才有意义；艺术在特定的历史中才有意义；艺术在人们的兴趣（关注）中才有意义，因此不存在没有前提（先决条件）的艺术。分析哲学的先驱乔治·E·摩尔认为，“美”不是一个自然客体，故不能采用像自然科学下定义的方式来加以界定，而只能采用直觉来把握；早期维特根斯坦也认为美属于不可言说的东西，对不可言说的东西，人们只能保持沉默。著名分析哲学家艾耶尔则断定，由于美学的命题基本上没有实指，所以都是“妄命题”。因此，美国美学家莫里斯·韦兹和肯尼克，都根本否定给艺术下定义的做法，宣称艺术是不可定义的。所以，在这些理论来看，艺术什么也不是，什么都不是的就是艺术，艺术的本体在它的宾词后没有成立的可能性。

但是这种没有可能的可能性，恰恰是我们思考的起点。对艺术的本质问题的追问的不可置否性，在现代艺术中显示的最大意义，就在于它显示着并不具有实体的艺术，也就是这种无有的存在，如何在人的心灵中变现为实体的艺术活动、艺术家和艺术作品。很显然，面对“什么是艺术”这类问题，我们并不是要放弃对艺术的追问，而是要改变这种本质主义的追问方式，必须首先思考艺术之为艺术的心灵特质，放在对人的艺术活动的考察上，使我们的思考直接从“什么是艺术”的问题前的问题开始。通过艺术活动的分析，进而从艺术作品、艺术家、艺术接受等所有的艺术活动的相互关系，也就是艺术与心灵的关系中去寻求艺术的意义。

一、艺术和艺术作品

探讨艺术问题，通常我们首先从分析艺术作品入手。根据经验，我们很容易判断出艺术品与非艺术品，我们在聆听音乐、欣赏绘画、阅读小说、观看舞蹈等艺术活动中，不假思索地认为它们都是艺术品，而且我们会有意识地去评判它们的艺术水平的高低。但问题也就随之产生了，我们凭什么说它是艺术品或是非艺术品，如果作为艺术品，它们的水平高下是如何确定的，我们判断的基准在于什么，也就是说，艺术作品是什么？这个问题的内在含义也就是，在我们所面对的众多物品面前，如何判断哪个是艺术品，艺术品符合什么条件才能被称为艺术品，我们怎样确定艺术品的水准的高低。显然，我们通常的判断是建立在对作为艺术品的基本构成的涵义的理解上，这种判断在我们当下的话语系统中是有效的，比如在特定的时限或氛围中，可是一旦超出这个范围，问题可能会变得复杂起来。究其实，我们对艺术品和非艺术品的追问，回到根本上也就是对艺术问题的追问。因为我们在划分艺术品和非艺术品时，我们已经存有了艺术的观念在指导着我们这样做，不管这种观念是有意识还是无意识地支配着我们。这就是说，我们对艺术品本身的追问，也就隐含着对艺术问题的追问。所以，探讨何为艺术作品的问题，实际上也就成了艺术探讨的奠基性问题。但这一探究从一开始就显得困难重重，问题遍布。

自柏拉图、亚里士多德开始的艺术“模仿说”是雄霸西方千年的艺术理论，模仿说被作为经典的艺术理论在东西方产生了极大的影响，但实际上这一理论是直接以艺术作品为逻辑起点来探讨艺术的。柏拉图认为，世界的本质是理念，现实世界是对理念世界的模仿，作为艺术的艺术品又是对现实世界的模仿，这种模仿也就是不真实的、虚幻的。另一位哲人亚里士多德则肯定了现实世界的真实性，因而也就肯定了模仿它的艺术的真实性。后来古罗马美学家贺拉斯也继承了艺术模仿说，直到17世纪，古典主义艺术家们还提出了“艺术模仿自然”的原则，以再现现实为宗旨的现实主义文艺可以说是模仿说的最高发展阶段。虽然，随着西方现代艺术的崛起，在各种全新观念的冲击下，这一理论遭受严重的挑战而变得如此不堪，但在我国当代的一些僵化和陈旧的艺术理论中还有极大的市场，以一种变形了的“反映论”艺术观的面目出现。这一理论探讨的是艺术的本质问题，但实际上却是从艺术作品的问题开始的，分析了艺术作品和自然、理念、事物的关系。模仿说把艺术与现实世界联系在一起，把艺术看成是再现和认识世界的一种特殊的方式，从艺术作品产生的源泉来把握艺术本质。然而，其根本问题在于，一方面它把艺术局限于“模仿”世界的认识论范围；另一方面，它忽视了艺术创造的主体性。根本的问题也就在于把对艺术的探讨以艺术作品为逻辑起点，这样自然就把艺术的问题置换为艺术作品的问题。显然，严格地讲，艺术和艺术作品是有差别的，这样一来问题就变得含混了起来。

因此，从艺术作品作为逻辑出发点来探讨艺术的本质的主要问题就在于，这种探讨首先就预设了艺术是一种现实的存在，认为艺术品是一种区别于自然、理念等的存在物，然后去探讨它和世界的特殊的联系。但在这其中有两个不可回避的问题：其一也就是我们在前面提到的，在艺术之所以成立的预设中也就包含着艺术之为艺术的本质主义假定，反过来正因为有了这种预设和前提，艺术作品才得以成立和显现。显而易见，这自然就导致了对艺术的真实意义问题的掩盖，其所探讨的出发点即逻辑起点是艺术作品而不是艺术，但我们可以进一步追问，这些艺术作品存在的逻辑前提又是什么？艺术作品是怎样从世界中剥离出来的？我们怎样认定这些悲剧、史诗、雕塑等就是艺术作品而不是其他？这样，艺术的意义的真正问题就掩盖在本质主义的预设之中了，艺术的问题就变为艺术作品的问题。其二，既然艺术作品是艺术的现实存在物，它是对世界的模仿，它所体现的是艺术作品和世界的关系，那么，在这种关系中，艺术家作为这种活动的直接介入者，他的意义又何在呢？艺术家在这种模仿世界或理念的活动中，不介入自己的任何理解而机械、本真地模仿自然或再现理念，这几乎是不可能的。反过来，恰恰是艺术家的活动，使得本真从遮蔽中绽出，使得艺术作品充满了生气，这样，艺术家的活动正是决定艺术作品水准高低的主导因素。所以，单方面地从艺术作品出发来探求艺术问题，显然就掩盖和遮蔽了艺术的最基准的问题。也就是艺术的意义的真实问题。

艺术模仿说以艺术作品与世界的关系为其探讨的主要问题，这在很大程度上限制了艺术的这种无限多样的自由创造性，因为它一味地强调艺术和现实世界的完全的符合。但事实情况是，艺术就是艺术，它和现实就是不一样的，绘画中的颜色在现实中我们可能根本见不到，小说总归是一种编造的故事，但它们却又实实在在地影响着人，使人神情激荡，思绪飞扬。为什么又会如此呢？显而易见，用艺术作品和现实之间的这种生硬的关系来说明这些问题，已显得极为力不从心了。这样，就使得我们不得不又向前迈进一步，把探索的目光聚焦于艺术作品的现实来源，也就是艺术的制作者，即艺术家。

二、艺术和艺术家

艺术家，通常认为，就是艺术的制作者。艺术首先是艺术家制作出来的物品，自然地，是艺术家使艺术成为艺术，没有艺术家，艺术似乎是不可能的，艺术家以及他的艺术制作活动是艺术的主导因素。逻辑地看，艺术活动首先是艺术家的制作活动，艺术作品也是艺术家的制作活动的最后结果。

随着西方近性主义的高扬，人的价值，个性自由，人的主体性等问题得到了普遍的关注，浪漫主义艺术潮流也随之勃兴，艺术强调艺术家个性的自由张扬和展现，自由、创造、天才等概念成了这种潮流的主导性范畴，艺术家成为艺术的主导因素。与之相应的是艺术“表现说”对传统的“模仿说”的反叛。18、19世纪的浪漫主义思潮，标榜“自我表现”，冲破了“模仿说”的罗网，“表现说”于是兴起。表现说批评模仿机械复制，强调艺术必须以表现主体情感为主。康德最早提出“天才”论，强调艺术是天才的创造和表现，提出天才是和模仿精神是完全对立的观点。在康德的先验哲学中，主体性问题被强调到了极致，人是目的的问题是康德哲学的基本出发点，这样，他就是从艺术家的活动出发，肯定了天才和创造在艺术制作中的巨大意义，他认为天才是一种天赋的能力，这种天赋因素是艺术的决定因素，这样艺术家在艺术制作中的作用被康德充分地加以肯定了。德国浪漫派画家德拉克洛瓦认为，人即使练习作画，感情的表达也应该放在第一位。德国直觉主义哲学家柏格森认为，诗意是表现心灵状态的。意大利表现主义美学家克罗齐更是干脆宣称艺术即直觉，即抒情的表现。表现说把艺术本质同艺术家主体情感的表现联系起来，突出了艺术的审美特性。中国的言志说、心生说和缘情说大致上是与表现说相类似的观点。较之模仿说，表现说不是从艺术作品而是从艺术家作为逻辑起点来探讨艺术的意义问题，更明确地来说，就是把艺术家的情感作为艺术的核心和关键性问题。但同样可以看出，在这种以艺术家以及艺术家的情感为主导的艺术问题的探讨中，照样包含着对艺术更为极端的本质主义化的倾向。

首先，艺术活动是以艺术家为主体的活动，我们绝对不否认艺术家对艺术制作活动的意义，正因为艺术家的存在以及艺术家的制作活动的水准的高低，就自然决定了艺术作品的产生和水准的高低，否则那些非凡、伟大的艺术作品是不会产生的。但是，我们把问题拓展开来看，如果说，艺术家的制作的结果是艺术作品，推而广之，就是艺术。那么，是什么使得艺术家的制作得以成立？也就是说成为艺术作品，成为艺术，是他赋予的他的制作品的风格，还是情感，还是其他？这些都无法说明这一问题，而且会使问题再一次陷入到循环论证中而无法自拔。进一步的问题也就是，在艺术家的制作活动开始之前或进行中，他是否明确或已意识到他正进行着艺术活动，是否明确他的制作的结果将是一件艺术品而不是其他，如果是这样，那他已经就是按照艺术的模式和规则来进行艺术产生，那么，艺术的创造性又怎样灌注其中，艺术家的主体性又如何体现出来呢？这些问题又涉及到了艺术的意义问题，这就促使我们从其他方面而不是从艺术家出发去探究。显然，从艺术家为逻辑起点来探讨艺术的意义，认为艺术家就是艺术的立法者，艺术家使艺术作品得以成立的观点，同样使得问题简单化了。不难发现，艺术创造并非艺术家为遵守规则而遵守规则，实际上只是为了某种艺术创造才去遵守这样或那样的规则，艺术家不是遵循了某些规则而成就了艺术。因此，需要有另一种线索来研究艺术家是如何赋予艺术品的艺术性或者艺术质量以及艺术规则的艺术质量。

其次，艺术是一种以情感为主的活动，情感的激荡构成了艺术活动的基本意义。但是，如果仅仅承认只有艺术家具备情感的表现能力，只有艺术家的天才能力才能超越事物的表面，捕捉到那最为动人的情感，那么，问题是这种情感能表现出来吗？即使能够表现，我们又如何体验到这种表现呢？这里问题还是不少。正如我们前面已否定的，艺术本来什么也不是，我们不要试图给艺术负载什么文化、情感等的因素在其中，但情感表现主义却把模仿说中的再现自然或理念暗换为表现情感，这种情感中心主义，实际上没有什么大的突破，反而以一种模糊的情感来惑乱视听，使艺术被一种不知所云的神秘主义面纱所笼罩，或是成为肤浅的弗洛伊德主义者的某种阴暗、病态心理的暗示，把崇高的艺术变成了类似原始巫术一样的神神道道的东西。本来情感使艺术充满活力，但情感表现主义所要求的情感的意味和表现，实际上是对情感的一种贬低和严重的曲解。

从艺术家出发探讨艺术的基本思路是，因为存在艺术家，艺术才成为可能，不管来自于理念还是自然，还是表现历史、情感等，它的一个基本的前提是艺术就是艺术家的制作。其中关键的问题是，就是艺术家以及他们的这些有意识地向自然或理念模仿或是表现情感的活动，艺术才赖以成立，艺术品才从自然中分离出来。这样，艺术家成了艺术制作的主体，相应地，艺术家之外的与之对立的自然、理念或情感则成了艺术的源泉和来源，是为客体。这是一种表面化的探求和本质主义的预设，因为根据这一观点，我们自然可以推出，在艺术之前，已经存在着所谓的艺术之为艺术的实体，不管它是在自然或是理念、历史、甚至情感之中，只不过是艺术家把它抽取出来而已，艺术家在这里扮演的是一个抽取的角色。这样，自然而然就形成了两个对立的因素：艺术的本体和艺术的诸现象，即艺术作为艺术的本质和艺术家、作品等，艺术之为艺术的东西自然地隐藏在事物背后，艺术家将它开掘出来，艺术家就成了艺术的代言人。

以艺术家为逻辑起点出发对艺术的意义的追问，使得艺术的意义探寻问题向本质主义更深地推进了一步，沿着这一思路下去，艺术欣赏或艺术接受就成了二次开掘的工作，作为艺术接受者的活动就是猜谜式的或是破译密码式的工作，我们面对艺术，就要愁眉难展、费尽心力地再次去找寻艺术家植入到艺术作品中的这种意义，但是，是否存在这种永恒的意义呢？这种寻找意义的活动是否构成了艺术活动呢？这种寻求意义的意义又是什么？解释学艺术理论便试图从艺术接受方面来完成这样的工作。

三、艺术和艺术接受

当从艺术作品和艺术家出发对艺术的探讨充满问题时，大家不约而同地把目光聚焦于以往的理论中关注甚少或根本没有关注的艺术接受问题上来。艺术接受包括艺术接受者及其接受活动，是对艺术作品的一种体验、感悟和评价；在这种接受活动中，通过对艺术作品的现实的存在的感受和思考，我们可能会和艺术作品一起构成一个属于我们自己的世界，获得一种情感上的体悟和评价。显然，这不单纯是个体当下的评价、接受的行为，同时也是在文化和文明的作用下产生的行为。因为这种接受、评价、体验的行为的复杂多样性和易变性，就使得这一过程变得更加扑朔迷离而难以把握，所以，因其无序性和随机性的特点，以往的研究多不予关注。但它确实是艺术活动中十分重要的组成因素，而且是艺术活动的直接发生者。20世纪以来的解释学艺术理论便试图以此为出发点来读解艺术、艺术作品。

解释学艺术理论把艺术接受作为艺术活动的主体，其基本观点在于强调从艺术接受者出发的对“文本”阐释和读解的多样性，肯定了艺术接受中“前结构”和接受中的误读和解释的合法性，由此达到对传统的艺术理论所认为的艺术的中心意义的消解。解释学艺术理论从艺术接受出发探讨艺术，是针对传统的艺术表现论而言的，这一理论首先要询问的是艺术中究竟有没有这种恒定不变的意义中心，作为艺术接受活动的实质究竟是不是对这种恒定的中心意义的寻找。在这一前提下，他们认为，在艺术接受活动中，这种“前结构”，也即“历史视阈”是影响接受的基本因素，它构成一种“合法的偏见”，所以，对于接受来说，不存在所谓的与文本符合或发现中心意义的问题，而是由文本和接受构成了另一个世界，在这一世界中，文本向接受者敞开，接受者也向文本敞开；故而，艺术接受中对艺术的理解，不是要指向那意义，进入艺术之中，绝对占有艺术所构成的世界，而是将自己是“非现实化”，将自己“暴露”给文本；在艺术接受中，是力图和自我构筑的“他者”不断地对话，形成一个不同的世界和新的视野。所以，解释学艺术理论强调艺术接受对艺术的意义，不但主张艺术接受者对艺术意义的占有，而更为重要的是通过这种占有对接受者自己的创造和激发。这样，传统的艺术的永恒、普遍的中心意义消解了，艺术不再是反映现实或表现情感的东西，它没有普遍的标准，永恒的意义，一切都在解释和对话中不断地展现，不断地开启着新的世界。在这一理论中，他们提出“读者中心主义”的口号，力图解构艺术作品、艺术家的在艺术中的意义，这样，艺术作品的范围大大扩展，艺术家的创造不再对作品具有决定意义，甚至作者彻底地从接受视野中消失了。

但解释学艺术理论的局限也是显而易见的，果真像他们所描述的，任何文本，在认识视界中是真理，而在审美视界中是艺术，全由接受者的读解来决定，那么，艺术的意义的规定性几乎等于零。这样，艺术创造、艺术家甚至纯粹的艺术作品都会从人们的视阈中消失，我们可能面对的一切都会成为艺术的世界，我们的一切活动都可能会成为艺术化的活动，在我们随意性的指称中，艺术就诞生了，那么，艺术还有什么意义和规定性而言呢？所以，这又不得不迫使我们把问题引向纵深。

从艺术接受出发来探讨艺术的意义，对艺术的本质和中心意义的消解，强调艺术接受的意义，从而强调艺术阐释的多元化和不确定性，这是现代哲学对传统形而上学的反叛在艺术理论中的体现。这样，在艺术接受的误读和敞开中，“我”和“艺术”构筑着世界，艺术活动成了艺术的意义探究的核心，艺术经验和审美经验则是艺术中主要强调的因素，对艺术的意义的探讨就直接指向了人的心灵的意义的探讨。在这里，艺术不再是模仿现实或理念等事物，或不再是情感的不断表现，艺术没有这个必要，艺术的意义变成了一种行动，一种构筑着“别样”世界的活动，艺术的意义在于将自己“暴露”在世界中，世界向自己的一种展开和敞亮，正是在这种沉沦和上升中，艺术的意义开启了。所以，解释学艺术理论引人注目的地方就在于将艺术的意义的探讨最终指向了艺术活动，指向了人的心灵。

四、艺术和艺术活动

从前面的分析我们看出，不论是模仿说还是表现说，不管是从艺术作品还是从艺术家出发来探讨艺术，都包含有一个不可克服的问题，都企图从让艺术来负载一些什么东西在里边，不论是作品中对世界的反映，或是艺术家感情的宣泄，都试图把理念或情感的内质强加给艺术，这是一种本质主义对艺术的否定，它在给艺术赋予一定的本质的时候，恰恰就将艺术彻底背离了。所以，我们认为，对艺术的意义的阐释的最大的问题是极端的知识化。人的任何活动都有相应的知识，归纳性的、解释性的或是反思性的等等，艺术作为人的一种活动，也被限制在知识的规范中了，这在很大程度上应该归咎于美学理论。作为艺术的规范性理论，美学理论已严重地背离了艺术，由于它过分的和极端的知识化倾向，使艺术被淹没在空洞的理论中。而要试图探讨艺术的意义，除了摆脱这种空洞理论的束缚外，最主要的还在于溯本逐源，从艺术活动的本初谈起。而解释学艺术理论的努力则扭转了这个方向，它更重视艺术是一种活动，在这种阐释的行动中，艺术和接受对自我和世界的意义的构筑和开启。因此，我们强调，艺术什么也不表现，什么也不反映，什么也没有，什么也没有的就是艺术！所以，对艺术的意义的探讨，从艺术作品、艺术家或是艺术接受出发，最终都要归结到对人的艺术活动的探讨中去。

艺术活动的根本所在就是构筑另一个世界的活动。我们之所以提出艺术什么也没有，什么也没有的就是艺术的极端的观点，并不是彻底的虚无主义和相对主义的遁词，而是要彻底否定所谓的艺术批评和美学理论对艺术是什么的概念化和知识化的思考，艺术开启的本来是一个非凡别样而不同平常的世界，而我们的理论总是试图将它纳入到我们正常的世界中来思考，这就从根本上将艺术背离了。所以，我们所要否定的就是对艺术是什么的提问。因此，问题最后会变为艺术可能的意义，艺术能够给予什么的追问，而这种追问只能再回到艺术活动中去探究，因为艺术活动是艺术的基本的和原初的起点。

如果我们以艺术活动作为艺术的意义问题的起点，那么我们又如何来描述艺术活动呢？人的活动纷繁复杂，究竟那些属于艺术活动？面对这些问题，我们又会变得困惑。但是，我们先验地认为人就是一个活动的主体的话，那么艺术活动也就是人的所有活动中的一种，这种活动的特殊性在于，它是一种再造另一世界的活动，它是一种心灵构筑意义的活动。

篇3

2、运动员参训动机调查

通过对吉林省业余体校艺术体操运动员参训动机调查发现，运动员参训动机中因为“自己喜欢”而参加训练的有38人，占到统计数量的41.76%；因为“锻炼身体”而参加艺术体操训练的有25人，占到统计数量的27.47%；因为“家长要求”而参加训练的有19人，占到统计数量的20.88%；通过艺术体操“培养气质”而参加训练的有6人，占到统计数量的6.59%；还有3人参加艺术体操训练的原因是“成为冠军”，占到统计数量的3.30%。通过数据统计情况来看，目前吉林省业余体校艺术体操运动员参加训练的主要动机是出于对艺术体操运动的喜爱。众所周知“兴趣是最好的老师”，运动员由于自身对艺术体操项目的喜爱而参加训练这不仅是一个良好的源头，也对其今后的训练将产生积极的影响。同时对吉林省艺术体操的长期发展也会起到积极的推动作用。另外，还有27.47%的运动员是出于“锻炼身体”的动机参加业余体术体操训练。长期从事艺术体操训练不仅可以提高自身的柔韧、灵敏、协调、力量以及爆发力等方面的素质，同时对气质培养和协作精神以及创新能力都会有很大程度的提高。

3、艺术体操训练内容满意度分析

目前吉林省艺术体操训练内容主要包括一般性队列练习、体态练习、身体柔韧度练习和简单音乐练习、芭蕾舞把杆训练、美国式地面训练、新体训练等内容。通过对吉林省业余体校91名艺术体操队员走访调查发现，其中有41名运动员对现有训练内容表示基本满意，占总人数的45.2％，有36名运动员对现有训练内容表示不满意，占总认识的39.7％，满意的有12名运动员，占总人数的14.1％。由此可见，目前吉林省业余体校艺术体操训练内容基本满足运动员的需求，同时还有39.7％的运动员表示不满意，通过访谈发现她们认为应该增加更多基础使用性的知识。因此，吉林省业余体校艺术体操在安排训练内容时，应增开各种风格舞蹈的练习、艺术体操器械的基本动作、艺术体操运动创伤的预防知识和治疗方法等方面的内容。

4、运动员参赛情况调查

通过对吉林省业余体校91名艺术运动员的走访调查，参加过1次艺术体操比赛共有75人，占总人数的82.4％，从未参加过比赛的共有10人，占总人数的11％，参加过2次比赛的共有3人，占总人数的3.2％，参加过4次比赛的人数只有1人，占总人数的1.1％。吉林省业余体校大部分艺术体操运动员参赛频数为每年一次艺术体操比赛，只有个别高水平运动员保证较高频数的比赛，很多艺术体操运动员由于缺乏比赛实践锻炼，不利于吉林省艺术体操后备人才的培养和选拔。

篇4

二、美的体验的非逻辑性

数字媒体艺术使美的体验呈现出一种非逻辑性的特点。传统艺术形式一般是按照受众接受的逻辑性进行艺术的表达，受众可以借助自己的常规经验对艺术作品进行欣赏，但是观众在欣赏新媒体艺术形式的时候会有“欣赏习惯受阻”的情况出现。如，新媒体艺术作品《动感<清明上河图>》运用数字媒体技术，将传统经典作品《清明上河图》进行了高科技的加工和重制，使静的艺术动起来，超出了受众的常规逻辑体验。因此，数字媒体艺术作品要求大众在欣赏的过程中运用非逻辑思维理解新的艺术形式所要传达的艺术意图，这样才能够充分感受高科技带来的视觉冲击。所以，数字媒体艺术对于传统艺术的突破之一就是受众欣赏途径的改变。数字媒体艺术与传统艺术在表达逻辑上的差别，是数字媒体艺术突破传统艺术审美逻辑的重大创新。

三、美的体验的开放性

与传统艺术相比，数字媒体艺术具有开放性的特点，传统艺术一般是由独立的创作者完成，艺术作品的呈现方式也是相对单一和完整的。但是，数字媒体艺术形式下，由于对网络形式的借助，艺术中美的体验是开放的。创作者可以根据自身的想法对不同门类的艺术作品和艺术形式进行综合改动。数字媒体技术将古典的艺术形式和现代技术结合，产生了很多具有开放式美感体验的艺术形式，现有的常见的作品种类有剪纸动画、皮影动画、木偶动画、版画动画等。如，用数字媒体艺术创作的作品《桃花源》，以东晋诗人陶渊明的经典作品《桃花源记》改编，将数字媒体艺术和中国经典的写意水墨画、皮影戏、剪纸艺术结合，创造了飘忽于写实意境与写意意境之间的动静结合的作品。在这部作品中，水墨画风格所展现的晕染、灵动、秀丽、淡雅的中国美学意境场景与皮影风格的人物相融合，加上高科技带来的动感艺术，使这部作品成为数字媒体形式下的具有开放性美感的崭新的艺术作品。

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二、时下最流行的三种创作方法

算法式数字媒体艺术、交互式数字媒体艺术和基于人工智能的数字媒体艺术，构成了时下最基本的三种方法。这三种数字媒体艺术在操作方法、作品的内容形式、普及程度和影响面上均有所不同。

（一）算法式数字媒体艺术是指用某一公式或算法

这个公式或这个算法中带以不同的参数，来直接产生一个系列的数字媒体艺术作品。此类作品的特点归纳起来就是主题比较抽象、图案赏心悦目，可在服装设计和工业品设计等领域大显身手。这种方法的使用者主要是一些对计算机编程语言较为熟悉，具备理工科背景的艺术家所采用的方法。分形艺术和非真实感绘画渲染是目前最有代表性的算法式数字媒体艺术。“分形（Fractal）”这一术语其实最初是源于数学范畴，从形而上学的角度来看，对于这个词，巴洛克的解释为不圆的珠子，分形指的是无规则、几何所不能描述的无规则的几何对象。比如，复杂的生命理解、流光溢彩的都市霓虹灯，与几何图形相比，显得如此不规则和支离破碎，这些极不规则的对象简单来说就是分形。分形艺术展现着无穷变化的抽象图案，蕴藏着宇宙的奥秘，可通过计算机编程产生，许多数学家、几何学家和艺术家沉迷其中。这些图案不仅在科学研究上有很大的价值（如说明宇宙的演化和生物有机体的特征），而且可以直接应用到服装、印染、喷绘和装饰设计中。

（二）数字媒体艺术创作借助软件来实现

是一个不断实践的过程，不断发展的计算机技术已为创作活动提供了一个互动的平台，光电鼠标等外设工具，操作环境也变得越来越人性化，艺术家借助这一界面和程序，进行更加专业化、更直接的应用。中国对3D很感兴趣，但是观望的居多，愿意真正大胆尝试的却不多，而整体技术经验也很欠缺。数字影视对从业人员的专业水平要求比较高，既要能熟练操作各种软件设备，又要能研发各种人物形象。

（三）人工智能化的数字媒体艺术

所谓智能化，可以形象地理解为，不借助人机界面控制，计算机可自行根据带有反馈功能的软件，自主完成视觉艺术的创作。计算机在绘画创作过程中，不需要操作者给出提示或是不给任何提示，或编程人员加以部分操控计算机绘画过程，或不需要任何人工指令输入，完全是计算机的自主行为，是人工智能的产物。

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2.未来主义所作的时间分解

塞尚以及立体主义画家尝试对画面空间的从新革新，而未来主义画家则尝试把时间从新进行分解。意大利是未来主义的发源地，未来主义画家们主张在画面上呈现物体运动感，通过在画面上呈现物体运动利于表现静止画布上还没有发生的事。未来主义的代表画家杜尚的画作《下楼梯的裸女》中，画家将一组组几何形形象，持续的动作特征，来描画一个裸女从楼梯上走下来的完整过程。这种近似的、持续的动作，可以解释未来派艺术家如何看待这个世界。把时间上有前后顺序的瞬间叠加在一个画面上，从而使画布充满运动感。未来主义画家们所运用的这种在一个画面中把时间从新分解的方法，是对长久以来静态时间表达方式的挑战，动摇了绘画艺术只表现某一时刻的原有想法。在未来主义之前，印象主义的画家克劳德莫奈就已开始尝试对同一景物，在相同角度，但在不同光线和时间段的表现进行研究，比如莫奈的油画作品教堂系列和干草垛系列。不同与未来主义作品的是，莫奈是把不同时间段的景物画在不同的画布上，而未来主义画家们则是把他们表现在同一个画面上。但是无论怎样，未来主义画家们把时间的概念又从新体现在绘画作品中。

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中图分类号：G80文献标识码：A文章编号：1672-3198（2008）03-0212-02

1 游戏：艺术的存在方式

伽达默尔认为“游戏”是研究艺术真理的入门概念，它构成了艺术经验的人类学基础，但他又明确指出，这里所讨论的游戏与康德、席勒所说的游戏是不同的。他说：“如果我们就与艺术经验的关系而谈论游戏，那么游戏并不指态度，甚至不指创造活动或鉴赏活动的情绪状态，更不是指在游戏活动中所实现的某种主体性的自由，而是指艺术作品本身的存在方式。”这里从艺术的存在方式出发，去看待“游戏”概念，不同于康德的“自由游戏”，康德认为美的表象是在想像力与知性的自由游戏中将心灵激活。他忽略美的对象，只展现人的主体性自由。席勒也一样，他提出“游戏冲动”“人只应同美游戏。”有一种强烈的主观主义倾向，这正是伽达默尔所要反对的，他是在存在论意义上讨论“游戏”的。

1.1 伽达默尔认为游戏的真正主体并不是游戏者，而是游戏本身

游戏是一个主动性的过程，它并不是游戏者的意识或行为中具有其存在，而是相反，它吸引游戏者进入它的领域中，并使游戏者充满了它的精神。与游戏相类似，艺术作品也不是一个与自为存在的主体所对峙的对象。它其实是在成为改变经验者的经验中才获得自己真正的存在。“保持和坚持什么东西的艺术经验的‘主体’，不是经验艺术者的主体性，而是艺术作品本身。正是在这一点上游戏存在方式显得非常重要”。艺术家之所以成为艺术家，是因为他在搞艺术。艺术活动或艺术作品，使人成为艺术家。因此，可以说艺术的主体不是艺术家而是艺术本身。

1.2 伽达默尔认为游戏的存在方式是自我表现

伽达默尔打破认识论上的主客二分的观点，指出在游戏中每一个人都是同戏者，不过游戏本身、游戏的重复运动是第一性的。游戏者和观赏者组成游戏整体，他们都指向游戏的意义内容，去表现游戏本身。而“事实上，最真实感受游戏的，并且游戏对之正确表现自己所‘意味’的，乃是那种并不参与游戏、而只是观赏游戏的人。在观赏者那里，游戏好像被提升到了它的理想性。”游戏是在观赏者中起到游戏作用的。游戏中自我表现是自然的普遍存在状态，艺术同样具有这个本质，正如戏剧，其本来含义即是“观赏者的游戏”，它最鲜明地展示了文学的存在方式。艺术的表现本质即体现在这里，因此我们可以说艺术的存在方式即自我表现。

1.3 伽达默尔认为游戏具有自我同一性

人类游戏向其作为艺术的转化，伽达默尔称之为“向构成物的转化”，并指出“只有通过这种转化，游戏才赢得它的理想性，以致游戏可能被视为和理解为创造物”，才显示出好像与游戏者的表现相脱离，并且存在于游戏者所游戏之物的纯粹现象之中。这种转化表明在艺术游戏里表现的东西，乃是永远真实的东西。它是对存在意义的一种真实的显现，而不是富有欺骗性的模仿，模仿具有认识意义，那就是再认识，再认识所引起的其实是这样一种，即比起已经认识的东西来说有更多的东西被认识。同样，艺术作品在表演、阅读和观赏中尽管会发生各种变化，但只要服从艺术作品的存在规定性，这些变化就不会外在于艺术，而是丰富和展现了作品的存在。理解的同一性的起点是作品的规定性，这种“同一性”即再创造，作品通过再创造，并在再创造中使自身达到了表现。在伽达默尔看来，把游戏概念引入艺术经验，对于美学研究有重要意义。

2 象征：艺术意义的显现方式

2.1 从艺术游戏层面理解追求真理的人类学动机

伽达默尔把游戏特别是艺术游戏从一切自然的游戏形式中提升出来，并由此引出一个理解层面追求真理的人类学动机，他把这种“持续性的假借”引为“我们现在从整个思索中所引出的一个进步”。这种思索即把我们引领到艺术本体论的另一个维度――象征。伽达默尔用了一个最简单的例证阐述了“象征”的含义：“象征就是那种人们由此重新认出某件事的东西――正如一位好客者凭借‘招待券’来重新认出他的客人的朋友一样”。个别对于再现全体的代表象征功能在这里就表现出来了。相对于艺术来说，则指艺术的符号和意指特性。伽达默尔的艺术象征特性其实来源于艺术的游戏性质。由自然游戏到艺术游戏，由艺术游戏到理解的游戏，由理解的游戏上升到理解对于真理的追求，这是一个逐渐增长和扩充的过程。就艺术而言，这是指艺术家通过在游戏中的自我表现，使存在的意义显露出来，并开启出新的存在可能性，从而构成了艺术的象征特性。象征既不是艺术手法也不是艺术流派，而是意义的显现方式。

伽达默尔认为歌德所说的“万物皆象征”是诠释学观念最全面的阐述。它表明不存在不能表明某种含义的事物，一切事物都指示其他事物，这里的“万物”并不是对每一个存在的断定，也不是为指明这种存在如何，而是为了断定，它是如何同人的理解相遇的。“可以被理解的存在就是语言”的论断，从理解的媒介出发描述了诠释学观点所具有的无限领域，也就是说所有的历史经验都能满足这个论断。但是作为诠释学的普遍性，只有艺术经验才能到达象征所指示的意义，因为“艺术语言的独特标志在于：个别艺术作品集聚于自身并表达了属于一切存在物的象征特征。”

2.2 通过绘画表现来说明“存在的扩充”

伽达默尔一反传统绘画观，而倒置性地认为绘画艺术中对原型的模仿非但不削弱其存在，反而会使之产生一种存在的增长或扩充。为了更好地理解这种绘画的本体论，伽达默尔首先讨论了绘画艺术中原型和摹本之间的关系。原型通过摹本达到表现，但摹本一旦构成，就是一种独立的存在，在本体论上，原型与摹本之间不再是第一性和第二性的关系。“摹本的本质是在于它除了模拟原型外，不再具有任何其他的任务。因此，它的合适性标准就是人们在摹本上认出原型”。摹本是作为手段而起作用的，它的真正功用在于通过类似性指出所摹绘的事物，当其目的实现，其作用便丧失了，因此，“摹本是在其自我扬弃中实现自身的”而绘画不是在自我扬弃中获得其规定性的，因为它们不是达到目的的手段，绘画本身就是被意指的东西，对于绘画来说，重要的东西在于其所表现的东西如何在其中表现出来。绘画具有某种自主的实在性，从根本上不同于摹本与原型的关系，绘画活动本身既不是主体的表现，也不是对客体原型的再现，而是绘画原型的存在意义在游戏和象征中得到的呈现。这样一来，绘画活动便不只是艺术家的主体行为，而是此在对于存在的理解和领悟。即使绘画艺术的初级阶段，绘画对原型的模仿也是一种再认识，因为“模仿是指某物得到表现，从而使它以这种方式呈现在感性的丰富性之中”谁要模仿，谁就必须删去一些和突出一些东西，从而使所认识的东西仿佛经过一种突然醒悟而出现并被本质地把握。每一种表现都在原型身上展露或揭示出新的意义“原型通过表现好象经历了一种存在的扩充”。几乎可以说这里发生了原型和摹本的本体论关系的倒转，正是这一点显示了解释学在方法论上的突破和创新。艺术对存在意义的展现，不是一般所说的呈现，而是以某种特殊的方式实现的，自身体现出唯一性；它是富有某种特定“韵味”的呈现。此外，艺术对于真理的呈现，实际上只是一种开启、去蔽或揭示的过程。受理解环境和语境变化的制约，对艺术的理解必然具有偶然性和变异性。正因为艺术意义的经验是流动发展的，所以绘画原型才会不断随之而“扩充”其自身的存在。艺术存在的展现和扩张是真理的揭示，认识的揭示，体现了艺术开放性特征。

3 节日：审美存在的时间特性

3.1 “节日”表征一种独特的时间――共时性

在伽达默尔的艺术本体论中，时间性是一个不可忽视的重要概念。如果说在艺术中游戏构造形式，象征体现意义，那么“节日”则表征一种独特的时间――共时性。艺术作品的理解之谜，归根结蒂是理解的过去与现在的共时性问题。艺术作品的存在和流传，是在这种共时性中实现的。共时性就是指某个向我们呈现的事物，无论其起源上如何辽远，在其表现中却具有完全的现在性。节日是共时性本身在它的充满形式中的表现。

伽达默尔认为有两种时间，即“历史的时间”和“超历史的时间”。真正的时间就是这种超历史的时间。“在这种时间中，‘现在’就不是一个短暂的瞬间，而是对时间的充满”。在《美的现实性》中，伽达默尔又把时间分为“空无的时间”和“实现了的时间”或“属己的时间”。空无的时间是那些无聊的空虚与繁忙的空虚所填充的时间，时间在这里是作为“被排遣的”的东西被体验到的。日常生活中那些空虚无聊、无所事事或忙忙碌碌却不知何为的人，就是在这种空无的时间里虚度光阴的。实现了的时间与此相反，是一种被激活的生命的体验时间。这里时间里的每分每秒，都体验到生命的意义和价值，感受到生存和世界深邃含义。这种时间最典型的就是节日的时间。

3.2 艺术作品永远是过去和现在的中介

伽达默尔有一种说法：艺术就是去庆祝。节日的时间结构同艺术作品的时间结构有内在的一致性。节日庆典活动因为被庆祝而存在，同样作为观赏游戏的戏剧也是因为观赏者表现自身而存在。同在不是“共在”而是“参与”。不管艺术作品的起源如何辽远，艺术作品与它被理解的一个时代完全是共时的，它并不使理解者或解释者注入另一个时代或另一个世界。艺术品的完满的现在性的获得还有依赖于观者对艺术作品审美性的参与，与艺术感受相关的是要学会在艺术品上作一种特殊的逗留。就如同“节日通过自己的庆祝放弃时间，使时间停止和延搁。”参与艺术品上的逗留越多，艺术品就越显得富于表情，多种多样，丰富多彩。艺术品的这种时间经验的本质就是学会停留，从而感悟那种永恒性的有限符合。

艺术作为一个有机的整体之所以具有存在的永恒性，则是在于它像节日一样，让人们在它的作品上作一种特殊的逗留，让人们的审美时间表现为完满的现在性，给人一种轻快与紧凑的节日体验。这就是艺术永恒的所谓真理之谜。综合这些考察，伽达默尔得出结论：“美学必须在解释学中出现，这不仅仅道出了美学问题所涉及的领域，而且还指出了，解释学在内容上尤其适用于美学。”

参考文献

［1］［德］伽达默尔，［法］德里达文，孙周兴，孙善春编译.德法之争：伽达默尔与德里达的对话［M］.上海：同济大学出版社，2004，（5）.

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在空间体验的过程中，要求参与主体要亲自进行体验，以自身的意愿积极主动进行参与，通过将自己的感官与生活体验的结合来实现空间体验的具体化及可实施化，并且在体验者发挥主观能动性的前提下，可以保证感受最具真实性，最有实施价值。

2.空间体验具有主观能动性

环境艺术设计中的空间体验环节是体验者的个体感受，因为每个体验者都是具有不同观念的主体，其自身的想象及感受是根据个人经历、阅历、学识和参与程度等诸多因素体现出来的。具有独一无二的特性，而且由于个体自身对事物的认知能力与程度的不同，导致了不同体验者对空间环境的感受是各不相同的。

3.空间体验具有综合性

空间体验不单单是视觉上的简单感受，它的体验结果来源于各个器官的结合作用，并且要综合个人的情感体验，是人的内心活动与外界空间环境刺激相结合的综合体验。

4.空间体验具有延展性

当体验者在有限的空间进行空间体验的过程中，虽然可提供的空间环境是有局限性的，但在体验的过程中，体验者所感受到的交流范围是无限的，它取决于人们的思维模式、情感想象及生活记忆等等。

二.空间体验与环境艺术设计的关系

1.空间体验是环境艺术设计的基础

好的环境艺术设计作品不是闭门造车的结果，而是基于设计师良好的学识与文化修养、丰富的阅历和想象等等。在实际的建筑环境艺术设计过程中，正确的空间体验可以帮助设计师们不断地学习及积累创造素材，将自身所感受到的灵感应用到环境艺术设计中去。再者，空间体验的方式使艺术设计变得有据可依，不再单凭想象进行创造，从而避免了因设计理念的不可操作性而浪费时间。

2.环境艺术设计趋于情感化、人性化

环境艺术设计是一门与人们生活联系紧密的学科。在大的方针政策方面，我们强调以人为本，突出人的主体性作用，此时空间体验使得整个设计环节更加具有情感化及人性化。设计者在通过情感体验的方式来进行操作实施的过程中，不断了解人们内心世界的需求及对周围环境的感知，从而使得作品更加体现人的意志，更加符合以人为本的发展要求。

三.空间体验在环境艺术设计中的重要性

1.空间体验是环境艺术设计中必要的学习方法

在日常的创作及设计过程中，空间体验帮助设计者在除去书本教材的学习中，增加了大量的实践操作环节，促使人们走进建筑之中去感受环境传递给人们的信息。让整个设计过程更具人性化及创新化，高于书本所提供的观点之上，更加符合实际生活中人们对建筑设计的需求。并且空间体验在作为学习方法的过程中可以使创作者及观赏者产生深刻的印象，增加了双方的建筑视觉阅历，激发了人们对待建筑艺术设计的独立思考能力。

2.空间体验是环境艺术设计中一种有效的设计途径

第一、营造空间结构关系。在环境艺术设计中融入空间体验的设计途径，是将人与建筑、环境、场所及它所承载的生活情节相关联，从而激发人们的创作灵感，在空间布局上应用相关知识进行理念设计。这种方法在营造空间结构关系上，不局限于日常建筑结构，使整个环境艺术设计体现人性化的设计理念，使空间结构布局不再单一、重复，而是从生活体验中创作出更具特色及观赏价值的建筑设计。第二、建立场所感。在进行空间体验的过程中，对其进行深入的延伸可以将整个过程建立出场所感。这种场所感的建立是空间体验的升华，人们可以结合自身对历史文化的理解，对周边空间承载的生活情节及个人的回忆、憧憬等等来感受空间体验所带来的意义。环境艺术设计具有了场所感是现代人们对空间体验的一种更高效果的要求，在通过地域文化、民族风情、功能要素、历史文脉等来营造良好的建筑环境艺术空间，在此基础上将空间结构秩序建立场所感是环境艺术设计中有效的设计途径。

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一、提问宜“曲”，不宜过直，要讲究提问的技巧

比如分析小说的人物形象时，总免不了要讨论人物的性格。如果我们每次涉及到这个问题时，都这么直截了当地问：“这件事体现出了人物什么性格？”那么一次两次尚可，次数多了，学生定会感到乏味，以致对讨论提不起什么兴趣。此时，教师不妨跳出来换一个角度思考，换一种方式提问，也许会有意想不到的效果。

如一位老师讲《林教头风雪山神庙》，在分析到林冲的性格时，他不是问：“这儿体现出林冲什么性格？”而是换了一种问法：“同学们，大家说说看，这件事要是换成鲁智深会怎么处理呢？”这一问可激起学生兴趣了，在对两人的比较中，林冲的性格也就自然地凸显出来了。

再如特级教师钱梦龙先生，他十分讲究“曲问”的艺术。他在教《愚公移山》时，讲到“邻人京城氏之孀妻有遗男”的“孀”字与“遗”字时，没有直问这两字的意思，而是问：“邻居小孩去帮助愚公挖山，他爸爸同意吗？”这一问就使这两字的意思深深烙进了学生的脑海。如果说学生掌握知识的最佳动力是兴趣，那么曲问便是激发学生兴趣的魔棒，掌握了它，我们自会成为课堂上的智者。

二、问题要精当，不宜烦琐，要有主次之分，要能突出重点

“满堂灌”的教学方法被摒弃后，有的课堂就走向了“满堂问”。你问我答，热闹非凡。殊不知，问题过多也会有害。老师的“问”代替了学生的“学”，学生忙于应付提问，必然会减少思考的时间，课堂效率自会降低。再者，问题过多，难免会趋于烦琐。

比如一位老师教学《一滴眼泪换一滴水》时，他提了如下一些问题：

1.行刑前、行刑时，围观群众对卡西莫多是什么态度？

2.为什么用这种态度对待他？

3.卡西莫多的态度是什么？

4.他愤恨失望的原因是什么？

5.相对于群众，爱斯梅拉达的态度是什么？

6.卡西莫多为什么会流泪？

7.群众为什么会喝彩？

这些问题很明显是按情节发展顺序罗列而来，未经整合，故难免琐碎。问题一路问下来，平均用力，致使层次不够清晰，重点难以突出。这就要求教者应对问题进行有机整合，该合并的合并，该明确的明确，从而突出重点，分清主次，是学生能从你的问题中有所“得”。

三、提问应在“无疑处生疑”，要引导学生深入体会那些容易被他们所忽略但往往又是作者匠心独运的内容

例如《雷雨》中，周朴园与侍萍相逢的那场戏。为了表现朴园一步步惊觉出站在眼前的就是侍萍时的复杂心态，先生设置了对侍萍身份的四问：

1.“你――你贵姓？”

2.“（抬起头来）你姓什么？”

3.“（忽然立起）你是谁？”

4.“（徐徐立起）哦，你，你，你是――”

这四问穿插在剧本情节中，学生读起来觉不出问题，很容易忽略过去。但如果我们深入探究，将这四问罗列在一起，本无疑处也就生疑了。“这四种不同的说法显示出人物什么样的心态变化？”从“你――你贵姓”的冷漠的客气，略略地警觉到“你姓什么”的直接，再到“你是谁”的惊疑、紧张到最后的“你，你是――”的恍悟，将两人相认的这场戏表现得跌宕有致，很是富有戏剧的情味。此处，除了指导学生品味这四句台词，还应设计些小问题帮助学生赏析三处舞台说明。三种动作，三种心态，着墨不多，却刻画到位。大家的笔法，独到的匠心就在这浅易之中传达了出来。

笔者认为，老师应该让自己练就一双“慧眼”，能够从浅易处挖掘出深意，让学生“无疑处生疑”，在问题中开启学生的智慧。

四、对于较难的问题要善搭台阶

某些难度较大的问题，学生不可能迎刃而解，这就要增加思考的阶梯。其方法是无梯时架梯，有梯时增加阶梯的密度。例如讲解“拿来主义”时，就应多设几级提问的阶梯：“拿来”是指什么而言？“拿来”的原则、方法是什么？“拿来”的目的是什么？怎样才是“拿来”？“拿来主义”的重大意义何在？这一连串的问题由浅入深，逐层深入，才能启发学生对“拿来主义”有一个逐层深入的了解。再如讲《过秦论》时，笔者根据秦国兴起、强大、统一全国及其灭亡的过程，精心设计了四个台阶式问题：

1.秦国兴起时实行何种基本国策，起何作用？

2.秦孝公以后的80多年，又为何能进一步强大起来？

3.秦始皇统一天下是偶然的吗？为什么？

4.秦朝迅速灭亡的基本原因究竟是什么？

这几个问题，由于“解答距”的长短不一，形成了问题的梯度，调动了学生思考的积极性。在解答问题的过程中，学生的思维随之逐步提高。

五、提问要注意设计语言

一个问题的提出能否让学生明白、接受并积极思考，在很大程度上都有赖于问题的语言组织形式。笔者认为提问首先要明确、具体，不能大而无当，让学生无从下手。

比如，一位老师讲《声声慢》，在诵读完这首词后，老师提出这么一个问题：“同学们，词读完了，下面请大家概括一下画面。”这种问法，我们常在课堂上听到。问得很随意，没有考虑到自己的问题是否说得够明确，够具体。结果导致学生难以把握，无从下手。好在这位老师注意到了学生为难的表情，考虑到学生较薄弱的基础，这个老师又补充了一个问题：“同学们，读完这词后你看到了什么？听到了什么？你在想什么？”这个问题较前一个问题就显得具体、形象、明确得多了。学生有了一个思考的方向，问题也就提得更有价值了。

其次，提问的语言要有一定的情趣性，要能激发学生的兴趣。

比如，一位老师教学《长亭送别》的第一个场景时，问了这么一个问题：“俗语云‘女为悦己者容’，莺莺为何无心妆扮呢？红娘不知，你知道吗？快从曲子中去找一找吧！”这个问题无论是俗语的运用，还是“红娘不知，你知道吗？”的巧妙激发，都充分显示出这位教师的智慧。

当然，上述课堂提问的艺术并非是孤立的，一堂课并非只是运用其中的一种方法，更多的是多种方法的综合运用、互相渗透。这就需要教师对问题教学法有更深的理解，努力掌握，灵活运用方能行之有效。

参考文献：

[1]张大均.教育心理学[M].北京：人民教育出版社，2004.

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2对未来化工工艺设计的展望

2.1化工工艺设计要体现低能耗

在化工生产中，大部分人将能源成本看成是生产总成本中的一个重要组成部分，其实在实际生产过程中并非如此。因为人们只要解决了基建投资高和能量消耗大这两个问题，就能有效的提高生产效率，从而实现生产成本的降低。因此，如何降低化工生产过程中的能量消耗和与之相关的课题研究，才是化工工艺设计的关键。例如，将超临界流体应用于一些大型的分离装置上。通过对当前一些资料的分析以及相关的研究数据显示，一些系统的能源费用比一些常用的技术要低，例如蒸馏、恒温共沸等。在化工工艺设计过程中降低能耗，是一个降低生产成本、提高生产效率的有效措施。

2.2化工工业设计要体现低的基建投资

化工工艺是一种密集型产业，一般很少进行生产工艺的改革，除非在其化学研究成果上有重大的突破，能使化学工艺得到完善与提升，否则只是通过改进现有的设备装置、扩大生产能力等方式来提升生产效益。如通过优化工艺过程、减少设备尺寸等方式实现低的基建投资。例如，Higee化工工艺设计，可以应用于蒸馏塔的改造，从而有效的提高了蒸馏效果，使得化工生产取得了良好的经济效益。

2.3化工工艺设计要体现环保意识

随着社会经济的发展，环境保护已经成为人们广泛关注的焦点与热点。在化工生产过程中，通过对原料的回收利用、减少污染源等措施能够有效的减少化工生产过程中的污染问题。通过化工工艺的设计达到减少环境污染的目的，就需要解决两个问题：a、对当前的化工生产装置进行扩大和升级。b、在化工工艺设计自身的基础上改进生产装置。例如，在产品分离的过程中，提高产品的分离效果，这样就可以减少废料的排放，提高对环境的保护。还可以通过改进工艺设计，提高化学反应速率或者产品的转化率，提高原料的利用率。

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1.1西方绘画艺术的引领

一方面，现代艺术的变革起源于印象主义，先后经历了印象、新印象和后印象主义的初期探索阶段，使人类对于物象的感知和表现方式产生了新的理解，从而使艺术设计进入了崭新的时代。印象主义对现代设计的色彩语言产生了深刻的影响，使得现代设计的色彩语更加炫彩夺目，也是人们对于设计的审美追求有了新的理解增强了艺术设计的视觉信息传播力，使得设计内容过多地开始强调自然生态中人类自身；另一方面，作为现代艺术的视觉传达形式的两种类型之一的再造自然型，具有强烈的主观抽象的表现特点，体现了现代艺术设计的以人为本，面向人类自身服务的艺术设计理念。

1.2中国传统艺术的滋养

现代艺术设计的肌理技术体现了现代社会的技术性，中国传统艺术技法语言的水墨材料体现了浓浓的东方传统文化的人性化精神情节。中国传统艺术追求完美的艺术意境，要求画品与人品相结合，工中带写，许多设计作品在素材选取、构成、色彩以及文字等构成元素上，都洋溢着浓郁的中国传统艺术的审美取向。

2现代艺术设计本体化构建

2.1绿色设计

在当下生态环保理念的影响下，现代艺术设计的审美理念越来越从保护自然生态环境的角度出发，追求自然美和艺术美的和谐统一。绿色设计理念也越来越成为评价现代艺术设计优劣的重要标准。在绿色设计理念的指引下，设计师应从尊重自然生态基本法则的角度出发遵循环生态环保的设计理念进行艺术设计；此外，设计师要树立绿色环保意识，积极通过绿色健康的设计作品来引导人们的绿色审美理念，始终倡导人与自然的和谐相处。总之，艺术设计出了要关注设计产品本身，也要更多地挂住我们的自然生态环境，借助绿色设计理念和手段，实现人与自然的和谐统一，也为现代艺术设计开辟新的天地。

2.2低碳设计

低碳设计旨在降低空气中碳的排放，实现自然环境的可持续发展，最大限度地激发现代艺术设计的人本化灵感。低碳设计、低碳生活已经成为当下社会生存意识的主流，从而引发设计低碳的创意趋势。设计旨在从人类的可持续发展为基点，维护环境的可持续发展的基本规律，降低对空气中碳的排放量，保护自然环境，并且最大限度地发掘各种艺术设计的人本性设计灵感，使人们对生活质量和精神享受拥有最大程度的满足感。

2.3非物质设计

在工业化大生产的时代，技术设计的理念在于更多地满足人们的物质需求，而现代艺术设计在设计理念、设计方式和设计导向等方面更多地趋向人性化，向非物质的设计理念发展，更多的是满足人们的精神需求。在更为深刻的艺术设计理念中，面向人类的需求和发展，凸显艺术设计的终极追求，依托本体化设计导向，通过设计所产生的精神效应来抚慰人们在高速度、快节奏的生活压力下所产生的焦虑和不安，使人类超越物质的束缚，进而追求精神健康的体验。因此，现代设计艺术的非物质化是设计发展的一个重要趋势。

3现代艺术设计本体化化溯源

3.1大众化

现阶段的互联网信息和知识经济时代，在很大程度上是由图像视觉信息所传达的人类认知和审美世界。也正是由于当下图像信息设计人类社会生活的各个方面，使得现代艺术设计具有强烈的大众性理念，这直接表现在现代艺术设计的文化基础、思维导向和设计灵感来自大众文化，同时也致力于使现代艺术设计到达简洁、深刻、直接和精致的艺术追求和审美取向。因此，大众性正是现代艺术的时代特征，同时也称为评价现代艺术设计水平的重要参考标准。现代艺术设计借助各种各样的设计形式传递信息知识、表现艺术审美。除了满足人们的物质享受，更多的是启迪人们的审美意识，洗涤人类的审美心灵，提升人们的审美艺术享受。

3.2网络化

随着互联网时代的到来，不论是信息的传递容量还是信息的传递速度都在飞速地增长，使得原先的语言和文字媒介已经无法满足信息传递的需要，信息容量大、内容丰富、传播快捷的视觉媒介应运而生。由于图像传播媒介不具有文字等的认知隔离和交流障碍，突破了不同地域和文化传统的束缚，超越了时空的局限性，已经越来越成为符合人们交流习惯的交流媒介，也被大众和现代艺术设计界所广泛接受，迅速形成网状传播的设计优势。现代艺术设计通过设计图像将设计理念和图像信息以更加便捷并且覆盖全球的传播途径传递给更加广泛的受众，信息时代的图像艺术设计已经成为艺术理念和图像信息的全球性传播途径以强烈的网络覆盖力深受大众喜爱。借助这种网状非线性的方式，现代艺术设计更加便捷地服务于大众生活。因此，网络性也是现代艺术设计人性化的一个重要体现。

3.3多感化

艺术设计审美的受众是具有多感官的审美本体，多感官途径的艺术理念传达更具有高效的艺术审美效果。因此，现代艺术设计通过多感化的设计理念，彻底打破传达媒介的低劣化应用，通过多样的感官参与体验设计信息的传达，到达了直接、真实、直观的传达效果，一起传播范围更广泛、传播效率风高效的特点被大众和设计师所认同，实现了一种全新的设计传达手段。借助多感官的艺术体验和外感价值的完美统一，使得设计作品的信息传播效率和接受范围获得了质的飞跃，最大化了艺术理念的传播效果。因此，多感官的现代艺术设计理念也是时代大众审美和艺术设计理念的时代诉求和历史潮流。

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随着英语课堂教学改革的积极开展，教师逐渐对课堂教学中的提问环节给予了足够的重视。教师利用提问能够引导学生正确地理解知识，培养其思维反应能力，并结合语言交流让学生自己回答出所提问的答案，这一系列的过程在英语课堂中成为了必不可少的教学措施。教师利用课堂提问除了能够了解学生对知识点的掌握情况外，还能对课堂教学质量进行检验，反馈教学工作取得的成效。

一、课堂提问的意义

1.增强交流，融洽感情。

在传统的语言教学中，课堂教学被看成是一个由教师向学生传授知识过程的过程，教师占据着课堂的主导地位。老师和学生、学生和学生之间都缺乏交流。而交流是教学尤其是语言教学的本质，缺乏交流、缺乏语言的沟通，英语教学就无法进行。通过课堂提问，教师可及时地了解学生对所学知识理解和掌握的程度，使教师与学生共同在一种互动式的课堂交际中活动。因此教师设计好问题，就如在师生之间架起交流的桥梁，使学生在愉快的学习环境中增强英语学习的兴趣。

2.引发思考。

问题是思维的起点，也是思维的动力。著名教育家陶行知特别强调勤学多问。他认为：“发明千千万，起点是一问。禽兽不如人，过在不会问。”学生头脑中有了问题，就会在认识上产生矛盾，从而去思考、去探究。由此可知，设疑提问是引发思考的起点，是发展学生思维能力的重要保证。

3.反馈信息。

教学活动是师生双方互动的过程，要保证教学的质量和效率，及时得到信息反馈是十分重要的。英语教学中反馈信息的方式有多种。其中，课堂提问应是教师取得有效反馈信息的一个重要手段，它同课堂教学中其他的信息反馈手段相比，具有更及时、更具体、更准确的功能，教师可以根据教学中的问与答，随时了解并分析学生对所学内容掌握的差异程度，对教学进行调整，使整个教学活动有的放矢。

二、提问的有效性

要提高提问的有效性，首先，要讲究提问技巧，做到：（1）设计有交际意义的问题；（2）设计有针对性的问题；（3）设计能吸引学生注意力的问题，教师提出的问题难易程度要和提问的对象结合起来。如果问题过于简单，学生不需要思考就能脱口而出，这样不利于培养学生的智力；如果问题过难，学生回答不上来，容易失去信心。英语教学过程中除了大量的句型练习外，英语问题的设置要有针对性、启发性，不要让学生感到提出的问题乏而无味。其次，要讲究提问的艺术，做到：（1）眼看全班，问题明确；（2）提问灵活，形式多样；（3）时间适宜，鼓励思考。教师的问题表达不清晰，问题难度过高，语速过快，都会影响学生回答问题的质量，教师提出的问题也就失去了意义，所以教师提出问题一定要做到准确、简单、清晰，语速适当放慢，语调适当提高，必要时可重复提问。这样，学生在理解问题的同时，才能积极地思考。

三、反馈提问的艺术

1.表扬。

表扬是对学生能力的认可。在评价学生的回答时，要坚持表扬为主，即使学生回答完全错误，也应听他说完，再给予评价。且要力求去发现其中的一些积极因素，给予某种程度的肯定。尤其对基础较弱的学生更要特别表扬，消除他们心理上的障碍，唤回他们的自信。

2.鼓励。

当学生的答复不得当，或当学生不能回答问题时，教师应给予适当的鼓励，提供暗示，帮助分析原因。不可冷眼相对，挫伤学生的自尊心。

3.引用。

引用是一种间接的表扬，在陈述答案或总结时，教师如果能引用某位学生的语言，则可起到比口头表扬更好的效果，一句“Just as ... said just now...”会使学生得到认可感、成功感，唤起足够的自信而默默地为更高的目标努力学习。

四、英语课堂提问的注意点

在英语课堂教学过程中，师生之间的问答交际是一种常见的教学形式，但在实际的英语教学过程中，许多教师精心设计的问题却显示不出什么效果。因此，要提高提问的质量，充分发挥提问的功能，培养学生运用英语语言口头表达的能力，应注意以下几点。

1.提问后的停顿要适当。

教师在提问完毕后应该给学生一段时间思考。但是，有些时候老师往往在学生思考时不断催促学生，不利于调动学生参与课堂活动的积极性。应该停顿多长时间，这要视问题的难度而定。

2.提问要从学生实际出发。

教师在深入钻研教材的同时，必须对所任教学生的思维特点作全面透彻的了解，设计出符合学生思维规律的问题，才能达到良好的教学效果。

3.对所提出的问题应作必要的提示。

学生有时一时回答不出教师提出的问题，是因为他们对问题本身没有完全理解。因此，教师可以用不同的形式重述问题，或者将问题简单化、具体化。

4.所提出的问题难易适中。

英语课堂提问是课堂教学活动的一个有机组成部分，是完成教学任务和实现教学目标的重要方法之一。教学实践证明，课堂教学中提问的艺术――问与不问，问得妥当与否，采取什么方式，问题的设置、提出、回答，等等，对启迪学生思维，更好地、主动地掌握知识，培养学生的语言表达能力，激发学生学习兴趣，活跃课堂气氛，优化教学过程，提高教学质量都起着十分重要的作用。

参考文献：

［1］江慧萍.浅谈英语课堂的有效提问.正德学院学报，2006.2.