电影艺术范文

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一、社会学角度研究现代电影

（一）从人类文化方向研究电影1.现代主义电影艺术的创作与道德真正标志着西方电影中现代主义的再次兴起的，是以法国新浪潮电影运动为开端的现代主义电影。其发展与当时的时代特征息息相关。第二次世界大战之后的法国，正处于百废待兴之时，此时的新浪潮电影，涉及到了许多当时青年一代对于生活的彷徨与无助，同样，电影创作者也有意的将道德的因素融入影片的当中。2.现代主义电影艺术的创作与哲学两者相互影响。新浪潮，反映了那个时代人们极其复杂、丰富的思想感情和极为深刻的哲学思考相互影响，对于人性、人生、社会现状的深刻思索与检讨。法国新浪潮运动就其本质来说是一次要求以现代主义的精神来彻底改造电影艺术的运动。（二）从社会人生方向研究电影看待一个时期的电影，必须要把其放入当时的时代背景之中，深刻理解当时的创作背景，并且也要清楚知道这一时期作品对于当时社会又有着怎样的影响作用，甚至是对于现在的艺术发展又有着怎样的相互关系。然后，就是要清楚知道一个作品对于人的反应及影响。新浪潮，是对当时法国社会的混乱颓废局面的一种控诉，是作者个人化的作品，反映了当时人们的心理状态，但是由于极具风格化，所以并不为大众所接受。

二、艺术创作的风格分析

分析的这一过程，其实是一个心灵物化和物化心灵的过程，创作者要创造出具有一定物质形态和时空形态的艺术作品，具有强烈的精神性和积极的实践性。艺术创作的过程，其实就是艺术家、艺术品、艺术接受者所组成的一个人类活动空间。（一）现代主义电影一切对艺术的传统观念有所突破的艺术都可称为现代艺术，同样，现代电影艺术也是反传统的电影艺术。其主张是打破艺术家、作品和观众之间的区别，艺术干预人类生活。深受现代社会文化影响又立足批判现实社会对人性的压抑。艺术家不直接描写社会和人生（少数艺术家例外），但他们的作品影射着社会和人生。他们的叙述语言是荒诞的、寓意的或抽象的。（二）法国新浪潮法国新浪潮，对法国商业电影的平庸和虚假进行了猛烈抨击，提倡在电影创作中展现导演的个人风格。这些年轻人尽管有共同思想和理论，但不组织学派或集团，拒接发表共同的纲领性宣言。强调个人风格，声称电影是个人思想的产物，他们的表现手段和风格相差许多，但是都是表现个性张扬自我。导演的创作意图非常个人化，也就带来了革新电影的语言和形式（更真实—实景拍摄和现场即兴拍摄，真实音响）、更简捷（跳接剪辑手法）。确立了电影个人风格的地位，鲜明的个人印记，更真实，更个性，更内化，甚至有自传性作品。但在这些个人化作品中，仍能感受到强烈的时代特征和共同情绪。都反映了二战后法国青年一代的失望和幻灭，他们挑战传统，愤世嫉俗，但是没有理想和信念，没有生活寄托和目标，表现出一种消极和颓废的世纪病。现代主义电影，风格各异，但有一个共同原则：非理性主义思想主宰创作活动。要求在艺术创作过程中摆脱理性的束缚，用非理性的直觉、本能、潜意识、意志等。“原始力量”在作品中体现创作者的“自我”因此，这种作品的含义常常是隐晦的、暧昧的、多义的，需要欣赏者自己去探求。可以说，现代主义电影是深刻的、自我的、个性张扬的同时也是小众的。人，对于电影这个载体的主宰能力充分体现出来。

作者： 单位：四川大学 艺术学院

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绘画属于静态艺术，存在于二度空间的绘画艺术形象，它是静止的、可视的平面形象，这就是绘画难以像电影那样表现动作的持续和事物发展的全过程，而只能截取这个过程中的一瞬间，即某一片段的形象或场景，在表现时间和运动方面有很大局限性。为了克服这一瞬间形象在表现力上的局限性，绘画，特别是情节性、叙事性绘画必须尽可能地调动、引发欣赏者的联想与想象，收到以静态的瞬间形象概括地表现题材内容和一定动态过程的艺术效果。这就要求创作者善于选取和捕捉最富有启发性的瞬间形象，予以概括，提炼和升华，创造出富有生命力和表现力并富于联想的形象。在各艺术门类产生和发展的进程中，人们的心理需求是原动力。如几百年来人们追求再现运动，于是有了连环画、有了走马灯、有了活动照相、最后有了电影。电影可以真实地再现运动的整个过程，于是他在描绘情节时具有得天独厚的条件，这一条件使得电影成为一门具有独特性的艺术。然而，电影也恰恰是从其诞生之日起就顽强地表现出了作为一种崭新的、迥然相异与其他表现人类生活与生命历程的方式。这种方式的特殊性在于它自身的矛盾性，即它在能够相当逼真地呈现人的现实知觉的同时，还能相当逼真地呈现人的幻想。他终于发展成为一种真实地呈现幻想或幻想式地表达真实的叙事途径。这种幻想式的表达真实的途径与绘画概括地反映现实生活、抽象出现实生活的精神力量的特征是一致的。绘画中的有关现实的概括也是画家的幻想，绘画也可以真实地描绘幻想，像达利的超现实主义绘画，他模仿相机的成像效果，拉近了作品与现实的距离，但画面中流动的时钟或人头马身的形象全是作者的幻想。

电影与绘画一样是形象的、可视的，同样受到画幅的限制，但不同的是绘画是对客观现实的主观概括与抽象，他的视觉形象是画家个性化的，从而表达创作主体的审美感知和审美理想。绘画虽然擅长再现，在摄影出现以前绘画也充当了很久再现的职能，但最写实的绘画也区别于摄影，它是通过画家主观意识的创造，融合创作主体的主观精神和审美趣味，远不是对客观事物的单纯摄取和摹写。随着摄影的出现，在对待主体（画家）和客体（描写对象）的关系上愈来愈强调画家主体的作用，体现在再现、具象、写实的表现手法越来越注重画家的主观处理，也体现在表现、抽象、写意的兴起。绘画是运用形、光、色以及点、线、面、构图等因素来实现人的内在心灵的审美物化的，电影则是通过摄影机的镜头组接、场面调度、后期剪辑制作等电影本体元素的运用，以照相“猎奇”式地反映现实的基础上提炼与再现现实，借以概括地反映人的精神生活的复杂情况，传达情感的力量。电影元素与绘画元素相比，电影元素更具表现力和生动性。电影理论家巴拉兹指出：“特写镜头可以使我们看到事物的一切细枝末节；变化多端的摄影方位是电影特有的最强有力的性格化手段；剪辑不仅创造出节奏，而且产生出丰富的意义。”绘画静止的画面不及电影纪录的逼真纪实性来的生动以及独特的心理显现功能的强大。一方面镜头的计时功能可以在单镜头表意方面极尽其能事，另一方面电影镜头又可以借用绘画的构图、色彩、线条等表现元素、表意功能来加强自身的表意系统，还可以通过画面与画面的组接，产生蒙太奇叙事效果，把观众的情绪和理智也带入作品中。

从某种意义上说，节奏是艺术精神的生命线。电影在这方面具有绝对的优势。绘画中的节奏是通过线条的长、短、粗、细、松、紧、虚、实，块面的大、小、方、圆，色阶的高低、冷暖，明度的强弱对比，还有画面中各元素排列的疏密等来表现的。归结起来绘画中的节奏表现的手段是极其丰富的，但由于绘画是静止的平面的作品，所以他的节奏是处在二维空间的节奏，是横向的，而电影可以表现事物发生的过程，所以它可以像音乐一样表现纵向（时间）的节奏感。在各个画面上电影可以利用绘画元素使画面具有节奏感，更重要的通过剪接使画面与画面之间具有节奏感，可以利用平行蒙太奇、交叉蒙太奇或改变二十四分之一画个数度的电影视觉还原法则，采取“挖格”“增格”“错格”的办法，来实现镜头之间或镜头内部的某种节奏对比，以造成某种非同一般的精神含义。而且还可以结合音乐加强其节奏感。当然电影的这种优越性很大一部分归功于电影的综合性。

绘画在表现情感和精神力量上有着最大程度的自由，这是其他艺术所无法比拟的，而与电影艺术又相互印证，如以下两点：

第一，绘画不像电影受到技术条件、人才条件、空间、时间、受众者和资金等的限制，绘画只需纸、笔和颜料就可以画出丰富多彩、变化多端、情感丰富、寓意深远的画，正是由于它的这种自由而且绘画用具简单便宜，使得从事它的人员可以非常广，既可以是中国古代的士大夫、皇孙贵族也可以是道士僧人，电影作为一种产业生产，导演只是受聘于电影公司，电影从制作、发行到放映的整个过程都耗资巨大，电影比起其他任何一种艺术对技术的依赖都更大，而电影技术日新月异基本的投资规模越来越大，放映电影需要专门的建筑场所和设备，使得对那些希望进入电影的资本来说，构成了壁垒。所以电影的制作受几家大电影公司的垄断。并不像绘画那样各个阶层的人都可以接触。

第二，正是由于绘画不需要高额成本，所以不求利润回报，就像中国古代的文人画家，这些画家一般具有较高的文化素养和社会地位，多为士大夫、画院博士、皇孙贵族甚至皇帝也有道人、高僧、居士、诗人，性情多“清高”画画是他们精神上自我调节的手段，是为怡情阅性，以自娱为主，注重主观性情的抒发，不随世俗，追求更高的精神境界。艺术上提倡“高雅”“平淡天真”“天真幽淡”，理论上主张“逸笔草草”“不求形似”“聊写胸中逸气”等。后来这些画被争相购买，也是在他们的画被肯定的基础上。如果画画是一心只为名利金钱是不能画出真正有艺术价值的作品的，没有一颗置身于世俗之外的心，为功利心所致就会造成迎合俗人眼光，像行画，或模仿名人，或者跳不出传统的套路，还有的求成心切，欲速则不达，反而一事无成还搞得身心疲惫。电影因为其自身的产业性质，使得电影显现出以营利为目的的本质。观众人数的多少是盈利的根本，所以要考虑到最广大人群的需求，克拉考尔认为，一个国家的电影比其他已是艺术手段能够更为自解的“反映出这个国家的心理”。他的理由是：首先，电影是一种集体的而不是个人的事业。其次，由于影片是为大众制作的，因此通俗电影的“母体”应该被看成是正中下怀的“大众的欲望”。所以绝大多数的导演像功利的画家一样是为迎合观众的口味，才有爱情片、英雄片、恐怖片、战争片等类型片的大量生产，大量思想浅薄、内容粗俗的电影在人群中广为流传。毕竟人类按思想层次排列的人群总是以金字塔结构排列的，思想境界越高的人总是排在金字塔的越高处，人数也越少，反之越多，所以才有人用“高处不胜寒”来比喻越有成就、越有才华、越有思想的人。所以在以营利为目的的电影产业里，绝大多数是为迎合大众口味的商业片，真正的艺术片所占的比重极小。

但我们不难发现，真正的电影艺术作品总是从夹缝中出笼的，而且确实存在着艺术作品被纳入发行的渠道中获得惊人的商业成功的事实。我们如何理解这一现象呢？在我看来电影既是艺术的也是商业的，所以电影属于一种文化产业，而且是一种涵盖极为广阔的传播方式，它为广大受众服务，但总有一些电影艺术家对电影的表现手法进行研究和探索，这种成果慢慢地被大众所接受并进入到极少艺术气息的电影产业机制之中，变成电影工业或者电影娱乐业的一个组成部分，借此进一步扩大类型化的电影在生产或者扩大电影的社会影响。在电影思想方面，也中有电影艺术家为表达深刻内涵或强大精神力量的影片，且总有思想内涵层次高的人懂得欣赏、领悟。并引导和影响大众的审美欣赏品位的提高。像每一年的电影艺术节就是对广大观众的一种引导。这样电影在可控制的情况下，随着电影艺术家不断地探索，受众者欣赏水平的不断提高，电影艺术将呈现出巨大的发展潜能。绘画作为具有悠久的发展历史的一门艺术，已度过了它的巅峰时期，随着社会的发展，科技的进步，物资生活条件的进步，电影、电子乐等艺术的新样式的出现对绘画产生了一定的冲击，但绘画由于它所体现的精神内涵，奠定了它作为高级精神养料的地位，随着人类精神文化的进一步提高，绘画也会日益发展扩大。

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电影艺术与音乐剧到底以何种方式相交融最佳，也许我们能从18世纪伟大的德国作曲家克里斯托弗?威利巴尔德?格鲁克那里得到一些启迪。格鲁克在他的歌剧改革中曾说：“质朴和真实是一切艺术作品的美的伟大原则。”他主张音乐应当从属于诗歌与戏剧，要使音乐达到促使剧情发展的作用，追求真实地表达人物的情感，绝不应为了毫无意义的歌唱技巧的炫耀而妨碍剧情的发展，把那些打断情节的、多余的装饰统统去掉。他强调歌剧要从整体出发，强调歌剧的内容表现，将音乐作为艺术手段之一，用以展现人物的个性和推动剧情的展开，简而言之就是“首先是一个戏剧家，然后才是一个音乐家。”格鲁克在歌剧改革中的理论，虽然只是改良当时歌剧艺术所提出的理论，但对当代电影音乐的发展有着很好的借鉴，为我们处理电影与音乐的平衡提供的参考：即音乐是电影艺术中重要的组成部分，是影视剧情发展的催化剂。由音乐剧改编的电影，以其特殊的形式存在于电影发展的进程中，其中不可忽视的音乐元素是值得我们去探析的。

一 电影中主题音乐与剧情发展的关联

《音乐之声》是一部电影与音乐剧相融合的典范之作。音乐剧《音乐之声》公演于1959年，公演时受到了人们的一致认可，1965年被搬上大荧幕，电影版《音乐之声》获得了强烈的反响，一举攘括了当年包括最佳影片、导演、配乐、剪辑、录音在内的五项奥斯卡奖。它的成功是多方面因素综合产生的结果，但此片中的经典主题音乐与剧情的融合是本片能获得成功的关键因素之一。

好的音乐电影都会有一个特点鲜明的主题音乐，全剧都围绕着这个音乐主题展开，它是全剧的核心旋律。举个例子，中国人家喻户晓的《梁祝》，无论在越剧中还是在电影里，“草桥结拜”或者我们叫“化蝶”的这一爱情主题旋律，当它重复出现时，是能够在听众内心产生共鸣的，并在脑海中形成一幅幅故事情节的画面，给人以无限遐想的空间。

电影《音乐之声》里的主题音乐，是《雪绒花》这首歌曲。此曲在节奏上采用了3/4拍，使其在节奏进行中有圆舞曲式的抒情性，旋律婉转动人、亲切大方，歌词朴实无华，更因为雪绒花是奥地利的国花，便增添了此曲的意义。《雪绒花》在创作上采用了奥地利民间曲调，以奥地利民歌的形式唱出，演唱中男主人公富有磁性的嗓音，将歌词、旋律娓娓道来，仿佛是在轻声诉说着故事，将男主人公的爱国主义情怀表现得淋漓尽致。

此曲在影片中第一次出现，是在男主人公应众人的要求下，进行的一次深情并茂的演唱。演唱时表现了此歌以下几个特点：

1 由于全曲较短，演唱一遍不足以表达此歌的意境，抒发演唱者对歌曲的情感表达，故而反复一次，两遍完成，让观众能在音乐中更好地品味歌曲的内涵。

2 此曲音调较为平稳，旋律音多分布在中音区，难度较低，歌词简单却富有内涵，词曲搭配合理，曲调朗朗上口，通俗易懂且易唱的旋律特色，扩大了它的视听人群范围，有利于歌曲的传播。

3 演唱方式简约，第一遍由男主人公拿着吉他自弹自唱，第二遍加入女声唱段为其配和声，很好地避免了两遍的雷同，在听此曲时，给人以新意，有种进入佳境的感觉。

4 在电影中第一次演唱此歌时，拍摄中镜头富有诗意的切换：安静的环境、房间里陈设物、剧中各人物听歌时的面部特写，在视觉和听觉上给人以宁静、祥和的舒适感，让人回味无穷。

5 第一次演唱为后面电影剧情的发展起到了很好的铺垫，为后面剧情的展开以及深入也起到了暗示的作用。

再次出现《雪绒花》旋律时已是全剧的结尾部分，在一场“特殊”的音乐会上再次唱响了此曲，在家人的陪伴下，在观众的齐唱中，达到了全剧的，借着《雪绒花》的音乐主题，升华了全剧的主题思想，表达了热忱的爱国主义情怀。这首歌曲的旋律以前后呼应的方式推动着剧情的发展，并用淳朴的歌声表明了全剧的中心思想。

二 电影经典再现音乐剧中的演唱形式

2004年版的电影《歌剧魅影》改编至安德鲁?劳埃德?韦伯的同名音乐剧，它能将剧中的古典歌剧魅力与现代艺术审美相结合起来。由于故事背景发生在19世纪的巴黎，讲述的是歌剧院里发生的事件，所以整部电影中充满了西方古典与浪漫相交织的音乐风格，又因为现代化的音响效果和舞台布局以及演唱方法的多样性，让观众在观影时有耳目一新的感觉。

在赏析2004年版的《歌剧魅影》时，需特别注意由于时代背景的关系，该片保留了歌剧艺术演唱中的传统魅力，并加入了现代音乐元素，使得这部电影有别于其他音乐剧电影，风格独树一帜。剧中花样繁多的演唱形式为影片的现代艺术表现力增添了独特的魅力。在音乐剧中，演唱形式有独唱、重唱、齐唱、合唱，四种演唱形式在影片中都有出彩的表现，这些不同的演唱方式为此片的现代艺术化处理、剧情的衔接、观众的审美认可起到了良好的促进作用。

1 独唱部分旋律的主要唱段，是对剧中男女主角身份的艺术化介绍。女主角的独唱《Think of Me》用美声方式唱出，并带有花腔的演唱特色，让观众仿佛回到了旧时歌剧院，欣赏到了古典音乐的美感，而男主角歌剧院幽灵演唱的The Music of the Night深沉而富有磁性，气息悠长，真假声转换自如，声音穿透感极强，美声中带有一丝通俗的感觉，展现了其音乐大师级的风采。这些精彩的独唱，让观众在视听中得到了极大的享受，并加深对角色的理解。

2 重唱部分旋律的主要唱段展现了这部电影的主题音乐，对比《音乐之声》的主题，此片核心旋律更为有新意，针对不同的情感线索，将主题音乐一分为二，当女主角与歌剧院幽灵出现时，响起的是The Phantom of the Opera的旋律，而子爵拉乌尔与女主角一起出现时，旋律变为All I Ask of You，两条旋律主线在剧中反复出现，并随着剧情的发展，作了相应的变化，构成了全剧的核心旋律。

3 就像莫扎特的经典歌剧《费加罗的婚礼》中的重唱一样，本片中合唱部分旋律的主要唱段也是由一个重唱的动机引起的，音乐发端于剧中两位剧院经理在女主角失踪后的一段说唱式的讨论，此段开始时，风趣、幽默，还带有一丝讽刺的意味，随着剧情的发展，剧中人物的不断出现，重唱人数逐步增加，在Prima Donna的旋律中逐渐达到，形成了合唱的效果，最后结束于剧中的歌剧开演前，为下一轮剧情的展开做出了很好的铺垫。

4 齐唱的旋律包含在合唱的唱段中，例如，在“假面舞会”的场景中，众人齐唱烘托了节日的气氛，伴随着魅力十足的舞蹈表演，使影片的听觉与视觉效果上显得更为炫彩，能获得奥斯卡最佳艺术指导与最佳摄影提名也就不足为奇了。

2004年版的《歌剧魅影》让观众感受到进入新千年后音乐剧电影的变化，追求现代艺术感和古典美的完美结合，将不同的演唱形式与剧情合理地串联起来，让观众在音乐旋律中领略到了本片的魅力，并起到了很好的观影效果。

三 电影用音乐塑造人物形象的独特性

在电影中，人物的亮相往往会伴随着一段音乐旋律，如《海上钢琴师》中，主人公1900用精彩的钢琴弹奏展现出了四位不同身份的人物形象，有些是通过肢体语言的描绘，有些是通过神态的观察，有些是通过个人的联想。以音乐为主的电影特别注重在影片中通过音乐来塑造人物形象，在音乐剧改编的电影中，这种风格倾向性会更重一些。

音乐剧《悲惨世界》是根据法国大作家维克多?雨果的长篇小说改编而成，被公认为史上最成功的音乐剧之一，2012年的电影版延续了音乐剧的风格，在公映后大获成功，获得了多项奥斯卡提名，并一举夺得最佳女配角、最佳混音、最佳化妆与发型设计三项大奖。在拍摄中大胆采用了边演边唱的形式，虽然这样会使歌曲听起来不像剪切、录制出来的那么完美，但却能够让演员更好地融入到角色中去，也让观众在音乐中欣赏到了影片的真实感，切实感受到剧中人物的真情实感，这是一次充分发挥音乐推动剧情，塑造人物形象功能的有益尝试。这里我们通过电影《悲惨世界》中两首歌曲的分析，来观察音乐塑造人物形象对剧情发展的重要性。

篇4

网络时代催生出与这个时代相适应的艺术形态――网络艺术。目前，学术界对网络艺术的定义仍有争论，主要从广义和狭义两个方面对网络艺术概念进行界定：广义的网络艺术认为所有与网络有关联的艺术都应该称为网络艺术，既包括针对网络传播属性制作、传播的新兴艺术形式，如网络电影、网络文学、网络游戏、网络音乐、网络美术等，也包括通过网络传播的传统艺术形式，如通过网站看到的各种影院电影、电视电影、戏曲、电视节目等等；狭义的网络艺术概念专指前者：即专门针对网络传播制作的具有艺术审美特征的艺术作品。本文中提到的微电影是从狭义的角度出发，指专门针对网络传播，形式短小且具有电影艺术特征的电影形式。微电影具有典型的网络时代特征，其题材选择、情节设置、审美追求等都同影院电影和电视电影不同。

一、微电影的制作特点及发展现状

（一）微电影的制作特点

网络传播具有速度快、范围广、互动参与性强等特征。在网络中，传播者和受众是平等的，每个人都可以自由的参与到制作与传播中。传统电影的生产往往需要导演、编剧、摄像、灯光、后期、发行等十几个专业部门配合完成。但是微电影在计算机软件的帮助之下，几个人，甚至一个人都能完成以前复杂的电影制作与传播。与传统电影动辄上千万、上亿的制作成本相比，微电影在制作方面的成本要低得多，同时，与传统电影生产周期相比，微电影的生产周期要短得多。一部传统电影从立项、送审，到搭建班底、拍摄、送审，直到院线上映，最短也要十个月以上的时间，而微电影生产无需层层报批，没有条条框框的束缚，许多新锐导演及电影爱好者的才华可以通过微电影得到了充分展现，其周期相对要短得多。少的一两天，多的几个星期、两三个月。①

（二）微电影的发展现状

基于很低的制作门槛以及便利的传播条件，越来越多的非专业人士投入到拍摄微电影的行列中，他们拍摄了大量的作品，例如：《剩男突围记 》《我的浴室女友》《性命呼叫转移》《给力情人节》《听梦》《该死的胖子》等，数量巨大，参与人数和涉及的范围都非常广。

由于微电影拥有巨大的市场前景，越来越多的专业拍摄团队也加入进来，如由三星(中国)投资有限公司、北京新浪互联信息服务有限公司出品的《4夜奇谭》；由灵思传播机构旗下灵思网络影视中心投拍的全球首部微博系列电影《微博有鬼之目击者》《微博有鬼之私信》《微博有鬼之@谁谁》等等，这些电影大多数由明星参演，拍摄专业，制作精美。

二、微电影艺术特征探析

微电影是由网络媒介传播发展起来的新兴电影形式，拍摄、制作、参与者都与传统的影院电影不同，具有独特的艺术特征。

（一）多样化的题材选择

微电影创作从专业走向草根，是一种面向大众的个性化的自我展示，没有票房压力的微电影在题材选择方面呈现出多样化的特征。

1.爱情题材

爱情是人类永恒的主题，微电影中的爱情主题清新，旨在感动年轻观众。有的传达“乐观、积极”的现代爱情观，如中国最大的微电影出品方华影盛视推出“疗伤系爱情微电影”系列，主打“治愈－励志”风格，将爱情中最脆弱也最令人难以忘怀的“失恋”部分展现给观众，希望通过与观众最细腻的情感接触，传达“乐观、积极”的现代爱情观；有的将题材定位在回归“纯爱”、回归传统爱情观，如微电影《蚁族的奋斗》。据不完全统计，2012年情人节期间，在各大视频网站以爱情为主题首映的微电影多达几十部。②

2.怀旧题材

“怀旧”是人类的一种原初情感。从人类诞生之日起，渴望肉体和精神的美好、舒适、幸福与自由，是人类最根本最原始的天性。然而生活并不尽如人意,各种各样的挫折、失败总是不断阻碍、毁灭着人的这种与生俱来的愿望，为了摆脱痛苦寻求解脱，人往往采用两种方式进行精神的救赎，一种是继续幻想美好并试图付诸行动去追求未来的乌托邦，另一种就是反复地咀嚼品味往昔留下的美好记忆，以抚平痛苦聊以的“怀旧”。③微电影《老男孩》是一部怀旧题材的典型代表作品，作品以主人公王小帅和肖大宝的成长历程为主线，带领观众重回90年代的中学校园。从使用的道具到唱的歌曲如李春波的《小芳》、动画片《花仙子》的主题曲、迈克杰克逊的《billie jean》、小虎队的《青苹果乐园》等都充满着浓郁的怀旧色彩。现实生活中的80后面临着结婚、买房、就业等压力，在巨大的压力面前人往往留恋过去美好的回忆，充满浓郁怀旧色彩的《老男孩》正巧击中了80后心结，获得了广大80后观众的喜爱与追捧。

3.热点话题

随着移动互联网时代的到来，随时、随地、任何人可以发表任何言论的微博获得了空前的发展，成为2011年发展速度最快的网络应用，截至 2011 年 12 月底，我国微博用户数已达到 2.5 亿，较上一年底增长296.0%，网民使用率为 48.7%。微博用一年时间发展成为近一半中国网民使用的重要互联网应用。④微博成为网络社会的热点话题，灵思网络影视中心紧抓微博这一热点话题，投拍了全球首部微博电影《微博有鬼之目击者》《微博有鬼之私信》《微博有鬼之@谁谁》。《微博有鬼之目击者》讲述了一个通过微博寻找“目击者”的故事，《微博有鬼之私信》讲述了一个漂亮姑娘在收到一封微博私信之后生活改变的故事，《微博有鬼之@谁谁》讲述了小人物药家威一心希望通过微博过上名利双收日子的故事。《微博有鬼》三部曲系列利用三个风格迥异的故事多角度揭示了全新社交媒体环境下的网络生态和复杂人性，并藉此片唤起网民对微博应用的理性思考。

（二）节奏紧凑

节奏是艺术的重要元素之一。“电影是时间的艺术，同时也是空间的艺术。节奏是影视艺术的重要造型手段，能够增添影视的艺术魅力，可以创造气氛和表现情绪。在影视中，节奏的快慢与激烈的呼吸和心脏的悸动完全一致，使存在于有机的节奏强度和艺术的节奏强度之间的一定关系更加强化。”⑤

微电影最大的一个特征是短小，最短的电影在十几秒，长一点的一般在二十分钟左右，这是由网络时代“碎片化”的传播特征和传播设备决定的。在短短的十几分钟内要将一个故事讲清楚，需要非常紧凑的叙事节奏。例如微电影《起死回生的爱》以短短27分钟讲述了一个很有时代感的爱情故事，即一个有了外遇即将离家的女人和她一直细心照顾却无法理解她的男人在结婚五年后面对即将到来的离别，两个人内心纠结却又无法割舍的矛盾心态。

（三）追求自由的审美理想

现代社会思想、文化的解放，唤醒了人的自尊、自信、自立、自主之心，使人萌发了对自由的强烈追求。互联网由于自身的突出特性为现代人提供了一个比以往任何一种交往方式都广阔的交往平台，为沉溺于物欲焦虑中的现代人搭设了一个平等对话、畅所欲言的家园，使得人们追求自由的理想有了实现的可能。在网络中，网民们可以自由发表言论、自由访问网站、自由的创作和发表作品。在这样环境中成长起来的网络艺术，不但超越传统艺术的审美属性，而且展示自己自由创造、感性张扬的特征。⑥

没有投资、票房压力的微电影给电影创作者带来了空前的创作自由，只要不违反道德和法律，任何题材、任何表现形式都可以尝试；可以反映现实生活，可以讨论热点话题，可以讲述恋爱故事；可以是现代题材，也可以是古代题材；可以追随潮流，也可以背道而驰；可以是系列剧，也可以仅仅只拍几秒钟。

自由的参与使得网络世界中人人都有机会成为“艺术家”，艺术与非艺术的界限模糊了，“网络艺术以其意义的模糊性、影像的碎片化、情节的互动性、视觉听觉的沉浸感、规则的不确定性、观赏者的随意性、作品的商品化等特征在一定程度上淡化了传统艺术对“宏大叙事”、“真理”、“本质”的价值诉求；在网络中，艺术家的主体性常被消解，“人人都是艺术家”、艺术的精心创造被“怎么都行”替代……艺术与非艺术的界限模糊了。”⑦

自由是全方面的，不仅制作者拥有完全自由，电影受众也可以自由的发表评论，针对电影拍摄提出自己的看法，甚至可以改变电影的情节，微电影追求自由的审美理想完全实现了艺术追求自由和个性化的精神内涵。

作为网络时代的产物，微电影具有题材种类多、节奏紧凑、追求自由的审美理想等艺术特征，充分满足了网络时代受众的审美需要，具有巨大的受众市场。随着越来越多的专业人士的加入，相信不久的将来微电影一定会成为越来越成熟的艺术形式。

注释：

①杨晓茹.《网络电影产业探析》，《当代电影》，2011年7

月。

②《情人节微电影折射现代爱情面面观》，news.省略。

③姜辉.《论当下中国电影的“怀旧”倾向》，《作家杂

志》，2008第3期。

④《第29次中国互联网络发展状况统计报告》，中国互联

网络信息中心。

⑤郭蔚.《电影节奏的旋律》，《电影评介》，2009年第1

期。

⑥杨晓茹.《浅析网络艺术的审美追求》，《新疆艺术学院

学报》，2009年9月。

⑦欧阳友权.《网络传播与社会文化》，高等教育出版社，